Pictorialism Art der Fotografie: Geschichte, Eigenschaften 3 027 Automatische übersetzen Die Bearbeitung dieses Abschnitts ist noch nicht abgeschlossen

Mai Prinsep, als "Beatrice Cenci" (1866)
Eines aus einer Reihe von malerischen Fotos im Stil der Präraffaeliten
Erstellt von Julia Margaret Cameron.

GLOSSAR
Für eine kurze Erklärung von
Kamera und fotografisch
Ausdrücke, sehen Sie bitte:
Kunstfotografie-Glossar .

KAMERAKÜNSTLER
Für die Top 80 len-basiert
Künstler und Erfinder, siehe:
Fotografen: 19. Jahrhundert .

Geschichte und Eigenschaften

In dem Geschichte der Fotografie bezeichnet der Begriff "Bildmalerei" einen internationalen Stil und eine ästhetische Bewegung, die insbesondere zwischen 1885 und 1915 florierte größte Fotografen der damaligen Zeit war der Pictorialismus ein Stil von Kunstfotografie in dem der Kamerakünstler ein reguläres Foto manipuliert, um ein "künstlerisches" Bild zu erstellen. Die Pictorialist-Bewegung entstand als Reaktion auf das Wachstum der Amateurfotografie, das durch die Erfindung einer benutzerfreundlichen Kameraausrüstung wie der von Kodak im Jahr 1888 eingeführten handgehaltenen Amateurkamera verursacht wurde. Zu dieser Zeit glaubten engagierte Fotografen, dass die Amateur- "and-shoot" untergrub den künstlerischen Charakter der Fotografie und die Rolle des Fotografen als Handwerker. Infolgedessen, um ihre " Kunst ", verfolgten sie einen" professionelleren "Ansatz in der Fotografie ( mit oder ohne Manipulation in der Dunkelkammer ), der den Einsatz komplexerer Kameras sowie arbeitsintensiver Prozesse beinhaltete, darunter Gummibichromatdruck, selbstgemachte Emulsionen und Platindrucke. Alle Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art…1007 & lang = en Ein weiterer wichtiger Faktor für den Aufstieg des Pictorialismus war die immer engere Beziehung zwischen Fotografie und Fotografie Malerei der schönen Kunst . Zunächst eine zunehmende Anzahl von moderne Künstler – einschließlich Edouard Manet (1832-83) Edgar Degas (1834-1917) und Paul Gauguin (1848-1903) – begann Fotos zu verwenden, wenn Landschaften oder Porträts im Studio fertiggestellt wurden. Zur gleichen Zeit bildeten sich zahlreiche bildhauerische Kameraleute – wie Alvin Langdon Coburn , Edward Steichen , Oscar Gustave Rejlander , Gertrude Kasebier und Sarah Choate Sears - zu Malern aus oder malten , während sie sich mit Fotografie beschäftigten. Der Pictorialismus verliert nach 1920 an Popularität, verschwindet jedoch erst nach dem Zweiten Weltkrieg. Während dieser Periode des Niedergangs wurde es durch schärfer fokussierte Bilder abgelöst. Zu den Vertretern des Pictorialismus gehörten: (in Amerika) F. Holland Day (1864-1933), Alfred Stieglitz (1864-1946), Clarence H. White (1871-1925), Edward Steichen (1879-1973), Paul L. Anderson (1880-1956), Charles Sheeler (1883-1965), Edward Weston (1886-1958), Man Ray (1890-1976) und Paul Strand (1890-1976); (in Britannien) Julia Margaret Cameron (1815-79), Henry Peach Robinson (1830-1901), Frederick H. Evans (1853-1943), George Davision (1854-1930), Peter Henry Emerson (1856-1936), Alexander Keighley (1861-1947), Alfred Horsley Hinton (1863–1908), Malcolm Arbuthnot (1874–1967) und Francis J. Mortimer (1874–1944); (in Europa) Constant Puyo (1857-1953), Robert Demachy (1859-1936), Leonard Misonne (1870-1943), Pierre Dubreuil (1872-1944), Hans Watzek (1848-1903), Hugo Henneberg (1863-1918)), Heinrich Kuhn (1866-1944), Adolf Fassbender (1884-1980), Theodor Hofmeister (1863-1943), Oskar Hofmeister (1871-1937), John Heartfield (1891-1968), Andre Kertesz (1894-1985) und Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946).

Eine kurze Einführung in die Ästhetik und den künstlerischen Charakter der Linsenkunst finden Sie unter: Ist Fotografie Kunst?

"Ein plötzlicher Windstoß" (1993) Pictorialist Foto von Jeff Wall.
Dieses Foto ist dem Gemälde von nachempfunden Hokusai , betitelt:
"Katsushika Hokusai Yejiri Station, Provinz Suruga" (1832)

Hintergrund

Es geht den bildhauerischen Fotografen darum, Bilder zu machen, die ästhetisch ansprechend sein sollen – also diejenigen, die das Schönheitsempfinden der Menschen ansprechen. (Weitere Informationen finden Sie unter: Ästhetik .) Mit den Begriffen "Bildphotographie" oder "Bildmalerei" werden Fotografien dieser Art bezeichnet, bei denen künstlerische Qualitäten wichtiger sind als die Dokumentation der Aktualität. Zum Beispiel könnten Personen außerhalb eines Hauses in einer schmuddeligen Seitenstraße von einem Dokumentarfotografen aufgenommen werden, um schlechte Wohnverhältnisse zu veranschaulichen. Ein Bildfotograf kann durch Gruppieren der Personen in einer kompositorisch ansprechenden Form, möglicherweise unter Verwendung eines Weichzeichnerobjektivs, und durch Warten, bis die Straßenoberfläche nach Regen glänzt, eine stimmungsvolle atmosphärische Untersuchung erzeugen. Ein Foto könnte Opfer des Wohnungsproblems sein, Glasgow , das andere die Abenddämmerung . Deutlich, Dokumentarfotografie und bildliche Fotografie kann Pole auseinander sein.

Auch die Einstellung zur Bildfotografie hat sich im Laufe der Jahre verändert. Obwohl es heute schwer zu glauben ist, galt der Pictorialismus in den späten 1880er Jahren als modern und experimentell. Dies geschah, weil es eine Abkehr von der früheren "Hochkunst" -Fotografie der Mitte des 19. Jahrhunderts hin zu Kunstbildern direkt aus der Natur war. Es ist erneut wichtig, diese Fotografien unter dem Gesichtspunkt zu betrachten, was damals als gute Kunst galt.

Von Großbritannien aus verbreitete sich die Bildfotografie bald nach Europa und Amerika. Für den ernsthaften Amateur wurde es sehr zum Anliegen von Fotoclubs und -gesellschaften. Gleichgesinnte Bildfotografen bildeten auch Abbruchgruppen; ausstellungen waren schlachtfelder, auf denen rezensenten stritten und kämpften. Schließlich sollte in den 1920er und 1930er Jahren eine neuere Herangehensweise – die "reine Fotografie" – eingeführt werden, bei der sich das Bildmaterial wiederholte und verwässerte.
Der Pictorialismus machte Großbritannien in den 1880er und 1890er Jahren zum Zentrum neuer Ideen und schien den Fortschritt seiner ernsthaften Amateurfotografie aufzuhalten. Es war den amerikanischen und europäischen Kameraleuten überlassen, sich neueren und experimentelleren Ansätzen zuzuwenden.

Ursprünge des Pictorialismus

Die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in vielen Städten entstandenen fotografischen Gesellschaften stellten wie Kunstgruppen regelmäßig ihre Werke aus. Die Kamera war die neue Art, Bilder zu machen, aber Fotografen waren sich sehr bewusst, dass sie nur ein "mechanisches Aufzeichnungsmedium" sind. Natürlich wollten sie als so gut wie akzeptierte Künstler gelten. In dem Versuch, dem „mechanisch Produzierten“ Autorität zu verleihen, folgten die frühen Fotografen dem Inhalt und dem Stil der Malerei der damaligen Zeit. Dies bedeutete eine romantische Herangehensweise, die das Emotionale und Dramatische stark zum Ausdruck brachte und häufig Themen aus der Geschichte oder der Literatur verwendete. Das Präraffaeliten Malstil – von Malern wie Rossetti (1828-82) Frederic Leighton (1830-96), Edward Burne-Jones (1833-98) und John William Waterhouse (1849-1917) – dominierte die Ausstellungen der British Royal Academy in den 1850er Jahren. Erhabene, poetische und religiöse Themen wurden sentimental behandelt, aber mit großer Sorgfalt und Genauigkeit detailgetreu gemalt. Sie arbeiteten ähnlich wie die Maler vor der Hochrenaissance Raphael (1483 & ndash; 1520).

Kunstkritiker send to review Ausstellungen der Fotografie verglichen natürlich diese neue Bildsprache mit der Malerei. Sie rieten den Fotografen, gewöhnlichen alltäglichen Szenen auszuweichen, den Schleier über die „hässliche Wahrheit“ zu ziehen und ihre Motive zu verschönern, wenn sie die Fotografie jemals zu einer hohen Kunst erheben wollten. Dies war nicht leicht zu erreichen, wenn man die Details und die Genauigkeit der Kamera berücksichtigt. Um das Problem zu lösen (und bei technischen Schwierigkeiten wie Langzeitbelichtungen zu helfen), wurden Motive und Szenen speziell inszeniert. Menschen in Kostümen und künstlerisch in arrangierten Settings posiert. Fotos mussten erfunden werden, um schön zu sein, genau wie die professionellen Studios, die inszeniert wurden Porträtkunst in diesem Moment.

Die Wahl des Themas für ein ’High Art’-Foto war ebenfalls sehr eingeschränkt. Am sichersten war es, Episoden aus der Bibel oder einen aussagekräftigen Satz eines modernen Dichters wie Tennyson oder Longfellow oder eine dramatische Szene aus dem Leben wie "Home From the Sea" auszuwählen. Die Viktorianer liebten Bilder, die Geschichten erzählten und Moral besaßen, wie blumige Romane der Zeit. Sie bevorzugten Szenen, die sich in klaren, präzisen Details vor ihren Augen abspielten, gründlich ausgearbeitet und beendet wurden. In gewisser Weise hatte die Malerei daher heute eine Erzählfunktion wie Film oder Fernsehen, insbesondere für die große Anzahl von Menschen, die nicht lesen konnten.

Stellen Sie sich vor, Sie besuchen die Manchester Art Treasures Exhibition im Jahr 1857. Voller Rembrandts und Van Dycks gab es auch über 500 britische und europäische Fotografien, die von Philip Delamotte (1821-89) organisiert wurden. Das Foto, das das größte Aufsehen erregte, war Oscar Gustav Rejlanders Two Ways of Life , ein großes, geschichtliches Kompositfoto mit mehr als 21 Charakterporträts. Ein Vater führt zwei Söhne in die weite Welt. Einer, der ziemlich selbstzufrieden aussieht, wendet sich den würdigen Dingen des Lebens zu – Wissen, Industrie, Eheleben, Religion. Der andere wendet sich von der Anleitung seines Vaters zu „schlechten“ Einflüssen ab, einschließlich Müßiggang, Alkohol, Sex und Glücksspiel. Diese Fotografie ist vergleichbar mit dem berühmten Bild The Painter’s Studio (1855, Musee d’Orsay, Paris), das zwei Jahre zuvor von gemalt wurde Gustave Courbet (1819 & ndash; 77).

Rejlander war ein ehemaliger Maler, der ein Studio in Wolverhampton betrieb und hauptsächlich Referenzfotografiestudien für Künstler produzierte. In gewisser Hinsicht war Two Ways of Life ein Katalog seiner Waren. Er hatte über 30 verschiedene Negative verwendet, um sein Tableau zu erstellen – die künstlerisch gestellten Figuren einzeln oder in Gruppen fotografierend. Der Hintergrund wurde im Garten eines Freundes fotografiert; die Vorhänge in Rejlanders eigenem Atelier. Er verkaufte Abzüge in Originalgröße für jeweils 10 Guinea (10, 50 £), eine enorme Summe, die dem Durchschnittslohn von drei Monaten entsprach. Reduzierte Kopien kosten zwölf Schilling und sechs Pence (62 Pence).

Andere hochkarätige Fotografen wie Henry Peach Robinson setzten ebenfalls Kombinationstechniken ein, meist gelang es ihnen jedoch, das gesamte Bild vor der Kamera zu inszenieren. Die Einstellungen wurden unter Verwendung der im Haus vorhandenen Kleinigkeiten vorgenommen. Julia Margaret Cameron (1815-79) hat sich vielen solchen Höhenflügen hingegeben, und diese Ergebnisse wurden von Mitfotografen viel mehr geschätzt als von ihren unscharfen Porträts.

Die imaginären, literarischen Themen, die diese Fotografen gewählt haben, waren äußerst schwierig mit etwas so Realistischem wie der Fotografie darzustellen. (Noch heute ist es schwierig, eine Zeitschrift oder einen Roman mit Fotografien zu illustrieren.) Bei Künstlern begann man, Fotografen als visuelle Idioten zu beschimpfen – als Anfänger, die nur wussten, wie man ein mechanisches Gerät benutzt. Unter den Fotografen war die Hochkunstfotografie in den 1870er und 1880er Jahren eine gemütliche und abgeschlossene Welt. Henry Peach Robinson schrieb Bücher darüber, was zulässig war oder nicht. Abgesehen von besseren technischen Kenntnissen wiederholten sich alle fotografischen Arbeiten in den späten 1850er Jahren, die 10 Jahre zuvor selbst eine Kopie der akademischen Malerei waren.

Peter Henry Emerson und Naturalismus

Wie ein Schriftsteller es beschrieb, "war es wie eine Bombe, die auf einer Teeparty abgeworfen wurde". Die Teeparty war die eingeschränkte Welt von Robinson und seinen Anhängern. Die Bombe war ein 1889 erschienenes Buch "Naturalistic Photography for Students of Art" von Dr. Peter Henry Emerson , einem in East Anglia tätigen Arzt, der zum Fotografen wurde. Emerson argumentierte, dass Fotografen dumm waren, die Themen und Methoden von zu imitieren akademische Malerei . Es war falsch, die Kamera als praktische Maschine zum Erstellen von Bildern zu verwenden. Fotografie war eine viel eigenständigere Kunstform, die den Status eines anderen voll und ganz verdient Bildende Kunst .

Er forderte die Fotografen auf, die Erscheinung der Natur und nicht die Malerei zu untersuchen. Sehen Sie sich die Schönheit des Bildes natürlicher Szenen an, das durch das Objektiv auf der Mattscheibe der Kamera erzeugt wird – und die Stimmungen und Emotionen, die es hervorruft. Verwenden Sie im Wesentlichen fotografische Effekte wie Fokus und Beleuchtung anstelle falscher Techniken des Kombinationsdrucks, um Bildqualitäten zu erzielen.

Fotografie sollte auch der menschlichen Vision entsprechen. Mit seinem wissenschaftlichen Hintergrund wies Emerson darauf hin, dass sich das Auge jeweils auf einen Teil einer Szene konzentriert. Das Sehen ist an den Rändern der betrachteten Szene undeutlich und in der Nähe des Zentrums am detailliertesten. Die "allgemeine" Schärfe (die in der hohen Kunst als wichtig angesehen wird) ist daher unnatürlich. Indem einige Objekte weniger scharf als andere sind und Weichzeichnungseffekte an den Ecken und Rändern von Fotografien auftreten, ist das Ergebnis natürlicher und der Wahrheit näher. Emerson fügte den Rat hinzu, dass jeder Fotografiestudent versuchen sollte, ein eigenes Bild zu produzieren, um zu zeigen, dass der Autor etwas zu sagen hat und weiß, wie er es sagen soll.

Emerson war nicht nur ein überzeugter Schriftsteller und Dozent, er war auch ein brillanter Fotograf der Naturlandschaft. Bereits 1886 hatte er ein Bildalbum "Leben und Landschaften auf den Norfolk Broads" veröffentlicht, das 40 aktuelle Abzüge enthielt (Emerson Contact druckte seine großen Negative auf Platinpapier, das ein äußerst dauerhaftes Bild in einer weichen silbergrauen Farbe ergab). Insgesamt veröffentlichte er acht Sammlungen – entweder mit eingeklebten Platindrucken oder Reproduktionen in Tinte von fotogravurgeätzten Metallplatten. Seine unbearbeitete Interpretation "echter" Szenen – jetzt unterstützt durch schnellere und bequemere trockene Platten – wirkte sich immens auf junge Fotografen aus, die von "akzeptierter" Fotografie enttäuscht waren.

Robinson und seine Anhänger haben den neuen Trend natürlich angegriffen. Emerson, so argumentierten sie, habe einen völligen Mangel an Vorstellungskraft und "gesunde menschliche Augen sahen keinen Teil einer Szene unscharf". Fotografie kann niemals wirklich naturalistisch sein. Immerhin ergibt ein für Landdetails belichtetes Negativ einen überbelichteten, merkwürdigen Himmel. Ein Negativ, das für den Himmel belichtet wurde, und ein anderes Negativ für Landdetails, die dann in Kombination gedruckt werden, führen zu Ergebnissen, die dem ursprünglichen Erscheinungsbild wesentlich näher kommen.

Auf dem Höhepunkt seines Einflusses verzichtete Emerson plötzlich auf seine naturalistische Fotografie – auch aufgrund der neu veröffentlichten Forschungen von Hurter und Driffield, die er als Beweis dafür ansah, dass die Fotografie einen festgelegten Bereich von Tönen ergab, über den der Benutzer nur sehr begrenzte Kontrolle hatte. In einer dramatischen Broschüre mit dem Titel "Death of Naturalistic Photography" nahm Emerson 1891 alles zurück, was er über Fotografie als Kunstform gesagt hatte. Aber bis dahin war es zu spät. Die Idee einer direkteren Form der ästhetischen Fotografie war in die Regeln und Ansprüche der hohen Kunst eingebrochen.

Der verknüpfte Ring

Jeder Bildfotograf sah das Aufhängen seiner Arbeiten in einer Ausstellung als großes Ziel an. Die Ausstellung wurde sehr ernst genommen. Großbritannien war in den 1880er Jahren das Weltzentrum für Bildfotografie, basierend auf der Photographic Society of London (die bald zur Royal Photographic Society wurde). Im Jahr 1891 kam es jedoch zu einer ernsthaften Debatte zwischen den Mitgliedern, die zum großen Teil darauf zurückzuführen war, dass die Gesellschaft die wissenschaftliche und gewerbliche (professionelle) Fotografie zusammen mit Bildern künstlerischer Absichten in den Hintergrund stellte. Es gab auch Meinungsverschiedenheiten über Drucke jüngerer Mitglieder, die Weichzeichner und Diffusion zeigten, gegen die ältere Traditionalisten Einwände erhoben.

Irgendwann 1892 reiste eine Gruppe von Fotografen ab, um ihre eigene Ausreißerbewegung zu gründen, "um die Ideale der Bilder besser zu fördern". (Dies war eine große Zeit des Umbruchs in der Kunst, mit kleinen Gruppen oder "Bruderschaften", die sich von formellen Einrichtungen trennten). Sie nannten sich " The Linked Ring ", ein Name, der sich auf die Art und Weise bezieht, wie sich diese Fotografen selbst organisiert haben. Die Mitgliedschaft ist nur auf Einladung möglich, und es gibt keinen Präsidenten oder kein Ausstellungs-Hängekomitee. Zu den frühen Mitgliedern gehörten George Davison , Frank Sutcliffe , Herausgeber des Amateurfotografen, A. Horsley-Hinton , Frederick H. Evans und die meisten Anhänger der naturalistischen Fotografie mit Ausnahme des selbst entsagten Emerson. Im nächsten Jahr veranstalteten sie ihre erste jährliche Bildausstellung mit dem Titel The Photo Salon of The Linked Ring.

Ähnliches geschah in Europa. In den frühen 1890er Jahren fanden vom Vienna Camera Club, dem Photo-Club von Paris sowie von Clubs in Hamburg und Turin mit großem Erfolg Ausstellungen statt, die sich auf die Bildfotografie beschränkten. Die Art der Arbeit, die Sie in diesen "Salons" finden würden, unterschied sich nicht stark von Land zu Land. Viele Fotografen hatten Emersons Theorie der eingeschränkten Sehschärfe in allgemeine Weichzeichnungseffekte umgewandelt. Das Verbreiten der Glanzlichter eines Bildes durch Diffusion verlieh ihm auch einen Effekt, der dem Stil einer relativ neuen Bewegung in der Kunst ähnelte, die als bekannt ist Impressionismus die um 1873 bis 1893 blühte.

Es wurden neue Variationen von fotografischen Druckverfahren entwickelt, die ein Bild in Bichromatgummi ergaben. Wenn Sie dies mit Pigmenten versehen, können Sie ein Bild von Hand mit vollständiger Kontrolle über die Tonwerte erstellen – trotz der Grauwertbeziehung, die Hurter und Driffield in normalen Papieren nachweisen konnten. Verschiedene andere Techniken wurden verwendet, um Fotos schärfer und detailreicher zu machen und die Qualitäten der Malerei anzunehmen. Die Leute verwendeten Lochkameras, die auf grobem Zeichenpapier gedruckt waren, das mit Emulsion beschichtet war. Bilder wurden getönt, um zu ähneln Kreidezeichnungen oder Buntstiftzeichnungen .

Diese Bewegung war keine Rückkehr zur hohen Kunst – die Motive vor der Kamera waren jetzt größtenteils echt und natürlich. Die Erfindung zielte darauf ab, den Prozess so wenig wie möglich wie ein Foto und so viel wie möglich wie ein Gemälde aussehen zu lassen . Vielleicht war dies auch eine Reaktion auf die Armee von Schnappschützen, die gerade mit ihren Kodak-Kameras im Einsatz waren. Es wurde wichtig, etwas anderes, ernsthafteres zu sein, einen höheren Status zu haben und sich der Malästhetik bewusst zu sein.

Nicht, dass alle neuen Bildfotografen auf die gleiche Weise gearbeitet hätten. Einige waren in ihren Methoden merklich „gerader“. Dies zeigt zum Beispiel der Unterschied zwischen den Arbeiten von Robert Demachy und Frederick Evans , zwei Bildmalern, die sich in manipulierten und geradlinigen Ansätzen gegensätzlich verhalten.

Robert Demachy

Robert Demachy war ein Bankier, Amateurmaler und Fotograf und ein führendes Mitglied des Photo-Club de Paris. Fast alle Bilder, die Demachy ausstellte, verwendeten manipulierte Verfahren, um das „Uninteressante und Unnötige“ zu beseitigen. Die meisten waren Figurenstudien, die nach einem Gummi- oder Ölverfahren gedruckt wurden. Er schrieb überzeugend und erklärte, warum er so arbeitete. Ein Kunstwerk muss eine Abschrift sein, keine Kopie der Natur, argumentierte Demachy. Die Schönheit der Natur macht selbst kein Kunstwerk – dies ist nur durch die Art des Künstlers gegeben, sich auszudrücken. Das sklavische Kopieren der Natur, sei es mit Pinsel, Stift oder Kamera, kann niemals als Kunst bezeichnet werden.

Demachy hatte keine Zeit für andere Bildfotografen, die die "Straight" -Methode verwendeten. Er wies darauf hin, dass man auf den besten Gemälden sehen kann, dass der Künstler zwischen der gewöhnlichen Realität und dem endgültigen Werk intervenierte. Gab es Turners Sonnenuntergänge, als er sie malte? Waren Rembrandts Szenen so, wie sie dem Auge erschienen wären? Ein gerades Foto kann unmöglich ein Kunstwerk sein, auch wenn es von einem Künstler aufgenommen wurde, denn es kann genau von jemand anderem wiederholt werden, der kein Künstler ist, indem er einfach eine Kamera unmittelbar an derselben Stelle aufstellt. Geradlinige Abzüge mögen für Dokumentarfotografen geeignet sein, die besondere sachliche Interessen an dem Thema haben, aber die ganze Idee der Bewegung der bildenden Fotografie sollte sich mit Sicherheit von der Aufzeichnung lösen.

Frederick H. Evans

Frederick H. Evans wurde ein paar Jahre nach seiner Gründung Mitglied von The Linked Ring, glaubte jedoch an eine "geradlinigere" Herangehensweise an die Bildfotografie. Evans war ein Londoner Buchhändler und Amateurfotograf, der zum Profi wurde. Seine Themen reichten hauptsächlich von Porträts bis hin zu Architekturstudien für das Country Life Magazin. Ein typisches Foto, für das er bei Salonausstellungen bekannt war, heißt "Sea of ​​Steps" und zeigt die Stufen des Kapitelsaals in der Wells Cathedral. Die Tatsache, dass es sich bei dem Thema um eine bestimmte Treppe aus dem 13. Jahrhundert handelt, ist weniger wichtig als die Art und Weise, wie Evans sein Gefühl für Welle nach Welle abgenutzter Stufen kommunizierte.

Evans glaubte, dass das Sehen der wichtigste Aspekt in der Fotografie sei. Die Bilderzeugung wurde am besten auf dem Fokussierbildschirm oder im Sucher der Kamera durchgeführt, wobei Faktoren wie die Wahl des Blickpunkts und die Lichtrichtung zu einer bestimmten Tageszeit oder die Weichheit oder Härte der Schatten aufgrund unterschiedlicher Wetterbedingungen berücksichtigt wurden. Nach stundenlangen Spaziergängen durch eine Kathedrale kehrte Evans zu verschiedenen Zeiten zurück, um die wechselnden Auswirkungen von Licht und Schatten zu beobachten. All dies geschah, bevor seine große Plattenkamera und sein 19-Zoll-Zeiss-Objektiv ausgepackt wurden.

Frederick Evans glaubte an schlichtes, einfaches und unkompliziertes Fotografieren, obwohl er technisch sehr darauf bedacht war, dass sein Negativ alle heiklen Tonwerte wiedergab, die er als wichtig für das Motiv ansah. Das Drucken war ebenso unkompliziert – Drucke wurden durch Kontakt auf Platinpapier unter Verwendung der gesamten Bildfläche und ohne jegliche Handarbeit des Bildes hergestellt.

Evans ’Idee, die kreativen Entscheidungen nicht in der Dunkelkammer, sondern hinter der Kamera zu treffen, war direkt gegen Demachy. Er argumentierte, dass es in der Tat möglich sein würde, dass zwei Fotografen mit der gleichen Kameragröße denselben Ort einnehmen, aber nur einer könnte ein Bild erzeugen, das in Proportionen, Atmosphäre und Raumgefühl perfekt ist. Der andere würde aufgrund der falschen Wahl des Objektivs, der Kamerahöhe, des Zeitpunkts usw. scheitern, aber vor allem, wenn er nicht auf die Stimmung und die Delikatessen dessen, was er tatsächlich sah, reagierte. Zu viele Fotografen versuchten, Ergebnisse in ein Kunstwerk zu verwandeln, indem sie später ihre fotografischen Qualitäten verschleierten.

Stieglitz und Photo-Secession

1887 war Peter Henry Emerson der Richter für einen Wettbewerb, der von der Zeitschrift Amateur Photographer durchgeführt wurde . Er erhielt den ersten Preis für eine naturalistische Studie über Straßenkinder, die Alfred Stieglitz, ein junger amerikanischer Student am Berliner Polytechnikum, eingesandt hatte. Stieglitz war in Deutschland, um Ingenieurwissenschaften zu studieren, interessierte sich jedoch zunehmend für Fotografie. Er besuchte Kurse in Photochemie und beschäftigte sich selbst mit der Arbeit von Künstlern. Die von Stieglitz aufgenommenen Fotos waren bildhaft, aber geradlinig und im Allgemeinen nicht manipuliert, obwohl er von der Wichtigkeit davon weniger besessen war als Emerson. Meistens zeigten sie einfache Szenen aus dem täglichen Leben. Viele wurden im Wiener Salon 1891 aufgehängt und sehr bewundert.

Es war daher ein Schock für Stieglitz, als er nach New York zurückkehrte und feststellte, dass die amerikanischen Fotografen dort noch immer mit einem hohen Kunstansatz zu kämpfen hatten – Jahre hinter Großbritannien und dem Kontinent. Eine Zeitlang arbeitete er als Partner im neuen Geschäft der Fotogravur und fertigte Druckplatten für Fotografien an. Er fuhr fort, hauptsächlich mit einer Handkamera in und um die New Yorker Straßen zu fotografieren. Im Gegensatz zu Jacob Riis und Lewis Hine sah Stieglitz die Stadt als Quelle der Schönheit und Form, selbst in den alltäglichsten Szenen des Alltags. Er interessierte sich besonders für die visuellen Effekte der Wetterbedingungen und manchmal für das stundenlange Warten auf das richtige Nebeneinander von Menschen und Gegenständen.

Die Idee eines Bildhauers mit einer Handkamera war ungewöhnlich, aber Stieglitz wagte es auch, seine Bilder zu beschneiden und druckte oft nur den Teil des Negativs, der die beste Komposition ergab. Einige seiner Fotografien hatten zu dieser Zeit die Weichheit der Details und den zarten Gebrauch des Tons ähnlich Impressionistische Gemälde er hatte in Europa bewundert.

Bis 1894 hatte Stieglitz mit seiner Arbeit die Wahl zu einem der ersten amerikanischen Mitglieder von "The Linked Ring" gewonnen. Im folgenden Jahr verließ er die Gravur Geschäft mit einem kleinen privaten Einkommen, das entschlossen ist, kreative Fotografie in Amerika zu fördern. Der ernannte Herausgeber der amerikanischen Amateurfotografie, Stieglitz, hat sowohl in kreativen als auch in technischen Fragen fachkundig geschrieben und hohe Maßstäbe für die von ihm ausgewählte Bildfotografie gesetzt. Tatsächlich war dies sein Verhängnis, denn er beleidigte die Leser, indem er ihre Arbeit ablehnte, und musste gehen.

Bald redigierte er ein Hausmagazin, Camera Notes , für den New York Camera Club, dessen Vizepräsident er war. Stieglitz war fest entschlossen, dass die Zeitschrift sich für moderne Bildsprache einsetzen sollte. Er entdeckte und reproduzierte Arbeiten unbekannter junger amerikanischer Fotografen wie Clarence White , Edward Steichen und Gertrude Kasebier , aber die Clubmitglieder beschwerten sich, dass er nicht genügend Platz für ihre eigenen Fotografien zur Verfügung stellte.

1902 wurde Stieglitz die Gelegenheit geboten, seine eigenen Arbeiten und die seiner Entdeckungen im renommierten National Arts Club auszustellen. Im Nu nannte er diese Show die Arbeit der " Photo-Secessionists " (Secession in der Kunst bedeutet, sich von akzeptierten Ideen zu lösen, siehe zum Beispiel: Wiener Secession ). Anfangs war Stieglitz der einzige Sezessionist, aber er überzeugte die anderen Aussteller schnell, Gründungsmitglieder der neuen Photo-Secession- Gruppe zu werden, deren Ziel es war, die Amerikaner, die sich der bildhaften Fotografie verschrieben hatten, zusammenzuhalten und das Beste zu zeigen, was erreicht wurde von seinen Mitgliedern ". Viele ihrer Ideen zur Weiterentwicklung der Fotografie ähnelten "The Linked Ring" – eine eng verbundene Gruppe, die nur auf Einladung Mitglied wurde und sich auf Ausstellungen konzentrierte. Sie hatten jedoch eine viel breitere Akzeptanz des Stils – von der geraden Fotografie bis zu den diffusen manipulierten Gummidruckverfahren, die zu der Zeit von Coburn und Steichen verwendet wurden .

In Stieglitz hatten sie auch einen sehr diktatorischen Führer. Er erlaubte nur Foto-Sezessionisten, ihre Arbeiten als Gruppe zu zeigen und setzte dann nur voraus, dass alle von ihm genehmigten Arbeiten ohne Vorlage bei einem Ausstellungsausschuß aufgehängt wurden. Trotz dieser arroganten Haltung zahlte sich Stieglitz ’Brillanz bei der Aufrechterhaltung hoher Standards in einer Vielzahl von Bildstilen aus. Die Gruppenarbeit, die auf den meisten großen europäischen Ausstellungen zu sehen war, hat gezeigt, was für ein unverwechselbares Medium der individuellen Ausdrucksfotografie sein kann.

Ab 1903 finanzierte, veröffentlichte und editierte Stieglitz die vierteljährliche Zeitschrift der Sezessionisten mit dem Titel Camera Work , um zeitgenössische Bildfotografie zu zeigen. Es enthielt Arbeiten aus aller Welt, schriftliche Kritiken, Ausstellungsrezensionen und Artikel zu Trends in Kunst und Fotografie. Die Tiefdruckillustrationen auf feinstem Papier waren von herausragender Qualität (Stieglitz ’Foto-Gravur-Erfahrung hat zweifellos geholfen). Bis 1905 hatte Stieglitz auch eine kleine Galerie in der 291 Fifth Avenue eröffnet, um Fotografien und später moderne Zeichnungen und Gemälde zu zeigen und zu verkaufen.

Sowohl die Galerie als auch das Magazin halfen dabei, die Arbeit britischer und europäischer Fotografen nach Amerika zu bringen. Innerhalb des ersten Jahres reichte dies von retrospektiven Fotografien von Hill und Adamson bis zur aktuellen Arbeit von Frederick Evans . Noch einmal bestand Stieglitz darauf, genau auszuwählen, welche Abzüge er aufhängen würde, aber der Fotograf unterschied. Er zeigte auch seine eigenen Arbeiten, darunter Porträts von Künstlern und Fotografen sowie seine Stadtszenen – düster, atmosphärisch, voller satter Tonwerte. In vielerlei Hinsicht hatten die Bemühungen eines Mannes als Kritiker, Schriftsteller, Kunsthändler und Fotograf das Zentrum neuer Ideen in der Bildfotografie von Großbritannien nach Amerika verlagert.

Edward Steichen

Ein wichtiger Zeitgenosse von Stieglitz war Edward Steichen . Der gelernte Lithograf und Hobbyfotograf wurde in Europa geboren und wuchs in den USA auf. Einige Arbeiten, die er einer von Alfred Stieglitz moderierten Ausstellung vorlegte, führten zu deren Veröffentlichung in Camera Notes . Nach einem Studium in Paris, hauptsächlich mit dem Gedanken, Maler zu werden, wurden Steichens zurückhaltende Porträts und Landschaften in die erste Photo-Secessionist-Show von 1902 aufgenommen, deren Gründungsmitglied er war.

Nachdem er die Galerie 291 für Stieglitz entworfen und mitgestaltet hatte, kehrte er nach Europa zurück. Hier malte und fotografierte er, darunter auch Porträts in Farbe mit den neuen Autochrom-Platten von Lumiere. Von Paris aus arrangierte er Zeichnungen und Gemälde von damals unbekannten Künstlern wie Henri Matisse (1869-1954) und Pablo Picasso (1881-1973) zum Aufhängen an 291 geschickt werden.

Später, nach Erfahrungen während des Ersten Weltkriegs als Fotoaufklärungsoffizier bei der US-Armee, gab Steichen die Malerei auf und veränderte seinen zuvor manipulierten Fotografie-Stil völlig. Er brachte sich selbst bei, Bilder mit scharfen Kanten und vollem Farbtonbereich zu verwenden. In den 1920er Jahren wurde er Chefmodefotograf und Porträtfotograf für die Magazine Vogue und Vanity Fair . Steichen beendete seine Karriere als Kurator für Fotografie am Museum of Modern Art, New York in den späten 1940er und 1950er Jahren.

Rückgang des Pictorialismus

In der Zwischenzeit, kurz vor dem Ersten Weltkrieg, lief die Zeit für die neuen Bewegungen in der Bildfotografie aus. 1909 war "The Linked Ring" das Establishment, das neue Ideen eher erstickte als anregte. Der Mangel an Führung führte nun zu erheblichen Auseinandersetzungen und Kämpfen zwischen den „Gliedern“. Innerhalb der Photo-Secession waren viele Mitglieder professionell geworden und um 1912 weggelaufen. Der Sinn der Gruppe schien verloren zu sein.

Die 291 Gallery und Camera Work sind jetzt verfügbar moderne Gemälde und Zeichnung öfter als Fotos. Die letzten beiden Ausgaben widmeten sich der auffallend direkten, direkten Ansprache eines jungen amerikanischen Fotografen, Paul Strand, aber die Abonnenten waren bereits auf unter 40 gefallen. 1917 schloss Stieglitz sowohl die Publikation als auch die Galerie, verließ seine Frau und ließ sich mit einem nieder 29 jähriger Künstler, Georgia O’Keeffe (1887-1986) – den er 1924 heiratete.

Im allgemeinen Umbruch nach dem Ersten Weltkrieg geriet Stieglitz eher außer Sicht. Seine eigene Fotografie veränderte sich und er erkundete eine persönlichere Form des Bildes. Er drückte Gefühle über das Leben durch symbolische Bilder von Bäumen, Wolken usw. aus, die er "Äquivalente" nannte. Er eröffnete 1925 die Intimate Gallery und ihren Nachfolger An American Place, den er bis zu seinem Tod im Jahr 1946 betrieb. Immer waren dies Treffpunkte für kreative Menschen, die in der Fotografie oder Malerei tätig waren. Er widmete sich weiterhin dem Neuen und dem Aufstrebenden, immer im Gegensatz zu Institutionen, die einen wiederholten, abschwächenden Einfluss hatten. Dank Pionieren wie Stieglitz wurden Samen gesät, aus denen sich die öffentliche Anerkennung der Fotografie als von der Malerei getrenntes und verschiedenes ästhetisches Medium langsam entwickeln sollte. In der Tat ein paar Amerikanische Kunstmuseen – wie das MOMA, das Guggenheim Museum und das Metropolitan Museum – begannen bereits 1910, Fotos auf der gleichen Grundlage wie andere Kunstformen zu kaufen. Es dauerte fast 50 Jahre, bis britische Museen folgten.

Einflüsse der Malerei auf die Fotografie und umgekehrt

Es ist schwierig, die wechselseitigen Einflüsse zwischen Malerei und Fotografie zu beweisen. In der Zeit der Entstehung von "The Linked Ring" und der Photo-Secession kam es jedoch auch in anderen Bereichen der Kunstwelt zu Revolutionen. In Frankreich waren bereits 1874 die Maler Claude Monet (1840-1926), Auguste Renoir (1841-1919), Camille Pissarro (1830-1903) und andere formierten sich zu einer "sezessionistischen" Gruppe. Sie stellten ihre Arbeiten in einem kürzlich geräumten Pariser Studio aus. Eine von Monets Wasserlandschaften mit dem Titel "Impression: Sunrise" wurde vom Kritiker verwendet Louis Leroy (1812-1885) als Grundlage für einen Namen für die neuen Maler, die später als Impressionisten bekannt wurden.

Die Bewegung war gegen die etablierte Malerei der Zeit und zielte darauf ab, das größtmögliche zu erreichen Naturalismus durch den Versuch, das Spiel des Lichts auf Objektoberflächen mit der perfekten Kontrolle von Ton und Farbe darzustellen. Die meisten impressionistischen Gemälde haben eine Lichtatmosphäre, während Objekte keine feste Kontur haben. Viele wurden im Freien hergestellt Plein-Air-Malerei Stil, bei dem flüchtige Veränderungen der natürlichen Bedingungen beobachtet und wiedergegeben werden konnten. All die Impressionistische Ausstellungen in Paris zwischen 1876 und 1886 (als sich die Gruppe auflöste, um es den Mitgliedern zu ermöglichen, getrennt zu arbeiten) wurden sie mit einem regelrechten Mangel an Enthusiasmus, wenn nicht sogar völliger Feindseligkeit aufgenommen. Die erste Ausstellung von Impressionistische Maler Der Auftritt in London fand erst 1889 statt, drei Jahre vor der Gründung von "The Linked Ring". Gleichzeitig gaben Photo-Secessionists zu, dass sie von den Malerstilen ihrer Zeit geprägt waren Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875) oder Whistler (1834-1903).

Maler hingegen gaben die Verwendung von Fotografien lieber nicht zu, obwohl sie diese häufig als Referenz genommen oder in Auftrag gegeben hatten. Sie konnten es sich auch nicht leisten, die neuen Bilder, die abenteuerlustige Fotografen produzierten, nicht zu bemerken. Schauen Sie sich an, wie Monet sich bewegende Figuren in den Straßen der Stadt oder die schimmernden Blätter von Bäumen malte. Das allgemeine Wachstum der Schwarzweißfotografie als Kunstform muss die impressionistischen Maler ermutigt haben, die Verwendung von Farbe in der Malerei zu betonen . Tatsächlich wurde die allgemeine Tendenz der Maler zu mehr persönlichem Ausdruck und weniger Realismus wahrscheinlich durch die Notwendigkeit beeinflusst, sich von der Fotografie zu distanzieren.

Ein merkwürdiges Merkmal der Bildbewegung ist, dass während Großbritannien in den 1890er Jahren die wohl wichtigste abtrünnige fotografische Bewegung seiner Zeit darstellte (The Linked Ring), es 20 Jahre später kaum eine weitere Entwicklung gab – in der Tat hatte die britische Fotografie die Initiative dazu verloren Amerika. Ein Großteil davon beruhte auf der Bedeutung der Tradition in Großbritannien, der Vermeidung von Neuheiten. Neue Ideen wurden als Bedrohung angesehen. Einige Fotografen, die vor dem Zweiten Weltkrieg in Großbritannien arbeiteten, wie AL Coburn , waren immer noch abenteuerlustig – aber im Allgemeinen war der Druck stark gegen Personen, die aus der Reihe traten.

Postmodernistischer Pictorialismus

Ab etwa 1970 erlebte die Ära der postmodernen Kunst ein Wiederaufleben der inszenierten bildnerischen Fotografie. Berühmt postmoderne Künstler Zu denjenigen, die diesen Stil aufgegriffen haben, gehören: Cindy Sherman (* 1954), der den Surrealismus erforscht; Jeff Wall (geb. 1946), der A Sudden Gust of Wind (nach Hokusai) schuf (1993, Tate Collection, London); und Andreas Gursky (b.1955) dessen Beitrag zu zeitgenössische Kunst Beinhaltet Rhein II (1999) – ein Foto des Rheins, das auf eine riesige Größe vergrößert und dann digital verändert wurde, um alle sichtbaren Gebäude und Menschen zu löschen. Im November 2011 wurde es an verkauft Christie’s New York für 4.338.500 US-Dollar ist damit das teuerste Foto der Welt.

In mehreren von ihnen werden regelmäßig bildhauerische Fotografien und Drucke gezeigt beste Galerien für zeitgenössische Kunst quer durch Amerika.