Albrecht Durer: Deutscher Renaissance-Maler, Grafiker Automatische übersetzen
Biografie
Der führende Künstler der Deutsche Renaissance Albrecht Dürer zählt neben Jan Van Eyck (um 1395-1441) und Roger Van der Weyden (1400-1464) zu den größten Künstler der nördlichen Renaissance. Er war ein früher Pionier verschiedener Kunstmedien, darunter Zeichnung. Auch zusammen mit Rembrandt und Goya, er gilt als oberster Meister von Druckgrafik, verehrt für sein Holzschnitte insbesondere die Apokalypse - Reihe (1498), der Passionszyklus (um 1497-1500) und das Leben der Jungfrau (1500) sowie zahlreiche Werke von Gravur insbesondere der Ritter, der Tod und das Detail (1513), der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer (1514) und die Melancholie (1514). Zu seinen Gemälden gehören religiöse Kunst, meist Altarbild Kunst, Porträtmalerei und Selbstporträts sowie wissenschaftliche Abhandlungen und theologische Schriften. Dürers Hauptbeitrag zur Kunst bestand darin, eine Synthese zwischen dem Ästhetik des Italienische Renaissance und die der Renaissance des Nordens. Er war der letzte Vertreter von Deutsche Gotik und der erste moderne Künstler nördlich der Alpen.
Jugend und Ausbildung
Die Familie Dürer stammte ursprünglich aus Ungarn, wo Albrechts Großvater und dann sein Vater praktiziert hatten Goldschmiedekunst ; Nach einem Aufenthalt in den Niederlanden ließ sich sein Vater 1455 in Nürnberg nieder. Dürer wuchs in einer Familie von 14 bis 17 Geschwistern auf. Sein Pate Anton Koberger war ein etablierter Verlag, der 24 Druckmaschinen besaß und Büros im In- und Ausland hatte. Seine berühmteste Zeitschrift war die 1493 erschienene Nürnberger Chronik mit Hunderten von Holzschnittillustrationen. Es wird vermutet, dass sein Patensohn einige dieser Drucke entworfen hat. Der junge Dürer erhielt wahrscheinlich seine erste Ausbildung in der Goldschmiedewerkstatt seines Vaters. In diesem Fall war es eine hervorragende Ausbildung für seine spätere Entwicklung als Zeichner und Graveur. Es war tatsächlich seine grafische Arbeit (besonders seine Figur-Zeichnung und Skizzierung Tiere und das Land) und nicht seine Bilder, die ihn zu Lebzeiten international bekannt machten. Im 16. Jahrhundert kopierte ganz Europa seine zahlreichen Zeichnungen und Drucke. Seine früheste erhaltene Zeichnung ist ein Selbstporträt in Silberstift (1484, Albertina), das deutlich seine technische Präzision zeigt und zweifelsohne seine Entscheidung von 1486 beeinflusste, Schüler des Nürnberger Malers Michael Wolgemut (1434-1519) zu werden des Künstlers Hans Pleydenwurff, der maßgeblich zum Stil der. beigetragen hatte Niederländische Renaissance nach Deutschland. Wolgemut unterhielt eine große Werkstatt, in der insbesondere Holzschnitte für Bücher hergestellt wurden, und in diesem Bereich war Dürer ausgebildet. Die Arbeiten, die der junge Dürer zu dieser Zeit schuf, obwohl dekorativer, zeigen den Einfluss des monumentalen Stils seines Lehrers ) The Johannesfriedhof, Aquarell & Gouache, 1489, Bremer Museum).
Frühe Kunst
Anfang 1490, als seine Lehre beendet war, verließ Dürer Nürnberg, um seine Erfahrung zu erweitern. Er war vier Jahre weg, aber da es keine Fakten gab, können wir nur raten, wie die Etappen seiner Reise waren. Es wurde vermutet, dass er Colmar besucht hat, dessen Heimat berühmt ist Martin Schongauer (d.1491) und die Region Frankfurt am Mainz, in der anscheinend der mysteriöse, aber nicht minder berühmte „Meister des Haushaltsbuchs“ arbeitete. Eine Studie über Dokumente und den Stil der Werke dieser Zeit, in der der Einfluss niederländischer Maler wie Geertgen tot Sint Jans (um 1465-95) und von Dirk Bouts (1415-75) sichtbar wird, lässt es jedoch scheinen Wahrscheinlich muss Dürer in die Niederlande weitergereist sein, um dort Arbeiten in der Tradition von zu studieren Jan Van Eyck (1390-1441) und Roger Van der Weyden (1400-1464).
Im März 1492 trat Dürer wieder in die Fußstapfen und besuchte Colmar. Martin Schongauer war im Vorjahr verstorben, aber seine drei Brüder trafen sich mit Dürer und stellten ihn ihrem vierten Bruder Georg vor, der in Basel lebte. Dank der Einführung des berühmten Verlegers Anton Koberger erhielt Dürer Zugang zu humanistischen Kreisen, in denen er willkommen geheißen wurde und sich mit Johannes Amerbach anfreundete.
Während dieser bewegten Jahre konzentrierte sich Dürer vor allem auf Grafik-Design : Zeichnungen und Pläne für Holzschnitte, die die Einflüsse von Schongauer und die erfinderische Freiheit des Meisters des Haushalts kombinieren. Das Buchillustration Der hl. Hieronymus, der sich um den Löwen kümmert (1492), erschien in einer Ausgabe der Briefe des hl. Hieronymus und ist der einzige dokumentierte Abzug dieser Zeit. Dürer gilt jedoch als Illustrator mehrerer anderer Werke, wie zum Beispiel Bergmann von Olpes Schiff von Narren, und es ist bekannt, dass sie Entwürfe für Amerbachs Edition der Werke von Terence geschaffen haben, obwohl nur wenige tatsächlich verwendet wurden. Ebenfalls aus dieser Zeit stammt Dürers erstes gemaltes Selbstporträt (1492, Louvre, Paris), ein Meisterwerk der Selbstbeobachtung.
BEMERKUNG: Die Malerei in Norddeutschland im späten 15. Jahrhundert wurde am Beispiel der Kölner Schule, der unter. einen Höhepunkt erreichte Stefan Lochner (um 1410-51) in der Mitte des Jahrhunderts.
Besuch in Venedig
Das Jahr 1493 sah Dürer in Straßburg. 1494 kehrte er wieder nach Nürnberg zurück und heiratete dort Agnes, die Tochter des Adligen Hans Frey. Es mag eine arrangierte Ehe gewesen sein, seine Porträts von ihr haben keine Wärme und sie hatten nie Kinder. Kurz nach seiner Hochzeit reiste Dürer nach Venedig, eine Reise, die für den jungen Mann eine ganz besondere Wirkung hatte. Für die meisten Dürer-Zeitgenossen galten Antwerpen, Brügge und Gent als lebendige Kunstquellen. Die Renaissance galt als ausschließlich italienische Bewegung und bot deutschen Künstlern lediglich eine Auswahl an dekorativen Motiven aus der Antike. Aber Dürer sah in Italien eine echte Erneuerung der Ästhetik und des kreativen Denkens, und er warf sich enthusiastisch in eine Studie über Venezianische Malerei Kopieren Andrea Mantegna (1430-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonio Pollaiuolo (1432-98), Lorenzo di Credi (1458-1537) und Vittore Carpaccio (c.1465-1525 / 6), und allmählich die neue Renaissance – Redewendung, vor allem in den Bereichen Geradlinige Perspektive und die Behandlung von weibliche Akte.
Während sein Interesse an der Kunsttheorie geweckt wurde, zeigte er auch eine starke Neugier für die Natur, ein Merkmal, das einen Großteil seiner Arbeit beeinflusste. Bei seiner Rückkehr nach Deutschland produzierte er beispielsweise mehrere Beispiele von Landschaftsmalerei und reproduzierte Ansichten der Landschaft, die er durchquerte, wie: das Wehlschpirg (1495, Oxford, Ashmolean Museum), Teich im Wald (1495, Britisches Museum) und Ansicht von Arco (1495, Louvre). (Hinweis: Siehe auch die Donauschule für Landschaftsmalerei über die Dürer Bescheid wissen muss, die gerade im süddeutschen Donautal begonnen hatte (um 1490).) Dies Aquarellmalerei Der in seiner Modernität, Konsistenz und ausdrucksstarken Verwendung von Farben auffallende Künstler kann mit seiner eher traditionellen Herangehensweise an die Natur verglichen werden, die zu Studien wie The Crab (um 1495, Rotterdam, BVB), A Young Hare (1502) führte, Albertina, Wien) und Tolles Stück Rasen (1503, Albertina, Wien).
Reife Gemälde und Drucke
1495 war Dürer wieder in Nürnberg, und dank der finanziellen Unterstützung Friedrichs des Weisen begann nun eine Zeit intensiver Aktivitäten. Im Alter von 30 Jahren (1501) hatte Durer die meisten seiner drei berühmtesten Holzschnitte ) Apokalypse, Passionszyklus und Leben der Jungfrau) fertiggestellt und die Verwendung des Brenners zur Herstellung von Gravuren beherrscht, wobei er so bemerkenswerte Werke wie Nemesis (1502) hervorbrachte), The Sea Monster (1498) und Saint Eustace (1501). Auf stilistischer Ebene gelang es ihm, die Lektionen, die er in Italien gelernt hatte, mit denen seiner Ausbildung in der deutsch-flämischen Tradition zu verschmelzen. Darüber hinaus offenbarte er aus ikonographischer Sicht einen kirchlichen Geschmack und schuf humanistische Porträts und Arbeiten zu zahlreichen biblischen Themen sowie philosophischen Allegorien, Genreszenen und Werken der Natur.
Neben einer herausragenden Serie von Stichen, darunter der Zyklus der Apokalypse, der als eine der wunderbarsten Schöpfungen der deutschen Kunst gilt, fertigte er 1500 ein Dutzend Gemälde an. Ein von Friedrich dem Weisen in Auftrag gegebenes Polyptychon-Altarbild wurde von Dürer geplant aber tatsächlich von seinen Assistenten ausgeführt ) Die sieben Leiden, 1496, Dresden, und die Mater Dolorosa, 1496, Alte Pinakothek, München); ein zweites, heute Altarbild von Wittenberg (1496-7, Dresden), war ganz sein eigenes Werk. Für die Jungfrau, die das Kind verehrt, entlehnte Dürer flämische Krippen, während die Präzision der Modellierung, das Stillleben im Vordergrund und die vereinfachte architektonische Perspektive des Hintergrunds andeuten Francesco Squarcione oder Mantegna. Die Gesamtkomposition mit ihren präzisen Zeichnungen und gedämpften Tönen hat eine Atmosphäre feierlicher Frömmigkeit, die den Pieta- Gemälden von Giovanni Bellini nahe kommt. Die später gemalten Seitentafeln ) St. Antonius und St. Sebastian) (um 1504) sind stilistisch offener, während ihr Realismus und das Fleisch der Putten im Gegensatz zur Spiritualität der Mitteltafel stehen.
Zusammen mit diesen Altarbildern malte Dürer Friedrich den Weisen (1496, Berlin-Dahlem). In dieser Arbeit wird jedes dekorative Element zugunsten eines psychologischen Fokus aufgegeben, wobei die formale Kahlheit der einzige Weg ist, die innere Spannung des Dargestellten auszudrücken. Das spätere Porträt von Oswalt Krell (1499, Alte Pinakothek, München) weist im Vergleich zu diesem meisterhaften Werk eine gewisse Regression auf. Unterdessen malte Dürer mehrere andere Porträts (einschließlich jener von Katharina Furlegerin und seinem Vater), die wir nur durch Kopien kennen, sowie die Hailer Madonna (um 1497, National Gallery of Art, Washington DC) nach Art von Giovanni Bellinis Madonnen.
Fünf Jahre nach seinem Selbstporträt im Louvre kehrte er mit dem Selbstporträt (1498), das jetzt im Prado hängt, zum Genre zurück. Die Distanz, die der junge Zeichner zurücklegte, der bereits im Alter von 27 Jahren als der größte Künstler seiner Generation gefeiert wurde. Beunruhigender ist das zwei Jahre später gemalte Selbstbildnis mit Pelzkragen (1500, Alte Pinakothek, München). Hier stellt sich Durer als eine Art Christus dar, der aus der Dunkelheit auferstanden ist, mit langen goldenen Haaren, die in Venedig Sarkasmus hervorriefen und symmetrisch über seine Schultern fallen. Assoziierte er sein Genie als Künstler mit dem göttlichen Schöpfergenie, war es eine Glaubensbekundung an die Monumentalität der Renaissance, oder war es eine Bestätigung seines eigenen Ruhmes? Das Problem bleibt ungelöst. Das letzte Werk seiner triumphalen Jugendzeit ist eine Klage (1500, Alte Pinakothek, München). Dieses Werk, das immer noch von der strengen Schwerkraft seines ehemaligen Lehrers Michael Wolgemut geprägt ist, überschreitet seine archaischen Elemente, indem es über dem Körper des toten Christus und den anderen Figuren den idealen Blick auf ein kosmisches Jerusalem eröffnet.
Zweiter Besuch in Italien
Während dieser Zeit und insbesondere nach 1500 wuchs das Interesse Dürers an der wissenschaftlichen Kunsttheorie. Sein erster Besuch in Italien hatte ihm gezeigt, dass wahre Kunst ohne theoretisches Wissen unmöglich ist; Das Treffen mit Jacopo de ’Barbari (aktiv 1497-1516) und seine Entdeckung von Leonardos Zeichnungen im Jahr 1503 bestätigten dies erneut für ihn. In diesem Sinne malte er den berühmten Paumgartner Altar (1502-4, Alte Pin, München). Die mittlere Tafel trägt eine Geburt Christi, die in der konventionellen Gotik angeordnet ist, aber Dürer führte zum ersten Mal ein strenges Perspektivschema ein. Dementsprechend sind die strengen Seitenwände, Porträts von Lucas und Stephan Paumgarmer als St. George und St. Eustace, das Ergebnis sorgfältiger Studien der Proportionen.
Bemerkenswerter ist die Anbetung der Heiligen Drei Könige (1504, Uffizien, Florenz), deren Perspektive und Proportionen mit unvergleichlicher Präzision ausgeführt werden, wobei die Richtung des Flugpunkts diagonal festgelegt wird, was später genau vorweggenommen wird Barocke Kunst. Durch seine raffinierte Anordnung der Kontraste und den natürlichen Dialog zwischen den Figuren und ihrer Umgebung übertrifft Durer die mystische Wärme, die die Klage von 1500 und das Paumgartner-Altarbild auslöste, und gelangt zu einer Synthese von unwiderstehlicher Klarheit, die an sie erinnert Leonardo da Vinci (1452 & ndash; 1519).
Im Herbst 1505 kehrte Dürer nach Venedig zurück, teilweise um der in Nürnberg ausgebrochenen Pest zu entfliehen, aber auch, weil er dringend Verbesserungsbedarf hatte Farbe technik in der doch größten stadt der kunstmalerei oder wie die venezianer es nannten colorito. Seine Statur als Zeichner und Kupferstecher war ihm vorausgegangen, und er wurde sowohl in kulturellen als auch in politischen Kreisen mit Ehre aufgenommen. Die Maler der Stadt – mit Ausnahme des großen Giovanni Bellini – waren jedoch merklich eifersüchtig, ja sogar feindselig.
Die Jahre 1506-1510 waren für Dürer eine Zeit intensiver Fokussierung Malerei der schönen Kunst. Zunächst warf er sich in seinen ersten venezianischen Auftrag: das Rosenkranzfest (1506, Narodni Galerie, Prag) für die Kirche des Deutschen Viertels, ein Werk, das zweifellos ein Meilenstein seiner Karriere darstellt. Die Komposition leitet sich weitgehend von der von Bellini bevorzugten traditionellen Art der Sacra Conversazione ab, doch Dürer ersetzte eine Atmosphäre des Aufbrausens, die um die zentrale Pyramide – Jungfrau, Papst und Kaiser – angeordnet und durch die sich öffnende zarte Landschaft exquisit ausgewogen ist draußen im Hintergrund. Es ist weniger die Struktur als vielmehr die Farbe, die dem Gemälde den höchsten Ordnungssinn verleiht. Mit seinen subtilen leuchtenden Berührungen gelingt es ihm, den tiefen Geist und die Farbe der Erde zu verschmelzen Venezianische Renaissance mit der Lyrik von Internationale Gotik Deutsche Maler des 15. Jahrhunderts.
Neben diesem Meisterwerk verdienen andere Werke Aufmerksamkeit: Die Jungfrau der Zeisig (1506, Berlin-Dahlem), die die Bedeutung verdeutlicht, die Dürer dem Problem der Farbe beimisst; Christus unter den Ärzten (1506, Sammlung Lugano, Thyssen), ein Kontrast zwischen der jugendlichen Schönheit Christi und der gealterten Natur der Ärzte; die unvollendete junge Venezianerin (1505, KM Wien), deren Zartheit und klangliche Wärme an Carpaccio erinnert; und schließlich Porträt einer Frau (um 1507, Berlin-Dahlem), zart vor blauem Hintergrund modelliert.
Sowohl technisch als auch ästhetisch war Dürers zweiter Aufenthalt in Venedig äußerst wichtig. Nachdem Dürer die unabhängige Kraft der Farbe und seine eigene Ausdruckskraft entdeckt hatte, versuchte er, mit Hilfe von Euklid eine Theorie der Farbe in die Praxis umzusetzen. Vitruvius und viele Studien zur menschlichen Anatomie, die sein wissenschaftliches und mathematisches Verständnis der italienischen Sprache verbessern sollen Renaissance-Kunst. Der Höhepunkt seiner Studien ist Adam und Eva (1507, Prado, Madrid), die in ihrer höchsten Harmonie als Dürers Synthese der idealen Schönheit angesehen werden können.
Spätere Werke (Altarbilder, Holzschnitte, Radierungen) (1508-26)
Nach seiner Rückkehr nach Nürnberg ließ Dürer ein Altarbild, das als Martyrium der Zehntausend bekannt ist, anfertigen (1508, Kunsthistorisches Museum, Wien), danach malte er eine Anbetung der Heiligen Dreifaltigkeit (1511, KM Wien). Beide Werke sind nach der Multiplikation von Figuren und insbesondere in der Heiligen Dreifaltigkeit nach der kugelförmigen kopernikanischen Raumvorstellung komponiert, die ihnen eine Art visionären Charakter verleiht, der Albrecht Altdorfer (1480-1538) vorwegnimmt. Jacopo Tintoretto (1518–1594), Pieter Bruegel der Ältere (1525-1569) und spätere Meister von Barockmalerei. Sie stellen jedoch kein nennenswertes Stadium in Dürers Entwicklung dar. In der Tat, sobald er das einflussreiche Klima Venedigs hinter sich ließ, zeigte er eine Tendenz, zum grafischen Stil seiner früheren Karriere zurückzukehren, und seine Farbe verlor etwas von seiner Helligkeit und Subtilität. Nach 1510 konzentrierte er sich auf Holzdrucke und Gravuren und beklagte, dass die Gemälde nicht genug Geld verdienten, um die aufgewendete Zeit zu rechtfertigen. Es ist unwahrscheinlich, dass Dürer die Holzblöcke für seine Drucke selbst angefertigt hat, dies wäre wahrscheinlich einem erfahrenen Holzfäller überlassen worden. Dürer zeichnete sein Design entweder direkt auf den Block oder klebte dem Handwerker eine Papierzeichnung auf den Block. In seinem Stich schuf er Versionen der Passion, des Lebens der Jungfrau, und dann seine Meisterwerke, Der Ritter, der Tod und das Detail (1513), Der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer (1514) und Melancholie (1514).
Nachdem Dürer 1512 von einem neuen Patron, dem Heiligen Römischen Kaiser Maximilian I., der ihn zum offiziellen Hofkünstler ernannte, adoptiert worden war, wurden ihm vom Nürnberger Konzil häufige diplomatische Vertretungen zugeteilt. 1518 war er beim Augsburger Reichstag anwesend, wo er eine Reihe von Porträts wie Maximilian I. (1519, KM Wien) fertigte. Das religiöse Bild St. Anne, die Jungfrau und das Kind (1519, Metropolitan Museum of Art, New York) ist das herausragende Werk dieser Zeit, in der nur wenige Gemälde entstanden sind. Gezeichnet von einer zarten Komposition in sanften Weißtönen, signalisiert es eine weitere Bewegung in Richtung Manierismus bereits im dekorativen Stil von St. Philip und St. James (1516, Uffizien, Florenz) sichtbar.
1520, nach dem Tod seines Gönners, reiste Dürer an den Hof von Karl V., Maximilians Nachfolger als Kaiser, um Geschäfte zu machen. Er nahm einen großen Bestand an Abzügen mit und führte genaue Aufzeichnungen darüber, an wen und für wie viel er die Abzüge verkaufte. Er blieb fast ein Jahr in den Niederlanden und lernte Erasmus (1469-1536), den größten Gelehrten der nördlichen Renaissance, sowie die Maler kennen Quentin Massys (1466-1530) Joachim Patenier (d.1524), Lucas van Leyden und Van Orley. Er studierte auch Werke einiger flämischer Meister wie – Van Eyck in Gent und Hugo Van der Goes in Brüssel. Seine schöpferische Tätigkeit verlangsamte sich jedoch allmählich. Im Juli 1521 kehrte er nach Hause zurück, nachdem er sich eine unbestimmte Krankheit zugezogen hatte, die ihn und die Rate seiner Arbeit für den Rest seines Lebens in Mitleidenschaft ziehen sollte.
In seiner Vision of a Dream (1525, Aquarell, KM Wien) wird die Menschheit als von einer zweiten Sintflut mitgerissen dargestellt. Sein letztes monumentales Werk, die Vier Apostel (1526, AP München), ein Auftrag, den er für das Nürnberger Rathaus erhielt, ist eine Art Testament. Die vier Figuren zeigen den Menschen, sein Alter und seinen Humor: Auf dem linken Fensterladen John, jung und zuversichtlich, zusammen mit einem phlegmatischen Peter, der sich vor Alter bückt; auf dem rechten Fensterladen der feurige Markus mit dem unerschütterlichen Paul.
Schriften
Dürer begann zwischen 1512 und 1513 eine Reihe theoretischer Abhandlungen, die er in den letzten Jahren seines Lebens abschloss. Dazu gehören: Die Abhandlung über Vermessung (1525), die Abhandlung über Befestigungen (1527) und die vier Bücher über die Proportionen des menschlichen Körpers, die sechs Monate nach seinem Tod veröffentlicht wurden. Verglichen mit Luthers Bibel wurden diese Bücher als Teil einer Enzyklopädie der Kunst entworfen, die als Nahrung für Malerlehrlinge bezeichnet wird.
Dürer, einer der bekanntesten deutschen Maler, starb 1528 im Alter von 56 Jahren in Nürnberg. Sein künstlerisches Haupterbe lag im Bereich der Druckgrafik, und er begeisterte auch andere Künstler in diesem Bereich wie seinen Schüler Hans Baldung Grien (1484-1545) sowie Tizian (1477-1576), Albrecht Altdorfer (1480-1538) und Parmigianino (1503 & ndash; 40).
Viele von Durers Werken sind im zu sehen Alte Pinakothek Museum, München und im beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt.
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