Geschichte der irischen Kunst Automatische übersetzen

Aufgegliedert in 10 Hauptphasen.

1. Newgrange (3300 v. Chr.)

Unbeeinflusst von der Welle der oberpaläolithischen Felsmalerei, -skulptur und -schnitzerei, die Europa in der Steinzeit (40-10.000 v. Chr.) überschwemmte, empfing Irland seine ersten Besucher um 6.000 v. Chr. oder etwas früher. Die eigentliche Geschichte der schönen Künste in Irland beginnt jedoch mit den neolithischen Steinmetzarbeiten, die im Megalithgrab von Newgrange, einem Teil des Bru na Boinn-Komplexes in der Grafschaft Meath, entdeckt wurden. Dieses großartige Beispiel irischer Steinzeitkunst wurde um 3300-2900 v. Chr. errichtet: fünf Jahrhunderte vor der Großen Pyramide von Gizeh in Ägypten und dem Steinkreis von Stonehenge in England. Neben einer Vielzahl von megalithischen Kunstwerken, darunter eine Reihe von kunstvollen Spiralgravuren, enthält Newgrange das, was Archäologen für die erste aufgezeichnete Karte des Mondes halten.

Diese prächtigen Petroglyphen in Newgrange und das Megalithgrab von Knowth sind Beispiele für eine besonders komplexe Form der Zeremonial- und Bestattungsarchitektur der späten Steinzeit und gehören zu den bekanntesten Beispielen neolithischer Kunst in Europa. Über den Zweck dieser prähistorischen Bauten und die Identität ihrer Erbauer ist jedoch wenig bekannt, außer dass ihre Errichtung auf das Vorhandensein eines relativ integrierten und zusammenhängenden sozialen Umfelds hinweist. Der zweite moderne Typ der neolithischen Nekropole, der Langgrabhügel, wurde ebenfalls im steinzeitlichen Irland gefunden, aber seine Konstruktion ist primitiver und erfordert viel weniger Organisation.

Kunst der Bronze- und Eisenzeit

In der anschließenden Periode der bronzezeitlichen Kunst in Irland (ca. 3000-1200 v. Chr.) wurden Artefakte der Beaker-Kultur (benannt nach der Form ihrer keramischen Trinkgefäße) sowie eine Reihe von keilförmigen Gräbern gefunden. Darüber hinaus entwickelten die irischen Handwerker eine blühende Metallindustrie, die eine Vielzahl von Gold-, Bronze- und Kupfergegenständen herstellte.

Der Handel zwischen Irland und Großbritannien sowie Nordeuropa, einschließlich Deutschland und den skandinavischen Ländern, weitete sich in dieser Zeit stark aus. Die Eisenzeit in Irland (ca. 1500-200 v. Chr.), die sich durch die Herstellung von Eisenwerkzeugen und -waffen auszeichnete, wurde in ihren letzten Jahrhunderten (ab ca. 400 v. Chr.) stark durch die Ankunft der Kelten beeinflusst, die Meister in der Schmuckherstellung und Schmiedekunst waren.

Ihr Kunsthandwerk gehört jedoch zu der komplexeren und kurvenreichen Sprache der keltischen Kunst der Lathener, die die frühere Hallstattkultur ablöste. Es waren diese keltischen Muster - insbesondere keltische Spiralen, komplexe keltische Flechtwerke und natürlich keltische Kreuze - die die Inspiration für die nächsten drei großen Entwicklungen in der irischen bildenden Kunst lieferten.

2. Keltische Metallarbeiten und Steinskulpturen (400 v. Chr. - 800 n. Chr.)

Im Gegensatz zu Britannien und dem Kontinent verhinderte die geografische Abgeschiedenheit Irlands, dass Rom es kolonisieren konnte. Daher wurde das Land trotz des regelmäßigen Handels mit dem römischen Britannien zu einem Zufluchtsort für die kontinuierliche Entwicklung der keltischen Kunst und des keltischen Handwerks, die weder von der griechisch-römischen Kunst verdrängt noch im darauf folgenden „Dunklen Zeitalter“ (ca. 400-800 n. Chr.) zerstört wurden, als die römische Herrschaft in Europa durch barbarische Anarchie ersetzt wurde. Dies führte zur Herausbildung einer ungebrochenen Tradition der keltischen Kultur, die ihre eigenen mündlichen, historischen und mythologischen Legenden bewahrte, wofür das „Buch der Invasionen“ von Lebor Gabal Erenn ein Beispiel ist.

Es war diese keltische Kultur mit ihren Traditionen der Metallurgie und der Schnitzerei (siehe Keltische Rüstkammer), die für die zweite große Errungenschaft der irischen Kunst verantwortlich war: eine Reihe von außergewöhnlichen Gegenständen aus kostbaren Metallen, die für weltliche und christliche Kunden hergestellt wurden (siehe auch Keltische christliche Kunst), sowie eine Reihe von kunstvoll gravierten monumentalen Steinstrukturen.

Siehe auch Keltische Kunst in Großbritannien und Irland .

Der Einfluss des Christentums auf die irische Kunst

Zu einer Zeit, als ein Großteil Europas eine kulturelle Stagnation erlebte, die durch das Chaos und die Ungewissheit verursacht wurde, die nach dem Fall Roms und dem Beginn des finsteren Mittelalters herrschten, wählten die kirchlichen Behörden Irland als potenziellen Stützpunkt für die Verbreitung des Christentums aus und schickten den Heiligen Patrick um 450 n. Chr. als Missionar dorthin. Der Erfolg von Patrick und seinen Anhängern (St. Patrick, St. Brigid, St. Enda, St. Ciaran, St. Columcille usw.) führte zur Christianisierung Irlands und vor allem zur Gründung einer Reihe von Klöstern, die zu Zentren des Lernens und der Gelehrsamkeit in religiösen und weltlichen Fächern wurden und den Weg für die nächste große Phase in der Entwicklung der irischen bildenden Kunst ebneten.

3. Illuminierte Manuskripte (ca. 650-1000)

Die dritte große Errungenschaft der irischen Kunst war die Schaffung einer Reihe von immer prächtigeren illuminierten Manuskripten, die aus kunstvoll illustrierten biblischen Werken mit reich verzierten Tafeln (manchmal ganze „Teppichseiten“) im keltischen Stil mit Tier- oder Bandverflechtungen, Spiralen, Knoten, menschlichen Gesichtern, Tieren usw, die mit höchster Präzision ausgeführt und manchmal mit Edelmetallen wie Gold und Blattsilber verziert sind.

Zum Beispiel: Die Seite mit dem Christusmonogramm im Book of Kells. Diese prächtigen Beispiele irischer Klosterkunst, die in den Skriptorien von Klöstern wie Clonmacnoise und Durrow (Grafschaft Offaly), Clonard und Kells (Grafschaft Meath) und vielen anderen entstanden, waren eine Mischung aus christlicher Kalligraphie und keltischer Kunst mit zusätzlichen sächsisch-deutschen Zierelementen wie dem Maßwerk. Historikern zufolge gehören sie zu den größten Werken der mittelalterlichen Kunst in Europa.

Zu den bemerkenswerten irischen Bibelhandschriften (illustriert mit keltischen Flechtwerken, Knoten und Spiralen) gehören St Columba’s Cathach (frühes 7. Jahrhundert), The Book of Durrow (um 670), The Lindisfarne Gospels (um 698-700) und The Book of Kells (um 800). Siehe auch Geschichte der illuminierten Handschriften (600-1200). Diese Werke können in Trinity College Library, Dublin oder in der Royal Irish Academy eingesehen werden.

Diese biblischen Schätze führten zu einer allmählichen, aber bedeutenden Wiederbelebung der irischen Kunst (manchmal auch als hiberno-sächsischer Stil oder insulare Kunst bezeichnet), die sich über das klösterliche Netzwerk nach Iona, Schottland, Nordengland und auf den Kontinent verbreitete. Bis zum zwölften Jahrhundert gab es praktisch keinen Königshof in Westeuropa, der nicht einen irischen Kulturberater hatte.

In der Zwischenzeit spielten die irischen Klöster noch bis ins späte zwölfte Jahrhundert und darüber hinaus eine aktive Rolle im kulturellen Leben des Landes. Zusätzlich zu ihrer Rolle als Zentren religiöser Frömmigkeit und christlicher Kunst investierten sie stark in die Herstellung kirchlicher Symbole wie der bereits erwähnten Kelche (Derrynaflan, Ardagh), Schreine und Kreuze, für deren Herstellung eine rege Schmiede und Schmiedekunst betrieben und zahlreiche Handwerker beschäftigt werden mussten.

Schließlich finanzierten die Klöster ab etwa 750 neben dem Skriptorium (für illuminierte Handschriften) und der Schmiede (für Edelmetallarbeiten) auch ein bedeutendes Programm biblischer Bildhauerei, die die nächste große Errungenschaft der irischen Kunst darstellen sollte.

4. Die Skulptur des Hochkreuzes (um 750-1150)

Die vierte große Errungenschaft der irischen Kunst war die religiöse Steinbildhauerei. Zwischen 750 und 1150 schufen irische Bildhauer, die in Klöstern arbeiteten, eine Reihe von keltischen Hochkreuz-Skulpturen, die das bedeutendste Werk freistehender Skulpturen darstellen, das zwischen dem Zusammenbruch des Römischen Reiches (um 450) und dem Beginn der italienischen Renaissance (um 1450) geschaffen wurde. Die Skulptur des Hochkreuzes stellt Irlands wichtigsten bildhauerischen Beitrag zur Kunstgeschichte dar.

Ringkreuze lassen sich je nach Art der Gravur und des Reliefs in zwei Hauptgruppen einteilen. Die erste Gruppe, die hauptsächlich aus dem neunten Jahrhundert stammt, ist ausschließlich mit abstrakten Flechtwerkornamenten, tierischen La-Tene-Flechtwerken sowie Schlüssel- und Bundmustern verziert. Die zweite Gruppe besteht aus Kreuzen mit erzählenden Szenen aus dem Alten und Neuen Testament der Bibel, obwohl sie oft mit perlenbesetzten fleischigen Schriftrollen verziert sind, wie auf dem Muiredach-Kreuz aus dem zehnten Jahrhundert in Monasterboys.

Hochkreuze sind an vielen Orten in Irland erhalten, darunter Kilfenora in der Grafschaft Clare, Boho und Lisnaskea in der Grafschaft Fermanagh, Castledermot, Mun und Old Kilcullen in der Grafschaft Kildare, Greiguenamanagh, Kilkjeran, Killamery, Kilrie und Ullard in der Grafschaft Kilkenny; Dromiskin, Monasterboys und Termonfekin in der Grafschaft Louth; Kells in der Grafschaft Meath; Clones in der Grafschaft Monaghan; Clonmacnois, Durrow und Kinnitty in der Grafschaft Offaly; Drumcliffe in der Grafschaft Sligo; Ahenny in der Grafschaft Tipperary; Ardbow und Donaghmore in der Grafschaft Tyrone; und Bealin in der Grafschaft Westmeath.

Die Stagnation der irischen Kunst (ca. 1200-1700)

In der Zeit von 1200 bis 1700 gab es in Irland viele Entwicklungen, aber wenig kulturelle Aktivitäten. Infolgedessen erlebte die irische Kunst nach dem Mittelalter fünf Jahrhunderte der Stagnation. Die Folgen dieser „toten“ Periode, die vor allem durch die kolonialen Ambitionen zunächst normannischer, dann englischer und schließlich schottischer Siedler verursacht wurde, können nicht hoch genug eingeschätzt werden. Sie schnitt die irische Kultur vom Einfluss der Kunst der Renaissance ab und stürzte das Land in einen Zustand kultureller Isolation, aus dem es sich (vielleicht erst vor kurzem) erholt hat. Auf jeden Fall hat Irland nach dem zwölften Jahrhundert keinen nennenswerten Beitrag zur europäischen bildenden Kunst geleistet, der mit seinen früheren Errungenschaften vergleichbar wäre.

5. Malerei: das irische Kunstrevival (1650-1830)

In dieser Periode gab es die ersten grünen Triebe des künstlerischen Aufschwungs. Der wachsende Wohlstand im frühen 18. Jahrhundert führte zur Gründung einer Reihe neuer kultureller Institutionen, wie der Royal Dublin Society (gegründet 1731) und der Royal Irish Academy (gegründet 1785). Gleichzeitig entstand ab dem späten siebzehnten Jahrhundert eine Reihe von talentierten Künstlern. Entsprechend den Erfordernissen der Zeit lag der Schwerpunkt der Tätigkeit auf der gegenständlichen Malerei, vor allem auf Porträts und Landschaften.

Dieser Aufschwung der Künste setzte sich bis ins 19. Jahrhundert fort, mit der Gründung der Royal Hibernian Academy (RHA) im Jahr 1823, der Erweiterung der Royal Dublin Society (gegründet 1731) und Crawford College of Art, die dazu beitrugen, die Infrastruktur der bildenden Künste in Irland zu entwickeln, insbesondere Formen wie die Malerei.

Porträtmalerei im 18. Jahrhundert
Die irische Malerei hat sich zunächst in der Gattung der Porträtmalerei profiliert, die in Irland an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert entstand, etwa 50 Jahre vor der Entstehung der topografischen Landschaftsmalerei. Die ersten Porträtmaler sind so gut wie unbekannt, mit Ausnahme von Garrett Morphy (ca. 1680-1716), der das Genre im späten siebzehnten Jahrhundert beherrschte, und dem weniger bekannten Thomas Bate (ca. 1690-1700).

Ihnen folgten der in Dublin geborene, aber in Großbritannien lebende Charles Jervas (1675-1739), ein bedeutender irischer Porträtist des frühen 18. Jahrhunderts, und der in Tipperary geborene James Latham (1696-1747). James Barry (1741-1806), ein Maler aus Cork, war ein weiterer fähiger Porträtist dieser Zeit, ebenso wie Nathaniel Hone der Ältere (1718-1784) und Hugh Douglas Hamilton (1739-1808), der sich auf Pastell- und Buntstiftzeichnungen spezialisiert hatte, der Miniaturist Horace Hone (1756-1825), der angesehene Martin Archer Shea (1769-1850) und William Mulready (1786-1863), der aus der Grafschaft Clare stammte, und andere, von denen viele gezwungen waren, nach England auszuwandern, um ihre Karriere zu verfolgen.

Landschaftsmalerei des achtzehnten Jahrhunderts
Die wichtigsten irischen Landschaftsmaler dieser Zeit waren Susanna Drury (geb. 1733-70), gefolgt von John Butts (ca. 1728-1764) und George Barrett senior (1732-1784). Zu den späteren einflussreichen Künstlern gehörten der kurzlebige Thomas Roberts (1749-78), sein romantischer Bruder Thomas Southall Roberts (ca. 1760-1826), der Meister der Landschaftsmalerei William Ashford (1746-1824), der Maler und Grafiker William Ashford (1746-1824).), der Zeichner und Radierer James Malton (gest. 1803), der für seine Ansichten von Dublin bekannt war, und die Familie Brocas - Henry Brocas der Ältere (1762-1837) und seine Söhne Samuel Frederick Brocas (1792-1847) und Henry Brocas der Jüngere (1798-1873).

Der Einfluss der Familie Brocas war beträchtlich, nicht zuletzt, weil sie in der ersten Hälfte des nächsten Jahrhunderts die RDS-Schule der Landschaftsmalerei leitete. (Siehe auch: Irische Maler des achtzehnten Jahrhunderts .)

Die Wiederbelebung der Kunst setzte sich im neunzehnten Jahrhundert mit der Gründung der Royal Hibernian Academy (RHA) im Jahr 1823, der Erweiterung der Lehreinrichtungen der Royal Dublin Society (die später in die Dublin Metropolitan School of Art und schließlich das National College of Art and Design umgewandelt wurde) und dem Wiederaufbau (1830-1884) des Crawford College of Art fort. Das Crawford College of Art (befürwortet von James Brenan und finanziert von dem Corker Mäzen William Horatio Crawford) trug zur Entwicklung der Infrastruktur der bildenden Künste in Irland bei, insbesondere der Malerei.

6. Auswanderung irischer Künstler (ca. 1830-1900)

Trotz der Stärkung der künstlerischen Infrastruktur und des Bildungssystems war die irische Kunst des neunzehnten Jahrhunderts von einer ständigen Auswanderung geprägt. Der Grund dafür war, dass es an Mäzenatentum mangelte und London mit seinem viel größeren Markt, seinen Kunstateliers und seinen Karrieremöglichkeiten immer noch ein Mekka für talentierte irische Maler und Bildhauer war.

Zu den emigrierten Künstlern gehörten die Bildhauer Patrick McDowell (1799-1870), John Foley (1818-1874), John Lawlor (1820-1901) und John Hughes (1865-1941) sowie der Aquarellist Francis Danby (1793-1861) und der Historienmaler und Porträtist Daniel Macleese (1806-1870). Ihnen folgten später in London Porträtisten wie der in der Grafschaft Down geborene John Butler Yeats (1839-1922), der im akademischen Stil arbeitende Gerald Festus Kelly (1879-1972) und William Orpen (1878-1931), die in einer Vielzahl von Genres bedeutende Beiträge zur viktorianischen Kunst leisteten.

Im Gegensatz dazu verbrachten viele führende irische Landschaftsmaler längere Zeit in Frankreich, wo sie in Barbizon bei Fontainebleau oder Pont-Aven und Concarneau in der Bretagne arbeiteten, wo sie die Techniken der Pleinairmalerei der Impressionisten übernahmen. Zu diesen „Emigranten“ gehörten Künstler wie: Augustus Nicholas Burke (1838-1891), Frank O’Meara (1853-1888), Aloysius O’Kelly (1853-1941), Sir John Lavery (1856-1941), Stanhope Forbes (1857-1947), Henry Jones Thaddeus (1859-1929), Walter Osborne (1859-1903), Joseph Malachi Kavanagh (1856-1918), Richard Toman Moynan (1856-1906), Roderick O’Conor (1860-1940), Norman Garstin (1847-1926), und William Leach (1881-1968). Siehe auch: Plein air painting in Ireland .

Die Talente der irischen Künstler, die in Irland blieben (oder aus dem Ausland zurückkehrten), sollen nicht unterschätzt werden, aber die schrecklichen Auswirkungen der Großen Hungersnot (ca. 1845-50), die anhaltenden politischen Auseinandersetzungen zwischen den Kunstinstitutionen in London und Dublin, der relative Mangel an Aufträgen in Dublin (ganz zu schweigen von Cork, Galway und Limerick) im Vergleich zu den kommerziellen Aussichten in London und dem Pleinair-Wetter in Frankreich waren ein starker Anreiz, im Ausland zu malen oder zu modellieren. Eine eigene Schule der irischen Malerei war im Entstehen begriffen, aber sie musste erst noch eine kritische Masse erreichen, so dass ein Großteil der irischen Kunstgeschichte des neunzehnten Jahrhunderts von Abwanderungen ins Ausland geprägt war. (Siehe auch: Irische Künstler des neunzehnten Jahrhunderts .)

7. Das Wachstum der einheimischen Kunst (ca. 1900-40)

Allmählich, um die Jahrhundertwende, führten der positive Einfluss der Bildung, die Zunahme des Dubliner Mäzenatentums, die Bemühungen von Hugh Lane und der Einfluss der keltischen Kunsterweckungsbewegung, All dies führte zum Entstehen einer neuen Generation irischer Künstler wie George „AE“ Russell (1867-1935), Margaret Clark (1888-1961), Sean Keating (1889-1977), James Sinton Sleator (1889-1950), Leo Whelan (1892-1956) und Maurice McGonigal (1900-1979). Diese Gruppe bildete zusammen mit den aus dem Exil zurückgekehrten Bildhauern John Foley und Oliver Sheppard (1864-1941), den Malern Richard Toman Moynan (1856-1906), dem Landschaftsmaler Paul Henry, dem Expressionisten Jack B. Yeats (1871-1957) und dem Porträtisten William Orpen (1878-1931), der regelmäßig zurückkehrte, um an der Dublin Metropolitan School of Art zu unterrichten, den Kern eines aktiven Korps lokaler Künstler.

Hinzu kam eine jüngere Generation irischer Maler mit einer breiteren internationalen Ausrichtung, darunter Mary Swanzy (1882-1978), Maini Jellett (1897-1944) und Evie Hawn (1894-1955), die zu dieser Zeit den Kubismus und andere abstrakte Kunstformen nach Irland brachten und dabei die avantgardistische Society of Dublin Artists gründeten. Der Gruppe schloss sich später der brillante frankophile Louis le Brocquy (1916-2012) an.

Die irische Kunst des 20. Jahrhunderts wurde durch die Gründung von Hugh Lane’s Gallery of Modern Art (1908) und die Entstehung eines unabhängigen irischen Staates in den frühen 1920er Jahren weiter entwickelt. Die Unabhängigkeit führte zwar zu einem verstärkten staatlichen Mäzenatentum für einige Bildhauer und Maler, löste jedoch keine allgemeine Renaissance der bildenden Künste aus. So gab es beispielsweise in der irischen Bildhauerei weniger kreative Möglichkeiten: John Foley (1818-1874) und später Albert Power (1881-1945) und Seamus Murphy (1907-1975) beschäftigten sich ausschließlich mit traditionellen Statuen und Büsten prominenter Persönlichkeiten der damaligen Zeit und weniger mit der individuellen Kreativität.

Im Bereich der dekorativen Kunst sah es nicht besser aus. Im Bereich der Glasmalerei zum Beispiel gab die engstirnige irische Regierung trotz der individuellen kreativen Bemühungen von Harry Clarke (1889-1931), Sarah Purser (1848-43) und Evie Hawn (1894-1955) ihnen keine Hilfe und ging sogar so weit, einige von Clarkes besten Werken wegen ihrer übermäßigen „Modernität abzulehnen“.

Darüber hinaus gehörte die Macht im irischen Kunstestablishment, insbesondere im Führungsgremium der Royal Hibernian Academy, nach der Unabhängigkeit zwei Jahrzehnte lang einer konservativen Phalanx von Traditionalisten, die fast ausschließlich aus den Reihen der einheimischen irischen Künstler stammten und sich allen Versuchen widersetzten, die irische Kunst mit den europäischen Malerei- und Bildhauerstilen des zwanzigsten Jahrhunderts in Einklang zu bringen. Diese Periode endete mit dem Zweiten Weltkrieg, als die Frage der Modernisierung in den Vordergrund rückte.

8. Irische Ausstellung für lebende Kunst (1943)

In den düsteren 1940er Jahren erlebte die irische bildende Kunst nicht nur einen kreativen, sondern auch einen materiellen Niedergang. Es gab nicht nur wenig Mäzenatentum, sondern das konservative irische Kunstestablishment, vertreten durch die Royal Hibernian Academy (RHA), schien nicht in der Lage zu sein, sich mit den europäischen Kunstströmungen - Fauvismus, Kubismus, Dadaismus und Surrealismus - zu arrangieren. Und da sie die Zusammensetzung der jährlichen Ausstellung der RHA (der wichtigsten Ausstellung professioneller Maler und Bildhauer in Irland) kontrollierten, konnten sie Werke ablehnen, die nicht in ihre traditionalistische Vorstellung von Kunst passten - ein Ansatz, der von den Modernisten ernsthaft bekämpft wurde.

Die Konservativen waren über die europäischen Entwicklungen in der Malerei und Bildhauerei nicht im Unklaren, doch gefiel ihnen nicht, was sie sahen, und sie hofften, dass dies vorübergehen und die Kunst zu den gegenständlichen Traditionen der Renaissance zurückkehren würde. Leider untergrub die Strenge, mit der sie diese Ansicht durchsetzten, ihren Wert.

Die Gallery of Modern Art von Hugh Lane beispielsweise akzeptierte fast nie Werke, die nach der Zeit von Jean Baptiste Corot (1796-1875) entstanden: Ein Gemälde von Rouault wurde beispielsweise als frevelhaft und eine Skulptur von Henry Moore als obszön abgelehnt. Die Modernisten hingegen versuchten nicht, mit der Tradition zu brechen, sondern sie zu überwinden.

Der Kampf zwischen Traditionalisten und Modernisten brach 1942 nach einem unverhohlenen Angriff auf den RHA durch Meinie Jellett aus, der dazu führte, dass der Auswahlausschuss „Das spanische Tuch“ von Louis le Brocquy und zahlreiche andere moderne Werke ablehnte.

Eine weitere Provokation war die Ablehnung der Ausstellung „Christus und der Soldat“ von Rouault durch die Dubliner Galerie Hugh Lane im Jahr 1942. Daraufhin schlossen sich im folgenden Jahr mehrere Dubliner Künstler (meist aus der oberen Mittelschicht) zusammen und organisierten die Irish Exhibition of Living Art (IELA), ein neues jährliches Forum für Maler und Bildhauer, die mit der „kurzsichtigen“ Vision der Royal Hibernian Academy nicht einverstanden waren. Sein erklärtes Ziel war es, einen umfassenden Überblick über die bedeutenden Werke lebender irischer Künstler“ zu geben, unabhängig von Schule und Stil.

Die wichtigsten Organisatoren der IELA waren Mainie Jellett (1897-1944), Evie Hawn (1894-1955), Pater Jack Hanlon (1913-1968), Nora McGuinness (1901-1980), Louis le Brocchi (geb. 1916) und Margaret Clark (1888-1961). Zu den späteren Unterstützern gehörten Patrick Scott (geb. 1921), Tony O’Malley (1913-2003), Camilla Souter (geb. 1929), Barry Cook (geb. 1931), usw.

Die IELA-Ausstellungen brachten etwas visuelle Lebendigkeit in das triste Dublin der Kriegszeit und stellten eine willkommene Alternative zu den eher konservativen RHA-Ausstellungen dar. Allerdings nahmen an beiden Ausstellungen viele irische Künstler teil. Dennoch präsentierten beide unterschiedliche Standpunkte. Die RHA hielt an der „Tradition fest“, während die IELA für alle neuen Trends offen war.

Dennoch war die Gründung der IELA keine bolschewistische Revolution. Es gab eine kleine Anzahl wichtiger Organisationen innerhalb der eher engen Dubliner Kunstwelt, wie die Royal Hibernian Academy, die Friends of the National Collections, die Haverty Foundation, das Art Advisory Committee der Municipal Gallery, die Irish Living Art Exhibition und andere. In denselben Ausschüssen konnten sowohl die Konservativen als auch die Modernisten relativ gut koexistieren. Außerdem war sich die IELA darüber im Klaren, dass ihre Ziele ohne die Zusammenarbeit mit dem National College of Art und der dominierenden RHA sowie ohne das Wohlwollen des Direktors der National Gallery und des Präsidenten der RHA nicht zu erreichen waren. Im Gegenteil, die Entstehung der IELA sollte als Bekenntnis zu einem umfassenderen Kunstbegriff in Irland gesehen werden, der sich nicht nur auf seine kulturellen Wurzeln bezieht. In gewisser Weise wurde damit die Katze aus dem Sack gelassen. Jetzt konnten Künstler zum Beispiel abstrakte Kunst studieren, ohne der Blasphemie bezichtigt zu werden! In diesem Sinne war die IELA ein entscheidender Schritt in der Entwicklung der irischen Schule.

9. Zeitgenössische irische Kunst (1943 bis heute)

Trotz ihres erweiterten Blickwinkels wurde die irische Kunst in den vier Nachkriegsjahrzehnten mehr von den wirtschaftlichen und politischen Entwicklungen im eigenen Land beeinflusst als von den Entwicklungen in der internationalen Kunstwelt. Die düsteren 1950er Jahre führten zu einer weiteren Emigration von Künstlern, und die Wiederbelebung Mitte der 1960er Jahre ging mit dem Ausbruch „der Unruhen“ im Norden in den 1970er und 1980er Jahren, als die Politik die Schlagzeilen beherrschte, schnell wieder verloren.

Die nächste Generation, die Mitte der 1960er Jahre erwachsen wurde, war jedoch offener für internationale Ereignisse. Sie profitierte auch von den Aktivitäten einer Reihe neuer irischer Kunstorganisationen . So beschaffte beispielsweise der 1951 gegründete Arts Council (An Chomhairle Ealaion) beschaffte Werke irischer Künstler und verteilte Stipendien, ebenso wie seine Schwesterorganisation im Norden, der Council for the Encouragement of Music and the Arts (CEMA), der jetzt in Arts Council of Northern Ireland umbenannt wurde; Geldpreise wurden von der Haverty Foundation, den Douglas-Hyde-Goldmedaillen der Oireachtas, den großzügigen Carroll-Preisen für Arbeiten in IELA-Ausstellungen und offenen Wettbewerben in Belfast vergeben; es gab Ausstellungen in London und (ab 1967) Rosk-Ausstellungen in der RDS.

Royal Hibernian Academy und Royal Ulster Academy haben immer wieder die Talente lokaler Künstler zur Geltung gebracht. Die Hugh Lane Gallery (die endlich zu einer echten Galerie für zeitgenössische Kunst wurde), die National Gallery, das Ulster Museum of Fine Arts und bahnbrechende irische Kunstgalerien wie die Dawson Gallery und die David Hendricks Gallery machten Künstler mit internationalen Werken bekannt; irische Maler und Bildhauer wurden für Biennalen in Venedig und Paris ausgewählt - und erhielten Preise.

Die postmoderne Revolution

1970er Jahre
Der Trend der 1970er Jahre zur postmodernen Kunst spiegelte sich in Irland in Form von Veränderungen an der führenden Kunsthochschule des Landes, der Dublin Metropolitan School of Art, die damals als National College of Art and Design (NCAD) bekannt war. Es wurden modernere Lehrprinzipien und Lehrpläne eingeführt, und die Aufsicht wurde in die Hände eines vom Minister für Bildung und Wissenschaft ernannten Ausschusses (An Brd) gelegt. Im Laufe der Zeit übernahm die NCAD eine führende Rolle bei der Förderung zeitgenössischer visueller Künste wie Installation, Video, Performance und verschiedener Formen der Konzeptkunst. Dabei wurden die traditionellen Formen der bildenden Kunst an den Rand gedrängt, wenn nicht gar in den Hintergrund gedrängt.

Gleichzeitig beschloss der Führungsausschuss der IELA 1973, die Befugnisse an einen völlig neuen Ausschuss zu übertragen, der sich aus jungen Künstlern zusammensetzte, um den zeitgenössischen Einfluss der Organisation zu erhalten. Auch das irische Kunsthandwerk erfuhr mit der Gründung des Crafts Council of Ireland im Jahr 1971 eine Aktualisierung.

Weitere Entwicklungen in den 1980er Jahren. enthalten: National Self-Portrait Collection (1980); die Gründung der Society of Sculptors of Ireland (1980) (jetzt Visual Artists Ireland); die Gründung von Aosdana (1981), einer Elitegruppe von Künstlern in Irland; CIRCA (1981), Irlands führende Zeitschrift für zeitgenössische bildende Kunst; National Sculpture Factory (NSF) in Cork im Jahr 1989.

1990er Jahre
Die 1990er Jahre waren durch den wirtschaftlichen Aufschwung „des Keltischen Tigers“ geprägt, der eine erhebliche Aufstockung des Kunstbudgets mit sich brachte. Im Jahr 1990 wurde das Irish Museum of Modern Art (IMMA) gegründet, das die Hugh Lane Gallery (besser bekannt als Dublin Metropolitan Gallery of Modern Art) ablöste, und 1997 richtete das Kunstministerium das "Per Cent for Art Scheme" ein, um Mittel für die bildenden Künste in Irland aufzubringen. Außerdem wurden Pläne für zwei weitere neue Galerien ausgearbeitet, die Naughton Gallery an der Queens University in Belfast (2001 fertiggestellt) und die Lewis Glucksman Gallery am University College Cork (2004 fertiggestellt). 2005 wurde die Organisation „Culture Ireland“ (Cultúr Na hÉireann) gegründet, die sich der Förderung der irischen Kunst und Kultur im Ausland widmet.

Einige Überlegungen zu den Stilen und Themen der irischen Kunst

Wir neigen nicht dazu, Musik zu analysieren. Entweder wir mögen ihren Klang oder nicht. Aber wenn wir ein Gemälde allein nach seinem Aussehen beurteilen, wird uns vorgeworfen, (im besten Fall) spießig oder (im schlimmsten Fall) idiotisch zu sein. Wir müssen den Anschein erwecken, besonders sachkundig zu sein, was schade ist, weil wir es nicht sind. Und um das zu beweisen, hier ein paar Gedanken zur irischen Kunst ab der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts. Das gibt uns zumindest die Möglichkeit, einige große Künstler zu erwähnen.

In der irischen Malerei und Bildhauerei hat es nie einen eindeutigen Stil gegeben. Es stimmt zwar, dass bestimmte Landschaften, menschliche Figuren und Nationalhelden regelmäßig die Aufmerksamkeit auf sich ziehen, aber es ist schwierig, Gemeinsamkeiten zwischen (beispielsweise) Paul Henry, Francis Bacon, William Orpen und Sean Scully zu finden. Wir können höchstens bestimmte Ansätze und die mit ihnen verbundenen Künstler identifizieren.

Abstrakte Kunst
Die Abstraktion, ein künstlerischer Stil, der nach der Gründung der IELA an Bedeutung gewann, ist in den monumentalen Werken von Sean Scully (geb. 1945), die geometrische Abstraktion von Francis Tansey (geb. 1959), Patrick Scott und Cecil King, die Landschaften von Tony O’Malley (1913-2003) und Patrick Collins (1910-1994) sowie die Stillleben von William Scott (1913-1989). In der irischen Bildhauerei sind die Edelstahlformen von Alexandra Weichert (1921-1995) und die halbabstrakten Werke von Conor Fallon (1939-2007) Beispiele für die Abstraktion.

Gegenständliche Kunst
Die Gegenständlichkeit, die über weite Strecken des Zeitraums ihr „ärmerer Bruder“ war, wird im Werk der akademischen Künstler Niccolo D’Ardia Caracciola (1941-1989) und Martin Mooney (geb. 1960), die Meister der Stilllebenmalerei James English (geb. 1960) und andere), die Meister der Stilllebenmalerei James English (geb. 1946) und Mark O’Neill (geb. 1963), der Porträtist Edward Maguire, der Fotorealist John Doherty (geb. 1949) und der Reitvirtuose Peter Curling (geb. 1955). Gegenständliche Malerei in Irland .

In jüngster Zeit haben zeitgenössische Künstler wie der Porträtist David Nolan (geb. 1966), der klassische Maler Conor Walton (geb. 1970) und die prominenten Pleinair-Maler Norman Teeling (geb. 1944), John Morris (geb. 1959), Paul Kelly (geb. 1968) und Henry McGrane (geb. 1969) dieser Kunst neues Leben eingehaucht. In der irischen Bildhauerei gehören zu den Beispielen des Realismus die zeitgenössischen Bronzearbeiten von Rowan Gillespie (geb. 1953).

Primitivismus
Im Vergleich dazu zeigt sich ein informellerer Ansatz in den Werken von Daniel O’Neill (1920-1974) und Gerard Dillon (1916-1971), die in einem informelleren kompositorischen Idiom arbeiteten und oft naive Formen und Kompositionen mit Farbe und Kommentar mischten.

Romantik
Romantik - sei es Nostalgie, Heldentum, Tragödie oder was auch immer - war ein wichtiges Element in vielen irischen Gemälden und inspirierte so unterschiedliche Künstler wie Paul Henry, Brian Bourke (geb. 1936) und John Doherty (geb. 1949). Selbst die Elementaristen Huey O’Donoghue (geb. 1953) und Donald Teskey (geb. 1956) scheinen mir im Herzen Romantiker zu sein.

Die Porträtserien „von Louis le Brocquy, die Persönlichkeiten aus der historischen und literarischen Vergangenheit Irlands darstellen, waren besonders heroisch, ebenso wie die Gemälde von Robert Ballach über irische Republikaner.

Nationalismus
Wenn das Irentum das Werk von Jack B. Yeats beherrschte, war der politische Nationalismus ein Hauptmerkmal von Michel Farrells Gemälde „Madonna von Irland“ (1977), das das Bild eines prostituierten Irlands zeichnete, das durch die andauernde Teilung und das Gefühl kultureller Unterwürfigkeit korrumpiert wurde. Gleichzeitig spiegelte sich „Staupe“ in den Werken von David Crone, Rita Duffy, Brian O’Doherty, Dermot Seymour und in den eindrucksvollen Skulpturen von Deborah Brown und F.E. McWilliam (1909-1992) wider.

Die nationale Bildhauerei umfasst die gälische Kunst von Albert Power (1881-1945) und die nostalgischen Figuren von Eamonn O’Doherty sowie die religiösen Steinmetzarbeiten des Corker Meisters Seamus Murphy (1907-1975).

Andere Stile
Der Kolorismus ist durch Brian Ballard (geb. 1943) und Marja Van Kampen (geb. 1949) wunderbar vertreten ; der Impressionismus durch Arthur Maderson (geb. 1942); der Surrealismus durch Colin Middleton (1910-1983) und die Pop Art durch Robert Ballach (geb. 1943). Von den zeitgenössischen Stilen sind die figurativen Werke von Graham Knattell (geb. 1954) und Colin Davidson (geb. 1968), einem der besten zeitgenössischen irischen Genremaler, hervorzuheben. Eine Reihe anderer Künstler aus der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts lässt sich ebenfalls nicht in eine Kategorie einordnen, nicht zuletzt der talentierte Basil Blackshaw (geb. 1932).

10. Irische Kunst des einundzwanzigsten Jahrhunderts

Um die Jahrhundertwende erlebte der irische Kunstmarkt einen neuen Aufschwung. Obwohl der kommerzielle Wert der Werke führender irischer Künstler in den 1990er Jahren erheblich gestiegen war, brach Francis Bacon im neuen Jahrtausend den Weltrekord für das teuerste Werk der zeitgenössischen Kunst (sein „Triptychon“ von 1976 wurde 2008 bei einer Sothebys-Auktion in New York für 86,3 Millionen Dollar verkauft), und sechs weitere irische Künstler durchbrachen die Millionengrenze: