Geschichte der irischen Kunst Automatische übersetzen

Die 10 Hauptetappen

1. Newgrange (3300 v. Chr.)

Unberührt von der Welle von Höhlenmalereien, Skulpturen und Schnitzereien aus der Altsteinzeit, die die Steinzeit Europas (40.000 – 10.000 v. Chr.) Eroberten, empfing Irland seine ersten Besucher um 6.000 v. Chr. Oder etwas früher. Aber die eigentliche Geschichte von Bildende Kunst in Irland beginnt mit den Steinmetzarbeiten aus der Jungsteinzeit, die im Newgrange Megalithgrab , Teil des Bru na Boinne-Komplexes in der Grafschaft Meath. Dieses großartige Beispiel von Irische Steinzeitkunst wurde zwischen ca. 300-2900 v. Chr. erbaut: fünf Jahrhunderte vor der Großen Pyramide von Gizeh in Ägypten sowie der Stonehenge Steinkreis in England. Sowie eine Vielzahl von megalithische Kunst Newgrange enthält eine Reihe komplizierter Spiralgravuren, von denen Archäologen glauben, dass sie die erste aufgezeichnete Karte des Mondes sind.

Diese prächtigen Petroglyphen in Newgrange und im Megalithgrab von Knowth Beispiele für eine besonders raffinierte Form der Zeremonien – und Bestattungsarchitektur der Spätsteinzeit. Sie gehören zu den bekanntesten Beispielen für Neolithische Kunst in Europa. Über die genaue Funktion dieser prähistorischen Strukturen oder die Identität ihrer Erbauer ist jedoch wenig bekannt, mit der Ausnahme, dass ihre Konstruktion auf ein relativ integriertes und zusammenhängendes soziales Umfeld schließen lässt. Ein zweiter zeitgenössischer Typ neolithischer Nekropole – der lange Schubkarren – ist ebenfalls in der Steinzeit Irlands anzutreffen, aber sein Design ist primitiver und erfordert weit weniger Organisation.

Kunst in der Bronze- und Eisenzeit

In der Folgezeit von Kunst aus der Bronzezeit in Irland (c.3000-1200 BCE), gibt es Hinweise auf Artefakte aus der Beaker-Kultur (benannt nach der Form seiner Töpfertrinkgefäße), zusammen mit einer Reihe von Keilgräbern. Darüber hinaus entwickelten irische Handwerker eine florierende Metallindustrie, die eine Vielzahl von Gold-, Bronze- und Kupferobjekten herstellte. In dieser Zeit nahm auch der Handel zwischen Irland und Großbritannien sowie Nordeuropa, einschließlich Deutschland und den nordischen Ländern, erheblich zu. Die Eisenzeit in Irland (ca. 1500-200 v. Chr.), Die durch die Herstellung von Eisenwerkzeugen und -waffen gekennzeichnet war, wurde in den letzten Jahrhunderten (ab ca. 400 v. Chr.) Stark von der Ankunft der Kelten beeinflusst, die Gold- und Schmiedemeister waren. Ihr Kunsthandwerk gehört jedoch zu der ausgefeilteren und kurvenreicheren Sprache von La Tene keltische Kunst , was das frühere ersetzte Hallstatt Kultur . Es waren diese keltischen Entwürfe – insbesondere die Keltische Spirale Designs , das Komplizierte Keltische Interlace-Muster und natürlich die Keltische Kreuze – das würde die nächsten drei großen Errungenschaften in der irischen bildenden Kunst inspirieren.

2. Keltische Metallarbeiten und Steinskulpturen (400 v. Chr. – 800 n. Chr.)

Im Gegensatz zu Großbritannien und dem Kontinent verhinderte die geografische Entfernung Irlands die Kolonialisierung durch Rom. So wurde das Land trotz des regelmäßigen Handels mit dem römischen Britannien zu einem Zufluchtsort für die ununterbrochene Entwicklung von Keltische Kunst und Kunsthandwerk, das durch die griechisch-römische Kunst weder verdrängt noch im folgenden "dunklen Zeitalter" (um 400 bis 800) zerstört wurde, als die römische Macht in Europa durch die barbarische Anarchie abgelöst wurde. Dies führte zu einer ungebrochenen Tradition von Keltische Kultur die ihre eigenen mündlichen, historischen und mythologischen Traditionen beibehielt, wie in der Lebor Gabala Erenn (Invasionsbuch) .

Es war diese keltische Kultur mit ihrer Tradition der metallurgischen Handwerkskunst und Schnitzkunst (vgl Keltische Waffen art ), der für die zweite große Errungenschaft der irischen Kunst verantwortlich war: eine Reihe außergewöhnlicher Kostbarkeiten Metallarbeiten gemacht für weltliche und christliche Kunden, (siehe auch Keltische christliche Kunst ) sowie eine Reihe aufwendig gravierter monumentaler Steinmetzarbeiten.

Siehe auch: Keltische Kunst in Großbritannien und Irland .

Einfluss des Christentums auf die irische Kunst

Während ein Großteil Europas aufgrund des Chaos und der Unsicherheit, die nach dem Fall Roms und dem Einsetzen des Mittelalters herrschten, eine kulturelle Stagnation erlebte, wählten die Kirchenbehörden Irland als potenzielle Basis für die Verbreitung des Christentums und schickten St. Patrick um 450 n. Chr. Aus in der Rolle eines Missionars. Sein Erfolg und der seiner Anhänger (St. Patrick, St. Brigid, St. Enda, St. Ciariana, St. Columcille et al.) Führte zur Christianisierung Irlands und vor allem zur Errichtung einer Reihe von Klöstern Lern- und Wissenschaftszentren in religiösen und weltlichen Fächern, die den Weg für den nächsten großen Meilenstein in der irischen bildenden Kunst ebneten.

3. Beleuchtete Manuskripte (um 650-1000)

Die dritte große Errungenschaft der irischen Kunst war die Produktion einer immer großartigeren Serie illuminierte Manuskripte , bestehend aus aufwendig illustrierten Biblische Kunst mit aufwändig dekorierten Paneelen (gelegentlich ganze "Teppich" -Seiten) aus Tier- oder Band-Interlace im keltischen Stil, Spiralen, Knüpfarbeiten, menschlichen Gesichtern, Tieren und dergleichen, die alle mit äußerster Präzision ausgeführt und manchmal mit Edelmetallen wie Gold und Silber verziert sind Blatt. Siehe zum Beispiel Christus Monogramm Seite im Buch der Kells. Erstellt in den Drehbüchern von Klöstern wie Clonmacnoise und Durrow (Co Offaly), Clonard und Kells (Co Meath), unter vielen anderen, diese fabelhaften Beispiele von Irische Klosterkunst waren eine Mischung aus christlichen kalligraphischen Fähigkeiten und keltischen Kunstwerken, mit zusätzlichen sächsisch / germanischen Designarbeiten, wie Maßwerk. Sie gelten unter Historikern als eines der größten Kunstwerke des Mittelalters in Europa.

Berühmte irische biblische Manuskripte (illustriert mit keltischen Zeilensprung-, Knoten- und Spiralmustern) umfassen die Cathach von St. Columba (frühes 7. Jahrhundert), die Book of Durrow (c.670), die Lindisfarne Evangelien (c.698-700) und die Buch von Kells (c.800). Siehe auch: Geschichte der Bilderhandschriften (600-1200). Diese Werke können unter eingesehen werden Trinity College Dublin Bibliothek oder der Royal Irish Academy.

Diese biblischen Schätze führten zu einer allmählichen, aber bedeutenden Renaissance der irischen Kunst (manchmal hiberno-sächsischer Stil oder Inselkunst genannt), die sich über das klösterliche Netzwerk nach Iona, Schottland, Nordengland und auf den Kontinent ausbreitete. Bis zum 12. Jahrhundert gab es in Westeuropa kaum ein königliches Gericht, das keinen irischen Kulturberater hatte.

In der Zwischenzeit spielten irische Klöster bis ins späte 12. Jahrhundert und darüber hinaus eine aktive Rolle im kulturellen Leben des Landes. Neben ihrer Rolle als Zentren der religiösen Andacht und Christliche Kunst Sie investierten beträchtlich in kirchliche Ikonen wie die oben genannten Kelche (Derrynaflan, Ardagh), Schreine und Prozessionskreuze, deren Herstellung die Instandhaltung einer geschäftigen Schmiede und Schwarzschmiede sowie die Beibehaltung zahlreicher Handwerker erforderte. Schließlich bezahlten Klöster neben einem geschäftigen Drehbuch (für Bilderhandschriften) und einer Schmiede (für Edelmetallarbeiten) ab etwa 750 auch ein wichtiges Programm der biblischen Skulptur, das die nächste große Errungenschaft der irischen Kunst werden sollte.

4. Hochkreuzskulptur (um 750-1150)

Die vierte große Errungenschaft der irischen Kunst war religiöses Mauerwerk. In der Zeit von 750 bis 1150 schufen irische Bildhauer, die in Klöstern arbeiteten, eine Reihe von Keltische Hochkreuzskulpturen Die bedeutendste freistehende Skulptur, die zwischen dem Zusammenbruch des Römischen Reiches (um 450) und dem Beginn der italienischen Renaissance (um 1450) entstanden ist. Diese High Cross-Skulptur repräsentiert Irlands wichtigsten bildhauerischen Beitrag zur Kunstgeschichte.

Die beringten Hohen Kreuze lassen sich je nach Art der Gravuren und Reliefarbeiten in zwei Grundgruppen einteilen. Die erste Gruppe, die größtenteils aus dem 9. Jahrhundert stammt, ist ausschließlich mit abstrakten Interlace-Ornamenten, Ultimate La Tene Animal Interlace sowie Schlüssel- und Bundmustern verziert. Die zweite Gruppe besteht aus Kreuzen mit Erzählszenen aus dem Alten und Neuen Testament der Bibel, die jedoch häufig mit fleischigen Schriftrollen verziert sind, wie am Muiredach-Kreuz aus dem 10. Jahrhundert in Monasterboice.

Hohe Kreuze überleben an zahlreichen Orten in ganz Irland, einschließlich Kilfenora in der Grafschaft Clare. Boho und Lisnaskea in der Grafschaft Fermanagh; Castledermot, Moone und Old Kilcullen in der Grafschaft Kildare; Graiguenamanagh, Kilkieran, Killamery, Kilree und Ullard in der Grafschaft Kilkenny; Dromiskin, Monasterboice und Termonfeckin in der Grafschaft Louth; Kells in der Grafschaft Meath; Klone in der Grafschaft Monaghan; Clonmacnois, Durrow und Kinnitty in der Grafschaft Offaly; Drumcliffe in der Grafschaft Sligo; Ahenny in der Grafschaft Tipperary; Ardboe und Donaghmore in der Grafschaft Tyrone; und Bealin in der Grafschaft Westmeath.

Irische Kunst stagniert (c.1200-1700)

In der Zeit von 1200 bis 1700 gab es in Irland viel Geschichte, aber nur wenig kulturelle Aktivitäten. Als Ergebnis, Irische Kunst nach dem Mittelalter erlebte fünf Jahrhunderte der Stagnation. Die Auswirkungen dieser "toten" Zeit – hauptsächlich verursacht durch die kolonialen Ambitionen der erst normannischen, dann britischen und später schottischen Siedler – können nicht überschätzt werden. Es trennte die irische Kultur vom Einfluss der Renaissancekunst und versetzte das Land in einen Zustand kultureller Isolation, aus dem es (wohl) erst kürzlich hervorgegangen ist. Jedenfalls hat Irland seit dem 12. Jahrhundert keine weiteren wichtigen Beiträge zur europäischen bildenden Kunst geleistet, um mit seinen früheren Errungenschaften mithalten zu können.

5. Gemälde: Die Wiedergeburt der irischen Kunst (1650-1830)

In dieser Zeit entstanden die ersten grünen Triebe einer künstlerischen Erholung. Zunehmender Wohlstand im frühen 18. Jahrhundert führte zur Bildung einer Reihe neuer kultureller Institutionen wie der Royal Dublin Society (ab 1731) und die Royal Irish Academy (gegründet 1785). In der Zwischenzeit tauchten ab dem späten 17. Jahrhundert eine Reihe talentierter Künstler auf. Entsprechend den Erfordernissen der Zeit war das Haupttätigkeitsfeld die Malerei der schönen Künste, insbesondere die Porträtmalerei und die Landschaftsmalerei.

Dieser künstlerische Aufschwung setzte sich bis ins neunzehnte Jahrhundert mit der Gründung des. Fort Königliche Hibernian Akademie (RHA) im Jahr 1823 und die Erweiterung der Royal Dublin Society (gegründet 1731) und der Crawford College of Art Dies alles trug dazu bei, die Kunstinfrastruktur in Irland zu fördern, insbesondere für bildende Künste wie Malerei.

Porträtmalerei des 18. Jahrhunderts
Die irische Malerei etablierte sich zum ersten Mal in der Porträtkunst, die in Irland um die Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert begann, etwa 50 Jahre vor dem Aufkommen der topografischen Landschaftsmalerei. Die frühesten Porträtisten blieben mit Ausnahme von Garret Morphy (fl.1680-1716), der das Genre Ende des 17. Jahrhunderts beherrschte, und der weniger bekannte Thomas Bate (fl.1690-1700). Es folgten die in Dublin geborenen, aber in Großbritannien ansässigen Charles Jervas (1675-1739), der herausragende irische Porträtkünstler des frühen 18. Jahrhunderts, und dann der einflussreiche Tipperary-geborene James Latham (1696 & ndash; 1747). Der Korkmaler James Barry (1741-1806) war ein weiterer begabter Porträtist dieser Zeit, ebenso wie Nathaniel Hone the Elder (1718-84), Hugh Douglas Hamilton (1739-1808), der sich auf Pastelle und Kreiden spezialisiert hatte, der Miniaturist Horace Hone (1756-1825), der Bedeutende Martin Archer Shee (1769-1850) und der in County Clare geborene William Mulready (1786-1863) und andere, von denen viele gezwungen waren, nach England auszuwandern, um ihre Karriere fortzusetzen.

Landschaftsmalerei des 18. Jahrhunderts
Der Rektor Irische Landschaftskünstler Zu dieser Zeit gehörten Susanna Drury (vlnr 1733-70), gefolgt von John Butts (c.1728-1764) und George Barret, Senior (1732-84). Zu den späteren einflussreichen Künstlern gehörten der kurzlebige Thomas Roberts (1749-78), sein Bruder im romantischen Stil, Thomas Sautelle Roberts (ca. 1760-1826), der Landschaftsmalermeister William Ashford (1746-1824) und der Zeichner / Grafiker James Malton (d.1803), der für seine Ansichten über Dublin bekannt war, ebenso wie die Brocas-Familie, Henry Brocas Senior (1762-1837) und die Söhne Samuel Frederick Brocas (1792-1847) und Henry Brocas Junior (1798-1873). Der Einfluss der Familie Brocas war beträchtlich, nicht zuletzt, weil sie in der ersten Hälfte des nächsten Jahrhunderts effektiv die RDS-Schule für Landschaftsmalerei leitete. (Siehe auch: Irische Künstler des 18. Jahrhunderts .)

Diese künstlerische Wiedergeburt setzte sich im 19. Jahrhundert mit der Gründung im Jahre 1823 des fort Königliche Hibernian Akademie (RHA), die Erweiterung der Bildungseinrichtungen der Royal Dublin Society (die später zur Dublin Metropolitan School of Art und schließlich zum National College of Art and Design ausgebaut wurde) und die Sanierung (1830-1884) des Crawford College of Art (verfochten von James Brenan und finanziert durch den Cork-Wohltäter William Horatio Crawford), die alle dazu beigetragen haben, die Kunstinfrastruktur in Irland zu fördern, insbesondere für bildende Künste wie Malerei.

6. Auswanderung irischer Künstler (um 1830-1900)

Trotz dieser Stärkung der künstlerischen Infrastruktur und des Bildungssystems Irische Kunst des 19. Jahrhunderts war geprägt von ständiger Auswanderung. Das lag daran, dass die Mäzenatur knapp war und London mit seinem weitaus größeren Kunstmarkt, seinen Kunststudios und seinem Karrierepotenzial immer noch das Mekka für talentierte irische Maler und Bildhauer war. Unter solchen emigrierten Künstlern befanden sich die Bildhauer Patrick MacDowell (1799-1870), John Foley (1818-74), John Lawlor (1820-1901) und John Hughes (1865-1941) sowie der Aquarellist Francis Danby (1793- 1861) und der Historienmaler und Porträtist Daniel Maclise (1806 & ndash; 70). Später folgten ihnen Porträtisten wie der im County Down geborene John Butler Yeats (1839-1922), der akademische Stil Gerald Festus Kelly (1879-1972) und William Orpen (1878-1931) nach London, die alle wichtige Beiträge leisteten zu Viktorianische Kunst in einer Vielzahl von Genres. Im Gegensatz dazu verbrachten viele irische Landschaftsmaler längere Zeit in Frankreich und arbeiteten bei Barbizon in der Nähe von Fontainebleu oder Pont-Aven und Concarneau in der Bretagne, wo sie sich mit den malerischen Methoden der Impressionisten beschäftigten. Zu diesen "Auswanderern" gehörten Künstler wie Augustus Nicholas Burke (1838-91), Frank O’Meara (1853-88), Aloysius O’Kelly (1853-1941), Sir John Lavery (1856-1941), Stanhope Forbes (1857-1947), Henry Jones Thaddeus (1859-1929), Walter Osborne (1859–1903), Joseph Malachy Kavanagh (1856–1918), Richard Thoman Moynan (1856–1906), Roderic O’Conor (1860–1940), Norman Garstin (1847–1926) und William Leech (1881–1968). Siehe auch: Freilichtmalerei in Irland .

Dies ist nicht zu unterschätzen, wie talentiert einheimische irische Künstler waren, die in Irland geblieben sind (oder aus dem Ausland zurückgekehrt sind), sondern das schreckliche Trauma der Großen Hungersnot (um 1845-50), die anhaltenden politischen Auseinandersetzungen zwischen den Kunstinstitutionen in London und London Dublin sowie der relative Mangel an Aufträgen in Dublin (geschweige denn in Cork, Galway und Limerick) im Vergleich zum kommerziellen Versprechen von London und dem Wetter in Frankreich im Freien führten zu einem starken Anreiz, im Ausland zu malen oder zu formen. Eine einheimische Schule der irischen Malerei begann sich zu entwickeln, sie hatte jedoch noch keine kritische Masse erreicht, so dass die Geschichte der irischen Kunst im 19. Jahrhundert zu einem großen Teil vom Exodus ins Ausland geprägt war. (Siehe auch: Irische Künstler des 19. Jahrhunderts .)

7. Das Wachstum der indigenen Kunst (um 1900-40)

Allmählich, um die Jahrhundertwende, verstärkten sich die positiven Auswirkungen der Bildung, zusammen mit einer Zunahme der Schirmherrschaft in Dublin, die Bemühungen von Hugh Lane und die Auswirkungen der Celtic Arts Revival Bewegung All dies führte zum Auftauchen einer neuen Generation einheimischer irischer Künstler wie George ’AE’ Russell (1867-1935), Margaret Clarke (1888-1961), Sean Keating (1889-1977), James Sinton Sleator (1889-1950), Leo Whelan (1892-1956) und Maurice Macgonigal (1900-1979). Diese Gruppe, zusammen mit zurückkehrenden Bildhauern wie John Foley und Oliver Sheppard (1864-1941), Malern wie dem irischen Genrekünstler Richard Thoman Moynan (1856-1906), dem Landschaftskünstler Paul Henry Der Expressionist Jack B. Yeats (1871-1957) und der Porträtist William Orpen (1878-1931), der regelmäßig an die Dublin Metropolitan School of Art zurückkehrte, bildeten den Kern eines aktiven Korps lokaler Künstler. Hinzu kommt eine jüngere Generation von international ausgerichteten irischen Malern, darunter Mary Swanzy (1882-1978), Mainie Jellett (1897-1944) und Evie Hone (1894-1955), der in dieser Zeit den Kubismus und andere abstrakte Kunstformen in Irland einführte und dabei die Avantgarde- Gesellschaft der Dubliner Maler gründete. Eine spätere Ergänzung der Gruppe war der brillante Frankophile Louis le Brocquy (1916-2012).

Irische Kunst des 20. Jahrhunderts wurde weiter genährt durch die Gründung der Hugh Lane Galerie für moderne Kunst (1908) und durch die Entstehung eines unabhängigen irischen Staates in den frühen 1920er Jahren. Wenn jedoch die Unabhängigkeit bei einigen Bildhauern und Malern zu einer Zunahme der staatlichen Schirmherrschaft führte, gelang es nicht, eine allgemeine Renaissance der bildenden Künste auszulösen. In der irischen Bildhauerei gab es zum Beispiel weniger kreative Möglichkeiten: John Foley (1818-74) und später Albert Power (1881-1945) und Seamus Murphy (1907-75) beschäftigten sich eher mit traditionellen Statuen und Büsten bedeutender Persönlichkeiten der damaligen Zeit als mit individueller Kreativität. Den dekorativen Künsten ging es nicht besser. Im Bereich der Glasmalerei beispielsweise trotz des individuellen kreativen Einsatzes von Harry Clarke (1889-1931), Sarah Purser (1848-43) und Evie Hone (1894-1955) leistete die engstirnige irische Regierung wenig Hilfe und lehnte sogar einige der besten Werke von Clarke wegen ihrer übermäßigen "Modernität" ab.

Darüber hinaus übte in den zwei Jahrzehnten nach der Unabhängigkeit eine konservative Phalanx von Traditionalisten, die fast ausschließlich aus der indigenen Gruppe irischer Künstler stammten und sich allen Versuchen widersetzten, die Macht innerhalb des irischen Kunstinstituts, insbesondere des Regierungskomitees der Royal Hibernian Academy, aus von aufgeschlosseneren Personen, um die irische Kunst mit den europäischen Mal- und Skulpturenstilen des 20. Jahrhunderts in Einklang zu bringen. Diese Periode ging mit dem Aufkommen des Zweiten Weltkriegs zu Ende, in dem die Frage der Modernisierung offen zutage trat.

8. Die Entstehung der irischen Ausstellung lebender Kunst (1943)

In den trostlosen 1940er Jahren war sowohl ein kreativer als auch ein materieller Rückgang der irischen visuellen Kunst zu verzeichnen. Nicht nur die Schirmherrschaft für die Künste war knapp, auch das konservative irische Kunstinstitut – vertreten durch die Royal Hibernian Academy (RHA) – schien sich nicht mit europäischen Kunstentwicklungen wie Fauvismus, Kubismus, Dadaismus und Surrealismus abzufinden. Und da sie die Zusammensetzung der jährlichen RHA-Ausstellung kontrollierten (die Hauptausstellung für professionelle Maler und Bildhauer in Irland), konnten sie Werke ablehnen, die nicht zu ihrem traditionalistischen Konzept von Kunst passten – ein Ansatz, der beträchtlichen Widerstand hervorrief von den Modernisten.

Die Konservativen hatten keine Ahnung von den europäischen Entwicklungen in der Malerei und Bildhauerei, aber sie mochten nicht, was sie sahen, und hofften, dass es verschwinden würde und dass die Kunst zu den gegenständlichen Traditionen der Renaissance zurückkehren würde. Leider hat die unüberlegte Art und Weise, wie sie diesen Standpunkt umsetzten, seinen Wert untergraben. Zum Beispiel würde die Galerie für moderne Kunst in der Hugh Lane kaum ein Werk akzeptieren, das in jüngerer Zeit als Jean Baptiste Corot (1796-1875) gemalt wurde. So lehnten sie zum Beispiel ein Rouault-Gemälde als blasphemisch und eine Henry Moore-Skulptur als obszön ab. Im Gegensatz dazu wollten die Modernisten nicht mit dem Traditionellen brechen, sondern darüber hinausgehen.

Der Kampf zwischen Traditionalisten und Modernisten brach 1942 nach einem ausgesprochenen Angriff von Mainie Jellett auf die RHA aus, der das Auswahlkomitee veranlasste, "The Spanish Shawl" von Louis le Brocquy und zahlreiche andere moderne Werke abzulehnen. Die Ablehnung von Rouaults "Christus und der Soldat" durch die Hugh Lane Gallery in Dublin im Jahr 1942 war eine weitere Provokation. Infolgedessen ist im folgenden Jahr eine Reihe von (weitgehend) oberen Mittelklasse Dubliner Künstler banden zusammen und organisierten die Irische Ausstellung für lebende Kunst (IELA) , ein neues jährliches Forum für Maler und Bildhauer, die der "verblendeten" Vision der Royal Hibernian Academy nicht zustimmen. Ihr erklärtes Ziel war es, eine umfassende Übersicht über bedeutende Arbeiten von lebenden irischen Künstlern, unabhängig von Schule oder Art, zur Verfügung zu stellen. "Die Hauptorganisatoren der IELA waren Mainie Jellett (1897-1944), Evie Hone (1894-1955), Pater Jack Hanlon (1913-1968), Norah McGuinness (1901-1980), Louis le Brocquy (* 1916) und Margaret Clarke (1888-1961). Spätere Unterstützer waren unter anderem Patrick Scott (geb. 1921), Tony O’Malley (1913-2003), Camille Souter (geb. 1929) und Barrie Cooke (geb. 1931).

Die IELA-Shows sorgten für visuelle Aufregung im tristen Dublin des Krieges und boten eine willkommene Alternative zu den eher konservativen RHA-Ausstellungen. Das heißt, viele irische Künstler stellten in beiden aus. Trotzdem vertrat jeder unterschiedliche Standpunkte. Die RHA behielt das bei, was sie für "die Tradition" hielt, während die IELA für jede neue Entwicklung offen war.

Trotzdem war die Gründung der IELA keine bolschewistische Revolution. In der eher parochialen Dubliner Kunstwelt gab es eine kleine Anzahl wichtiger Einrichtungen wie die Royal Hibernian Academy, die Freunde der Nationalen Sammlungen, den Haverty Trust, das Arts Advisory Committee für die Städtische Galerie, die irische Ausstellung für lebende Kunst und so weiter auf. Und sowohl Konservative als auch Modernisten lebten relativ glücklich in denselben Komitees zusammen. Darüber hinaus war sich die IELA sehr bewusst, dass ihre Ziele ohne die Zusammenarbeit des National College of Art und der RHA, die es beherrschte, sowie den guten Willen des Direktors der National Gallery und des Präsidenten der RHA nicht zu erreichen wären. Stattdessen sollte die Entstehung der IELA als eine Behauptung der Notwendigkeit gesehen werden, dass Irland einen umfassenderen Kunstbegriff vertritt – und nicht nur einen, der ausschließlich durch seine kulturellen Wurzeln definiert ist. In gewisser Weise ließ es die Katze aus dem Sack. Jetzt könnten Künstler beispielsweise abstrakte Kunst erforschen, ohne der Gotteslästerung beschuldigt zu werden! In diesem Sinne war die IELA ein entscheidender Schritt in der Entwicklung der irischen Schule.

9. Moderne irische Kunst (ab 1943)

Trotz der Verbreiterung ihrer Sichtweisen war die irische Kunst in den vier Nachkriegsjahrzehnten in gleichem Maße von wirtschaftlichen und politischen Ereignissen im Inland geprägt wie von irgendetwas in der internationalen Kunstwelt. Die tristen 1950er Jahre führten zu einer weiteren Auswanderung von Künstlern, während sich die Aufregung Mitte der 1960er Jahre schnell abkühlte, als in den 1970er und 1980er Jahren die Politik die Schlagzeilen beherrschte.

Dennoch war die nächste Generation, die Mitte der 1960er Jahre reifer wurde, offener für internationale Entwicklungen. Sie profitierten auch von den Aktivitäten einer Reihe von neuen Irische Kunstorganisationen in Betrieb gehen. Zum Beispiel die Arts Council (Ein Chomhairle Ealaion) Das 1951 gegründete Unternehmen kaufte Werke irischer Künstler und verteilte Stipendien, ebenso wie seine Schwesterorganisation im Norden, der Rat für die Förderung von Musik und Kunst (CEMA), der jetzt in. umbenannt wurde Arts Council von Nordirland ; Der Haverty Trust, die Oireachas Douglas Hyde Gold-Medaillen, die großzügigen Carroll’s-Preise für Arbeiten bei den IELA-Shows und die Belfast Open Competitions verteilten finanzielle Belohnungen. Es gab Ausstellungen in London und (ab 1967) Rosc Ausstellungen im RDS. Die Royal Hibernian Academy und die Royal Ulster Academy waren laufende Vitrinen für einheimische Talente. Die Hugh Lane Gallery (die endlich zu einer echten Galerie für moderne Kunst wird), die National Gallery, die Ulster Museum of Fine Arts sowie innovativ Irische Kunstgalerien wie die Dawson und David Hendricks Gallery führten sie Künstler in internationale Werke ein; und irische Maler und Bildhauer wurden für Biennalen in Venedig, Paris ausgewählt – und ausgezeichnet.

Die postmoderne Revolution

1970er Jahre
Der Trend der 1970er Jahre in Richtung Postmoderne Kunst Dies spiegelte sich in Irland in Veränderungen an der führenden Kunsthochschule des Landes wider, der Dublin Metropolitan School of Art, damals bekannt als Nationale Hochschule für Kunst und Design (NCAD) . Ein moderneres Unterrichtsethos und -curriculum wurde eingeführt, und die Kontrolle wurde in die Hände eines Vorstands (An Brd) gegeben, der vom Minister für Bildung und Wissenschaft ernannt wurde. Zu gegebener Zeit begann NCAD, eine führende Rolle bei der Förderung der zeitgenössischen bildenden Kunst wie Installation, Video, Performance und verschiedenen Formen der Konzeptkunst zu übernehmen. Dabei wurden traditionelle Formen der Repräsentationskunst abgelöst, wenn sie nicht außer Kraft gesetzt wurden.

In der Zwischenzeit, 1973, beschloss das Regierungskomitee der IELA, einem völlig neuen Komitee jüngerer Künstler zu übergeben, um die zeitgenössische Wirkung der Organisation aufrechtzuerhalten. Die irische Handwerksindustrie erhielt ebenfalls ein Upgrade mit der Gründung der Handwerksrat von Irland im Jahr 1971.

1980er Jahre
In den 1980er Jahren hatte die irische Kunst eine beträchtliche Menge an Theorie der zeitgenössischen Kunst verdaut, nicht zuletzt die Entkräftung der traditionalistischen Vorstellung, dass ein Bild oder eine Statue einen erkennbaren Gegenstand haben sollte, dass dieser Gegenstand so präsentiert werden sollte, dass er nicht auftaucht die Realität verzerren und die Schönheit das Ziel sein sollte. Es hatte auch begonnen, die postmoderne Idee anzunehmen, dass ein dauerhaftes Kunstwerk nicht länger notwendig sei: dass die dahinter stehende "Idee" gleichermaßen (wenn nicht mehr) gültig sei. Und selbst die traditionellen Formen von Malerei und Skulptur wurden weniger "ästhetisch", didaktischer und satirischer. Kurz gesagt, wenn in den 1920er und 1930er Jahren zukunftsorientierte irische Künstler Schwierigkeiten hatten, Akzeptanz für ihre avantgardistischen, abstrakten Ideen zu finden, und Traditionalisten das Kunstinstitut beherrschten, war die Situation jetzt genau umgekehrt. Die Avantgarde kontrollierte nun NCAD, zusammen mit mehreren der wichtigsten Komitees innerhalb der künstlerischen Infrastruktur und der Medien.

Andere Entwicklungen in den 1980er Jahren waren: die Gründung der Nationale Selbstporträtsammlung (1980); die Gründung der Sculptors ’Society of Ireland (1980) (jetzt) Bildende Künstler Irland ); das Fundament von Aosdana (1981), die Elite-Gruppe kreativer Praktiker in Irland; der Start von ZIRKA (1981), Irlands führende Zeitschrift für zeitgenössische bildende Kunst; und die Gründung der Nationale Skulpturenfabrik (NSF) in Cork im Jahr 1989.

1990er Jahre
Die 1990er Jahre waren geprägt vom wirtschaftlichen Aufschwung des "keltischen Tigers", der zu einer deutlichen Aufstockung des Kunstbudgets führte. Das Irisches Museum für moderne Kunst (IMMA) wurde 1990 als Nachfolger der Hugh Lane Gallery (besser bekannt als Dublin Metropolitan Gallery of Modern Art) gegründet und 1997 vom Department of Arts ins Leben gerufen Prozent für Kunstschema , um Spenden für bildende Kunst in Irland zu sammeln. Es wurden auch Pläne für zwei weitere brandneue Galerien ausgearbeitet – die Naughton Gallery an der Queens University Belfast (2001 fertiggestellt) und die Lewis Glucksman Gallery am University College Cork (2004 fertiggestellt). Kultur Irland (Cultúr Na hÉireann) – die Organisation zur Förderung der irischen Kunst und Kultur im Ausland – wurde 2005 gegründet.

Einige Gedanken über irische Kunststile und -themen

Wir neigen nicht dazu, Musik zu analysieren. Entweder gefällt uns der Klang, oder nicht. Aber wenn wir ein Bild nur nach seiner visuellen Erscheinung beurteilen, werden wir beschuldigt, (bestenfalls) ein Philister oder (schlimmstenfalls) ein Idiot zu sein. Und als Kunstredakteur muss ich mich besonders gut auskennen, was ehrlich gesagt ein echter Schmerz ist, weil ich es nicht bin. Und um es zu beweisen, hier einige meiner Gedanken zur irischen Kunst ab Mitte des 20. Jahrhunderts. Zumindest gibt es mir die Gelegenheit, einige wunderbare Künstler zu erwähnen.

Es hat nie einen bestimmten Stil der irischen Malerei oder Skulptur gegeben. Es ist richtig, dass bestimmte Landschaften, menschliche Figuren und Nationalhelden regelmäßig Aufmerksamkeit erregt haben, aber es würde schwer fallen, etwas zu finden, das Paul Henry, Francis Bacon, William Orpen und Sean Scully gemeinsam hat. Das Beste, was wir tun können, ist, bestimmte Ansätze und die damit verbundenen Künstler zu identifizieren.

Abstrakte Kunst
Die Abstraktion – ein Kunststil, der nach der Gründung der IELA beträchtlich an Ansehen gewonnen hat – ist in den monumentalen Werken von gut dargestellt Sean Scully (geb. 1945), die geometrische Abstraktion von Francis Tansey (geb. 1959), Patrick Scott und Cecil King, die Landschaften von Tony O’Malley (1913-2003) und Patrick Collins (1910-1994) sowie die Stillleben von William Scott (1913-1989). In der irischen Skulptur wird die Abstraktion durch die Edelstahlformen von Alexandra Wejchert (1921-1995) und die semi-abstrakten Stücke von Conor Fallon (1939-2007) veranschaulicht.

Gegenständliche Kunst
Der Repräsentationalismus, der über weite Strecken der arme Cousin der Zeit war, wurde in Werken der akademischen Maler Niccolo D’Ardia Caracciola (1941-1989) und Martin Mooney (geb. 1960), dem Stillleben-Meister James English (geb. 1946), geschickt bewahrt), und Mark O’Neill (* 1963), der Porträtist Edward Maguire, der Fotorealist John Doherty (* 1949) und der Reitvirtuose Peter Curling (* 1955). Repräsentative Malerei in Irland Dank zeitgenössischer Künstler wie dem Porträtisten David Nolan (geb. 1966), dem klassischen Conor Walton (geb. 1970) und den herausragenden Freilichtmalern Norman Teeling (geb. 1944) und John Morris (geb..1959), Paul Kelly (* 1968) und Henry McGrane (* 1969). In der irischen Bildhauerei wird der Realismus am besten durch die zeitgenössischen Bronzen von Rowan Gillespie (geb. 1953).

Primitivismus
Im Vergleich dazu zeigt sich ein informellerer Ansatz in Arbeiten von Daniel O’Neill (1920-1974) und Gerard Dillon (1916-1971), die in einer eher informellen Kompositionssprache agierten und häufig naive Formen und Kompositionen mit Farbe und Kommentar mischten.

Romantik
Romantik – Nostalgie, Heldentum, Tragödie oder was auch immer – war ein wichtiger Bestandteil der irischen Malerei und inspirierte Künstler wie Paul Henry, Brian Bourke (* 1936) und John Doherty (* 1949). Sogar die elementaren Hughie O’Donoghue (* 1953) und Donald Teskey (* 1956) scheinen mir im Herzen romantisch zu sein. Besonders heroisch war Louis le Brocquys Serie von "Porträts" von Figuren aus Irlands historischer und literarischer Vergangenheit, ebenso wie Robert Ballaghs Gemälde von irischen Republikanern.

Nationalismus
Wenn das Irische in Jack B Yeats Werk eine dominierende Rolle spielte, war der politische Nationalismus das Hauptmerkmal von Micheal Farrell Madonna Irlanda (1977), die die Ansicht einer Prostituierten Irland präsentierte, die durch fortgesetzte Teilung und ein Gefühl kultureller Unterwürfigkeit korrumpiert wurde. Inzwischen sind die Probleme in Werken von David Crone, Rita Duffy, Brian O’Doherty, Dermot Seymour und der verhaftenden Skulptur von Deborah Brown und FE McWilliam (1909-1992) zu sehen. Die nationalistische Skulptur umfasst die gälische Kunst von Albert Power (1881-1945) und die nostalgischen Figuren von Eamonn O’Doherty sowie das religiöse Mauerwerk des Korkmeisters Seamus Murphy (1907-1975).

Andere Stile
Der Kolorismus ist wunderschön vertreten durch Brian Ballard (geb. 1943) und Marja Van Kampen (geb. 1949); Impressionismus von Arthur Maderson (b.1942); Surrealismus von Colin Middleton (1910-1983) und Pop-Art von Robert Ballagh (* 1943). Unter den zeitgenössischen Stilen sind die figurativen Arbeiten von Graham Knuttel (geb. 1954) und Colin Davidson (geb. 1968), einem der besten Zeitgenossen, zu erwähnen Irische Genremaler . Eine Reihe anderer Künstler der Mitte des 20. Jahrhunderts, nicht zuletzt die talentierte Basil Blackshaw (* 1932), widersetzen sich allen Kategorisierungsversuchen.

10. Irische Kunst des 21. Jahrhunderts

Die Jahrhundertwende sah die Irischer Kunstmarkt zu neuen Höhen aufsteigen. Obwohl der kommerzielle Wert der irischen Spitzenkünstler in den neunziger Jahren erheblich gestiegen war, sah das neue Jahrtausend Francis Bacon den Weltrekord für das teuerste Kunstwerk der Gegenwartskunst zu knacken (sein Triptychon von 1976, das 2008 bei Sothebys New York für 86, 3 Millionen US-Dollar verkauft wurde), während sechs weitere irische Maler die Millionen-Euro-Grenze überschritten haben:

Diese Aufzeichnungen spiegeln ein überraschendes, aber unverkennbares Maß an Vertrauen in den Wert der irischen Kunst wider und haben den Marktwert weniger berühmter Künstler erheblich gesteigert. Nachdem Sothebys bereits in Dublin niedergelassen war, wurde die Stadt neben einheimischen Auktionshäusern wie Adams, deVeres und Wytes zu einem wichtigen Ort für den Verkauf von irischer Malerei und Skulptur, die sich wie die Immobilienpreise der Schwerkraft zu widersetzen schien. (Weitere Informationen zu den Kunstwerken mit dem höchsten Preis finden Sie unter: Die teuersten irischen Gemälde .)

Gleichzeitig die Kunstindustrie auf der Insel Irland – mit Tausenden von Mitarbeitern in zwei Regierungsabteilungen, zwei Arts Councils, zahlreichen anderen staatlichen oder staatlich geförderten Körperschaften und Magazinen, Künstlergruppen wie Aosdana und Visual Artists Ireland und ein großes Netzwerk nationaler Museen, Kunstzentren und kommerzieller Galerien – wurden weiter ausgebaut, um der gestiegenen Nachfrage gerecht zu werden.

Leider platzte die Blase im Jahr 2008 und ließ nach der jüngsten weltweiten Rezession den kulturellen Aufschwung Irlands unter starken finanziellen Druck geraten. Derzeit sind schätzungsweise 83 Prozent der irischen Kreativpraktiker weiterhin auf das Einkommen ihrer Partner angewiesen, und die Situation dürfte sich angesichts des um 18, 5 Prozent gekürzten aktuellen Kunstbudgets verschlechtern. Trotzdem, mit hauptberuflichen Kunstbeauftragten in fast allen 32 Grafschaften Irlands, einem Budget von mehreren Millionen Euro und einem talentierten Pool von zeitgenössische irische Künstler Die langfristige Zukunft der irischen Kunst könnte kaum schöner sein, zumindest im Vergleich zu früheren Epochen der Auswanderung und des Finanzkampfs.

In jedem Fall ist daran zu erinnern, dass die erfolgreiche Entwicklung der visuellen Kunst (in Irland oder anderswo), obwohl sie mit finanziellem Wohlstand zusammenhängt, nur selten davon bestimmt wird. Die Medici-Dynastie mag die italienische Renaissance in Florenz finanziert haben, aber ihr Geld wäre ohne die einheimischen Talente von Brunelleschi , Donatello , Masaccio und anderen nutzlos gewesen. Die Zukunft der irischen Kunst liegt also wie immer in den Händen ihrer Künstler, Lehrer und Schüler. Wird es ihnen gelingen, relevante Kunstwerke zu schaffen, die die breite Öffentlichkeit interessieren? Werden sie in der Lage sein, die großen Traditionen der westlichen Malerei und Bildhauerei aufrechtzuerhalten (und hoffentlich zu verbessern)? Nur die Zeit kann es verraten.

Eine Sache ist sicher. Wenn irische Kunsthochschulen der subjektiven "Kreativität" zu viel Bedeutung beimessen – und die jüngsten Abschlussshows diesbezüglich keine Beruhigung bieten – werden wir wahrscheinlich die notwendige Kompetenz verlieren, um dauerhafte Kunstwerke zu schaffen. Ephemere Kunst (die dem fertigen Produkt weniger Wert beimisst als der dahinter stehende Gedanke) mag in künstlerischen Kreisen hochmodisch sein und sogar bei einem Publikum Anklang finden, das von Fernsehshows wie "Big Brother" verführt wird, aber keinen dauerhaften Wert hat. Schließlich werden Kulturen und Zivilisationen nicht nach ihren brillanten Ideen beurteilt, sondern nach dem, was sie hinterlassen.