Kunst der Renaissance in Venedig Automatische übersetzen

Venedig, ein weiteres Zentrum der Renaissancekunst (ca. 1400-1600), ist eine schimmernde, traumhafte Stadt der Kanäle, die jahrhundertelang Italiens Verbindung zum exotischen Osten war. Von Anfang an diente die Stadt als Zufluchtsort für die Bewohner der nahe gelegenen Städte wie Padua während der gotischen und langobardischen Invasionen im fünften und sechsten Jahrhundert nach Christus.

Im sechsten und siebten Jahrhundert wurde die Stadt von byzantinischen Kaisern regiert und stand unter der religiösen und weltlichen Schirmherrschaft des Exarchen von Ravenna. Zu dieser Zeit war Ravenna eine Stadt mit prächtigen, mosaikgeschmückten Kirchen (für Einzelheiten siehe: Mosaiken von Ravenna) und eine wichtige, florierende Hafenstadt, wichtiger als Venedig selbst.

Im neunten Jahrhundert war Venedig eine aufstrebende Macht und hatte sich zu einem Zentrum für den Austausch von Luxusgütern wie Gewürzen und Seide aus dem Osten gegen italienisches Holz, Getreide und Wein entwickelt. Wie andere italienische Städte jener Zeit war Venedig das Zentrum eines wachsenden Netzes von Handelswegen, die es mit Europa und dem Osten, ja sogar mit dem Fernen Osten verbanden. Die kulturelle Entwicklung Venedigs wurde jedoch kaum von dem beeinflusst, was in anderen italienischen Städten geschah. Das lag zum Teil an der Lage Venedigs an der Adria und an seiner langen Verbindung mit dem Byzantinischen Reich und seinem Zentrum Konstantinopel.

Die Beziehungen der Stadt waren mit dem Osten verknüpft. Als die Bürger Venedigs im neunten Jahrhundert beschlossen, eine prächtige Kirche zu Ehren des Heiligen Markus zu errichten, schickten viele Adlige und Bürgerliche Marmor aus Aquileia, Ravenna und Konstantinopel“. Die Markus-Basilika, die im elften Jahrhundert erbaut wurde, ist in der Tat ein Denkmal für die Langlebigkeit und Größe der byzantinischen Kunsttradition.

Die Basilika wurde in Form eines Quadrats errichtet, über dem sich fünf goldene Kuppeln in Form eines Kreuzes erheben. Diese Kuppeln erheben sich über den prächtigen Platz vor der Kirche und dienen den Besuchern, die sich der Stadt vom Meer aus nähern, fast als Leuchtfeuer. (Für weitere Informationen über die Gestaltung von Gebäuden im Italien des 15. und 16. Jahrhunderts siehe: Architektur der Renaissance)

Die drei Jahrhunderte zwischen dem Bau des Markusdoms und dem Fall von Konstantinopel im Jahr 1452 waren für Venedig ungewöhnlich. Nach der Konsolidierung ihrer Regierung unter dem Dogen oder Herzog errichteten die Venezianer Handelszentren auf dem Balkan, den Ionischen Inseln, Kreta, Zypern, Armenien, Alexandria, Kaffa auf der Halbinsel Krim und schließlich China. Der Wohlstand Venedigs war für die kommenden Jahre gesichert. Ihr Golddukat, der erstmals 1284 ausgegeben wurde, wurde zur Standardwährung im Mittelmeerraum, und zu Beginn des vierzehnten Jahrhunderts lief ihre Flotte alle wichtigen Handelszentren in Nordeuropa, England und Holland an.

Der byzantinische Osten und der gotische Westen trafen in Venedig aufeinander, und die schöne Kunst der Malerei, der Bildhauerei und der Architektur, die im späten vierzehnten und frühen fünfzehnten Jahrhundert entstanden, zeugen von der Verschmelzung zweier großer kultureller Kräfte. Die Fassaden des Markusdoms und der zahlreichen Palazzi, die von der wachsenden Handelsaristokratie erbaut wurden, verbinden die Spitzbögen und das Gewölbesystem der gotischen Architektur mit byzantinischer Mosaikkunst und farbenfrohem Marmor. (Lesen Sie über den großen venezianischen Architekten: Andrea Palladio (1508-80), berühmt für seine Kirchenfassaden und Villen). Das Ergebnis dieser Synthese war eine Architektur von überraschender Leichtigkeit und Reichhaltigkeit, deren Glanz durch die schimmernden Reflexionen in den zahlreichen Kanälen der Stadt noch verstärkt wird. Mehr über Christliche Kunst in Venedig während der Spätrenaissance, siehe: Venezianische Altarbilder (um 1500-1600).

Hinweis: Für einen Führer zur venezianischen Skulptur der Periode 1400-1530 siehe: Italienische Skulptur der Renaissance .

Die für die venezianische Renaissance-Architektur so charakteristische Mischung aus Ost und West war auch für die Bevölkerung charakteristisch. Eine wachsende Kolonie ausländischer Kaufleute aus Nordeuropa richtete Lagerhäuser ein und baute Paläste am Canal Grande, und mindestens seit dem 15. Jahrhundert wuchs die Bevölkerung der Stadt auch durch eine bedeutende Zuwanderung aus dem christlichen Osten.

Von den zahlreichen griechischen Einwanderern in Venedig ist der berühmteste wohl der Maler Domenikos Theotokopoulos, der in Venedig bei dem großen Meister Tizian (ca. 1485/8-1576) studierte und dann in Spanien seinen eigenen Ruhm erwarb, wo er zu Ehren seines Heimatlandes El Greco (1541-1614) genannt wurde.

Die Migration aus dem Osten brachte sowohl Kaufleute als auch eine intellektuelle Elite nach Venedig. Die Stadt wurde, vor allem nach der muslimischen Herrschaft über den Nahen Osten, zur Hüterin der griechischen Kunst und Kultur und zu einem wichtigen Zentrum der orientalischen Studien - insbesondere der Medizin und der Geografie, in denen die Araber überragend waren. Obwohl die Literatur im intellektuellen Leben der Stadt eine eher untergeordnete Rolle gespielt zu haben scheint, war sie reich an Kunst und Architektur. Jahrhundert galt die Stadt als wichtiger Aufenthaltsort für Kaufleute, Künstler und Vergnügungssuchende aus ganz Europa. Ihre Schönheit wurde in Theaterstücken und Gemälden gepriesen, und Tizians magischer Name stand neben denen der Giganten der Florentiner Renaissance, darunter Leonardo (1452-1519), Raffael (1483-1520) und Michelangelo (1475-1564).

Das Meer brachte der Stadt nicht nur Wohlstand, sondern versorgte die Maler auch mit außergewöhnlichen Rohstoffen. Beginnend mit Vittore Carpaccio (ca. 1455-1525) wurden die venezianischen Maler dazu inspiriert, die schillernden Lichteffekte auf den Gebäuden und Brücken entlang der Kanäle einzufangen. Sie stellten den lebhaften Kanalverkehr, die für weltliche Feste oder religiöse Prozessionen geschmückten Gondeln und in großen Gemälden wie der Carpaccio-Serie „Die Legende der Heiligen Ursula“ sogar die hochmastigen Handelsschiffe dar, die Luxusgüter aus allen Teilen der Welt in die Stadt brachten.

Mit dem Beginn des Quatrocento (15. Jahrhundert) begann Venedig eine Politik der Stärkung seiner Position auf der italienischen Halbinsel. Es erobert die benachbarten Städte Padua, Verona und Vicenza und knüpft enge diplomatische und wirtschaftliche Kontakte mit Mailand und Mantua.

Als der venezianische Senat 1424 einen Mosaizisten suchte, der in der Lage war, einige der Wanddekorationen des Markusdoms zu restaurieren, schickte er den florentinischen Meister Paolo Uccello, um die Arbeit der einheimischen Künstler zu überwachen. Die Ankunft Uccellos beendete die künstlerische Isolation Venedigs. Ihm folgten bald mehrere aktive Figuren der italienischen Renaissance, darunter der einflussreiche, aber kurzlebige Andrea del Castagno (1420-1457) und der Bildhauer Donatello (1386-1466).

Jacopo, Gentile und Giovanni Bellini

Während dieses neuen Kontakts mit florentinischen Künstlern waren die berühmtesten Vertreter der venezianischen Malerei drei Mitglieder der Familie Bellini: Jacopo (um 1400-70), seine Söhne Gentile (um 1429-1507) und vor allem Giovanni (um 1430-1516), der als Vater der venezianischen Malerei bekannt wurde.

Jacopo war ein Schüler von Gentile da Fabriano und einer der ersten venezianischen Alten Meister, die sich für die lineare Perspektive interessierten. Seine Söhne lernten schnell die perspektivische Technik ihres Vaters und wurden in ihrer Entwicklung stark von ihm beeinflusst. Bellinis Werkstatt erfreute sich großer Beliebtheit und wurde von Aufträgen für große zeremonielle Altarbilder, wie „Gentiles“ Prozession des Wahren Kreuzes auf dem Markusplatz, oder Porträts, wie Giovannis wunderbare Darstellung des Dogen Leonardo Loredan, überschwemmt. Gentile verbrachte ein Jahr in Konstantinopel am Hof des Sultans und schuf wunderbare Skizzen der exotischen Persönlichkeiten, die die belebten Straßen dieser Stadt schmückten.

„Prozession des Wahren Kreuzes auf der Piazza San Marco“ Gentile ist ein typisches Beispiel für die vielen Werke, die uns einen Eindruck vom Venedig des späten 14. Jahrhunderts vermitteln. Die hohe Detailgenauigkeit der von Gentile gemalten Panoramen liefert eine fast fotografische Dokumentation der Renaissancestadt, ihrer Monumente, Gebäude und Kostüme. In diesem Gemälde stellte der Künstler die jährliche Fronleichnamsprozession dar, bei der Reliquien - Splitter des Wahren Kreuzes - von gläubigen Mitgliedern einer religiösen Volksgesellschaft feierlich durch die Straßen getragen wurden. Tausende von Zuschauern verfolgten jedes Jahr diese Zeremonie, zusammen mit dem Dogen, lokalen Regierungsvertretern und anderen Würdenträgern. (Siehe auch Biografie von Gentile Bellini .)

Venedig war der erste moderne Staat, der eine Gruppe von Porträts seiner wichtigsten Verwaltungsbeamten in Auftrag gab. Giovanni Bellinis Gemälde des Dogen Leonardo Loredan ist ein beeindruckendes und kraftvolles Beispiel für diese Art von Porträtkunst .

Wie viele nordeuropäische Künstler gab Giovanni Bellini die frühe Renaissanceformel des Profilporträts zugunsten einer Dreiviertelansicht des Porträtierten auf. Der Doge, gekleidet in zeremonielle Kleidung wie Brokatmantel und Mütze, ist hinter einem kurzen, dunklen Gesims dargestellt, das als räumliche Barriere zwischen dem Betrachter und dem Porträtierten dient. Giovanni hat die Textur des Gewandes und die straffe, dicke Haut des Gesichts des Dogen wiedergegeben. Sein Kopf hebt sich deutlich von dem dunkelblauen Hintergrund ab, und der Gesamteindruck ist kaum weniger voluminös oder skulptural als bei den Porträts zeitgenössischer Florentiner, wie „Porträt eines jungen Mannes“ von Filippino Lippi und Porträt „von Giuliano de’ Medici“ von Botticelli .

Giovanni Bellini war einer der ersten venezianischen Künstler, der sich der Ölmalerei zuwandte, was zum Teil auf seine Reaktion auf den Sizilianer Antonello da Messina (ca. 1430-1479) zurückzuführen war, der die Stadt 1475-6 besuchte. Antonello, der vor allem für seinen naturalistischen „dornengekrönten“ Christus (1470) bekannt war, lernte in Neapel die Kunst der nördlichen Renaissance kennen und wurde dadurch zu einem der frühen italienischen Pioniere der Ölmalerei, eine Methode, die er an seine venezianischen Meister weitergab. Obwohl er nur kurze Zeit in Venedig blieb, hinterließ seine Kunst einen starken Eindruck. Zum Beispiel: Ekstase des Heiligen Franziskus (1480, Frick Collection, New York), Doge Leonardo Loredan (1502, National Gallery, London) und Altarbild von San Zaccaria (1505, Kirche von San Zaccaria, Venedig). Seine konzentrierten, auf das Wesentliche reduzierten Gemälde verbinden die italienische Physiognomie mit dem holländischen Realismus und nutzen die Öltechniken der Maler der nördlichen Renaissance, um Leuchtkraft und Tiefe zu erzeugen. Giovanni Bellini hatte einen großen Einfluss auf venezianische Künstler - sowohl zu seinen Lebzeiten als auch später - wie Giorgione, Tizian, Lorenzo Lotto (1480-1556), Sebastiano del Piombo (1485-1547) und andere.

Andrea Mantegna

Der erste Künstler, der die Venezianer mit dem florentinischen Interesse an der Natur und der klassischen Vergangenheit bekannt machte, war Andrea Mantegna (1430-1506), der zunächst in der nahe gelegenen Universitätsstadt Padua und dann am Hof des Herzogs von Mantua arbeitete, der der Kunst zugetan war. Mantegna, der in Padua bei einem lokalen Meister namens Francesco Squarcione in die Lehre ging, zeigte ein so außergewöhnliches Talent, dass er die Aufmerksamkeit von Jacopo Bellini auf sich zog.

Später ging Mantegna nicht nur ein künstlerisches, sondern auch ein familiäres Bündnis mit Bellini ein und heiratete eine der Töchter von Jacopo.

Wir wissen wenig über Mantegnas frühe Ausbildung, außer dass sein Lehrer Squarcione angeblich eine große Vorliebe für antike Kunst hatte; er verlangte von seinen Schülern gewöhnlich Kopien von Werken der griechischen Bildhauerei, die er in seinem Atelier sammelte. Diese frühe Ausbildung kam Mantegna im späteren Leben zugute, als er begann, ernsthaft antike Monumente zu studieren und zu kopieren.

1447 kam der große florentinische Bildhauer Donatello nach Padua, um ein Reiterstandbild zu errichten, ein Denkmal für einen erfolgreichen General. Mantegna war sowohl von Donatellos Nachbildung des klassischen Vorbilds als auch von den vielen vielversprechenden Studien des Florentiner Bildhauers beeindruckt. Angeregt durch Donatellos Beispiel erlernte Mantegna die Perspektive durch sorgfältiges, diszipliniertes Zeichnen .

Als er kaum zwanzig Jahre alt war, schuf Mantegna eine Reihe von Fresken in der Kirche der Eremitani („Eremiten“) in seiner Heimatstadt Padua. Diese Gemälde schildern das Leben des heiligen Jakobus; sie gehören zu den bemerkenswertesten Errungenschaften der Frührenaissance in ihrer Modellierung von außergewöhnlicher Tiefe und in ihrer gelehrten Nachahmung der klassischen Kunstformen. Zur Vorbereitung dieser und anderer solcher Werke fertigte Mantegna unglaublich detaillierte Zeichnungen der erhaltenen klassischen Statuen und Gebäude an, die er in Norditalien und später bei seinen Besuchen in Rom gesehen hatte.

Viele dieser Zeichnungen bildeten die Grundlage für Kompositionen, die er später stach und die als Drucke weit verbreitet waren. Heute genießt Mantegna den Ruf, einer der größten Vertreter der grafischen Künste zu sein, die Italien je hervorgebracht hat. Mantegna wurde als klassischer Gelehrter so berühmt, dass Papst Innozenz VIII. ihn in den 1480er Jahren zu einem Besuch nach Rom einlud.

Im Jahr 1459 nahm Mantegna eine Einladung des Herzogs von Mantua an, in dessen Dienste zu treten. Mit diesem Hof blieb er - mit kleineren Abwesenheiten, um nach Venedig, Rom und Verona zu reisen - für den Rest seines Lebens verbunden.

Das Altarbild , das Mantegna für die herrschende Familie Gonzaga schuf, beweist seine Fähigkeit, seine eigene Beherrschung der menschlichen Anatomie mit den neuen räumlichen Techniken der Florentiner zu verbinden. Bei dem Altarbild handelt es sich um ein Triptychon, ein dreitafelförmiges Werk, dessen rechter Flügel die „Darstellung Christi im Tempel“ ist. Die Figuren, die an dem uralten jüdischen Ritus der Beschneidung teilnehmen, sind majestätisch, elegant und doch menschlich. Die Szene spielt sich in einem hohen Saal ab, der mit klassischen Säulen, einer mit Blumenmotiven bedeckten Marmorwand und simulierten plastischen Reliefs mit Szenen aus dem Alten Testament kunstvoll geschmückt ist.

Ein viel einfacheres Werk, aber noch beeindruckender in seiner Darstellung menschlicher Emotionen, ist Mantegnas „Judith mit dem Haupt des Holofernes“. Das Werk ist in Tempera ausgeführt, einer Technik, bei der eine Mischung aus Farbpigmenten und einer zähflüssigen Substanz wie Eigelb auf eine behandelte Holztafel aufgetragen wird.

Dieses sorgfältige Verfahren wurde lange vor der Entwicklung der Ölmalerei auf Holz oder Leinwand angewandt; es führt zu leuchtenden, reinen Farben und vermittelt den Eindruck einer glatten Oberfläche. In dieser Komposition verbindet Mantegna die sorgfältige Beobachtung und Darstellung naturalistischer Details mit dem Bewusstsein für die klassischen Regeln der Körperproportionen, um Figuren von seltener Schönheit zu schaffen. Obwohl das Werk voll von starkem Realismus ist - man beachte das besonders scharfe Detail des Beins des Toten auf dem Bett im Hintergrund - vermittelt Mantegna dennoch einen Eindruck von durchdringender Traurigkeit.

Besonders bewegend ist der mitleidige Gesichtsausdruck von Judith, die es vermeidet, den abgetrennten Kopf des assyrischen Generals Holofernes zu betrachten, den sie zum Schutz ihrer israelitischen Mitbürger getötet hat. Als sie den Kopf ihrer Assistentin übergibt, könnte man Mantegnas Judith leicht mit der Heldin einer klassischen griechischen Tragödie verwechseln.

Die beste Kunst der Welt
Für eine Liste der 10 besten Künstler/Bildhauer: siehe: Die besten Künstler aller Zeiten .
Für eine Liste der 300 besten Ölgemälde und Aquarelle siehe: Die größten Gemälde aller Zeiten .
Für die 100 besten Skulpturen siehe: Die größten Skulpturen aller Zeiten .

Vittore Carpaccio

Vittore Carpaccio (ca. 1465-1525/6) war wahrscheinlich ein Schüler von Gentile Bellini. Seine Gemälde zeichnen sich durch einen Reichtum an naturalistischen Details aus, die möglicherweise durch sein Studium nordischer Künstler, insbesondere flämischer Meister wie Jan Van Eyck, beeinflusst wurden. Wie die Mitglieder der Bellini-Familie stellte er Panoramabilder von Venedig dar, aber er zeigt eine noch größere Sensibilität für die besondere Qualität des atmosphärischen Lichts als sie.

Zu Carpaccios größten Gemäldeserien gehören die großen Altarbilder, die er um 1496 für die Bruderschaft der Heiligen Ursula schuf und die Szenen aus dem Leben dieser Heiligen darstellen. Diese Altarbilder waren für die Kapelle der Schule der Heiligen Ursula bestimmt, einem kleinen Gebäude, das heute Teil des großen Museums für venezianische Malerei, der Accademia, ist. Indem er verschiedene Momente aus dem Leben der jungen Märtyrerin schildert, erzählt Carpaccio ihre Geschichte vor dem Hintergrund von Städten, die unter anderem an Köln und Rom erinnern.

Seine Werke sind erfüllt vom geschäftigen Treiben in den belebten Straßen des modernen Venedigs, und er genießt es besonders, dem Betrachter all die exotischen Gewänder der Besucher aus dem Nahen Osten zu präsentieren, die er in der Stadt beobachtet hat.

In „Die Disputation des heiligen Stephanus“ stellt er ebenso gerne Kostüme und bestimmte rassische und nationale Charaktere dar, aber noch beeindruckender für den Betrachter ist die Illusion eines tiefen, weiten Raums mit einem klar und logisch definierten Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund.

Giorgione

Während die Maler der Frührenaissance in Florenz harmonische Kompositionen schufen, indem sie ein Gleichgewicht zwischen Linie, Licht und Schatten herstellten, und während die Renaissance in Rom die Kunst des Dramas beherrschte, perfektionierten die Venezianer die subtile Verwendung von Farben. Einer der wichtigsten Vertreter des venezianischen Kolorismus war Giorgio da Castelfranco, genannt Giorgione (ca. 1477-1510).

Über diesen Maler ist sehr wenig bekannt; nur fünf oder sechs Gemälde können ihm mit Sicherheit zugeschrieben werden. Vermutlich war er ein Schüler von Giovanni Bellini, und sein Werk weist zweifellos Gemeinsamkeiten mit den Werken des älteren Meisters auf. Die früheste Erwähnung Giorgiones besagt, dass er 1508 den Auftrag erhielt, Fresken im Fondaco dei Tedeschi („Gilde der deutschen Kaufleute“) in Venedig zu malen, und dass er dabei von dem jungen Tizian unterstützt wurde.

Giorgiones berühmtestes Gemälde ist „Der Sturm“ (1506-8, Galleria dell’Accademia di Venezia). Das Thema der Komposition ist etwas unklar: vielleicht stellt es eine Szene aus einem klassischen Gedicht dar.

Ein anderes Gemälde von Giorgione, „Drei Philosophen“, vermittelt eine ähnlich lebhafte Stimmung und ist eine ungewöhnlich sensible Studie der verschiedenen Lichteffekte. Sie werden manchmal als „Drei Lebensalter des Menschen“ oder „Drei Temperamente“ charakterisiert, aber die individuellen Persönlichkeiten der Figuren sind klar definiert, und sie erscheinen vor einer Landschaft von großer Schönheit. Es wurde vermutet, dass sie jeweils verschiedene philosophische Traditionen - christliche, arabische und hebräische - repräsentieren, worauf ihre individuelle Kleidung hinweisen könnte. Wie die Heiligen auf dem Renaissance-Altar ist jeder Mann in seinen eigenen Diskurs vertieft.

„Konzert in der Natur“ könnte eines der letzten Gemälde des Künstlers gewesen sein. Es erforscht auch die atmosphärischen Effekte des Lichts und die Feinheiten der Beziehung der Figuren zueinander. Die bezaubernde pastorale Szene, wie auf dem vorhergehenden Gemälde „Der Sturm“, könnte ein klassisches Gedicht widerspiegeln; für einige klassische Dichter war es üblich, die Ereignisse auf dem Lande anzusiedeln, wobei die Protagonisten als einfache Hirten dargestellt wurden.

Wie im vorigen Stück gibt es auch hier einen Kontrast zwischen bekleideten männlichen Figuren und nackten Frauen. Allerdings gibt es hier kein gegenseitiges Verständnis: Die jungen Männer spielen und reden, ohne die Anwesenheit der schönen jungen Frauen zu bemerken. Vielleicht schildert Giorgione launig den Moment, in dem die Sänger, die von der Schönheit der Natur verzaubert sind und Liebeslieder an klassische Gottheiten komponieren, tatsächlich von den göttlichen Geistern besucht werden, die sie besingen.

Giorgiones poetische Visionen des klassischen Paradieses können als Teil der venezianischen Entwicklung von Bellinis großen zeremoniellen Gemälden bis hin zu den Werken seines Nachfolgers Tizian gesehen werden, der sich darauf konzentrierte, die greifbaren und sinnlichen Aspekte der belebten und unbelebten Formen zu vermitteln. Sein unvollendetes Meisterwerk - später von Tizian etwas unpassend vollendet - war Die schlafende Venus (1510, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden).

Zu den berühmteren Bildhauern der venezianischen Renaissance gehörte Jacopo Sansovino (1486-1570).

Tizian

Einer der größten Künstler der Kunstgeschichte, Tiziano Vecellio oder Tizian (ca. 1485/8-1576), begründete fast im Alleingang den Ruf der Malerei der Hochrenaissance in Venedig. In der Zeit der Hochrenaissance und später des Manierismus erlangte er einen Ruhm, der mit dem von Michelangelo konkurrierte. Er wurde in den südlichen Alpen in Cadore geboren; nachdem er in seiner Jugend nach Venedig gekommen war, studierte er offenbar bei Gentile und Giovanni Bellini und wurde dann Schüler von Giorgione. Es ist bekannt, dass er 1508 mit Giorgione an der Freskendekoration des Fondaco dei Tedeschi gearbeitet hat, aber sein eigenes künstlerisches Temperament scheint schon sehr früh zum Vorschein gekommen zu sein - er entwickelte einen visuellen Ausdrucksstil, der weitaus dramatischer war als die ruhigen Betrachtungen seines Meisters.

In seinem „Leben der Künstler“ erzählt Giorgio Vasari eine Anekdote, die diesen Unterschied illustriert. Bei der Beschreibung ihrer gemeinsamen Arbeit an den Fresken des Fondaco dei Tedeschi sagt er:

"Im Zusammenhang mit dieser Fassade enthüllte Tizian einen Teil seiner Arbeit, woraufhin viele Herren, die nicht wussten, dass er anstelle von Giorgione dort gearbeitet hatte, Giorgione freudig beglückwünschten, wenn sie ihm zufällig begegneten, und sagten, dass er an der Fassade zur Merceria hin besser gearbeitet habe als an dem Teil über dem Canal Grande. Dies erzürnte Giorgione so sehr, dass er sich kaum noch in der Öffentlichkeit zeigte, bis Tizian das Werk vollendet hatte und sein Anteil daran bekannt geworden war. Und von da an erlaubte er Tizian nicht mehr, sich mit ihm zu treffen oder sein Freund zu sein."

Religiöse Historienmalerei veranschaulicht Tizians Beherrschung der Landschaftsmalerei : Sein „Noli me tangere“ stellt den auferstandenen Christus dar, der Maria Magdalena bittet, ihn nicht zu berühren, weil er noch nicht mit seinem Vater vereint ist. Im Hintergrund sind, wie bei Giorgione, sanfte Hügel, Bauernhäuser und weidende Schafe zu sehen.

Was jedoch ganz anders ist, ist die Größe der Figuren und die dramatische und intime Beziehung, die durch ihre Gesten hergestellt wird, im Gegensatz zur zweideutigen, distanzierten Melancholie der Kompositionen Giorgiones. Auffallend ist auch die neue Intensität der Farbmalerei Tizians - das leuchtend warme Scharlachrot des Kleides der Magdalena und das satte Grün der Vegetation. Siehe seine kraftvollen heidnischen Werke „Bacchus und Ariadne“ (1520-23) und „Bacchanalien der Andrianer“ (1523-5), und seinen weiblichen Akt „Venus von Urbino“ (1538, Uffizien).

Schon vor Raffaels Tod galt Tizian als außerordentlich begabter Künstler, wie sein überwältigendes Altarbild „Himmelfahrt der Jungfrau“ (um 1518) beweist. Nach Raffaels Tod wurde Tizian der berühmteste Porträtist seiner Zeit. Zu seinen besten Porträts gehören ein Porträt des Malers und Kritikers Pietro Aretino und ein bemerkenswertes Selbstporträt .

Sowohl das Gemälde von Aretino, das um 1555 gemalt wurde, als auch das Selbstporträt, das um 1563, dreizehn Jahre vor dem Tod des Künstlers, entstand, zeugen von seiner Beherrschung der Technik der Ölmalerei. In beiden Gemälden tritt der Dargestellte aus einem dunklen Hintergrund hervor, und sein nachdenkliches Gesicht ist in einer Dreiviertelperspektive dargestellt, die teilweise von aufhellenden Schatten verdeckt wird. Ein warmes, goldenes Licht durchdringt jede Leinwand und belebt die reiche Textur der Kleidung des Dargestellten.

Im Vergleich zu „Frau im Pelz“, das etwa zwanzig Jahre früher gemalt wurde, scheint Tizians Pinselführung in den späteren Porträts freier und die Wirkung spontaner zu sein. Siehe auch: Venezianische Porträtmalerei (um 1400-1600).

Die zunehmende Freiheit des Strichs oder die Qualität der Malerei, die für Tizians späten Stil charakteristisch ist, lässt sich auch in seinem Gruppenporträt „„„Papst Paul III. mit seinen Enkeln feststellen, das mit Raffaels Porträt „Papst Leo X. und seine Neffen“ verglichen werden kann. Im Gegensatz zu der hochgradig bearbeiteten Oberfläche von Raffaels Werk wirkt Tizians Leinwand fast unfertig: Lücken in der Farbe sind sichtbar, und einige Bereiche der Leinwand wurden fast unberührt gelassen, während an anderen Stellen großzügig Pigment aufgetragen wurde und Kügelchen aus gleißendem Öl fast an der Oberfläche zu haften scheinen.

Tizians geschickte Fähigkeit, die Persönlichkeit oder den Charakter eines Dargestellten einzufangen, ist bemerkenswert. In dem Gemälde „Paul III. und seine Neffen“ kommt diese Fähigkeit sehr stark zum Ausdruck. Die gebrechliche, hagere Gestalt des Pontifex dominiert eindeutig die Figuren seiner Begleiter, was einen interessanten Kommentar zur Art der Beziehung darstellt; der Künstler betont die Abhängigkeit der jüngeren Männer von ihrem mächtigen Onkel.

Zu seinen Lebzeiten erwarb Tizian den Titel „des Fürsten unter den Malern“. Vasari vermerkte in seiner Biografie über Tizian, dass es kaum einen Adligen oder eine Dame gab, deren Bild er nicht malte. Er war ein Liebling von Kaiser Karl V., der ihn 1534 zum Pfalzgrafen ernannte. Seine Umgangsformen waren kultiviert, sein Haushalt luxuriös, und er empfing regelmäßig alle wichtigen Würdenträger, die nach Venedig kamen.

In einer der Biographien Tizians heißt es, dass der Kaiser ihn so sehr verehrte, dass er ihm bei einem Besuch in seinem Atelier die Ehre erwies, einen Pinsel aufzuheben, den der Künstler fallen gelassen hatte. Tizians koloristische Neuerungen machten einen so starken Eindruck, dass sogar die Florentiner begeistert waren. (Siehe auch: Tizian und die venezianische Farbmalerei um 1500-76).

Michelangelo beklagte zwar Tizians Mangel an „disegno“ oder Zeichnung, lobte jedoch seine Farbe und seinen Stil. Jahrhundert, als zahlreiche Künstler aus Italien und Nordeuropa nach Venedig reisten, um seinen ungewöhnlichen und gefeierten Stil zu studieren und zu übernehmen.

Für Einzelheiten zu den Farbpigmenten, die von venezianischen Renaissance-Künstlern in der Fresko-, Tempera- und Ölmalerei verwendet wurden, siehe: Renaissance-Farbpalette . Für einen allgemeinen Überblick über den Kolorismus, siehe: Farbe in der Malerei .

Paolo Veronese

Paolo Veronese (1528-1588) kam nach einer gründlichen künstlerischen Ausbildung in seiner Heimatstadt Verona nach Venedig. Bald nach seiner Ankunft in der Stadt wurde er einer der führenden Künstler der Manieristen und ein Vertreter der farbenfrohen venezianischen Manier, die sich in seinen monumentalen Gemälden „Das Hochzeitsfest zu Kana“ (1563) widerspiegelt. Dieses Werk ist nur eines aus einer Reihe von Festmahlszenen, die Veronese ausführte: „Das Fest im Hause Simon“ und Das Fest im Hause Levi (1573) sind weitere bekannte Werke, die seinen zeitgenössischen Geschmack für kunstvolle Gruppen von Menschen und Tieren vor dem Hintergrund palastartiger Architektur charakterisieren. Veroneses Gemälde wirken fast wie theatralische Aufführungen von beeindruckender Größe und Pracht. Reich gekleidete Herren und Damen genießen die Freuden des Lebens inmitten einer Fülle von materiellen Details - glänzende Goldgefäße, mit Wein gefüllte Gläser - in der exotischen Atmosphäre und Architektur des Venedigs des 16.

In seinen Gemälden mit feierlichen religiösen Themen, wie „Die Entdeckung des Moseskindes“, übersetzt Veronese das Alte Testament in eine moderne Ausdrucksweise. Die ägyptische Pharaonentochter und ihre Dienerin werden als zwei exquisit gekleidete venezianische Damen dargestellt, die in der Umgebung der Stadt spazieren gehen, begleitet von Mägden und einem unregelmäßig geformten Zwerg.

Die Freude und der Reichtum der Renaissance-Gesellschaft wollen in Veroneses Gemälden eingefangen werden, und es ist nicht verwunderlich, dass seine Bilder beim Publikum sehr beliebt waren, obwohl ihre Weltlichkeit die Kirche dazu veranlasste, den Künstler zu verurteilen. Zu Veroneses Zeichnungen siehe Die venezianische Zeichnung (um 1500-1600).

Siehe auch Maler des venezianischen Manierismus: Jacopo Bassano (1515-1592).

Tintoretto

Der letzte große venezianische Meister des sechzehnten Jahrhunderts war Jacopo Robusti, der den Spitznamen Tintoretto (1518-1594) erhielt. Der Legende nach verkündete der Künstler seine Absicht, die Farbe Tizians und die Zeichnung Michelangelos zu verbinden, und schon ein flüchtiger Blick auf seine Gemälde und Fresken zeigt, wie sehr sie sich von den majestätischen Kompositionen seines Meisters Tizian unterscheiden.

In einem Gemälde wie „Christus mit Maria und Martha“ sehen wir trotz seiner eindeutigen Verbindung zur üppigen venezianischen Kolorierungstradition eine neue Aufregung, einen neuen Sinn für dramatische Ergriffenheit, die für die manieristische Malerei in Italien (um 1530-1600) charakteristisch ist. Tintoretto führt eine kraftvolle diagonale Bewegung ein, die das Auge des Betrachters entlang der Tischkante von Figur zu Figur zieht. Außerdem führt Tintoretto anstelle der reichen, warmen Farbgebung von Tizian oder Veronese eine subtile, aber unverkennbare weiße Untermalung ein, die die Kleidung aller Figuren auf beunruhigende und übernatürliche Weise beleuchtet.

Mit der Entwicklung seines Stils scheinen Tintorettos Gemälde immer dramatischer und bewegter zu werden. Dies zeigt sich in dem Gemälde „Die Überführung des Leichnams des heiligen Markus“, eine von drei Szenen, die sich auf die Legende des venezianischen Schutzpatrons beziehen und die der Künstler zwischen 1548 und 1566 für die Scuola di San Marco malte. In diesem Werk ist die diagonale Bewegung im Raum noch übertriebener als in „Christus mit Martha und Maria“, und auch die Farbverzerrungen sind verstärkt. Die gesamte psychologische Atmosphäre des Gemäldes wird verstärkt, vor allem durch die unheimliche und bedrohliche Qualität des Lichts, das den Formen ihre Dreidimensionalität nimmt. Der Betrachter hat das Gefühl, Zeuge eines außergewöhnlichen Ereignisses zu sein - der Überführung und Rückführung des Leichnams des verstorbenen Markus von seiner Grabstätte in Alexandria in die Stadt Venedig, da dieses Ereignis auf höchst emotionale und dramatische Weise dargestellt wird.

Tatsächlich wurde der Leichnam des heiligen Markus im Jahr 828 von zwei abenteuerlustigen venezianischen Kaufleuten aus Alexandria gestohlen, und dieses Ereignis veranlasste den Dogen Giustiniano Partecipazio, eine Kirche zu errichten, um die heilige Reliquie aufzubewahren.

Um seinen neuen manieristischen Malstil zu entwickeln - ein Stil, der ein sehr erfolgreiches Mittel wurde, um die starken Gefühle religiöser Geschichten zu vermitteln - opferte Tintoretto die gesunde Farbigkeit Tizians zugunsten von Farbtönen, die im Vergleich dazu hart oder ungewöhnlich intensiv erscheinen. Es wird berichtet, dass Tizian den jungen Tintoretto aus seinem Atelier verbannte, weil er mit seinen verzerrten Formen und Farben unzufrieden war.

Doch so wie Tizians Gemälde die Errungenschaften der Renaissance einen Schritt weiter brachten, so ebneten die Gemälde Tintorettos den Weg für weitere formale und psychologische Innovationen des Barockstils im folgenden Jahrhundert. Über den Einfluss der venezianischen Maler auf die europäische Kunst siehe Das Erbe der venezianischen Malerei (nach 1600).