Manieristische Malerei, Italien Automatische übersetzen

Die erste Reaktion gegen die führenden Vertreter der Malerei der Hochrenaissance - Leonardo, Michelangelo, Raffael und Andrea del Sarto - erfolgte in Florenz zwischen 1515 und 1524, als die Maler Rosso Fiorentino (1494-1540) und Jacopo Pontormo (1494-1556) mit dem Naturalismus und der Harmonielehre der Hochrenaissance brachen. Einige Kunsthistoriker des zwanzigsten Jahrhunderts, darunter Max Dvorak in seinem Buch Uber Greco und der Manierismus (1921), sympathisierten mit diesen nonkonformistischen Künstlern des frühen sechzehnten Jahrhunderts und begannen, sie Manieristen zu nennen. In jüngerer Zeit haben Wissenschaftler jedoch den Begriff Manierismus verwendet, um einen völlig anderen Stil der Malerei Cinquecento zu beschreiben, der erstmals um 1520 in Rom auftrat.

Der in Rom entstandene Manierismus, der sich schließlich in ganz Europa ausbreitete, war keine revolutionäre Neuerung, sondern vielmehr eine Umgestaltung der Kunst der Renaissance, die mit der sich wandelnden Mentalität der damaligen Zeit zusammenhing. Äußerlich zeichnet sie sich durch eine gewisse Künstlichkeit, eine bewusste und ausgeprägte Pflege des Stils und eine raffinierte Freude am Phantastischen aus. Das Konzil von Trient (1545-63) begann seinen Feldzug gegen die katholische Gegenreformation gerade zu dem Zeitpunkt, als der Manierismus in Italien Fuß zu fassen begann. Die vatikanischen Behörden unterdrückten die christliche Kunst im manieristischen Stil, die für die meisten Gemeindemitglieder unverständlich war, wie die (wie vermutet) Parmigianische „Madonna mit dem langen Hals“.

Ursprünge

Das eigentliche Wort „Manierismus“ leitet sich vom italienischen Wort „ maniera“ ab (was wörtlich „Stil“ bedeutet) und wurde erstmals in der Kunstkritik des 16. Jahrhunderts verwendet, um eine bestimmte Eigenschaft zu beschreiben - Stilsicherheit .

Der Künstler und Kunsthistoriker Giorgio Vasari (1511-1574), berühmt für seinen biographischen Traktat „Leben der Künstler“ (1550), stellte fest, dass die Werke von Leonardo da Vinci (1452-1519), Raffael (1483-1520) und Michelangelo Buonarroti (1475-1564) die Quelle dieser Stilistik waren. Während die manieristischen Tendenzen in Leonardos Werken vielleicht übertrieben sind, zeigt „Die Verklärung“ von Raffael (1520, Pinacoteca Apostolica, Vatikanstadt, Rom) sicherlich deutliche Anzeichen der Art von Expressionismus, die mit dem Manierismus in Verbindung gebracht werden sollte. Einige Kunstexperten sind außerdem der Meinung, dass die dramatische Spannung und die übertriebenen Formen dieses Werks die barocke Malerei vorwegnehmen, ganz zu schweigen vom Manierismus. Michelangelos Fresko „Das Jüngste Gericht“ (1534-41) an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle ist ein weiteres Beispiel für Hochrenaissancekunst mit manieristischen Tendenzen.

Doch obwohl Leonardo, Raffael und Michelangelo die ursprüngliche Quelle gewesen sein mögen, waren es laut Vasari ihre Nachfolger, die die Gelegenheit hatten, die Entdeckungen der Malerei der Frührenaissance und der Ästhetik der Hochrenaissance vollständig zu verarbeiten, die die von diesen großen Meistern geschaffenen Modelle verfeinerten. Diese späteren Nachfolger, so glaubte Vasari, hatten das Geheimnis des wahren künstlerischen Stils erlernt - maniera . Am Rande sei bemerkt, dass sich der Manierismus hauptsächlich in der Malerei manifestierte, da die Bildhauerei praktisch uneingeschränkt fortbestand und die manieristische Architektur praktisch nicht vorhanden war.

Charakteristische Merkmale der manieristischen Malerei

Zunächst einmal hat das Wort „Manierismus“ nichts Negatives an sich. Es beschrieb eine Art von stilistischer Eleganz und spiegelte eine allgemeine Bewunderung für diese Eleganz und für den besonderen Stil oder die Manier dieses und jenes Künstlers wider. Mit der Zeit bezeichnete er die „große Manier“, die um 1520 in Rom zum modischen Stil wurde.

Obwohl es fast unmöglich ist, eine präzise Definition des Manierismus zu geben - außer ihn als so etwas wie „den Triumph der Vorstellungskraft über die akademischen Regeln der Malerei“ zu bezeichnen -, müssen wir, um ihn zu verstehen, das Folgende berücksichtigen:

❶ Obwohl in der figurativen Malerei die formalen Standards von Michelangelo und die Standards der idealisierten Schönheit von Raffael gesetzt wurden, neigten Vasaris Zeitgenossen dazu, dem Stil mehr Bedeutung beizumessen als dem Thema. Vereinfacht gesagt, wollte der manieristische Maler nicht mehr dem Ideal des harmonischen Naturalismus der Hochrenaissance folgen, sondern eine größere schöpferische Freiheit und versuchte daher, ein künstliches Bild der Natur zu schaffen, um seinen Wunsch nach größerer Virtuosität zu befriedigen. Ob dieser vermeintliche Wunsch nach schöpferischer Freiheit aus der Erkenntnis heraus entstand, dass die von Leonardo, Raffael und Michelangelo gesetzten naturalistischen Maßstäbe niemals erreicht, geschweige denn übertroffen werden konnten, ist eine interessante Frage.

❷ Auf der Suche nach schöpferischer Freiheit überarbeiteten die manieristischen Maler den klassischen Proportionskanon der Hochrenaissance. Die ideale Höhe der menschlichen Figur wurde vom Siebeneinhalbfachen der Kopfhöhe auf das Neuneinhalbfache der Kopfhöhe geändert. Neben der stilistischen Verlängerung des menschlichen Körpers, die sich manchmal auch auf einzelne Gesichtszüge ausdehnte, wie bei Parmigianinos „Madonna mit langem Hals“ (1534-40, Galerie der Uffizien), führten die manieristischen Gemälde neue Formen der Hintergrundperspektive ein, bei denen der Bildraum vollständig von den Figuren im Vordergrund ausgefüllt wurde: z. B. „Absetzung“ (1526, Santa Felicita, Florenz) von Jacopo Pontormo. Die Verwendung von Licht aus einer einzigen Quelle wurde manchmal zugunsten von kontrastierenden Effekten von Hell und Dunkel aufgegeben; helle Beleuchtung wurde ebenso eingeführt wie die Verwendung von unnatürlichen Farben.

❸ Neben den künstlichen Darstellungen der Natur bedienen sich einige Manieristen eines Stils, der als disegno fantastico bezeichnet wird und aus Launenhaftigkeit, Erfindungen, Exzentrizität und anderen Merkwürdigkeiten besteht: ein Beispiel für diese künstlerische Kategorie sind die Hofporträts von Arcimboldo, die aus Früchten und Gemüse bestehen.

❹ Aus all diesen Gründen war der Manierismus für den Kenner bestimmt - den Kunstkenner, der seine Komplexität und Virtuosität zu schätzen wusste. Die katholischen Mäzene der Gegenreformation empfanden den neuen Stil jedoch als höchst unbefriedigend - zumindest, wenn er auf religiöse Kunst wie das Altarbild angewandt wurde -, weil die Stilistik selbst dazu neigte, die biblische Botschaft zu verdecken. Selbst Michelangelos Fresko „Jüngstes Gericht“ wurde von einigen Beobachtern wegen der (meist) männlichen Akte heftig kritisiert, und er selbst wurde als "Erfinder der Obszönität, der die Kunst auf Kosten der Frömmigkeit kultivierte" bezeichnet.

Diese allgemeine Unzufriedenheit - oder zumindest Skepsis - seitens der katholischen Kirche, Europas wichtigstem Förderer der schönen Künste, brachte den Manierismus in allgemeine Ungnade, und als der französische Architekt Fréart de Chambray 1662 das Wort „Manierist“ prägte, benutzte er es, um Vasari und seine Zeitgenossen, die wichtigsten Vertreter des Manierismus, zu verunglimpfen. Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des siebzehnten Jahrhunderts .

Einer der ersten Experten für die Zuschreibung manieristischer Gemälde war der Renaissanceforscher Bernard Berenson (1865-1959), der die meiste Zeit seines Lebens in der Nähe von Florenz lebte und eine Reihe sehr einflussreicher Bücher über die italienische Kunst dieser Zeit veröffentlichte.

Geschichte und Künstler

Jacopo Pontormo (1494-1556)

Im Zeitraum c. 1510-20 Andrea del Sarto (1486-1530) war der führende Vertreter des Naturalismus der Hochrenaissance in Florenz. Die emotionale Spannung, die sich hinter der Harmonie von Andrea’s Farben und Formen verbirgt, wurde von einem seiner jüngsten Schüler, Jacopo Pontormo, der in seiner Jugend von Michelangelo selbst gelobt wurde, wahrgenommen und hervorgehoben.

In Pontormos berühmtem Altarbild Visdomini (1518) stößt die emotionale Spannung fast an ihre Grenzen; die Komposition ist vertikal und ohne Raumgefühl, und die vielen ähnlichen, aber dissonanten Handlungszentren erzeugen ein spürbares Gefühl der Erregung. Pontormo hält weiter an diesem Expressionismus fest, der zunehmend von den kantigen Formen der Stiche Albrecht Dürers und einigen der erschütternden Aspekte der Figuren Michelangelos beeinflusst wird.

Rosso Fiorentino (1494-1540)

Der andere talentierte Schüler von Andrea, der raffinierte, aber unberechenbare Rosso Fiorentino, arbeitete in einem ähnlichen Geist der Ausdruckskraft. Abgesehen von den beiden Putten wendet sich seine unkonventionelle „Jungfrau mit Kind und vier Heiligen“ (Johannes der Täufer, Antonius der Abt, Hieronymus und Stephanus) (1518, Uffizien), die für Santa Maria Nuova geschaffen wurde, völlig vom Naturalismus der Hochrenaissance ab und ist ikonoklastischer als alle Werke Pontormos. Drei Jahre später schuf er die ebenso außergewöhnliche „Absetzung“ (1521, Pinacoteca Comunale, Volterra) für den Dom von Volterra.

Die unzusammenhängende Komposition, die langgestreckten und unproportionierten Figuren und die unnatürlich kalten Farben machen es zu einem schönen Beispiel des frühen Florentiner Manierismus. Auf der Suche nach Aufträgen des neuen Papstes Clemens VII. reiste Rosso Fiorentino 1523 nach Rom, wo er von drei Eindrücken erschüttert wurde: den Fresken der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo, dem späten ) Verklärung) Stil Raffaels und der Kunst des kürzlich angekommenen Girolamo Francesco Maria Mazzola, besser bekannt als Parmigianino.

Parmigianino (1503-1540)

Der in Parma geborene und ausgebildete Parmigianino brachte drei Gemälde mit nach Rom, die von seinem künstlerischen Können zeugen. Sein von Correggio beeinflusster Stil weist bereits viel von der raffinierten Eleganz auf, für die er berühmt wurde. Rom liebte ihn, und er wurde als der neue Raffael gefeiert, der in der Lage war, die subtile Eleganz seiner späteren Werke zu reproduzieren, wie Der heilige Michael (Louvre).

Obwohl Raffael 1520 starb, wurden seine dekorativen Fresken in der vatikanischen stanze ) Raffaels Räume) von seinen wichtigsten Schülern, Giulio Romano (1499-1546) und Perino del Vaga (1501-1547), weitergeführt. Ihr Malstil basierte auf der raffinierten Verwendung klassischer antiker Formen und der raffinierten Ausnutzung verschiedener Ebenen der Bildwirklichkeit.

Die Plünderung von Rom (1527)

Rosso Fiorentinos Bekanntschaft mit Michelangelos Fresko „Genesis“ und den Werken von Parmigianino führte zu einem radikalen und komplexeren Stilwechsel. Sein Toter Christus mit Engeln (1526, Museum of Fine Arts, Boston), ein Gemälde, das er zuvor mit einer außergewöhnlichen Kantigkeit der Form ausführen konnte, wurde ruhiger, mit subtileren Gefühlen und einem überraschenden Sinn für Schönheit ausgestattet.

Die Schüler Raffaels und die neu angekommenen Rosso und Parmigianino beeinflussten sich Mitte der 1520er Jahre zweifellos gegenseitig, doch leider wurde Rom 1527 von den marodierenden Truppen Kaiser Karls V. geplündert, die den Papst zwangen, den Vatikan zu verlassen und nach Orvieto zu fliehen. Parmigianino floh nach Bologna und kehrte vier Jahre später in seine Heimatstadt Parma zurück, wo er seine persönliche maniera ) Madonna mit langem Hals) weiter entwickelte. Perino del Vaga trat in den Dienst der herrschenden Familie in Genua, und Rosso Fiorentino verbrachte mehrere Jahre in rastloser Wanderschaft zwischen Arezzo, Citta di Castello, San Sepolcro und Perugia, bevor er an den französischen Hof berufen und zum Leiter der Innenausstattung des Schlosses von Fontainebleau ernannt wurde.

Mehr über diese Mini-Renaissance der französischen Kunst siehe: Die Schule von Fontainebleau (1528-1610). Hier schuf er sein Meisterwerk Galerie Franz I. mit Freskenmalerei und ornamentalen Stuckarbeiten.

Die späten Manieristen: Giorgio Vasari, Francesco Salviati

Der raffinierte manieristische Stil, der sich in Rom vor 1527 unter Parmigianino und seinen Kollegen entwickelte, hatte einen großen Einfluss auf die individuellen Stile mehrerer wichtiger junger Künstler. Vasari und Francesco Salviati (1510-1563), die in Florenz Schüler von Andrea del Sarto gewesen waren, trennten sich 1527, nahmen aber in Rom (1531) die Zusammenarbeit wieder auf, wo sie versuchten, das formal-narrative System der späten Fresken Raffaels mit dem figurativen Stil Michelangelos zu vereinen.

Im Fall von Vasari war das Ergebnis etwas unzusammenhängend, aber Salviati gelang es, eine individuelle maniera von großem Einfallsreichtum zu schaffen - siehe zum Beispiel seine Wandmalerei Mir (1544-48, Palazzo Vecchio, Florenz).

Während Salviati eine peripatetische Karriere verfolgte - er malte in Rom, Florenz, Venedig und Frankreich - kehrte Vasari an den Florentiner Hof von Cosimo I. de’ Medici zurück, der 1537 die Nachfolge des ermordeten Alessandro de’ Medici angetreten hatte. In Zusammenarbeit mit seiner spanischen Frau Eleonora de Toledo unternimmt Cosimo eine Reihe kluger Projekte, um seine politische Position zu festigen, für die Vasari zum Regisseur wird. Seine künstlerischen Erfolge als Maler und Architekt nach 1555 waren bemerkenswert, aber sein wichtigster Beitrag zum Manierismus war sein Eintreten für die manieristischen Ideale in „Leben der Künstler“ (1550). Der begabteste Künstler am Hof von Cosimo de’ Medici war Agnolo Bronzino, ein Schüler und Quasi-Adoptivsohn Pontormos.

Agnolo Bronzino (1503-1572)

Von Anfang an reduzierte Agnolo Bronzino die emotionale Intensität, die ein so wichtiges Element von Pontormos Stil war, und erlangte in den 1530er Jahren einen Ruf als Hofporträtist. Seine reifen Porträts sind elegant, akribisch, formell und hervorragend ausgefeilt und spiegeln die spanische Etikette des Medici-Hofes wider.

Bronzino wurde bald zu Eleanors Lieblingskünstler und erhielt den Auftrag, ihre Privatkapelle im Palazzo Vecchio zu schmücken. Die daraus resultierenden Fresken, denen es zwar an spirituellem Ausdruck mangelt, sind umwerfend stilvoll, mit Verweisen auf klassische Formen - ein Hinweis auf die Kenntnis von Künstler und Thema - sowie auf Raffael und Michelangelo. Unter dem Einfluss der katholischen Gegenreformation ging Bronzino zu einem bescheideneren erzählerischen Stil über, behielt aber seine manieristische Essenz bei. Siehe auch Allegorie mit Venus und Amor (1540-50), Bronzinos mythologisches Meisterwerk.

Die Gegenreformation hatte eine ähnliche Wirkung auf andere Manieristen, obwohl nur der in Urbino geborene Federico Barocci (1526-1612) die maniera aufgab und sich der religiösen Malerei zuwandte. Baroccis fließender und zartfarbiger Stil, der weitgehend von Correggio beeinflusst ist, kann ausnahmsweise als Vorläufer der Barockmalerei angesehen werden.

Barocci gab seinen manieristischen Stil um 1575 auf, aber die meisten seiner Zeitgenossen in Florenz und Rom entwickelten die eklektischen Aspekte der ursprünglichen maniera weiter. Der sienesische Gelehrte Daniele da Volterra (1509-1566) und der in Lugano geborene Pellegrino Tibaldi (1527-1596) schrieben offen in Michelangelos Manier, und am Ende des Jahrhunderts erforschten Giuseppe Cesari (Cavaliere d’Arpino) (1568-1640) und Federico Zuccaro (1540-1609) die komplexen intellektuellen Werte von Raffaels Atelierstil. Zuccaro ist das beste Beispiel für diese Spätphase, und seine Reisen (nach Rom, Venedig, Spanien, England, Frankreich und Flandern) zeugen vom Internationalismus des späten Manierismus.

Die manieristische Malerei außerhalb von Florenz und Rom

Außerhalb von Florenz und Rom wurden Künstler in mehreren italienischen Städten nach 1527 vom Manierismus beeinflusst. Die sienesische Malerschule unter Domenico Beccafumi (1485-1551) entwickelte eine seltsame Art von emotionalem Manierismus, und auch anderswo gab es andere Varianten der maniera. Aber nur in Venedig überlebte der Manierismus als konsistente, eigenständige Ausdrucksform. Obwohl Tizian (ca. 1488-1576), nach 1530 Paolo Veronese (1528-1588), Jacopo Bassano (1515-1592) und Jacopo Tintoretto (1518-1594) manieristische Formen und Ideale in einigen ihrer Gemälde übernahmen, herrschten in der venezianischen Kunst insgesamt weiterhin nicht-manieristische Praktiken vor, sowohl in Farbe als auch im Ausdruck. Vasaris abfällige Bemerkungen über Tintorettos Mangel an gutem disegno machen deutlich, dass die Unterschiede zwischen der romanisch-florentinischen und venezianischen Malerei grundlegend blieben. Siehe auch Tizian und die venezianische Farbmalerei (um 1500-76).

Zur manieristischen Altarkunst in Venedig siehe: Venezianische Altarbilder (1500-1600), zur Porträtmalerei siehe: Venezianische Porträtmalerei (um 1400-1600). Zu ihrem allgemeinen Einfluss auf die europäische Kunst siehe auch: Das Erbe der venezianischen Malerei (nach 1600).

Paolo Veronese (1528-1588)

Paolo Veronese ist für seinen reichen Kolorismus und seine riesigen, mit Figuren überladenen Kompositionen bekannt: siehe Das Hochzeitsmahl zu Kana (1562-3, Gemäldegalerie, Dresden) und Das Fest im Hause Levi (1573; Galerie der Venezianischen Akademie). Der Reichtum seiner Farbpigmente wird jedoch am besten durch Werke wie „Mars und Venus in Liebe vereint“ (Metropolitan Museum of Art, New York) und „Die Hochzeit der Heiligen Katharina“ (Galerie der Akademie von Venedig) demonstriert.

Jacopo Tintoretto (1518-1594)

Tintoretto orientierte sich an Tizians Verwendung von dramatischem Licht und emotionaler Intensität. Im Jahr 1548 „befreit Markus einen Sklaven“ (1547-8, Galleria dell’Accademia Venezia) und etabliert ihn als führenden Maler der jüngeren Generation in Venedig. Danach widmete er einen Großteil seiner Karriere der Fertigstellung von 66 prächtigen Wand- und Deckengemälden mit Szenen aus dem Alten und Neuen Testament, die die Große Schule von San Rocco in Venedig (1564-1588) schmückten - wie „Kreuzigung“ (1565).

Sein krönender Abschluss war „Das letzte Abendmahl“ (1591-4), ein riesiges Gemälde für die Kirche San Giorgio Maggiore in Venedig. Wie es sich für den bedeutendsten Vertreter des venezianischen Manierismus gehört, machte Tintoretto in diesem Werk vollen Gebrauch von zurückweichenden Diagonalen, dramatischer Perspektive und anderen manieristischen Techniken.

Ein Vergleich dieses Gemäldes mit „Leonardos Letztem Abendmahl“ (1495-8, Santa Maria delle Grazie, Mailand) zeigt die Unterschiede zwischen der Hochrenaissance und der venezianischen Malerei des späten 16. Jahrhunderts, auch wenn letztere in Farbe und Komposition immer noch von nicht-manieristischen Techniken dominiert wird.

Die manieristische Malerei außerhalb Italiens

Die Ideen der italienischen Renaissance verbreiteten sich in ganz Europa durch Mundpropaganda und durch Drucke und Radierungen. Gleichzeitig besuchten die meisten der großen nicht-italienischen Künstler Florenz, Rom oder Venedig, um die größten Gemälde der Renaissance zu sehen und zu kopieren . Dennoch wäre es falsch anzunehmen, dass der italienische Renaissancestil die gesamte europäische Malerei beherrschte. (In der Tat waren die italienischen Künstler der Frührenaissance stark von der flämischen Ölmalerei und so spezifischen Werken wie dem Altarbild von Portinari (1475) dem Werk von Hugo Van Der Goes beeinflusst)

Einige Künstler aus dem Norden (z. B. Albrecht Dürer, Michael Pacher und andere) übernahmen die Techniken der Renaissancemalerei recht selbstbewusst; andere verwendeten sie ebenfalls, jedoch nur bruchstückhaft und ohne ein richtiges Verständnis der italienischen Kompositionstechniken. Nach 1520 begannen jedoch sowohl die Maler der nördlichen Renaissance (z. B. Hans Baldung Green) als auch die spanischen Maler (z. B. El Greco), die Ideen des Manierismus zunehmend zu verstehen und in ihren Werken anzuwenden.

Zu El Grecos größten manieristischen Meisterwerken, die eine Mischung aus Tintoretto, Parmigianino, Bassano und Michelangelo in einem byzantinischen Rahmen darstellen, siehe El Greco’s Der Akt von Christus: Die Nacktheit Christi (1577); Das Begräbnis des Grafen von Orgaz (1588); Christus, der die Händler aus dem Tempel vertreibt (1600); Porträt eines Kardinals (1600); Felix Hortensio Paravicino (1605); und Ansicht von Toledo (1600). In der Tat entstanden in verschiedenen Zentren außerhalb Italiens eigene Schulen des Manierismus.

Manieristische Gemälde sind in den meisten der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, insbesondere im Pitti-Palast und in den Uffizien in Florenz .