Manieristische Künstler des 16. Jahrhunderts Automatische übersetzen

Der Manierismus (von „maniera“, d.h. einfach Stil oder Eleganz) war in erster Linie eine Reaktion auf die übermäßig idealistische Ästhetik und die Übertreibungen der Hochrenaissance . Sie spiegelte auch die politischen Umwälzungen des Cinquecento (sechzehntes Jahrhundert) wider. So vermittelte beispielsweise der dramatische, aufrührerische Stil von Michelangelos Fresko „Das Jüngste Gericht“ an der Wand der Sixtinischen Kapelle (1535-41) in Rom den Schrecken der Plünderung der Stadt durch ein deutsches Söldnerheer im Jahr 1527. Auch Giambolognas dramatische und emotionale Skulpturen entsprechen perfekt der Stimmung der damaligen Zeit.

Nach der Hochrenaissance

Der Vergleich der Hochrenaissance mit der Ankunft auf einem Hochplateau, dessen Klima günstiger ist als das des Berghangs, der zu ihm hinaufführt, ist bis zu einem gewissen Punkt zutreffend; ebenso wahr ist, dass die Fortsetzung des Weges über diesen begehrten Gipfel hinaus einen unvermeidlichen Abstieg mit sich bringt. (Mehr über die Hochrenaissance siehe „Kunst der Renaissance in Rom“)

Natürlich hat es immer Künstler zweiten Ranges gegeben - Männer, die sensibel genug sind, die große Tradition ihrer Vorgänger fortzuführen, aber nicht kreativ genug, um sie zu ergänzen oder die Welt mit ihren Augen zu sehen - und sie werden unweigerlich Gemälde hervorbringen, die würdig, gelehrt und kompetent sind, aber aufgrund ihrer unglücklichen Position am Abhang uninteressant.

Eine solche Schule von Künstlern entstand in der Schule von Fontainebleau in Frankreich (1530-1610) und in der Schule von Bologna (ca. 1590-1625), deren Zentrum die Accademia degli Incamminati war, die von den Brüdern Carracci in Bologna gegründet wurde. Ihre Inspiration war Raphael, aber Raphael, gemildert durch die Sinnlichkeit von Correggio und die Ausstrahlung von Tizian .

Carracci hatte Anhänger, von denen der geschickteste Domenichino (1581-1641) war und der berühmteste zu seiner Zeit Guido Reni (1575-1642) war. Sie waren produktiv, trugen aber (wohl) nichts zu den kreativen Leistungen ihrer Zeit bei.

Im Moment des Höhepunkts, wenn ein hoher Gipfel erreicht ist, sind also nur zwei Wege möglich, wenn man das Erreichte auffrischen will. Die Künstler können weiterhin ihre Vorgänger bewundern und imitieren, wobei sie sie notwendigerweise übertreiben und karikieren und so das, was einst aufrichtig war, in eine Reihe von Manierismen verwandeln. Oder sie können eine neue Reise in ein neues Land antreten, einen neuen Berg besteigen und einen neuen Gipfel anstreben.

Im sechzehnten Jahrhundert können wir in verschiedenen Teilen Italiens beide Bewegungen verfolgen. Die erste, der Manierismus, musste aufgrund seiner Erschöpfung zu einem Ende kommen. Die zweite, der Barock, war zu neuem Wachstum fähig und entwickelte sich während des gesamten folgenden Jahrhunderts weiter, nicht nur in Italien, sondern in vielen Ländern Europas. Die beiden Strömungen gingen natürlich ineinander über und überschnitten sich, aber der Einfachheit halber - und um den Leser zu warnen, dass Vereinfachung in der Regel eine Übervereinfachung bedeutet - sollten sie getrennt werden.

Manierismus

In der Toskana war der Manierismus mit Heldenverehrung verbunden und konnte sich nur im Schatten von Giganten wie Michelangelo und Raffael ausbreiten, deren Leistungen so hoch waren, dass sie schließlich sogar ihren eigenen Fortschritt blockierten.

Es ist überraschend und amüsant zu sehen, wie Pontormo, Vasari, Bronzino und Tibaldi die Muskelentwicklung und die körperlichen Kurven von Michelangelo parodieren, indem sie in einem Geist, der der Heldenverehrung und der Parodie nahe kommt, kunstvolle Gesten erfinden, die nichts mit dem Thema ihrer Gemälde zu tun haben. Ihr Werk sollte in einer Geschichte, die sich um eine gewisse Objektivität bemüht, nicht ignoriert werden.

Wenn wir uns auf die Porträtmalerei konzentrieren, entkommt Bronzino (1503-1572) der absurden Histrionik seiner religiösen Freskenmalerei . Seine Porträts sind schwer, ohne Menschlichkeit, aber sie haben eine subtile Würde, und der Einfluss von Michelangelo ist nur in der leichten Unruhe der Hände und der künstlichen Arroganz in der Drehung des Kopfes oder der Form des Mundes zu erkennen. Dem erfahrenen, aber zu nervösen Parmigianino (1503-1540) gelingt es fast, uns von seiner Aufrichtigkeit zu überzeugen, wenn er seine Figuren stolz in die Länge zieht, aber er wirkt traurig hohl, wenn er neben El Greco (1541-1614) steht, dem größten Manieristen der Schule der spanischen Malerei, der eine Generation später dieselben Verlängerungen verwendete und sie zu Symbolen der Ekstase machte.

In Venedig war die Situation nicht so verzweifelt. Tizian hatte zum Zeitpunkt seines Todes sicherlich noch nicht das letzte Wort auf dem Gebiet gesprochen, das er zu erforschen begonnen hatte. Jahrhunderts baute Renoir weiter auf den Grundlagen auf, die er gegen Ende seines Lebens gelegt hatte. Und Tintoretto deutete die neue Dynamik an, die sich Rubens zunutze machen sollte, und die neue Welt des Lichts, die sich Rembrandt zunutze machen sollte.

Einige Kunsthistoriker zögern, den Begriff „Manierismus“ auf die venezianische Malerei des späten sechzehnten Jahrhunderts anzuwenden. Insbesondere Tintoretto vollzog durch die Kraft seines Genies den natürlichen Übergang von der venezianischen Malerei der Hochrenaissance zur vollwertigen Barockmalerei des siebzehnten Jahrhunderts. (Siehe auch Kunst der Renaissance in Venedig .)

Manieristischer Stil

Es wäre jedoch falsch, die Manieristen, die Italien am Ende der drei Viertel des sechzehnten Jahrhunderts mit ihren rastlosen Gemälden erfüllten, als kraftlos und unfruchtbar zu betrachten. Allein die Tatsache, dass es unmöglich ist, ihre Bilder zu betrachten, ohne ihre Unruhe zu spüren, zeigt, dass sie etwas Neues schufen, eine bis dahin unentdeckte Ader menschlicher Emotionen berührten. Man kann sie als Menschen beschreiben, die in einer Sackgasse gefangen sind und daher der völligen Bewegungsfreiheit beraubt sind, die ihre Vorgänger genossen. Aber die eingeschränkte Bewegungsfreiheit, wie die eines eingesperrten Tieres, hat ihren Reiz, und die Kunsthistoriker werden heute immer sensibler dafür.

Der Manierismus lässt sich nicht allein damit erklären, dass eine Gruppe kleinerer Künstler beschloss, die Stilmittel ihrer Vorgänger zu übertreiben. Überall außer in Venedig hatte sich eine neue politische Situation ergeben. Kleine, hochzivilisierte Höfe, die von Familien regiert wurden, die zwar viel von ihrer politischen Macht, aber nicht ihre intellektuelle Arroganz verloren hatten, zwangen den Künstlern, die ihnen dienten, ihren Willen auf.

Man kann sich Parmigianino in Rom und Parma vorstellen - vgl. Die Schule von Parma - oder Tibaldi in Bologna auf die exquisite Kostbarkeit einer solchen Atmosphäre reagierten und ihre genaue Entsprechung in formaler Hinsicht reproduzierten, während in der dickeren Luft von Venedig die wilde Erhabenheit von Tintoretto und die sanfte Urbanität von Paolo Veronese keine Anzeichen dieses Einflusses zeigten.

Dies war ein Moment in der Geschichte, der nicht verlängert werden konnte, und es war gegen sein Ende, im letzten Viertel des 16. Jahrhunderts, als die gesamte Tradition der Renaissancekunst zusammenzubrechen drohte, dass das Auftauchen einer neuen Persönlichkeit, die es wagte, das alte Plateau der Hochrenaissance zu verlassen und einen völlig neuen Aufstieg zu beginnen, die Farbe der italienischen Kunst und in der Folge die Haltung vieler Künstler des italienischen Barock veränderte.

Caravaggio lehnt die Schönheit zugunsten der Wahrheit ab

Caravaggio (1571-1610) war weder Heldenverehrer noch Parodist. Sein Erscheinen war noch unerwarteter als das von Correggio, und sein Einfluss war unmittelbarer und revolutionärer. Auf dem langen Weg von Mazaccio bis Tizian wurde die Kunstgeschichte von einer Reihe von Prinzipien geleitet, die manchmal instinktiv, manchmal bewusst formuliert wurden, wie in den Schriften von Alberti und Leonardo.

Man glaubt im Allgemeinen, dass die Kunst der Malerei darin besteht, die Erscheinung der Natur wiederzugeben; Alberti vergleicht sogar die Beziehung zwischen einem Gemälde und den darin dargestellten Gegenständen mit der Beziehung zwischen der Reflexion in einem Spiegel und der darin reflektierten dreidimensionalen Welt. Da aber die „Natur“ voller Unvollkommenheiten ist, muss der Künstler sie im Interesse der „Schönheit“ korrigieren. So gibt es eine ewige Versöhnung und ein Gleichgewicht zwischen Realismus und Schönheit.

Es war Raffael, der dieses Gleichgewicht als Erster störte. In ganz Mittel- und Süditalien wurde seine Formel „der Schönheit“ so obsessiv, dass die Kunst Gefahr lief, zu einer Suche nach formaler Perfektion zu werden, und die Schönheit selbst, die bis dahin ein Nebenprodukt des Bemühens des Künstlers war, seinen Sinn auszudrücken, begann unterzugehen, da sie eher ein Zweck als ein Mittel wurde.

Caravaggio beschloss daher in einem kühnen Schritt, die Schönheit ganz aufzugeben und sich auf die Wahrheit zu konzentrieren. Zu der Zeit, als Caravaggio seinen reifen Stil entwickelt hatte, waren Tizians Breite und Geschicklichkeit im Umgang mit der Farbe, seine Konzentration auf das Spiel des Lichts auf einer Oberfläche jedem Künstler in Italien vertraut. Es war daher unvermeidlich, dass Caravaggios Realismus ein Realismus des Lichts sein sollte. Aber während bei Tizian der Gebrauch des Lichts „poetisiert wurde“, und sein ganzes Ziel, wie das seiner venezianischen Landsleute, darin bestand, eine Welt zu schaffen, die sinnlich begehrenswerter, idealer war als die Welt des täglichen Lebens, Caravaggio nutzte seine Beherrschung des Helldunkels und sein immenses technisches Können, um uns die Welt so zu zeigen, wie sie ist, nicht ohne Schönheit - das würde bedeuten, dass er eine bewusst einseitige Politik verfolgte -, aber auch nicht künstlich durch sie aufgezwungen.

Der Einfluss des Karawaggismus

Das harte Licht, in dem Caravaggios Figuren erscheinen, ist dramatisch genug, um den Betrachter zu beeindrucken und selbst einer unbeholfenen Geste Bedeutung zu verleihen. Seine Figuren erscheinen, schlecht beleuchtet, vor dunklen Hintergründen, die mit dem Begriff Tenebrismus bezeichnet werden. Was seinen Zeitgenossen jedoch besonders revolutionär erschienen sein muss, war die Wahl der Figuren selbst und die Betonung dessen, was die Hochrenaissance ihre körperlichen Mängel genannt hätte.

Für uns, die wir an den nüchternen Realismus von Velázquez, Rembrandt oder Goya gewöhnt sind, ist diese freimütige Akzeptanz von Männern und Frauen, wie sie sind, nicht beunruhigend; aber die Weigerung des späten 16. Jahrhunderts, die Menschheit zu veredeln oder zu idealisieren, wie es Tizian und Raffael taten, die Ablehnung der gemächlichen Veroneser Opulenz oder des heroischen Dynamismus von Tintoretta muss schockierend und respektlos erschienen sein.

An die Stelle der Halbgötter der vorangegangenen Generation treten Bauern mit knorrigen Händen und runzligen Augenbrauen - ganz aufrichtig gezeichnet, denn das war das wahre Aussehen des einfachen Volkes, das Christus zu seinen Jüngern erwählte - oder ein junger Mann, dessen Eleganz eher einem Modell als einem Helden gleicht. Es ist eine demokratische Invasion, ein unvermeidliches Zeichen der Zeit. Kaum hatte sie sich im Werk Caravaggios manifestiert, begann sie, ihren unvermeidlichen Einfluss auf die nächste Künstlergeneration auszuüben.

Nicht nur in Italien, sondern auch in Spanien und Nordeuropa tauchen Tenebristische Gemälde auf, die mit Figuren von unbequemem Realismus gefüllt sind. Velázquez selbst geriet eine Zeit lang unter den Einfluss des Caravaggismus . Selbst Rubens, der von Natur aus ein opulenter und strahlender Maler war, wurde für einen Moment von dem düsteren karawaggischen Drama mitgerissen. Jahrhunderts auf den Einfluss Caravaggios auf die Künstler des siebzehnten Jahrhunderts zeigen, dass Caravaggio, der seinen Zeitgenossen als Rebell erschien, in Wirklichkeit ein Prophet war.

Für eine alphabetische Liste der Alten Meister und anderer Künstler der manieristischen Bewegung, siehe unten.

Adrian de Vries (1560-1626) Niederländischer Bildhauer
Alessi, Galeazzo (1512-1572) Architekt
Allori, Alessandro (1535-1607) Maler
Ammanati, Bartolommeo (1511-1592) Bildhauer
Anguissola, Lucia (1540-1565) Malerin
Anguissola, Sofonisba (1532-1625) Malerin
Arcimboldo, Giuseppe (1530-1593) Malerin
Aspertini, Amico (1474-1552) Maler
Bandinelli, Baccio (1493-1560) Bildhauer
Barocci, Federico (1526-1612) Maler
Bassano, Francesco (1549-1592) Maler
Bassano, Jacopo (1515-1592) Maler
Bassano, Leandro (1557-1622) Maler
Becerra, Gaspar (1520-1570) Spanischer Maler/Bildhauer
Bedoli, Girolamo Mazzola (1500-1569) Maler
Berruguete, Alonso (1488-1561) Spanischer Bildhauer/Architekt
Bronzino, Agnolo (1503-1572) Maler
Cambiaso, Luca (1527-1585) Maler
Campi, Vincenzo (1536-1591) Maler
Caravaggio (1571-1610) Italienischer Maler. Siehe. auch Caravaggio in Neapel
Caron, Antoine (1520-1598) Französischer Maler
Carracci, Annibale (1560-1609) Maler
Cattaneo, Danese (1509-1573) Bildhauer
Cellini, Benvenuto (1500-1571) Bildhauer/Goldschmied
Cioli, Valerio (1529-1599) Bildhauer
Clouet, François (1510-1572) Französischer Maler
Cornelis van Dalem (1530-1573) Niederländischer Maler
Daniele da Volterra (1509-1566) Maler/Bildhauer
Danti, Vincenzo (1530-1576) Bildhauer
Diego de Siloe (1495-1563) Spanischer Bildhauer/Architekt
Dumonstier, Pierre (1545-1625) französischer Maler
El Greco (1541-1614) griechischer/spanischer Maler
Farinati, Paolo (1524-1606) Maler
Figino, Giovanni Ambrogio (1551-1608) Maler
Fiorentino, Rosso (1494-1540) Maler
Francavilla, Pietro (1548-1615) Bildhauer
Gerhard, Hubert (1540-1620) Niederländischer Bildhauer
Gisi, Giorgio (1520-1582) Kupferstecher
Giacomo della Porta (1533-1602) Architekt
Giambologna (1529-1608) Flämischer/Bildhauer
Giovane, Palma (1548-1628) Maler
Goujon, Jean (1510-1568) Französischer Bildhauer
Hans Spekaert (gest. 1577) flämischer Maler
Hans von Achen (1552-1615) deutscher Maler
Jan Sanders van Hemessen (1500- 1566) niederländischer Maler
Juan de Juni (1507-1577) französischer/spanischer Holzschnitzer
Karel van Mander (1548-1606) niederländischer Schriftsteller/Künstler
Leoni, Leone (1509-1590) Bildhauer
Leoni, Pompeo (1533-1608) Bildhauer
Ligorio, Pirro (1510-1583) Architekt
Ligozzi, Jacopo (1547-1627) Maler
Lomazzo, Giovan Paolo (1538-1600) Maler
Luis de Morales (1520-1586) Spanischer Maler
Martin de Vos (1532-1603) Flämischer Maler
Michelangelo (1475-1564) Maler/Bildhauer
Moroni, Giovanni Battista (1520-1578)
Niccolò dell’Abbate (1512-1571) Maler
Nosadella, Il (1549-1571) Maler
Otto van Veen (1556-1629) Flämischer Maler
Palladio, Andrea (1508-1580) einer der größten Architekten seiner Zeit
Parmigianino (1503-1540) Maler, Radierer
Passerotti, Bartolomeo (1529-1592) Maler
Perino del Vaga (1501-1547) Maler
Pieter de Witte (1548-1628) Niederländischer Maler
Pilon, Germain (1529-1590) französischer Renaissance-Bildhauer
Polidoro da Caravaggio (1500-1543) Maler
Pontormo, Jacopo (1494-1556) Maler
Porta, Giuseppe (1520-1575) Maler
Prière, Barthelemy (1536-1611) französischer manieristischer Bildhauer
Primaticcio, Francesco (1504-1570) Maler/Bildhauer
Romano, Giulio (1499-1546) Maler
Roncalli, Cristoforo (1552-1626) Maler
Salviati, Francesco (1510-1563) Maler
Sansovino, Jacopo (1486-1570) Bildhauer/Architekt
Scamozzi, Vincenzo (1548-1616) Architekt
Schiavone, Andrea (1500-1563) Maler
Scultori, Diana (1547-1612) Kupferstecher
Spranger, Bartholomeus (1546-1611) Flämischer Maler
Sustris, Lambert (1510-1560) Niederländischer Maler
Tibaldi, Pellegrino (1527-1596) Maler
Tintoretto (1518-1594) Maler
Tribolo, Niccolo (1500-1550) Bildhauer
Vasari, Giorgio (1511-1574) Maler, Kunsthistoriker
Veronese, Paolo (1528-1588) Maler
Vignola (1507-1573) Architekt; vgl: Architektur der Renaissance
Vittoria, Alessandro (1525-1608) Bildhauer
Zuccaro, Federico (1542-1609) Maler
Zuccaro, Taddeo (1529-1566) Maler
Zucchi, Jacopo (1540-1596) Maler

Die größten Gemälde des manieristischen Stils

Die Besonderheiten der manieristischen Malerei werden durch die folgende Auswahl von Gemälden gut illustriert.

Giuseppe Arcimboldo (1527-1593)
Winter (1573) Louvre, Paris.
Kaiser Rudolf II. als Vertumnus (1591) Skoklosters Slott, Schweden.

Hans Baldung Grien (1484-1545)
Altarbild „Krönung der Jungfrau“ (1512-16) Freiburg im Breisgau.
„Drei Lebensalter des Menschen mit dem Tod“ (ca. 1540) Prado, Madrid.

Jacopo Bassano (1517-1592)
Das letzte Abendmahl (1547) Galleria Borghese, Rom.

Agnolo Bronzino (1503-1572)
Porträt von Lucrezia Panziatichi (1540) Uffizien, Florenz.

Annibale Carracci (1560-1609)
Fresken in der Galleria Farnese (1597-1608) Rom

El Greco (1541-1614)
Begräbnis des Grafen von Orgaz (1586-88) Kirche von Santo Tomé, Toledo, Spanien.
Nacktheit von Christus (1577) Kathedrale von Toledo.
Ansicht von Toledo (1595-1600) Metropolitan Museum of Art, New York.
Christus, der die Kaufleute aus dem Tempel vertreibt (1600) National Gallery, London.
Porträt eines Kardinals (1600) Metropolitan Museum of Art, New York.
Porträt von Fra Felix Hortensio Paravicino (um 1605) MFA, Boston.

Michelangelo (1475-1564)
Fresko „Jüngstes Gericht“ (1535-41) Sixtinische Kapelle, Vatikan.

Parmigianino (1503-1540)
Madonna mit langem Hals (1535) Uffizien, Florenz.

Jacopo Pontormo (1494-1556)
Cosimo de’ Medici Il Vecchio (1518-19) Uffizien, Florenz.

Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-1594)
Adam und Eva (1550) Galleria dell’Accademia, Venedig.
Kreuzigung (1565) Scuola Grande di San Rocco, Venedig.
Geburt Christi (1579-81) Scuola Grande di San Rocco, Venedig.
Letztes Abendmahl (1592-4) San Giorgio Maggiore, Venedig.

Giorgio Vasari (1511-1574)
Die Hochzeit von Esther und Ahasverus (1548) Staatsmuseum, Arezzo.

Paolo Veronese (1528-1588)
Hochzeitsmahl zu Kana (1563) Louvre, Paris.
Fest im Haus des Levi (1573) Galleria dell’Accademia, Venedig.

Caravaggio (1571-1610)
Abendessen in Emmaus (1601) National Gallery, London.
Bekehrung des Heiligen Paulus (1601) Kirche Santa Maria del Popolo.
Tod der Jungfrau (1602) Louvre.
Zweifelnder Thomas (1602-3) Sanssouci, Potsdam.
Die Verleugnung des Heiligen Petrus (1610) Metropolitan Museum of Art, New York.

RENAISSANCE ART
Zu den Malern und Bildhauern des 14. und 15. Jahrhunderts siehe:
Künstler der Proto-Renaissance (1300-1400)
Künstler der frühen Renaissance (1400-1490)
Künstler der Hochrenaissance (1490-1530)