Impressionist Edouard Manet Automatische übersetzen

"Es wäre ein Künstler, ein wahrer Künstler", schrieb Baudelaire, "der uns sehen und erkennen ließe, wie majestätisch wir in unseren Smokings und polierten Schuhen sind". Genau das ist er, sogar mit einem hohen Hut, in Manets erster großer Komposition „Musik im Garten der Tuilerien“, die 1860-1 gemalt und im Frühjahr 1863 in der Galerie Martinet ausgestellt wurde: eine große Komposition, trotz ihrer mittleren Größe (76×120 cm), und außergewöhnlich in ihrer Dichte, da mehr als fünfzig Personen darin versammelt sind. Mit ein wenig Aufmerksamkeit kann man eine Reihe von Freunden und Pariser Persönlichkeiten der damaligen Zeit erkennen, sitzend, stehend oder verbeugt. Besonders auffallend sind trotz der Interpretationsfreiheit die aufrecht aneinander gedrückten Figuren, die lebhafte Verteilung der hohen Hüte, die sich um die breitkrempigen Sonnenhüte gruppieren, die Frisuren und die Kleidung der Frauen, die in großen, hellen, flächigen Tönen gemalt sind, die durch stark kontrastierende, lebhafte Farbtöne hervorgehoben werden.

❶ Ursprünge und Einflüsse
❷ Frühgeschichte
❸ Impressionist Édouard Manet
❹ Impressionist Claude Monet
❺ Impressionisten Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cézanne
❻ Monet und Pissarro in London
❼ Entwicklung der impressionistischen Malerei
❽ Impressionistische Ausstellungen
❾ Gruppierung
❿ Vermächtnis

Zu Manets späteren Werken siehe: Balkon (1868); Porträt von Emile Zola (1868); Berthe Morisot mit einem Veilchenstrauß (1872) und Straßenarbeiter, Rue Bern (1878).

Es hat nichts Willkürliches an sich, dass so viele Menschen versammelt sind; sie befinden sich in einer natürlichen Umgebung und fühlen sich wohl. Das Bild ist jedoch zweifellos in einem Atelier gemalt, wie es damals üblich war. Aber der Fortschritt ist offensichtlich, wenn man sich die großen Kompositionen Courbets ins Gedächtnis ruft, die immer vom symbolischen Charakter jeder einzelnen Figur beherrscht werden, so schön sie auch einzeln behandelt sein mag.

Zum ersten Mal erhalten wir durch Manet einen Blick auf eine ganze Gesellschaft, deren konkrete Erscheinung durch reine Wahrnehmung vermittelt wird. Es handelt sich nicht um nebeneinander gestellte Individuen, sondern um die verschiedenen artikulierten Elemente einer kollektiven Realität, in der die einzelnen Faktoren sich selbst zurücknehmen und sich im Ganzen auflösen. In „Der alte Musikant“ malt Manet noch ein Nebeneinander von Figuren - man könnte auch sagen von Spaziergängern, denn sie sind eine Art Inventarmodell -, jede in einer festen Pose und an einem festen Ort, und doch mit einer überraschenden Kraft der individuellen Präsenz.

„Musik in den Tuilerien“ kann noch vor und viel berechtigter als „Frühstück im Gras“ als das erste Werk der modernen Malerei betrachtet werden, das am besten veranschaulicht, was Malraux so treffend als Malerei ohne andere Bedeutung als die Kunst des Malens definiert hat. In Manets Werk erscheint zum ersten Mal eine Art Gleichzeitigkeit der Gefühle (anstelle der festen Form der Komposition) und, in dieser Unterordnung ihrer Kraft, eine Reihe notwendiger Verformungen. Einige Figuren erhalten einen unproportionalen Maßstab, Farbmassen erscheinen. Was zählt, ist die Wirkung des Ganzen. Es ist auch ein Werk, in dem so viele Details, hervorgehoben und vergrößert, die Grundlage für spätere Gemälde von Manet oder sogar seinen Freunden, Monet oder Renoir, bilden werden, die diese Kombination von Gelb und Blau oder dieses seidene Gewand mit schwarzen und weißen Streifen wiederholen werden.

Merkwürdigerweise erlaubte sich Manet nie wieder solch ehrgeizige Entwürfe, mit Ausnahme eines noch kleineren Gemäldes (61×74 cm) „Maskenball in der Oper“ (1873), auf dem wir ein noch strengeres Ballett hoher schwarzer Formen sehen, in einer transparenten Atmosphäre, da es sich im Licht eines geschlossenen Raumes und nicht in der Natur abspielt. Vielleicht bezog sich Mallarmé auf dieses Gemälde, da er es für den Höhepunkt im Werk seines neuen Freundes hielt. Wenn man von der freiwilligen Zurückhaltung erfährt, die für Manet charakteristisch war, der sich bei seiner Arbeit stets zurückhielt, kommt man zu der Überzeugung, dass diese beiden außergewöhnlich ehrgeizigen und bedeutenden Werke nicht nur die Handschrift eines, sondern zweier kreativer Genies tragen: Manet und Baudelaire im ersten Fall, Manet und Mallarmé im zweiten.

Wenn Manet als ein so außergewöhnlicher Entdecker vor uns steht, liegt das dann nicht daran, dass er den Blick dieser beiden großen Dichter besitzt, die innerhalb weniger Jahre zu den größten und bedeutendsten Figuren des französischen Denkens wurden? Manche neigen dazu, die Bedeutung seiner Freundschaft mit Baudelaire herunterzuspielen, weil der Dichter ihm nicht die Aufmerksamkeit schenkte, die er Delacroix, Dumier oder sogar Constantin Parny schenkte.

Aber das Werk von Delacroix, wie großartig er auch in seinem Alter gewesen sein mag, gehört bereits der Vergangenheit an, und die neue Malerei (so nannte man sie vor dem Namen Impressionismus, der viel weiter gefasst ist und besser zu Manet passt) hatte gerade erst begonnen. Baudelaire erlebt sie nicht als außenstehender Beobachter, sondern in Manet. Er war es, der im Moment der abscheulichen Angriffe auf „Olympia“ trotz seiner verzweifelten Lage die Kraft fand, Manet seinen berühmten Brief zu schreiben, in dem er den Künstler ermahnt und unterstützt. Bald darauf hört Baudelaire auf, er selbst zu sein, er kann weder schreiben noch sprechen. Er stirbt und hinterlässt neben sich mindestens zwei Gemälde von Manet.

Einige Jahre später wird Mallarmé der engste Freund des Künstlers, der ihn täglich morgens im Atelier oder nachmittags nach der Schule trifft, lange Gespräche führt und Ansichten austauscht, die sich in den Illustrationen für die Übersetzung „von Der Rabe“ von Poe und für „Vor dem Schlafe“ widerspiegeln, sowie in dem wunderbar geformten Porträt, das Manet von seinem Freund malt und das genau dem Porträt seines Gesprächspartners entspricht.

Dies zeugt von der außergewöhnlichen Haltung Manets gegenüber seinen Künstlerfreunden und erklärt ihre Verehrung für ihn, ihre Ehrfurcht vor ihm und andererseits die Zurückhaltung, die man ihm manchmal vorwirft, wenn er zum Beispiel ihren Ausstellungen fernbleibt. Trotz seiner Zurückhaltung verfügt er über eine einzigartige und unbezwingbare physische Kraft.

Diese Art und Weise hängt nicht von seiner bildnerischen Tätigkeit ab, sie lehnt jede theoretische Tätigkeit ab und ist lediglich das Ergebnis von Form, Lebensstil, Eleganz, Dandytum (erinnert an Baudelaire), Urbanität und einer Vorliebe für Argumente, nicht ohne extreme Sensibilität (er hat sich einmal heftig mit seinem Freund Duranty gestritten, als er glaubte, einige Vorbehalte in dessen Gedanken gefunden zu haben). Er war immer von großer Neugierde geprägt, manchmal auch von plötzlicher Müdigkeit. schrieb Mallarmé später, als er versuchte, sich an die charakteristischen Züge eines Freundes zu erinnern, der nicht mehr da war.

Manet zeichnete sich auch durch große Einfachheit, ja Naivität aus. Mallarmé spricht von seiner „Unschuld“. Er freute sich über seine Aufnahme in den Salon und wollte nichts weiter, so wie Baudelaire mit verdoppeltem Elan seine Wahl in die französische Akademie anstrebte. Keiner von beiden wollte einen Skandal auslösen, und doch sollte Manet, wie Georges Bataille ganz richtig schreibt, ein zufälliges Instrument der Metamorphose werden.

Warum der Skandal und warum Manet? Bis zu diesem Zeitpunkt hatte seine Karriere alle Anzeichen von Brillanz und Meisterhaftigkeit gezeigt. Er war seit seiner Zeit als Schüler im Atelier von Couture bekannt: 1861 wird ein Porträt seiner Eltern, das in einer eher holländischen Form ausgeführt wurde, mit Ehre aufgenommen. Danach ist seine Sympathie für Spanien, die seit der Romantik von so vielen Künstlern und Schriftstellern geteilt wird, nicht mehr überraschend. Er ehrt das Modell immer noch, obwohl er es auf eine ungewöhnliche Weise behandelt.

Der Schlag fällt auf die Ausstellung von „Musik in den Tuilerien“, umgeben von spanischen Gemälden, in der Galerie Martinet im März und April 1863. Echte Kunsthistoriker und Künstler wurden nicht getäuscht. Der junge Monet, der zu diesem Zeitpunkt seinen Autor noch nicht kennt, erlebt einen wahren Schock. Der Saulus des Impressionismus findet seinen Weg nach Damaskus. Aber die wirkliche Reaktion bricht erst am 15. Mai desselben Jahres aus, als Manet „Frühstück im Gras“ im Salon des Refusés im Industriepalast ausstellt, den der Kaiser aufgrund des extremen Konservatismus der französischen Akademie, die durch die Jury des Salons vertreten ist, großzügig zulässt. Diese Hysterie hielt drei oder vier Jahre lang an und wurde auf dem Salon von 1865 durch das Gemälde „Olympia“ von 1863 erneuert.

Heute ist es fast unmöglich zu verstehen, wie diese beiden Gemälde so grobe Beleidigungen und eine so heftige Opposition zwischen den Parteien verursachen konnten. Die Argumente sind so oft angeführt worden, dass man nicht mehr auf sie zurückkommen kann; sie sind an sich uninteressant, sei es wegen ihrer monotonen Wiederholung oder wegen ihrer Autoren, die heute völlig vergessen sind. Diese Heftigkeit lässt sich kaum durch eine zerstreute Erkenntnis der Bedeutung Manets, der Rolle, die er zu spielen hatte, erklären, ohne genau zu wissen, welche es war. Sie ermöglicht es, die Wut seiner Feinde zu zügeln.

Unter den Vorwänden, die ihn hätten provozieren können, sehe ich nur einen, den Manet sicher nicht wollte, der sich aber aus der von ihm entwickelten Technik der Kontraste ableitet: die Akte im Zentrum der beiden Gemälde haben nichts mehr mit den Figuren der traditionellen Zeichenschule gemein, sondern evozieren mit ihrem obszönen Weiß ein Gefühl der Entkleidung, das, in den Rahmen des Alltags gestellt, die Heuchelei der Zeit tief erregt. (Erinnern Sie sich an die empörte Kaiserin, die in Courbets Gemälde „Quelle“ einen Stock auf einen schönen Akt schlägt). Diese weißen Farben fallen auch heute noch ins Auge, während sie von den Zeitgenossen als schmutzig angesehen wurden.

Was auch immer der Anlass war, es hätte keine schlechtere Wahl sein können. Beide Kompositionen waren, wie weitsichtigere und kühlere Gemüter bald feststellten, von den klassischsten Beispielen der Renaissance inspiriert: „Das Urteil des Paris“ von Raffael, das durch die Stiche von Marcantonio Raimondi populär wurde. In „Frühstück im Gras“ ist der schockierende Effekt der Wechsel von nackten und bekleideten Figuren (eine davon recht komisch in einer geschlossenen Jacke und einer Mütze mit Quasten), die eher eine Abfolge von Momenten als eine homogene Gruppe darstellen. Die Landschaft wird auch als Dekor aus wechselnden Bepflanzungen dargestellt, aus denen leuchtende Hintergründe aufleuchten.

Was uns in diesem hybriden Werk heute am meisten auffällt, ist das ungewöhnliche Stillleben im Vordergrund, das auf einem blauen Kleidungsstück ausgebreitet ist. Andererseits ist „Olympia“ ein Werk von wunderbarer Geschlossenheit, in dem alle Elemente ohne die geringste Unterbrechung miteinander verbunden sind und ineinander fließen, wodurch der Eindruck der Opulenz dieses leichten, schlanken Körpers entsteht.

Die Räume der Leichtigkeit - mattes Fleisch, gelb-rosa Muschel und bläuliche Blätter - werden durch mehrere schwarze Elemente verdünnt, die zunehmend gesättigt sind, bis hin zu dem Band, über dem der Kopf abgeschnitten zu sein scheint. All dies wird mit königlicher Geschicklichkeit verteilt. Es handelt sich um ein hervorragend ausgeführtes Werk, und es ist leicht zu verstehen, warum Monet es später ohne zu zögern als Gegenstand einer nationalen Subskription für den Louvre wählte. Von dem Moment an, in dem das Gemälde gezeigt wird, ist Manets Triumph gewiss. Denn was konnte ihn in diesem Jahr 1865 noch aufhalten? Daher die ohnmächtige Wut einiger Leute. Manet wird also allein gelassen. Er trägt alles vor sich her.

Von den anderen Künstlern seiner Epoche stellt Degas eine weitere seiner großen klassischen Kompositionen aus, „Das Unglück der Stadt Orleans“, zu der ihm der bedeutende Maler Puvis de Chavannes gratuliert. Cézanne hat noch nicht sein ganzes Potenzial entfaltet. Von den anderen impressionistischen Malern (zehn Jahre jünger als Manet) war die bedeutendste Gruppe - Monet, Sisley, Renoir und Bazille - gerade erst aus dem Atelier von Glair hervorgegangen und hatte noch keine Zeit gehabt, zu zeigen, wozu sie fähig waren. Doch gerade dort wird eine Nachfolge vorbereitet, dank Befürwortern wie Paul Durand-Ruel . Für weitere Einzelheiten siehe: Die besten impressionistischen Gemälde .

Wir bedanken uns für die Verwendung eines Auszugs aus „Impressionismus“ von Jacques Lassagne (1966).