J Alden Weir:
Amerikanischer Impressionist, Landschaftskünstler Automatische übersetzen

Biografie

Eine wichtige Figur in Amerikanischer Impressionismus, J Alden Weir ist berühmt für seine Impressionistische Landschaftsmalerei und wie sein enger Freund John H. Twachtman (1853 – 1902) war Mitglied der Cos Cob Art Colony in der Nähe von Greenwich, Connecticut. Er ist jedoch auch für seine konservative Haltung bekannt Stillleben malen und Porträtmalerei. Weir war Gründungsmitglied von "The Ten", einer lockeren Gruppe interessierter amerikanischer Maler Impressionismus aber unzufrieden mit den beiden wichtigsten Künstlerorganisationen – der National Academy of Design und der Society of American Artists -, die 1898 zusammenkamen, um ihre Bilder der Öffentlichkeit vorzustellen. Weirs Hauptbeitrag zur Impressionismus-Bewegung in Amerika bestand darin, ihr Patriarch zu sein – nicht wegen seines fortgeschrittenen Alters: Er war nicht älter als eine Reihe seiner Kollegen von "The Ten", obwohl er einige seiner engen Freunde unter ihnen überlebte. wie Twachtman und Theodore Robinson (1852 & ndash; 96). Und nicht, weil er den Impressionismus vor seinen Kollegen adoptiert hat: Tatsache ist, dass sein Engagement für die Bewegung nie so groß war wie das von Childe Hassam (1859-1935) oder Robinson; er hatte weniger Kontakt mit französischen Malern als Mary Cassatt (1845-1926) oder Robinson; er war weniger talentiert als John Singer Sargent (1856-1925); weniger ein Lehrer als William Merritt Chase (1849-1916); und seine Erforschung der Avantgarde Ästhetik war minimal im Vergleich zu Twachtman. Weir war jedoch eine äußerst sympathische Persönlichkeit, ein herzlicher Freund vieler seiner Kollegen und eine Brücke zu einigen der Großen Kunstsammler von der Zeit, die er beriet, und sympathisch mit Künstlern, Kunstkritiker und Bewegungen von sehr unterschiedlichen Standpunkten. Darüber hinaus und mit seinen vielen künstlerischen Meisterwerken, nicht zuletzt The Red Bridge (1895, Metropolitan Museum of Art, New York), legt er Wert auf Amerikanische Kunst seiner Zeit wurde durch seine organisatorischen Fähigkeiten weiter gestärkt, und er wurde oft überredet, administrative Positionen in den Kunstorganisationen seiner Zeit zu übernehmen.

Kunstvermittlung: New York und Paris

Weir wurde in West Point als Sohn von Robert Walter Weir geboren, einem Professor von Zeichnung an der Militärakademie, zu deren früheren Schülern Künstler wie James McNeill Whistler (1834-1903) gehörten. Der Kontakt des Vaters mit der Knickerbocker-Gemeinschaft von Künstlern, Schriftstellern und Förderern sowie seine umfangreiche Sammlung von seltene kunstbücher Das Beispiel seines älteren Bruders John Ferguson Weir, eines bekannten Landschaftskünstlers, der bereits eine künstlerische Karriere in New York City begonnen hatte, als J. Alden dorthin ging im Winter 1867-68 an der National Academy of Design Schools zu studieren. John Ferguson Weir war ein Künstler von beachtlichem Talent, der jahrzehntelang Leiter der Yale University Art School wurde und dessen Kunst scheinbar nur unwesentlich vom Impressionismus beeinflusst war und mehr von der Ästhetik der Kunst beeinflusst wurde Hudson River School und das Barbizon Schule der Landschaftsmalerei. J Alden Weir knüpfte in seinen frühen Jahren Kontakte in New York, die er zeitlebens pflegte, und knüpfte Freundschaften mit ihm Albert Pinkham Ryder (1847-1917) im Jahr 1868 und mit William Merritt Chase (1849-1916) im folgenden Jahr. Dennoch war es natürlich, dass er Anfang der siebziger Jahre die Anziehungskraft von Paris spürte, und so machte sich Julian Weir 1873, ermutigt von seinem älteren Bruder und mit finanzieller Unterstützung von Frau Bradford R. Alden, auf den Weg nach Paris, wo er sich an der Universität einschrieb Ecole des Beaux-Arts, unter Jean-Leon Gerome (1824 & ndash; 1904). Gerome lieferte ihm die Basis für seine zukünftige Kunst, eine starke Beschäftigung mit dem Zeichnen und der strukturellen Modellierung der Form; das akademische Kunst Das Weir, das unter Gerome gemalt wurde, gehört zu den schönsten, die Amerikaner je hatten. Weir war beeindruckt von der Suche nach der repräsentativen Wahrheit unter den französischen Meistern wie Gerome und Leon Bonnat (1833-1922) und ergänzte sein Studium mit der Prüfung von Alte Meister, wie der deutsche Porträtist Hans Holbein (1497-1543) aus dem 16. Jahrhundert, für den er vorbereitete Skizzierung war von größter Bedeutung.

Künstlerische Einflüsse

Doch in seinen vier Auslandsjahren zeigten Weirs Anliegen und Sympathien eine gewisse subtile Verschiebung, die für einen bewussten, wenn auch im Grunde konservativen jungen Künstler nicht untypisch ist. Bereits 1874 zeigte er ein koloristisches Interesse, das durch seine Ausbildung bei Gerome nicht unterstützt wurde, und im Winter 1874/75 führte eine Reise nach Belgien und Holland zu einer neuen Bewunderung für die Arbeit von Franz Hals (1582- 1666), selbst ein Idol der fortgeschritteneren Künstler in München; Weir sollte auch die Arbeit von Frank Duveneck bewundern. Zurück in Paris begeisterte er sich für das brillante, lichtdurchflutete Werk der zeitgenössischen "kleinen Meister" wie Ernest Meissonier (1815-91), doch mit dem aufstrebenden jungen französischen Künstler wurde eine entscheidende Freundschaft geschlossen Jules Bastien-Lepage (1848-84), den Weir 1873 kennengelernt hatte. Bastiens Gleichgewicht zwischen richtig figur zeichnung und die spontane Freilichtmalerei, die sich durch ihr helles graues Licht und ihre Atmosphäre auszeichnet und durch eine feste räumliche Kontrolle zu einem hohen Horizont führt und die französische Bauernschaft im monumentalen Maßstab darstellt, wurde zum Modell für die Suche nach jungen Künstlern aus Europa und Amerika für die nächste Weitere anderthalb Jahrzehnte, auch nach Bastiens frühem Tod im Jahr 1884. Obwohl Weirs eigenes Gemälde – anders als das seiner Landsleute wie Charles Sprague Pearce (1851-1914) oder seines eigenen Vertrauens – nur für kurze Zeit ein völliges Bekenntnis zu Bastiens Geboten widerspiegelte Freunde in Paris wie Will Low (1853-1933) – Elemente von Bastiens Stil sollten während Weirs Karriere Wegweiser bleiben oder möglicherweise Einschränkungen unterliegen. Und er sollte für Bastiens Ruf bei amerikanischen Sammlern und Künstlern werben und ihn voranbringen, selbst bei Künstlern wie John Twachtman, die es nur ungern taten.

Zu dieser Zeit absorbierte Weir sowohl Elemente der modernen Kunst als auch der eher konservativen Gegner. Seite an Seite mit seiner Wertschätzung für die fließenden Pinselstriche von Hals und Carolus-Duran (1838-1917) sowie Paul Baudrys Decke für die Pariser Oper, die 1893 Vorbild für Weirs Beitrag zur Chicago Columbian Exposition wurde, saß er seine Bewunderung für die akademischen Meister der Linie: Gerome, Bonnat und JADIngres (1780-1867). Gerome, der nicht annähernd so sehr gegen andere ästhetische Vorstellungen war, wie ihn spätere Historiker herausgefunden hatten, überredete Weir, nach Spanien zu gehen, aber er war überraschend enttäuscht über das Gemälde von Velazquez und dachte sogar noch schlimmer an Goya.

Ländliche Genre-Malerei, Bretagne

In Frankreich folgte Weirs eigene Kunst dem Kurs vieler junger französischer, britischer und amerikanischer Maler seiner Zeit, wobei er sowohl grandiose historische Erzählungen als auch radikale künstlerische Abweichungen vermeidet und seine neuen Fähigkeiten in der Figurenmalerei auf Szenen des bäuerlichen Lebens anwendet. Wie viele andere wählte er die traditionellsten und malerischsten Bauern der Bretagne aus Genrebilder als ein Interieur der Bretagne (1875), ein Gemälde, das im Pariser Salon gezeigt wurde, und ein bretonisches Bauernmädchen (1875). Die Attraktivität der Bretagne beruhte auf einer Reihe von Faktoren. Dort gab es eine Kunstkolonie, in der sich junge Künstler vieler Nationen, insbesondere Amerikaner, in den Sommermonaten in den Dörfern Concarneau und Pont-Aven versammelten, als die Pariser Schulen und Ateliers geschlossen wurden. Weir, angezogen von Pont-Aven am Beispiel des kurzlebigen, viel bewunderten Robert Wylie (1839-77), der dort 1874 arbeitete und seins praktizierte Genre-Malerei des bäuerlichen Lebens. Diese Dörfer boten Kameradschaft, pittoreske Themen und äußerst preiswerte Lebensbedingungen und Modelle – das Notwendigste für ungeklärte Kunststudenten. Gleichzeitig bildeten sie das Thema für ambitionierte junge Künstler, um ein wichtiges Thema zu erforschen, das zu dieser Zeit sowohl kritisch als auch künstlerisch populär war: das unveränderliche bäuerliche Leben, einfach, rein und angeblich immun gegen das hektische Tempo und die sich verändernden Werte der modernen Welt in der Tat wurde diese traditionelle Existenz zunehmend durch Mechanisierung und Konglomerat bedroht. Auf jeden Fall schlossen sich Weir, Wylie und andere amerikanische Maler der Bauernschaft wie Joseph Oriel Eaton (1829-75) und Charles Sprague Pearce der zweiten Künstlergeneration wie den Franzosen Jules Breton, Bastien-Lepage und Leon Lhermitte (1844-1925) zur Monumentalisierung der Figuren, die der Pionier erstmals in die moderne französische Kunst einführte Jean-François Millet (1814 & ndash; 75).

Kontakt mit dem Impressionismus

Weirs erster Kontakt mit der neuen Bewegung des Impressionismus fand in Paris statt, als er im April 1877 die dritte Impressionistenausstellung besuchte. In ihr wurden 230 Werke von 18 gezeigt Impressionistische Maler, einschließlich Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899), Paul Cezanne (1839-1906) und Entgasen (1834-1917), denen die Öffentlichkeit und die Kritik weitgehend gleichgültig blieben. (Weitere Informationen finden Sie unter: Impressionistische Ausstellungen in Paris: 1874-86.) Für einen Künstler wie Weir, der den ungezügelten Umgang mit Farben, den Mangel an Konstruktion und den Mangel an moralischen Absichten des Impressionismus verabscheute, war der neue Stil einfach schrecklich. Als "Impressionisten" bezeichnete er die Künstler und schrieb an seine Eltern: "Ich habe noch nie in meinem Leben schrecklichere Dinge gesehen. Sie beobachten weder Zeichnung noch Form, sondern vermitteln einen Eindruck von dem, was sie Natur nennen. Es war schlimmer als die Kammer des Schreckens."

Impressionistische Kunst in Frankreich
Zu den Anfängen siehe: Impressionismus: Ursprünge und Einflüsse.
Für seine Künstler siehe: Impressionismus: Frühgeschichte.

Gesellschaft amerikanischer Künstler

Ende 1877 kehrte Weir nach Amerika zurück. Er kehrte zu einem besonders günstigen Zeitpunkt für einen jungen, in Paris ausgebildeten Maler nach New York zurück, denn es war das Gründungsjahr der Society of American Artists. Weir beteiligte sich an der neuen Organisation, und seine Arbeit wurde von dem einflussreichen Kritiker der Tribüne, Clarence Cook, in der Rezension der ersten Ausstellung der Gesellschaft im Jahre 1878 ausgezeichnet. Seine Hauptarbeit, die auf der Ausstellung der Gesellschaft im Jahre 1879 gezeigt wurde, war eine dunkle und dramatische "zeitgenössische" figürliche Szene, die der Künstler später in drei Abschnitte aufteilt, möglicherweise wegen der Kritik an dem Werk als überfüllt und rätselhaft.

Weir wurde eine wichtige Persönlichkeit im New Yorker Kunstleben. Er bezog 1878 ein Atelier im Universitätsgebäude und 1880 im neuen Benedict Building am Washington Square East, zusammen mit vielen seiner Künstlerfreunde wie Eaton, Ryder und dem Bildhauer Olin Warner, dessen Büste von Weir eine ist der schönsten amerikanischen Porträts des späten 19. Jahrhunderts. Er war Mitglied des Tile Clubs während seines zehnjährigen Bestehens, 1877-87. Er war sowohl in der Society als auch in der National Academy und in der American Water Colour Society und später in den 1880er Jahren bei den Painters in Pastel tätig. Er unterrichtete an der Art Students ’League, der Cooper Union und privat.

Weir beriet auch amerikanische Sammler beim Erwerb europäischer Kunst, sowohl ältere als auch neuere Maler, und unterstützte Henry Marquand und insbesondere Erwin Davis. Davis wurde ein bedeutender Sammler und besaß Werke von Weir, Twachtman, Eaton, Gericault, Delacroix, Millet, Corot, Monticelli, Bastien-Lepage und anderen. Weir half ihm unter anderem, Frau mit Papagei und Junge mit Schwert von zu erwerben Edouard Manet (1832 & ndash; 83). Von größerer Bedeutung für Weir, half er Davis bei der Sicherung von Bastien-Lepages großer Jeanne d’Arc von 1880, die 1881 auf der vierten Ausstellung der Society of American Artists gezeigt wurde. Eine solche Rolle ermöglichte es Weir, mit seiner Reise nach Europa zurückzukehren Bruder John und mit Twachtman nach Holland im Jahr 1881.

Im Jahr 1883 heiratete Weir Anna Baker. Sie hatte ein Haus in Windham, Connecticut, und Weir konnte sich ein Sommerhaus in Branchville, Connecticut, von Davis sichern und dafür ein Gemälde kaufen. Das Weir-Haus in Branchville wurde zum Zentrum einer informellen Künstlerkolonie, in der häufig Maler wie Robinson, Ryder, Hassam und John Weir zu Besuch waren und malten. Twachtman mietete 1887 einen Platz in der Nähe von Weir und kaufte dann sein eigenes Haus in der Nähe von Cos Cob. Die Arbeiten dieser Künstler, von denen einige unter den amerikanischen Impressionisten waren, zeigten Interesse an einheimischen und einheimischen Paeans in der ländlichen Landschaft Neuenglands. Als Ryder 1897 besuchte, sagte er, er habe die Schönheit des Frühlings noch nie zuvor gesehen, die Landschaft und die Luft so vielversprechend.

1880er Jahre: Gemälde im Whistler-Stil, Blumenbilder

Weirs Gemälde der 1880er Jahre, das erste Jahrzehnt nach seiner Rückkehr aus Paris, bestand aus konservativer, aber starker Figurenmalerei und Stillleben. Neben Unterricht und Kunstberatung produzierte er auch einige erstklassige Porträtkunst insbesondere von männlichen Untertanen, von denen viele Künstlerfreunde (Olin Warner, Arthur Quartley, Albert Pinkham Ryder) oder Kunstmäzene wie Colonel Charles Wood aus Portland, ein ehemaliger West Pointer, waren. Weir malte auch sehr viele Figurenbilder, oft unter Verwendung von Familienmitgliedern als Sujets, und betonte in diesen meist das Thema der Häuslichkeit. Weir erreichte in solchen Arbeiten eine bemerkenswerte Kombination von monumentaler Struktur mit zarter Stimmung, vielleicht näher Whistler als jede andere Quelle; Von einem dieser Gemälde schrieb ein Kritiker über Weirs "übliche dunkle Harmonie von Schwarz und Grau", die auch eine Figur oder eine Nocturne von Whistler beschreiben könnte. Weniger bekannt sind heute einige Werke, die Bastien-Lepage ähnlicher sind, wie Weirs früher barmherziger Samariter oder das Begräbnis des Vogels, und einige Idealfiguren wie die Muse der Musik von 1884, die zwei Jahre später von Charles De Kay geschaffen wurde genannt Weir ist am erfolgreichsten Malerei, bis auf seine Blumenbilder. Diese letzten, eine große Serie von Blumenbildern, die in den 1880er Jahren begonnen wurden, waren die gefragtesten Werke von Weir. Weir war der am meisten mit Stillleben beschäftigte Impressionist, aber seine Gemälde zu diesem Thema, obwohl zweifellos eines der schönsten amerikanischen Blumenbilder, sind dunkle und dramatische Werke, die am häufigsten zarte und zerbrechliche helle Rosen mit glänzenden, elaborierten Metall- und Keramikgefäßen kontrastieren. Die Produktion von Stillleben durch Weir ging ungefähr zu der Zeit stark zurück, als er sich einer modifizierten Form des Impressionismus zuwandte, obwohl er das Thema nicht ganz aufgab, und einige Bilder von Pfingstrosen und Chrysanthemen – weiche, luftige Blüten, die sich leicht an die neue Ästhetik anpassen ließen – sind von Weir anders interpretiert.

1884 verstarb Bastien-Lepage und trennte J. Alden Weirs Bindung an seine früheren Pariser Jahre, obwohl er 1896 den Abschnitt über Bastien in John Van Dykes Modern French Masters schreiben sollte. Zwei Jahre später, 1886, war er beeindruckt von die Show nach New York geschickt von Paul Durand-Ruel (1831-1922), und er fand einige davon Impressionistische Gemälde bemerkenswert und riet seinem Bruder John, die Show nicht zu verpassen. Gleichzeitig wandte er sich immer mehr zu Landschaftsmalerei In Öl und Pastell und abseits von Porträt und Stillleben stellte er viele Leinwände in der Zwei-Mann-Ausstellung und Auktion aus, die er 1889 mit Twachtman in den Ortgies Galleries teilte. Er begann sich recht gut zu verkaufen, stellte häufig mit Twachtman aus und war zeitweise auch dabei Sammler davon zu überzeugen, ein Bild von seinem Kollegen zusammen mit einem seiner eigenen zu erwerben.

1890er Jahre: Stil des Impressionismus

1891 entwickelte Weir eine Affinität zum Impressionismus. Er hatte eine Einzelausstellung in den Blakeslee Galleries in New York, in der Kritiker seine neue gebrochene Pinselführung und die hellere Palette von Pastellfarben bemerkten. Weir erlangte 1893 weitere Anerkennung, als die American Art Association seine und Twachtmans Bilder mit denen der französischen Impressionisten Claude Monet und Paul Besnard zusammenlegte. (Siehe auch: Merkmale der impressionistischen Malerei 1870-1910.)

Insgesamt entwickelte sich in den 1890er Jahren ein persönlicherer Stil in seiner Kunst, der jedoch von Weirs wachsender Begeisterung für den Impressionismus geprägt war. In seiner traditionellen Figurenarbeit blieb er jedoch vorsichtiger als in der neuen Begeisterung für die Landschaft. Der Großteil seiner Landschaften sind ländliche Szenen, von dem Land rund um sein Connecticut-Anwesen: fruchtbares, bewohnbares Ackerland. Von etwa 1895 bis etwa 1910 schuf Weir seine schönsten Gemälde in modifizierter impressionistischer Manier mit gebrochenem, aber nicht aggressivem Pinselstrich und eher tonalem als chromatischem Impressionismus, wobei die Betonung auf einer begrenzten Palette unterschiedlicher Farbtöne lag – wobei er mit seinem Lieblingsblau arbeitete -zu-Gelb-Grüntönen statt eines vollen Spektrums. In einer Hommage an ihn schrieb Edwin Blashfield, dass Weir grüne Orte und Einsamkeit bevorzugte; Duncan Phillips bezeichnet Weir als den besten amerikanischen Landschaftsgärtner seitdem George Innes (1825-94) sprach von seiner Vorliebe für offenes Hügelland, gesehen gegen Mittag, und für den Hochsommer.

Die rote Brücke

Weirs Kunst war von sanfter Modernität geprägt, und das Thema der modernen Arbeit und Industrie wurde auf einzigartige und erfolgreiche Weise harmonisch in einige seiner schönsten Gemälde integriert. Seine Serie von Mühlenfabriken, die um 1897 in Willimantic lackiert wurden, war ein Kraftakt für Schönheit und Harmonie. Smokestacks und Telefonmasten koexistieren mit grüner Natur, moderne Fabriken mit Kirchen in Neuengland, ein modernes Thema, das in einem modernen Stil interpretiert wird, den Kritiker wie Royal Cortissoz für ihren Amerikanismus lobten.

Zwei Jahre zuvor hatte Weir sein am meisten gelobtes Gemälde gemalt: Die Rote Brücke (1895, Metropolitan Museum of Art, New York). Es stellt eine Fachwerkbrücke dar, die den Shetucket-Fluss in der Nähe von Weirs Windham-Farm überspannte, und stellt die Brücke in Kontrast zu ihrer Umgebung, indem die rote Farbe der Brücke dem Grün des Holzes und dem Blau von Wasser und Himmel gegenübergestellt wird und die geometrischen Linien kontrastiert werden Eisenstruktur mit den natürlichen gewundenen Formen der Bäume.

Figurenmalerei

Weir ließ die dunklen Töne und den Whistlerianischen Ästhetizismus langsamer hinter sich figur malerei : In den Werken, die er 1898 zur ersten Ausstellung der Ten American Painters beitrug, zeigten Landschaften wie The Factory Village eine viel hellere und farbenfrohere Herangehensweise als die fester komponierten Figurenbilder. In Werken wie The Grey Bodice und The Green Bodice begann er jedoch, die menschliche Form mit mehr gebrochenem Pinselstrich zu interpretieren, obwohl die Töne immer noch weitaus weniger vielfältig und neutraler waren als in seinen nicht figurativen Arbeiten. Das wohl schönste dieser Figurenbilder ist die Orchidee von 1899, in der Frau und Blume die gleiche zarte und zarte Stimmung haben, und die Kritiker lobten diese Bilder für ihre lyrische Reinheit. Ende des Jahrhunderts begann er, große figürliche Arbeiten im Freien zu malen, zum Beispiel In the Sun (1899) und The Donkey Ride (1899) sowie Visiting Neighbours (1903), in denen die Farbe in einem Wandteppich aufgetragen wird. Art und Weise: lange, grobe Striche mit einem Minimum von Helldunkel und eine Tendenz zur räumlichen Reduktion von Formen auf eine einzige, flache Ebene. Eine insgesamt abstrakte Einheit wird durch die undifferenzierte Oberflächenbehandlung in einer ursprünglichen, etwas ähnlichen Ästhetik erreicht Postimpressionistische Malerei und Präfigurieren der späteren Technik in Amerika von Ernest Lawson (1873-1939) und Maurice Prendergast (1858-1924). Die Grundtechnik ist jedoch impressionistisch, mit langen, sichtbaren Pinselstrichen und mit starker Sorge um das volle Sonnenlicht.

Wandbilder

Weir war einer der vielen Künstler, die 1893 an der Wandgestaltung des Gebäudes für Manufakturen und freie Künste auf der Kolumbianischen Ausstellung beteiligt waren. Es war ein Meilenstein in der Geschichte der Amerikaner Wandmalerei Aufgrund der Größe des Auftrags und der Zusammenarbeit vieler Maler, Bildhauer und Architekten waren die Wandbilder selbst jedoch kurzlebig und mangels Erfahrung bei Freskenmalerei Für viele der beteiligten Künstler ist es nicht überraschend, dass sie keinen kritischen Erfolg haben. Einige der beteiligten Maler wandten sich nach dem Auftrag von Chicago größtenteils der Wandmalerei zu, aber Weir gehörte nicht dazu. Nichtsdestotrotz wurden seine Deckendekorationen der Göttinnen der Töpferei, der Goldschmiedekunst, der Dekoration und des Drucks am meisten für ihre schlichte Linienführung und ihre zarte, abklingende, blasspurpurne, blaue und grüne Färbung gelobt – vielleicht auch in Bezug auf seine neue Impressionistische Interessen.

Letzte Dekade

Um 1910-11 malte Weir ein paar ungewöhnliche New Yorker Nachtszenen von der Queensboro Bridge und der Plaza, Exkursionen zu Themen im Zusammenhang mit Whistlers Nocturnes und den städtischen Gemälden von Hassam und Birge Harrison (1854-1929). Generell begann jedoch Weirs schöpferische Inspiration und zu einem gewissen Grad auch seine poetische Lyrik in seinem letzten Jahrzehnt zu sinken, obwohl er ein aktiver, wenn auch bis dahin konservativer Maler blieb. Er war jedoch immer noch eine starke Persönlichkeit in der Welt der zeitgenössischen Kunst und wurde zum ersten Präsidenten der Vereinigung amerikanischer Maler und Bildhauer gewählt, der Gruppe, die die Internationale Ausstellung für moderne Kunst bilden sollte Waffenschau 1913. Er trat jedoch zurück, als unterstellt wurde, dass die Vereinigung im Gegensatz zur National Academy of Design gegründet wurde, der er als engagiertes Mitglied angehörte. Tatsächlich stellte er in der Rüstkammer aus und war nicht unzufrieden damit moderne Gemälde der Zeit, obwohl er von Cezanne verwirrt und beleidigt wurde Henri Matisse (1867-1954). 1915 wurde er Präsident der Nationalen Akademie und der Metropolitan Museum of Art, während er weiterhin seine Arbeiten mit The Ten American Artists ausstellt, die ihre letzte Ausstellung in den Jahren 1918-19 hatten. Im Jahr 1919 wurde ein neuer Aufstand gegen die National Academy von einer Gruppe begonnen, die sich New Society of American Painters, Sculptors and Engravers nannte und Weirs Teilnahme anstrebte. Weir schloss sich dieser Gruppe an, starb aber bald darauf.

Ruf als Künstler

Unmittelbar nach seinem Tod gab es zahlreiche kritische Hommagen an Weir, auch wenn viele Schriftsteller verwirrt darüber wirkten, ob sie seine Kunst als inkonsistent oder erfinderisch vielfältig beurteilen sollten.

Zu seinen Lebzeiten und unmittelbar danach war Weir eine sehr bewunderte Persönlichkeit, wenn auch vor allem von Kritikern, die selbst im Allgemeinen konservativ waren: Royal Cortissoz, Frank Jewett Mather und vor allem Duncan Phillips. Nach den Denkmälern, die in den Jahren nach seinem Tod entstanden, gerieten jedoch die Kunst und der Ruf von Weir in Vergessenheit, aus denen er erst in den frühen 1950er-Jahren hervorging. Er gilt heute als eine der Hauptfiguren der amerikanischen Impressionismus-Bewegung, ein poetischer Künstler von großem Charme, aber nicht so aufregend, farbenfroh oder originell wie seine großen Kollegen. Und wie bei vielen seiner Zeitgenossen, Künstlern wie Dennis Bunker (1861-90), Robert Vonnoh (1858-1933) und zahlreichen anderen, zeigt Weirs Kunst eine Dichotomie, nicht nur zwischen früheren und späteren Stilen, sondern auch zwischen Außen- und Innenbildern und zwischen Landschaft und figurativen Themen.

Weir ist auch gesegnet durch die anspruchsvollste biografische Behandlung eines der wichtigsten Mitglieder der Impressionistengruppe, nämlich die von Dorothy Weir Young, einer seiner drei Töchter, verfasste Biografie von 1960, die sich alle dem Gedächtnis und der Kunst ihres Vaters widmete, und wer waren oft die Modelle für seine Figurenmalerei. Die Stärke des Bandes liegt in der detaillierten Darstellung des frühen Lebens und der Ausbildung des Künstlers in Frankreich, wo der Leser die für amerikanische Künstler typischen Verdächtigungen und Missverständnisse der Moderne findet, Meinungen, die ihre Hingabe an und ihren Glauben an die Prinzipien der Akademien und die Standards des Pariser Salon, die sie nur ungern aufgeben würden, auch wenn sie sich in die gegensätzliche Ästhetik von Moderne Kunst später in ihrer Karriere.

Heute hängen die Gemälde von Weir in einigen der besten Kunstmuseen in Amerika, einschließlich des Metropolitan Museum of Art, New York; das Phillips-Sammlung, und das Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C; das Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut; und das Kunstmuseum der Brigham Young University, Provo, Utah. Die Farm und das Atelier von Weir in Branchville sind als Weir Farm National Historic Site erhalten.