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Dekorative Kunst
Definition, Bedeutung, Geschichte: Handwerk.

Der Begriff "dekorative Kunst" ist ein traditioneller Begriff für ein eher unhandliches Spektrum von künstlerischen Disziplinen, die sich mit der Kunst beschäftigen Design und Verzierung von Gegenständen, in der Regel funktional, die nicht notwendigerweise ästhetische Eigenschaften aufweisen. Im Allgemeinen werden viele dekorative Künste (z. B. Korbflechten, Schreinerarbeiten, Keramik, Wandteppiche usw.) auch als "Kunsthandwerk" eingestuft. Kunsthandwerk "Auch die dekorative Kunst ist Teil der größeren Kategorie von angewandte Kunst .

Was beinhaltet dekorative Kunst?

Die Definition und Kategorie der dekorativen Kunst umfasst die Schaffung von Möbeln und Einrichtungsgegenständen, Teppichen und Teppichen, Tapisserie Stickerei (siehe z Bayeuxteppich – eigentlich eine Stickerei), Buchillustration Blumenschmuck keramische Keramik (Steingut, Steinzeug, Porzellan und Raku), Korbwaren, Goldschmiedekunst , Emailarbeiten, Silberwaren und Schmuckkunst (einschließlich Cloisonné und champlevé Techniken) und Mosaikkunst , ebenso gut wie Glasmalerei und Innenarchitektur. Es umfasst auch Bühnenbilder und Kostüme, wie die fabelhaften Entwürfe von beweisen Leon Bakst zum Sergei Diaghilev und seine russische Ballettkompanie. Chinesische Lackwaren und Jade schnitzen , sind so wie sie sind Vorbilder aus Asien Chinesisches Porzellan – vor allem Ming-Ware – und Japaner Origami Papierfalten. Die dekorative Kunst umfasst so gut wie jede Kategorie von "kostbaren oder handgefertigten Gegenständen". Dies würde Elemente wie einschließen Fabergé Ostereier , kostbare Rüstungen und Waffen sowie Kaminsimse (z. B. aus Marmor und Mosaik) sowie Theaterdekorationen, Kulissen und Kostüme wie die von Alexander Benois (1870-1960) und Leon Bakst (1866-1924) für die Ballets Russes .

Unterschied zwischen Kunstgewerbe und bildender Kunst?

Kunst , das heißt malen, zeichnen, skulptieren und fotografieren, hat in der Regel keine andere Funktion als angeschaut zu werden. Im Gegensatz dazu ist dekorative Kunst oft (aber nicht immer) nützlich. Ein weiterer Unterschied besteht darin, dass sich die bildende Kunst in der Regel wesentlich stärker auf Zeichnungen stützt, während sich die dekorativen Künste eher auf Techniken stützen. Es gibt jedoch Ausnahmen zu diesen beiden allgemeinen Regeln.

Definitionsprobleme

Die genaue Bedeutung von "dekorativer Kunst" ist heutzutage weniger wichtig, da das enge elitäre Konzept der bildenden Kunst durch die umfassendere Klassifikation von "Kunst" abgelöst wurde Visuelle Kunst . Darüber hinaus sind einige moderne Formen der dekorativen Arbeit, die Innen- / Modedesign, Grafik oder Computer umfassen, eher als "Design" -Disziplinen als als dekorative Kunst bekannt. Daher wird der letztgenannte Begriff wahrscheinlich allmählich verblassen, zumal er so eng mit Kategorien wie "angewandte Kunst" und "Handwerk" verknüpft ist. (Siehe auch: Arten von Kunst .)

Herkunft und Geschichte der dekorativen Kunst

Die früheste Art der dekorativen Kunst war alte Töpferei Insbesondere die japanische Keramik im Jomon-Stil war ab etwa 14.500 v. Chr. Vorreiter. Es wurde auch ab etwa 5.000 v. Chr. Von einer Reihe antiker mediterraner Zivilisationen in großem Umfang hergestellt, bevor es seinen Höhepunkt im geometrischen , orientalischen , schwarz- und rotfigurigen Stil der Antike erreichte Griechische Keramik .

Ein weiterer früher Produzent von dekorativer Kunst waren die Kelten, deren Metallarbeiten (c.500-50 BCE) schuf solche persönlichen Waffen und Schmuckstücke, wie die goldene und bronzene " Eiche von Manching " (c.350-50 BCE), den bronzenen " Battersea Shield " (c.350-50 BCE)), der bronzene " Witham-Schild " (4. Jahrhundert v. Chr.), der silberne " Gundestrup-Kessel "(ca. 100 v. Chr.), die Bronze" Petrie Crown "(100 v. Chr. – 200 n. Chr.), Das Gold" Broighter Goldhalsband "(1. Jahrhundert v. Chr.) Und das goldene" Broighter Boat "(1. Jahrhundert v. Chr.). Später produzierten keltische Handwerker in Irland eine Reihe von erlesenen kirchlichen Objekten und anderen Werken, wie z Tara-Brosche (c.700 CE), die Ardagh Kelch (8./9. Jh. N. Chr.), Derrynaflan Kelch (8./9. Jh. N. Chr.), Moylough Belt Shrine (8./9. Jh. N. Chr.), Tully Lough Cross (8./9. Jh.) Und Cong Cross (12. Jh.).

Diese Ziertraditionen wurden an den europäischen Königshöfen von König Karl I. und späteren ottonischen Herrschern lebendig gehalten, wobei neue Kunstformen auf dem Gebiet der Tapisserie und anderer Textilien entwickelt wurden. Der große Christ Gothic Style Das Bauprogramm finanzierte dann die Entwicklung der europäischen Buntglaskunst, die es in seinen Kathedralen in Frankreich, England, Deutschland und anderen Ländern einsetzte.

Während der italienischen und nördlichen Renaissance waren Malerei und Bildhauerei eher ernst als dekorativ – aber sehen Sie das Fontainebleau Schule in Frankreich – und erst in der Zeit des Barock der Gegenreformation blühte die dekorative Kunst in verschiedenen Disziplinen wieder auf. Ein wichtiges Ereignis in dieser Zeit war die Gründung des berühmten Gobelin-Tapisserie Fabrik in Paris (1667), geleitet von Charles Le Brun (1619-90) und die Beauvais Tapestry Factory (1664), ebenfalls in Paris.

Danach kam der Rokoko Schule, die dem dekorativen Handwerk wie Möbelherstellung, Einrichtungsgegenständen, Glas und Textilien enorme Impulse verlieh. Wenn der Barock in der Architektur verwurzelt war, war der Rokoko-Stil in der Innenarchitektur verwurzelt. Erscheint am Hofe Ludwigs XV Schloss von Versailles Der Stil erwies sich in Teilen Deutschlands und Mitteleuropas als außerordentlich beliebt. Für mehr sehen Sie Französische Kunstgewerbe (c.1640-1792); Französische Designer (c.1640-1792); und Französische Möbel (c.1640-1792). Die Rokoko-Ära ist auch bekannt für die Beliebtheit chinesischer Ziermotive wie in Chinoiserie , der pseudochinesische Dekorationsstil, der sich in ganz Europa verbreitete.

Weder der Sozialismus der Französischen Revolution noch die Massenproduktionstechniken der Industriellen Revolution waren dem förderlich Ästhetik von Zierhandwerk. Infolgedessen trat die dekorative Kunst als Reaktion auf maschinelle Produkte erst Ende des 19. Jahrhunderts wieder in den Vordergrund. Das geschah aufgrund von William Morris und das Kunst- und Handwerksbewegung , eine soziale und ästhetische Bewegung, die aus der 1888 gegründeten Arts and Crafts Exhibition Society hervorgegangen ist, obwohl ihre Wurzeln in den 1850er Jahren und der Ästhetik des Kunstkritikers liegen John Ruskin (1819-1900). Das Uhrwerk setzte sich für gutes Design und handwerkliches Können ein, im Gegensatz zu den standardisierten Designs von maschinell gefertigten Fabrikprodukten.

Um die Jahrhundertwende tauchte eine andere Designbewegung auf, die sogenannte Keltische Kunst-Wiederbelebungsbewegung . Pioniere der irischen Intelligenz wie WB Yeats und Lady Gregory sowie Aktivisten wie "AE" Russell, Percy French, Oliver St. John Gogarty, Padraic Colum und Edward Plunkett führten zu einer Mini-Renaissance von Keltische Designs und Keltische Kunst allgemein. Juweliere und Metallarbeiter im keltischen Stil begannen, alte Stücke zu kopieren, darunter: die Tara-Brosche, die Templer-Brosche, die Brosche der Universität Dublin und die Clarendon-Brosche.

Inzwischen Fortschritte in der Chromolithographie in Paris durch den französischen Lithographen Jules Cheret (1836-1932) führte zu einem gewaltigen Plakatkunst Begeisterung in ganz Europa. Dieses verschmolz in den 1890er Jahren mit dem ersten modernen internationalen Designstil, nämlich Jugendstil (beliebt bei Gruppen wie der Wiener Secession ), die auf der Internationalen Ausstellung 1900 in Paris ihren Höhepunkt erreichte. Alphonse Mucha (1860-1939) verkörperte Jugendstilplakate. Dann, als der Jugendstil seine Grenzen verlor, wurde er in der Plakatlithographie durch den Funktionalismus abgelöst, wie dies durch veranschaulicht wurde Leonetto Cappiello (1875-1942). (Weitere Informationen zu diesem Medium finden Sie unter: Geschichte der Plakatkunst .) Nach dem Ersten Weltkrieg kam der sehr einflussreiche Bauhaus Design School und danach entstand die letzte bedeutende dekorative Bewegung, bekannt als Art Deco . Dieser Stil erhielt seinen Namen von der Internationalen Ausstellung für dekorative und angewandte Kunst von 1925 in Paris. Seitdem gab es nur sehr wenige bedeutende neue Stile der dekorativen Kunst, obwohl Pop-Art und Minimalismus einen gewissen Einfluss hatten, ebenso wie Neo-Pop. In den 1970er Jahren wurde in Amerika die Feministische Kunstbewegung trat stark für traditionelles, von Frauen inspiriertes Dekorationshandwerk ein, darunter Handarbeiten, Sticken, Glaskunst und Keramik. Siehe zum Beispiel "The Dinner Party" (1979, Brooklyn Museum, New York) von Judy Chicago (* 1939), die diese Fähigkeiten verfochten.

Museumssammlungen für dekorative Kunst

Eine der weltweit größten Sammlungen von Kunstwerken dieser Art in Amerika befindet sich im Metropolitan Museum of Art in New York . In Europa sind der Louvre und der Victoria und Albert Museum sind die größten Schaufenster der dekorativen Kunst.

Zu den amerikanischen Werken an der Met aus dem späten 17. bis frühen 20. Jahrhundert zählen etwa 12.000 Beispiele für Möbel, Silber, Glas, Zinn, Keramik und Textilien. Darunter befindet sich eine herausragende Sammlung amerikanischer Glasmalereien mit der innovativen Arbeit von Louis Comfort Tiffany. Weitere Highlights sind herausragende Beispiele von plastische Kunst wie geblasene und gepresste Glasgefäße, die von der New England Glass Company , den Dorflinger Works und den Tiffany Studios hergestellt wurden ; wertvolle Möbel aus dem Jahr 1820; eine Reihe von Keramik- und Silberobjekten aus dem späten 19. Jahrhundert, darunter Arbeiten von Paul Revere . Die Keramikkollektion umfasst eine Vielzahl von Materialien, Methoden und Herstellern, von pennsylvanisch-deutschem Redware bis hin zu Rookwood Pottery . Die Textilkollektion des Met umfasst über 100 Quilts, Handarbeiten aus dem 18. und frühen 19. Jahrhundert sowie Stoffe, die von Candace Wheeler, der besten amerikanischen Textil- und Innenarchitektin der damaligen Zeit, entworfen wurden.