Kunst Definition: Bedeutung, Klassifikation der bildenden Künste Automatische übersetzen

Es gibt keine allgemein anerkannte Definition von Kunst. Obwohl allgemein verwendet, um etwas von Schönheit oder eine Fähigkeit zu beschreiben, die ein ästhetisches Ergebnis hervorbringt, gibt es im Prinzip keine klare Grenze zwischen (sagen wir) einem einzigartigen Stück handgemachter Skulptur und einem in Massenproduktion hergestellten, aber optisch attraktiven Gegenstand. Man könnte sagen, dass Kunst Denken erfordert – eine Art kreativen Impuls -, aber dies wirft weitere Fragen auf: Wie viel Denken ist zum Beispiel erforderlich? Wenn jemand Farbe auf eine Leinwand schleudert, in der Hoffnung, durch diese Aktion ein Kunstwerk zu schaffen, ist das Ergebnis dann automatisch Kunst?

Sogar der Begriff „Schönheit“ wirft offensichtliche Fragen auf. Wenn ich denke, dass das ungemachte Bett meiner kleinen Schwester etwas „Schönes“ oder ästhetisch Angenehmes darstellt, macht es das dann zur Kunst? Wenn nicht, ändert sich der Status, wenn eine Million Menschen mir zustimmen, aber meine kleine Schwester denkt, es ist nur ein Haufen Kleider?

Kunst: Vielfalt von Formen, Typen und Genres

Bevor man versucht, Kunst zu definieren, muss man sich zunächst über ihren enormen Umfang im Klaren sein.

Kunst ist eine globale Aktivität, die eine Vielzahl von Disziplinen umfasst. Dies zeigt sich an der Reihe von Wörtern und Redewendungen, die erfunden wurden, um die verschiedenen Formen der Kunst zu beschreiben. Beispiele für eine solche Ausdrucksweise sind: "Schöne Künste", "Freie Künste", "Bildende Künste", "Dekorative Künste", "Angewandte Künste", "Design", "Kunsthandwerk", "Darstellende Künste" und so weiter.

Aufschlüsselung nach Kategorien: Zeichnen, Malen, Skulptur (inkl. Keramikskulptur), "Glaskunst", "Metallkunst", "Manuskripte des beleuchteten Evangeliums", "Aerosolkunst", "Fine Art Photography", "Animation" und so weiter. Zu den Unterkategorien gehören: Ölmalerei, Aquarellmalerei, Acrylmalerei; Skulptur aus Bronze, Stein, Holz, Porzellan; um nur einige zu nennen. Andere Unterzweige umfassen verschiedene Genrekategorien wie: Erzählung, Porträt, Genrewerke, Landschaft, Stillleben.

Darüber hinaus haben sich im 20. Jahrhundert völlig neue Kunstformen herausgebildet, wie: Montage Konzeptualismus Collage Erdarbeiten Installation , Graffiti und Video sowie die breite konzeptuelle Bewegung, die den wesentlichen Wert eines objektiven "Kunstwerks" in Frage stellt. Weitere Informationen finden Sie unter: Arten von Kunst .

Die Definition von Kunst ist durch Epoche und Kultur begrenzt

Zu beachten ist auch, dass Kunst der Zeit und Kultur angehört, aus der sie hervorgegangen ist.

Wie können wir prähistorische Wandmalereien (z. B. Steinzeithöhlenmalerei) vergleichen? Stammeskunst oder einheimisch Ozeanische Kunst oder primitiv Afrikanische Kunst mit Michelangelos alttestamentlichen Fresken aus dem 16. Jahrhundert an den Wänden und der Decke der Sixtinischen Kapelle? Politische Ereignisse sind die offensichtlichsten Faktoren der Epoche, die die Kunst beeinflussen: Zum Beispiel waren Kunststile wie Expressionismus, Dada und Surrealismus Produkte politischer Unsicherheit und Umwälzungen.

Kulturelle Unterschiede wirken auch als natürliche Grenzen. Immerhin ist die westliche Zeichenkunst Lichtjahre von der chinesischen Kalligraphie entfernt. und was westliche Kunstform mit der Kunst von vergleicht Origami Papier falten aus Japan? Religion ist eine wichtige kulturelle Variable, die die Form der künstlerischen Hülle verändert. Der Barockstil war dabei stark von der katholischen Gegenreformation geprägt Islamische Kunst (wie das orthodoxe Christentum) verbietet bestimmte Arten der künstlerischen Ikonographie.

Mit anderen Worten, zu welcher Definition von Kunst auch immer wir gelangen, sie ist zwangsläufig auf unsere Ära und Kultur beschränkt. Auch dann mögen Kategorien Außenseiter Kunst müssen berücksichtigt werden. Siehe auch: Primitivismus / Primitive Kunst .

Fazit

Wie Sie oben sehen können, ist die Welt der Kunst eine höchst komplexe Einheit, nicht nur in Bezug auf ihre Formen- und Typenvielfalt, sondern auch in Bezug auf ihre historischen und kulturellen Wurzeln. Daher dürfte sich eine einfache Definition oder sogar ein breiter Konsens darüber, was als Kunst bezeichnet werden kann, als äußerst schwer fassbar erweisen.

Geschichte der Definition von Kunst

Eine Anleitung zu Bewegungen und Perioden finden Sie auch unter: Kunstgeschichte .

Klassische Bedeutung der Kunst

Die ursprüngliche klassische Definition – abgeleitet vom lateinischen Wort "ars" (was "Geschicklichkeit" oder "Handwerk" bedeutet) – ist ein nützlicher Ausgangspunkt. Dieser breite Ansatz führt dazu, dass Kunst definiert wird als: "das Produkt eines Wissenskörpers, der meist eine Reihe von Fähigkeiten einsetzt." So galten Renaissance-Maler und Bildhauer nur als hochqualifizierte Handwerker (Innenarchitekten?). Kein Wunder, dass Leonardo Da Vinci und Michelangelo sich bemühten, den Status von Künstlern (und damit die Kunst selbst) auf eine intellektuellere Ebene zu heben.

Bedeutung der Kunst nach der Renaissance

Die Entstehung der großen europäischen Kunstakademien spiegelte die schrittweise Aufwertung des Fachs wider. Neue und aufgeklärte Zweige der Philosophie trugen ebenfalls zu diesem Imagewandel bei. Bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts reichte der bloße Nachweis technischer Fähigkeiten nicht aus, um als Kunst zu gelten – es bedurfte nun einer "ästhetischen" Komponente – es musste als etwas "Schönes" angesehen werden.

Gleichzeitig wurde der Begriff des "Utilitarismus" (Funktionalität oder Nützlichkeit) verwendet, um die edeleren "schönen Künste" (Kunst um der Kunst willen) wie Malerei und Skulptur von den geringeren Formen der "angewandten Kunst", wie z als Handwerk und Gewerbe Design Arbeit und die dekorativen "dekorativen Künste", wie Textildesign und Innenarchitektur.

So wurde die Kunst Ende des 19. Jahrhunderts in mindestens zwei große Kategorien unterteilt: die bildende Kunst und den Rest – eine Situation, die den kulturellen Snobismus und die moralischen Standards des europäischen Establishments widerspiegelte. Darüber hinaus mussten Malerei und Skulptur trotz einer gewissen Erosion des Glaubens an die ästhetischen Standards der Renaissance-Ideologie, die in der ganzen Welt der bildenden Kunst nach wie vor einen starken Einfluss hatten, bestimmte ästhetische Regeln einhalten, um als "wahre Kunst" zu gelten.

Bedeutung der Kunst im frühen 20. Jahrhundert

Dann kam der Kubismus (1907-14), der das Kunstinstitut auf die Beine stellte. Nicht nur, weil Picasso einen nicht-naturalistischen Zweig von Malerei und Skulptur eingeführt hat, sondern weil er den monotheistischen Ansatz der Renaissance in Bezug auf das Verhältnis von Kunst zur Welt erschüttert hat. Der Hauptbeitrag des Kubismus bestand also darin, eine Art Katalysator für eine Vielzahl neuer Bewegungen zu sein, die die Theorie und Praxis der Kunst erheblich erweiterten, darunter Suprematismus, Konstruktivismus, Dada, Neoplastizismus, Surrealismus und Konzeptualismus sowie verschiedene andere realistische Stile wie sozialer und sozialistischer Realismus. In der Praxis führte diese Verbreitung neuer Stile und künstlerischer Techniken zu einer neuen Erweiterung der Bedeutung und Definition von Kunst. Auf der Flucht vor der "Renaissance-Zwangsjacke" und allen damit verbundenen Regeln zur "Objektivität" (z. B. zu Perspektive, verwendbaren Materialien, Inhalt, Komposition usw.) hatte die bildende Kunst nun ein bedeutendes Element der "Subjektivität". Plötzlich hatten die Künstler eine weitaus größere Freiheit, Bilder und Skulpturen nach ihren subjektiven Werten zu schaffen. Tatsächlich könnte man sagen, dass "Kunst" von diesem Punkt an "undefinierbar" wurde.

Die dekorativen und angewandten Künste erfuhren eine ähnliche Veränderung aufgrund der Verfügbarkeit einer erheblich erweiterten Auswahl an kommerziellen Produkten. Die sich daraus ergebende Zunahme der Anzahl der damit verbundenen Design- und Handwerksdisziplinen hatte jedoch keinen wesentlichen Einfluss auf die Definition und Bedeutung der Kunst insgesamt.

Bedeutung der Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg

Die Katastrophe des Zweiten Weltkriegs führte zum Niedergang von Paris als Hauptstadt der Weltkunst und zu deren Ersetzung durch New York. Diese neue amerikanische Ausrichtung ermutigte die Kunst, mehr zu einem kommerziellen Produkt zu werden und ihre Verbindung zu bestehenden Traditionen des Ästhetizismus zu lösen – ein Trend, der durch die Entstehung des Abstrakten Expressionismus, der Pop-Art und die Aktivitäten der neuen Generation von Promi-Künstlern wie Andy weiter vorangetrieben wurde Warhol. Plötzlich wurden selbst die banalsten Gegenstände und Konzepte zum Status der "Kunst" erhoben. Unter dem Einfluss dieses populistischen Ansatzes führten die Konzeptualisten neue Kunstformen wie Assemblage, Installation, Video und Performance ein. Zu gegebener Zeit fügten Graffiti und zahlreiche Arten der Neuinterpretation, wie z Neo-Dada , Neo-Expressionismus und Neo-Pop, um nur drei zu nennen. Schulen und Kunsthochschulen auf der ganzen Welt predigten pflichtbewusst den neuen Polytheismus und fügten dem Lagerfeuer von Renaissance-Kunst Traditionen.

Postmoderne und die Bedeutung der Kunst

Die Neudefinition der Kunst in den letzten drei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts wurde von Theoretikern der postmodernen Bewegung mit geistigem Gewicht versehen. Entsprechend der Postmoderne hat sich der Fokus von künstlerischem Können auf die "Bedeutung" des produzierten Werkes verlagert. Darüber hinaus ist das "Erleben" einer Arbeit durch die Zuschauer zu einem entscheidenden Bestandteil ihres ästhetischen Wertes geworden. Der phänomenale Erfolg zeitgenössischer Künstler wie Damien Hirst sowie Gilbert und George ist ein klarer Beweis für diese Ansicht. Weitere Informationen zu experimentellen Künstlern finden Sie unter: Avantgarde-Kunst .

Eine funktionierende Definition von Kunst

Angesichts dieser historischen Entwicklung im Sinne von "Kunst" kann man vielleicht einen groben Versuch unternehmen, das Thema nach folgenden Grundsätzen "funktionierend" zu definieren:

Kunst entsteht, wenn ein Künstler ein schönes Objekt schafft oder eine anregende Erfahrung erzeugt, die von seinem Publikum als künstlerisch wertvoll angesehen wird.

Dies ist einfach eine "Arbeits" -Definition: breit genug, um die meisten Formen der zeitgenössischen Kunst zu erfassen, aber eng genug, um "Ereignisse" auszuschließen, deren "künstlerischer" Inhalt unter das akzeptierte Niveau fällt. Beachten Sie außerdem, dass das Wort "Künstler" enthalten ist, um den Kontext des Werks zu berücksichtigen. das Wort "schön" ist enthalten, um das Bedürfnis nach einem "ästhetischen" Wert widerzuspiegeln; Der Ausdruck "der vom Publikum als künstlerisch angesehen wird" soll die Notwendigkeit einer grundsätzlichen Akzeptanz der Bemühungen des Künstlers widerspiegeln.

Theorie und Philosophie der Kunst: Diskussionsfragen

Frage: Müssen wir Kunst definieren, wenn wir ihre positiven Auswirkungen schätzen?

Seit Jahrhunderten, wenn nicht Jahrtausenden, sind Menschen von Kunstwerken emotional berührt – manchmal überwältigt – worden: von Griechische Skulptur für die byzantinische Architektur die beeindruckende Kreativität von Renaissance und Barock Alte Meister wie Donatello, Raphael und Rembrandt und berühmte Maler der Neuzeit, wie Van Gogh, Picasso und Auguste Rodin. Poesie, Ballett und Filme können gleichermaßen erhebend sein. Obwohl wir nicht genau erklären können, was Kunst ist, können wir ihre Auswirkungen auf unser Leben nicht leugnen – ein Grund dafür öffentliche Kunst ist es wert, unterstützt zu werden.

Frage: Wie hilft uns eine Definition der Bedeutung von Kunst?

Das Wesen der Kreativität bedeutet, dass sie nicht definiert und in eine Schublade gesteckt werden kann. Jeder Versuch, dies zu tun, wird schnell veraltet und damit sinnlos, ja sogar kontraproduktiv. Was passiert zum Beispiel, wenn ein Künstler etwas produziert, das nach allgemeinem Konsens "Kunst" ist, aber vom Kunstbetrieb nicht als solche akzeptiert wird? Wir dürfen nicht vergessen, dass wir immer noch keinen "Tisch" oder "Elefanten" definieren können, aber es bereitet uns keine großen Schwierigkeiten!

F. Ist Kunst nur eine Widerspiegelung unserer persönlichen Werte?

Man kann mit Recht sagen, dass jemand, der über die Werte der Renaissancekunst verfügt und daher ein vernünftiges Verständnis der traditionellen Malerei besitzt, postmoderne Installationen weniger als Kunst betrachtet als ein Mensch ohne ein solches Verständnis. Ebenso ist eine Person, die Fernsehen liebt und Museen im Allgemeinen für eher langweilige und aufregende Orte hält, eher von zeitgenössischer Videokunst beeindruckt als jemand anderes, der sich mit traditionellen Museumsausstellungen auskennt. Aus diesem Grund könnte man sagen, dass die Einstellung eines Menschen zur Kunst mehr über seine oder ihre persönlichen Werte aussagt als über die Kunst selbst.

F. Wer hat das Recht, Kunst zu definieren?

Da kein Konsens unter Kunstkritiker Welche Gruppe von "Experten" sollte die Verantwortung für die Bedeutung der Kunst übernehmen dürfen: Künstler, Soziologen, Historiker, Anwälte, Philosophen, Archäologen, Anthropologen oder Psychologen? Schließlich ist die Welt voll von sogenannten "Experten" – Strukturalisten, Prozeduralisten, Funktionalisten sowie der üblichen Masse politischer Theoretiker wie Marxisten und so weiter -, die sich nicht darauf einigen können, was als Kunst gilt. Wem geben wir den Job?

Wie ist Kunst klassifiziert?

Traditionelle und zeitgenössische Kunst umfasst Aktivitäten wie:

Architektur, Musik, Oper, Theater, Tanz, Malerei, Skulptur, Illustration, Zeichnung, Zeichentrick, Druckgrafik, Keramik, Glasmalerei, Fotografie, Installation, Video, Film und Film, um nur einige zu nennen.

All diese Aktivitäten werden gemeinhin als "Kunst" bezeichnet und sind gemeinhin. Einteilung in mehrere überlappende Kategorien, z. B.: fein , visuell , plastisch , dekorativ , angewendet und darstellend .

Über die genaue Zusammensetzung dieser Kategorien besteht weiterhin Uneinigkeit, aber hier handelt es sich um eine allgemein akzeptierte Klassifizierung.

1. Bildende Kunst

Diese Kategorie umfasst jene Kunstwerke, die in erster Linie aus ästhetischen Gründen ("Kunst um der Kunst willen") und nicht für kommerzielle oder funktionale Zwecke geschaffen wurden. Entworfen für seine erhebenden, lebensfördernden Eigenschaften, Kunst bezeichnet typischerweise die traditionellen westeuropäischen "hohen Künste", wie:

Eine andere Art westlicher bildender Kunst, die ihren Ursprung in China hat, ist Kalligraphie : die hochkomplexe Form des stilisierten Schreibens.

Die Evolution der schönen Künste

Nach primitiven Formen der Höhlenmalerei, Figurenskulpturen und anderen Arten von Antike Kunst Dort trat die goldene Ära der griechischen Kunst und anderer Schulen der klassischen Antike ein. Die Entlassung Roms (um 400-450) leitete die tote Zeit des dunklen Zeitalters (um 450-1000) ein, die nur durch die Aufhellung der Stadt geprägt wurde Keltische Kunst und Ultimate La Tene Celtic Designs, nach denen die Geschichte der Kunst im Westen mit einer Vielzahl von künstlerischen "Stilen" oder "Bewegungen" gespickt ist – wie: Gotik (ca. 1100-1300), Renaissance (ca. 1300 1600), Barock (17. Jahrhundert), Neoklassizismus (18. Jahrhundert), Romantik (18.-19. Jahrhundert), Realismus und Impressionismus (19. Jahrhundert), Kubismus, Expressionismus, Surrealismus, Abstrakter Expressionismus und Pop-Art (20. Jahrhundert).

Für einen kurzen Überblick über die Moderne (um 1860-1965) siehe Moderne Kunstbewegungen ; Eine Anleitung zur Postmoderne (ca. 1965) finden Sie in unserer Hauptliste Zeitgenössische Kunstbewegungen .

Die Tradition

Kunst war die traditionelle Art von Akademische Kunst unterrichtete an den großen Schulen wie der Accademia dell’Arte del Disegno in Florenz, der Accademia di San Luca in Rom, der Académie des Beaux-Arts in Paris und der Royal Academy in London. Eines der wichtigsten Vermächtnisse der Akademien war ihre Theorie von Geradlinige Perspektive und ihr Ranking der Malerei-Genres , die alle Werke in 5 Typen einteilten: Geschichte, Porträt, Genreszenen, Landschaft oder Stillleben.

Gönner

Seit dem Aufkommen des Christentums war die christliche Kirche der größte und bedeutendste Förderer der bildenden Kunst. Es überrascht daher nicht, dass der größte Teil der Malerei und / oder Skulptur gewesen ist religiöse Kunst , wie hat andere spezifische Formen wie Symbole und Altarbild Kunst .

2. Bildende Kunst

Visuelle Kunst umfasst alle bildenden Künste sowie neue Medien und zeitgenössische Ausdrucksformen wie Assemblage, Collage, Konzeptionelle , Installations- und Performancekunst sowie Fotografie , (siehe auch: Ist Fotografie Kunst? ) und filmbasierte Formen wie Videokunst und Animation oder eine beliebige Kombination davon. Ein anderer Typ, der oft im monumentalen Maßstab geschaffen wird, ist der Neue Umweltlandkunst .

3. Bildende Kunst

Der Begriff plastische Kunst bezeichnet typischerweise dreidimensionale Werke, bei denen Materialien verwendet werden, die auf irgendeine Weise geformt, geformt oder manipuliert (plastifiziert) werden können: wie Ton, Gips, Stein, Metalle, Holz (Skulptur), Papier (Origami) und so weiter. Für dreidimensionale Kunstwerke aus alltäglichen Materialien und " gefundene Objekte ", einschließlich Marcel Duchamps" fertige "(1913-21), siehe bitte: Junk-Kunst .

4. Dekorative Kunst

Diese Kategorie kennzeichnet traditionell funktionale, aber ornamentale Kunstformen wie Arbeiten aus Glas, Ton, Holz, Metall oder Textilgewebe. Dies umfasst alle Formen von Schmuck und Mosaikkunst , ebenso gut wie Keramik (Am Beispiel schön verzierter Stile von alte Töpferei vor allem Chinesisch und Griechische Keramik ) Möbel, Einrichtungsgegenstände, Glasmalerei und Tapisserie-Kunst . Bemerkenswerte Stile von dekorative Kunst umfassen: Rokoko Art (1700-1800) Präraffaelitische Bruderschaft (fl. 1848-55), Japonismus (c.1854-1900), Jugendstil (c.1890-1914), Art Deco (c.1925-40), Edwardian und Retro.

Die wohl größte Epoche der dekorativen oder angewandten Kunst in Europa ereignete sich im 17./18. Jahrhundert am französischen Königshof. Weitere Informationen finden Sie unter: Französische Kunstgewerbe (c.1640-1792); Französische Designer (c.1640-1792); und Französische Möbel (c.1640-1792).

5. Performance Arts

Dieser Typ bezieht sich auf öffentliche Aufführungsereignisse. Traditionelle Sorten sind Theater, Oper, Musik und Ballett. Zeitgenosse Performance-Kunst umfasst auch alle Aktivitäten, bei denen die physische Präsenz des Künstlers als Medium fungiert. So umfasst es Pantomime, Gesichts- oder Körpermalerei und dergleichen. Eine hypermoderne Art der Performancekunst ist bekannt als Ereignisse .

6. Angewandte Kunst

Diese Kategorie umfasst alle Aktivitäten, bei denen ästhetisches Design auf funktionale Alltagsgegenstände angewendet wird. Während die bildende Kunst den Betrachter geistig anregt, angewandte Kunst Erstellt Gebrauchsgegenstände (eine Tasse, eine Couch oder ein Sofa, eine Uhr, einen Stuhl oder einen Tisch) nach ästhetischen Prinzipien. Volkskunst ist vorwiegend mit dieser Art von kreativer Tätigkeit befasst. Angewandte Kunst umfasst Architektur, Computerkunst , Fotografie, Industriedesign, Grafikdesign, Modedesign, Innenarchitektur sowie alle dekorativen Künste. Zu den bekannten Stilen gehören: Bauhaus Design School , ebenso gut wie Jugendstil , und Art Deco . Eine der wichtigsten Formen der 20. angewandten Kunst ist die Architektur vor allem super Wolkenkratzer-Architektur , das die städtische Umgebung in New York, Chicago, Hongkong und vielen anderen Städten auf der ganzen Welt dominiert. Eine Übersicht über diese Art von öffentlicher Kunst finden Sie unter: Amerikanische Architektur (1600-heute).

Die Debatte "Kunst gegen Handwerk"

Nach der traditionellen Kunsttheorie gibt es einen grundlegenden Unterschied zwischen einer "Kunst" und einem "Handwerk". Einfach gesagt, obwohl beide Aktivitäten kreative Fähigkeiten beinhalten, beinhaltet die erstere ein höheres Maß an intellektuellem Engagement. Nach dieser Analyse würde ein Korbflechter (etwa) als Handwerker angesehen, während ein Taschengestalter als Künstler angesehen würde. In dieser eher künstlichen Unterscheidung zwischen Kunst und Kunsthandwerk Funktionalität ist ein Schlüsselfaktor. Ein Juwelier, der nicht funktionierende Gegenstände wie Ringe oder Halsketten entwirft und herstellt, würde daher als Künstler angesehen, während ein Uhrmacher ein Handwerker wäre. Jemand, der Glas macht, ist vielleicht ein Handwerker, aber jemand, der Glasmalerei macht, ist ein Künstler. Die Idee ist, dass Künstler irgendwie überlegen sind, weil sie Dinge der Schönheit "erschaffen", während Handwerker sich wiederholende oder rein funktionale Handlungen ausführen. Möglicherweise steckt etwas Wahres hinter dieser Theorie, aber viele Arten von Handwerkskunst scheinen sich nicht von echter Kunst zu unterscheiden. Ein Beispiel ist vielleicht ein Zeichner-Trickfilmzeichner, der Tausende von ähnlichen Bildern einer Zeichentrickfigur wie ’Charlie Brown’ malt. Zwar ist seine "Kunst" rein funktional und höchst kommerziell, aber niemand kann leugnen, dass er ein Künstler war. Hinweis: siehe auch: Kunst- und Handwerksbewegung (1862-1914).

Der Einfluss der Renaissance auf den westlichen Kunstbegriff

Im Allgemeinen galten bis zur Frührenaissance des 15. Jahrhunderts alle Künstler als Handwerker. Selbst die größten Maler wie Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci und Raphael galten als Facharbeiter, während Bildhauermeister wie Donatello nur als spezialisierte Steinmetz- und Bronzemetallarbeiter galten. In der Tat war es das erklärte Ziel von Leonardo und Michelangelo, das Niveau des Künstlers zum Beruf zu erheben – ein Ziel, das 1561 mit der Gründung der ersten Kunstakademie in Florenz verwirklicht wurde, die zur Ausbildung von Menschen in der Toskana gegründet wurde Beruf des Zeichnens ( disegno ).

Obwohl es den Künstlern der Renaissance gelang, ihr Handwerk zum Beruf zu erheben, definierten sie Kunst als eine im Wesentlichen intellektuelle Aktivität. Diese fixe Renaissanceidee, dass Kunst in erster Linie eine intellektuelle Disziplin ist, wurde im Laufe der Jahrhunderte weitergegeben und beeinflusst immer noch die heutigen Vorstellungen von der Bedeutung von Kunst. Trotz einiger Modifikationen, wie zum Beispiel Änderungen in den Lehrplänen der Kunstschulen, behält die bildende Kunst ihre fiktive Überlegenheit gegenüber Kunsthandwerk wie angewandter und dekorativer Kunst bei.

Fragen zu Art.-Nr.

Wir können Kunst vielleicht nicht definieren, aber wir können sie weiter erforschen, indem wir Fragen zu Art und Umfang der Kunst stellen. Hier sind einige der wichtigsten Fragen zusammen mit einem kurzen Kommentar. (Siehe auch: Farbkunst-Glossar )

Was ist der Sinn der Kunst?

Skeptiker sagen, Kunst sei Zeitverschwendung. Sogar der berühmte Dichter WH Auden gestand, dass kein Gedicht eine einzelne Person aus den Gaskammern der Nazis gerettet hat. Und obwohl dies eine ziemlich bedeutungslose Aussage sein mag, unterstreicht sie die Vorstellung, dass Kunst in unserem täglichen Leben nur einen begrenzten Nutzen hat, außer bei attraktiv aussehenden Gebäuden, Teekannen, Autos oder Kleidern.

Es gibt zwei allgemeine Antworten: Erstens ist die angewandte Kunst ein Hauptzweig der Kunst, der sich nicht leicht von der bildenden Kunst trennen lässt, da die Wurzel allen Designs (die die Grundlage der angewandten Kunst bilden) die bildende Kunst ist. Zweitens, seit Homo Sapiens die Möglichkeit der Kontemplation entwickelt hat, hat er seine Gedanken in bildlicher Form ausgedrückt. Gleichzeitig schätzt er immer wieder die Schönheit – sei es in Form von menschlichen Gesichtern oder Körpern, Sonnenuntergängen, Tierhautfarben, Kathedralen oder Skulpturen. Kunst zu schaffen und wertzuschätzen heißt, menschlich zu sein. Das ist der Punkt.

Wie kann man gute Kunst von schlechter Kunst unterscheiden?

Kunst nicht definieren zu können, bedeutet nicht, dass alle Kunstwerke gut sind. Das Problem ist, wer entscheidet, wo gute Kunst aufhört und wo schlechte anfängt?

Diese populäre Frage mag sich aus unserem natürlichen Wunsch ergeben, nicht von als „Künstler“ verkleideten Schlangenölverkäufern getäuscht zu werden, aber unabhängig von ihrer Herkunft ist sie kein besonders wichtiges Thema. In der Praxis brauchen professionelle Künstler öffentliche Akzeptanz. Während temporäre Kunstmoden gelegentlich für Werke von anscheinend zweifelhaftem Wert werben, ist es unwahrscheinlich, dass die breite Öffentlichkeit (wie auch die Künstlergemeinschaft) dazu bereit ist, schlechte Kunst zur Gewohnheit werden zu lassen.

Warum machen Kunstexperten alles so kompliziert?

Ein Beispiel hierfür könnten die von Fachjargon befallenen Artikel sein, die häufig in Kunstmagazinen zu finden sind, in denen niemand mehr Klartext zu verwenden scheint. Weitere Schuldige sind Ausstellungskataloge und Kunstbücher.

Die Autoren dieses Materials könnten sagen, dass ein solcher Jargon nicht mehr als eine notwendige Abkürzung ist und dass er hauptsächlich für andere "Experten" geschrieben wurde. Aber stimmt das wirklich? Zum Beispiel ist es fast unmöglich, ein Buch mit einer einfachen Erklärung des Kubismus zu finden. Wie kann ein junger Student verstehen, warum die revolutionäre Bewegung von Picasso und Braque so wichtig ist? Das Gleiche gilt für Dutzende von Dingen in der Welt der Kunst. Und manche abstrakte Kunst klingt so kompliziert, dass wir fast einen Doktortitel brauchen, um sie richtig zu verstehen. (Siehe nächste Frage für Beispiele)

Beispiele für bedeutungslose Kunstkritik: Warum diesen Jargon verwenden?

Moderne Rezensenten, Kritiker und Künstler greifen häufig auf sinnlosen Unsinn zurück, wenn sie versuchen, ein "Kunstwerk" zu beschreiben. Hier sind einige Beispiele, die anonym gehalten wurden, um die Verlegenheit ihrer Autoren zu schonen. Alle wurden Pressemitteilungen oder Websites von "angesehenen" Körpern entnommen:

Wie schreibe ich keine Kunst Bewertung!

"Der Titel fasst die Absicht der Ausstellung zusammen: die Malerei in den Bereich des Möglichen zu bringen und die Notwendigkeit von Befragungen und Experimenten zu berücksichtigen, wenn sich die Malerei weiter zu einem Ort unbegrenzten Potenzials entwickeln soll."

"… ist die erste Ausstellung, die sich mit so unterschiedlichen Themen wie Spiel und Sehnsucht, der Intensität des persönlichen Raums, der zwanghaften organischen, abstrakten Farbe, der inneren Konstruktion, dem architektonischen Raum und der Zeit und der Transzendenz befasst."

"[Name des Künstlers] hat eine Reihe einwandfreier Werke geschaffen, die die Grundbestandteile der Malmaterialien in Frage stellten und nach Albertis Abhandlung Della Pittura betitelt wurden. Jedes Stück verfolgte akribisch und mit großem Einfallsreichtum eine verwandte, wenn auch unterschiedliche Fragestellung."

"Poststrukturalisten, die mit Jacques Derrida begannen, der den Begriff prägte, argumentierten, dass das Vorhandensein von Dekonstruktionen impliziere, dass ein Text keine inhärente Essenz habe, sondern lediglich den Kontrast des Unterschieds. Dies ist analog zu der Vorstellung, dass der Unterschied in der Wahrnehmung zwischen Schwarz und Weiß sei ist der Kontext. "

"In [Name des Künstlers] geht es um Möglichkeiten; eine versuchte Manifestation der Bedeutung der Freiheit. Indem er die vielfältigen Bedeutungen scheinbar gewöhnlicher Objekte untersucht, befasst er sich mit der Transzendenz der Funktion."

Was bedeutet abstrakte Kunst? Es sieht seltsam aus!

Bis zum Ende des neunzehnten Jahrhunderts hielten sich die meisten Gemälde und Skulpturen an traditionelle Prinzipien. Typischerweise war es das gegenständlich und naturalistisch. Dann änderte der Impressionismus alles, indem er nicht-natürliche Farbschemata einführte: ein Prozess, der von den Fauves und den Expressionisten fortgesetzt wurde. Dann lehnte der Kubismus den Begriff der Tiefe oder Perspektive in der Malerei ab und öffnete die Tür zu mehr abstrakte Kunst Dazu gehören Bewegungen wie Futurismus, De Stijl, Dada, Konstruktivismus, Surrealismus, Neo-Plastizismus, Abstrakter Expressionismus und Op-Art, um nur einige zu nennen. In Irland waren Maler wie Mary Swanzy, Mainie Jellet und Evie Hone frühe Pioniere dieser modernen Kunst.

Da abstrakte Kunst kaum naturalistische Elemente aufweist, ist sie nicht so augenblicklich erkennbar wie ein klassisches Porträt oder eine klassische Landschaft. Und wenn Sie ein Kunstwerk bevorzugen, um erkennbare Menschen und Umgebungen darzustellen, ist abstrakte Kunst wahrscheinlich nichts für Sie. Aber lassen Sie uns ehrlich sein, unterscheidet sich dies von der Vorstellung, eine bestimmte Farbe oder einen bestimmten Kleidungsstil zu tragen, von einem Rückstoß? Unterschiedliche Menschen mögen unterschiedliche Dinge, und dies gilt sowohl für Kunst als auch für Jobs, Autos, Häuser, Möbel, Ferien und alles andere, was Sie sich vorstellen können.

Abstrakte oder nicht naturalistische Bilder enthalten meist eine implizite Botschaft oder folgen einer bestimmten Kunsttheorie. Dies kann sie für manche Menschen weniger sympathisch und weniger schön machen, bedeutet aber nicht, dass sie keine herausragenden Kunstwerke sein können.

Soll Kunst subventioniert werden?

Für die meisten Vollzeitkünstler ist es äußerst schwierig, ihren Lebensunterhalt mit ihrer Malerei oder Skulptur zu verdienen. Dazu erwiderten die Skeptiker: "Nun, wenn niemand ihre Sachen kaufen will, warum sollte der Steuerzahler dafür bezahlen?"

Man sollte dieses Anliegen nicht allzu leichtfertig ablehnen. Schließlich sagen diese Skeptiker nicht, dass Künstler ihre Kunst nicht praktizieren sollten, sondern dass ein Künstler eine private Patenschaft suchen sollte.

Eine Antwort auf die Frage lautet: Erstens bilden die meisten Kunsthochschulen Studenten in einer Reihe von hochkommerziellen Tätigkeiten aus, insbesondere im Bereich der angewandten Kunst und des Designs. Für diese Personen gibt es also keine Frage der Subventionierung. Darüber hinaus entscheiden sich diejenigen Studenten, die sich für eine Vollzeitkarriere als Maler oder Bildhauer entscheiden, für eine sehr anstrengende und materiell unbezahlbare Lebensform. Nicht zuletzt, weil Sponsoring (in Form von öffentlichen Aufträgen, Stipendien, Artist-in-Residences und anderen Stipendien) eigentlich sehr dürftig ist. Die öffentliche Förderung der Künste in westlichen Ländern ist im Vergleich zu anderen vergleichbaren Bereichen nach wie vor recht gering. Daher ist auch hier der Betrag der öffentlichen Gelder, die für Kunstwerke ausgegeben werden, nicht besonders bedeutend.

Dennoch wird öffentliches Geld ausgegeben, und hier ist ein Grund dafür. Schönheit, ob in Form eines attraktiv aussehenden Autos, eines gut gestalteten öffentlichen Gebäudes oder Platzes, eines farbenfrohen Kleides oder einer inspirierenden Skulptur, ist eines der wenigen Phänomene, die die Stimmung anregen und uns daran erinnern, dass es mehr im Leben gibt als nur der Preis für Eier. Aber ohne Kunst wird diese Bandbreite an ästhetischen Erfahrungen allmählich schwinden, da Schönheit als lohnendes Ziel zunehmend herabgestuft wird. Die Literatur (wenn nicht die Geschichte) ist voll von Beispielen für diese Art von Gesellschaft, in der Funktionalität alles ist und die Bürger dieselbe eintönige Kleidung tragen, in denselben eintönigen Wohnungen wohnen und dasselbe eintönige Leben führen.

Online-Sammlungen von Malerei und Skulptur

Es sind unzählige Gemälde und Skulpturen online. (Allein auf dieser Website werden Tausende verschiedener Bilder angezeigt.) Suchen Sie nach beste Kunstmuseen wie die Uffizien (Florenz), der Louvre (Paris), das Prado-Museum (Madrid), die Pinakothek (München), die Tate Gallery (Großbritannien, Modern, Liverpool und St. Ives), die National Gallery (London), Gemäldegalerie (Berlin), Eremitage (St. Petersburg), Metropolitan und Guggenheim Museum (New York) und National Gallery (Washington DC), um nur einige zu nennen.

Leider sind irische Kunstgalerien (mit Ausnahme der Crawford Gallery in Cork) im Internet nicht so sichtbar wie sie sein sollten, aber es gibt viele private Kunstgalerien in Irland, die wundervolle Displays bieten, in denen Sie stöbern können. Siehe auch: Kunstnachrichten Schlagzeilen .

Weitere Informationen zur Klassifizierung von Kunst finden Sie unter: Enzyklopädie der bildenden Künste .