Griechische Skulptur, archaische Zeit Automatische übersetzen

Für die Bildhauerei ist es zweckmäßiger, den Begriff auf den „archaischen“ Stil zu beschränken, der den daedalischen am Ende des siebten Jahrhunderts ablöste und bis zum Beginn des fünften Jahrhunderts (ca. 600-500 v. Chr.) andauerte, als er der frühen Klassik wich. Dieser archaische Stil unterscheidet sich von dem dedaischen durch sein Interesse an der Tiefe und durch seine solidere und zuverlässigere Anatomie, und die Veränderungen scheinen schnell, wenn auch nicht plötzlich, erfolgt zu sein.

In der europäischen griechischen Kunst sind einige Anzeichen des Übergangs zu erkennen, obwohl es auch Anregungen von der reiferen Skulptur der ägyptischen Skulptur gegeben haben mag, wo sich die Griechen nun niedergelassen hatten; aber im griechischen Asien scheinen die syrischen Modelle einen direkteren Einfluss gehabt zu haben. Wie dem auch sei, das Produktionsvolumen der griechischen Bildhauerei wurde mit dem Aufkommen des archaischen Stils viel größer, und mit dem neuen Vertrauen in die Kunst wurden große Statuen zur Norm, von denen einige - vor allem in der Anfangszeit - viel größer als ihre natürliche Größe waren.

Leider haben nur zwei künstlerisch wichtige Gebiete, Attika und Samos, bedeutende Skulpturenserien hervorgebracht, und die eine gehört zum europäischen und die andere zum ostgriechischen Raum. Andernorts gibt es genügend Kuroi aus dem Heiligtum von Ptoyon bei Theben und Reliefs aus Sparta und seiner Umgebung, um zu zeigen, dass die lokalen Bildhauer von Böotien und Lakonien ebenso provinziell waren wie die Vasenmaler.

Aber aus den Gebieten von Korinth, Sikion, Ägina, Argas, Naxos und Paras - die alle nach späteren Aufzeichnungen oder überlieferten Signaturen die Heimat bedeutender archaischer Bildhauer waren - haben wir nur vereinzelte Werke, so dass wir zum Beispiel nicht wissen, ob die schweren Formen des Kleobis für Argolis charakteristisch sind, oder was, wenn überhaupt, in den Figuren des aeginischen Giebels eigentümlich äginetisch ist. Schwerwiegender ist die Unkenntnis über Paros, dessen Steinbrüche den von den Griechen bevorzugten Marmor lieferten und das, zumindest geographisch gesehen, auf halbem Wege zwischen dem europäischen und dem asiatischen Kontinent lag. Wie dem auch sei, die rekonstruierte Geschichte der archaischen Bildhauerei ist stark zugunsten von Athen verzerrt.

Kouros und Kore

Die beiden wichtigsten archaischen Statuentypen waren immer noch kouros (stehender nackter Mann) und kore (stehende drapierte Frau). Aus dem europäischen Griechenland haben wir auch mehrere sitzende Figuren, Männer zu Pferd und - vor allem von frühen Grabmonumenten - Sphinxen, die auf ihren Hinterbeinen sitzen. In Ostgriechenland, wo die Bildhauer andere Ideale hatten, war der drapierte Mann, meist sitzend, manchmal aber auch stehend oder sogar liegend, recht häufig. Andere Typen waren sehr selten.

(Für Biographien der herausragenden Bildhauer des antiken Griechenlands siehe: Phidias (488-431 v. Chr.), Myron (aktiv 480-444), Polycletus (5. Jahrhundert), Callimachus (aktiv 432-408), Scopas (aktiv 395-350), Lysippus (ca. 395-305 v. Chr.), Praxiteles (tätig 375-335), Leochar (tätig 340-320).

Die Farbgebung von Skulpturen

Über die Färbung archaischer Skulpturen ist uns einiges bekannt, denn infolge der persischen Invasion im Jahr 480 wurden viele kürzlich bemalte oder gut erhaltene Werke beschädigt und vergraben (oder vergraben, um Schäden zu vermeiden), und manchmal, wie auf der Akropolis von Athen, erwiesen sich die Bedingungen im Untergrund als günstig.

Bei Marmor war es zunächst üblich, die gesamte Oberfläche mit Ausnahme des Fleisches zu bemalen; später, ab dem dritten Viertel des sechsten Jahrhunderts, wurden große Bereiche der Draperien oft unbemalt gelassen, mit Ausnahme von Musterbändern an den Rändern und in der Mitte der Röcke und einigen kleinen Ornamenten an anderen Stellen. Wir wissen nicht, wie die Regel für das Fleisch der Männer aussah, aber es wurde manchmal in einem hellen Braunton bemalt.

Die Hauptfarben waren Rot, Blau und Gelb, weitere Farben waren Schwarz, Grün und Braun. Die Auswahl der Farben mag durch die verfügbaren Pigmente begrenzt gewesen sein, aber ihr Zweck war hauptsächlich dekorativ, ohne dass auf natürliche Farbtöne besonders geachtet wurde. Die Oberfläche von Kalksteinfiguren war von geringerer Qualität als die von Marmor, weshalb sie in der Regel vollflächig bemalt wurden. Archaische Bronzeskulpturen, die äußerst selten sind, weisen keine besonderen Merkmale auf.

Chronologie

Nur sehr wenige archaische Skulpturen lassen sich aus dem Kontext oder aus Aufzeichnungen sinnvoll datieren. Herodot, der Historiker der antiken Kunst, vermutet, dass die siphnische Schatzkammer in Delphi um 525 v. Chr. erbaut wurde, und dass die letzten Statuen aus den Trümmern der Athener Akropolis kurz vor 480 v. Chr. entstanden sein müssen, als die Perser sie plünderten.

Die akzeptierte Chronologie hängt also, wie üblich, von stilistischen Kriterien ab, vor allem von den Fortschritten bei der natürlichen Darstellung der Anatomie. Das anatomische Kriterium stößt bei weiblichen Figuren auf Schwierigkeiten, da sie drapiert waren, und lässt weder Konservatismus noch Rückständigkeit zu, aber als grober Leitfaden scheint es zu funktionieren.

Für eine absolute Datierung des Schatzes von Sithnea stützen sich die Kunsthistoriker fast ausschließlich auf die Verbindung zur Vasenmalerei. Leider ist dies nur eine begrenzte Hilfe, da die Konventionen der beiden Künste nicht sehr eng beieinander lagen und auch die absolute Datierung der Vasen selbst nicht zuverlässig ist. Umso riskanter ist es, Veränderungen im bildhauerischen Stil mit historischen Persönlichkeiten wie Pisistratus und Polykrates in Verbindung zu bringen, obwohl solche Verbindungen immer verlockend sind.

Arten der Bildhauerei

Die drei Haupttypen der archaischen Skulptur :
❶ Statuen;
❷ Sockelskulpturen und
❸ Reliefs. Statuen: insbesondere die Entwicklung der männlichen und weiblichen Form.

Für Informationen über die altgriechische Keramik, einschließlich der geometrischen, schwarzfigurigen, rotfigurigen und weißfigurigen Techniken, siehe: Griechische Keramik: Geschichte und Stile .

Beim Kouros machten die archaischen Bildhauer die größten Fortschritte, denn der archaische Kouros war nackt - sogar noch nackter als der Daedalus, der einen Gürtel trug - und so konnten die Probleme der Anatomie nicht ignoriert werden. Da mehr als hundert Kouros-Statuen vollständig oder als bedeutende Fragmente erhalten sind, können wir die Entwicklung hin zu natürlicheren Proportionen und Artikulationen im Detail verfolgen.

Im Allgemeinen wurden die Stirnen höher, die Schädel runder, die Augen kleiner, die Schultern schmaler und die Hüften dicker; die Struktur des Gesichts, der Ohren, des Halses, der Brust, des Bauches, der Hüften und der Knie wurde mit größerem Verständnis und weniger Betonung einzelner Merkmale dargestellt; die Modellierung gewann zunehmend die Oberhand über die Ausarbeitung von Details. Die Bildhauer hatten offensichtlich menschliche Körper beobachtet, aber ihre Beobachtungen wurden kombiniert und in eine Art verallgemeinertes theoretisches System aufgelöst, das die Besonderheiten eines bestimmten Modells nicht berücksichtigte: Mit anderen Worten, die archaische Skulptur war „ideal“.

Gegen Ende des sechsten Jahrhunderts war die Anatomie des Kouros so natürlich geworden, dass seine Pose unnatürlich erschien, und es war an der Zeit, die streng symmetrische Frontalität aufzugeben. Was die Größe anbelangt, so sind einige der frühesten archaischen Kourois viel größer als in der Realität; Statuen von eher geringer Größe wurden dann üblich, aber allmählich entwickelte sich ein Standard einer Figur von etwas mehr als 2 Metern Höhe, beeindruckend, aber nicht übermenschlich.

Cleobis und Beaton

Die Statue, die gemeinhin „ Cleobis“ genannt wird, ist ein praktisches Beispiel für den frühen archaischen Stil um 600 v. Chr. Sie ist die am besten erhaltene eines Paares von Kouroi, die in Delphi gefunden wurden und anhand der Inschrift auf ihren Sockeln und einer Passage bei Herodot als Darstellung von Cleobis und Biton identifiziert wurden, obwohl nicht genau bekannt ist, welche Statue welche ist. Die Geschichte besagt, dass Kleobis und Biton beim Fest der Hera, als ihre Mutter (die Priesterin war) aus Mangel an Ochsen aufgehalten wurde, ihren Wagen fünf Meilen zum Heiligtum zogen. Als Belohnung erlaubte die Gottheit ihnen, in dieser Nacht im Schlaf zu sterben, und zum Gedenken daran errichteten die Argiver Statuen von ihnen in Delphi. Die Statuen aus Marmor, von dem man annimmt, dass er von den Kykladen stammt, sind über 2 Meter hoch und so ähnlich, wie man es von einer freien Handschnitzerei erwarten kann.

Spuren des Daedalischen sind in der Absenkung der Stirn und der fortgesetzten Dreiecksform der Vorderseite des Gesichts zu sehen; aber es gibt eine neue Betonung von Massivität und Tiefe, der Körper scheint ein integraler und interessanter Teil der gesamten Figur zu sein und nicht hauptsächlich eine Stütze für den Kopf, und die Anatomie, obwohl noch sehr unerfahren, ist ausgearbeitet worden. Die Wangenknochen wurden mit mehr Logik ausgearbeitet als zuvor. Den Ohren, dem Hals und den Schlüsselbeinen wurde Aufmerksamkeit gewidmet; das Haar (das beim Schnitzen immer schwierig darzustellen ist) wurde in Strähnen aufgeteilt, die jetzt eher Locken als einer Perücke ähneln; die Brustmuskeln und die Knie wurden stark modelliert; die Muskeln an den Seiten der Oberschenkel wurden mit Rillen umrissen; aber der obere Rand des Bauches ist nur eingeschnitten, und die Taille ist immer noch eine einfache konkave Kurve, die die Hüften ignoriert.

Obwohl es sich bei diesen beiden Curoi keineswegs um Porträts handelt, werden einige Zugeständnisse an ihr Thema gemacht; als Träger tragen Cleobis und Beaton Stiefel, die zwar eng anliegen, sich aber ursprünglich durch ihre Farbe unterschieden, und die massiven Proportionen der Figuren sind vielleicht dazu da, die Stärke zu zeigen, für die sie berühmt waren, und nicht, weil solche Proportionen typisch für die argivische Schule der Bildhauerei waren. Denn der Bildhauer war ein Argiver, so sagt es die Inschrift, mit einem Namen, der auf „medes“ endet, was oft als „Polymedes“ wiederhergestellt wird, obwohl es auch andere Varianten gibt. Übrigens gehören Kleobis und Biton zu den etwa einem Dutzend überlebenden griechischen Originalstatuen, die in der uns vorliegenden griechischen und lateinischen Literatur erwähnt werden.

Kouros (Metropolitan Museum of Art, New York)

Der New Yorker Kouros (ca. 600 v. Chr.), aus kykladischem Marmor und zwei Meter hoch, ist der vollständigste einer Gruppe von frühen Kouroi, die in Attika gefunden wurden, und im Stil so nah beieinander, dass sie von demselben Bildhauer oder derselben Werkstatt geschaffen worden sein müssen. Das Gesicht der New Yorker Figur mit seinem ovalen Umriss und der hohen, abgerundeten Stirn und dem Schädel ist das Gegenteil von Daedalicus, vielleicht absichtlich, und die Augen sind sehr dominiert, wie man auf der Abbildung sehen kann, wenn man mit einem Bleistift darüber zeichnet. Die Nase ist leider abgebrochen, aber sie muss schmal und markant gewesen sein.

Hier werden mehr als bei Cleobis die anatomischen Merkmale des Körpers gezeigt - durch Modellierung und Zeichnung - und ein Bewusstsein, wenn nicht mehr, für die Existenz der Hüften. Einige Spuren roter Farbe sind in den Nasenlöchern, an den Brustwarzen und an den Bändern, die die Haarspitzen am Rücken herunterziehen, zu sehen. Wenn wir die New Yorker Statue mit Cleobis vergleichen, können wir sehen, welchen Unterschied in der Wirkung moderne Bildhauer innerhalb der strengen Formel des Kouros-Typs machen konnten.

Besonders anschaulich ist die Länge der Arme - kurz bei dem kompakt ausbalancierten Cleobis, reichen sie bei der New Yorker Statue bis zu den Hüften, um die Schwere des Oberteils auszugleichen - wenn man die Figur unterhalb der Brust verdunkelt, würde man einen ganz anderen Unterbau erwarten. Die Datierung des New Yorker Kouros dürfte dieselbe sein wie die des Kleobis, etwa 600 v. Chr., da er in einigen Details perfekter ist, obwohl seine Gesamtwirkung primitiver ist. Der Grund dafür ist wahrscheinlich, dass der Bildhauer des New Yorker Kouros unorthodox war. Er hat keine offensichtlichen Vorfahren, und es kann gut sein, dass er der erste Bildhauer war, der sich in Attika niederließ; jedenfalls gibt es trotz der vielen archaischen Skulpturen, die in Attika gefunden wurden, nichts, was älter ist als sein Werk.

Seltsamerweise scheint die New Yorker Statue, der erste Kouros, für den eine enge Übereinstimmung mit der ägyptischen Kunst behauptet wurde - auf der Höhe der Knie, des Nabels, der Brustwarzen, der Augen und möglicherweise der Hände - keinen besonders ägyptischen Stil zu haben.

Apollo von Tenea

Apollo von Tenea, der in Tenea bei Korinth gefunden wurde und bei dem es sich nicht um ein Bildnis des Apollo handelt, sondern um ein Grabmonument, ebenfalls aus kykladischem Marmor, anderthalb Meter hoch und in ungewöhnlich gutem Zustand. Es wird auf etwa 560 v. Chr. datiert, eine Generation später als Cleobis und der New Yorker Kouros. Die menschliche Figur hat jetzt viel natürlichere Proportionen, obwohl sie immer noch zu breit in den Schultern und zu schmal in der Taille ist, und die anatomischen Merkmale sind organisch und ohne Übertreibung modelliert, in starkem Gegensatz zum New Yorker Kouros, wo sie als oberflächliche und fast dekorative Ergänzungen erscheinen.

Beim „Apollo von Tenea“ ist der Kopf, zumindest in der Vorderansicht, kaum interessanter als der Körper; das Haar ist vereinfacht, die Augen - verkleinert - sind im inneren Winkel versenkt, und die Lippen sind in einem „archaischen Lächeln fröhlich nach oben geschwungen“ ; aber die Modellierung des Unterleibs zeigt viel mehr Subtilität, und wenn die Figur enthauptet ist, leidet sie bemerkenswert wenig.

In der Gestaltung sind die Frontal- und Seitenansichten immer noch entscheidend, obwohl die Übergänge besser ausgeführt sind als in früheren Werken, und insgesamt ist dies ein Bild eines Mannes, der zu flexiblen menschlichen Bewegungen fähig zu sein scheint. Der Apoll von Tenea ist für seine Zeit von herausragender Qualität, aber es ist schade, dass in Korinthia keine archaische Skulptur mehr erhalten ist.

Kouros von Aristodikos

Der Kouros des Aristodikos ist ein weiteres Grabdenkmal, das östlich des Berges Girnetus gefunden wurde, wo der athenische Adel Ländereien besaß. Der Titel „Aristodikos“ ist auf der obersten Stufe des Sockels eingemeißelt, wobei die Buchstaben mit roter Farbe hervorgehoben sind. Vermutlich wurde sie, wie einige andere archaische Statuen aus Attika, während der persischen Invasion begraben, aber leider auf dem Rücken, so dass ihr Gesicht vom modernen Pflügen geschwärzt ist.

Der Kouros des Aristodikos ist fast zwei Meter hoch, besteht aus parischem Marmor und stammt aus der Zeit um 500 v. Chr. Zu dieser Zeit ist die Struktur des Körpers, selbst an der Taille, bereits weitgehend erforscht, und auch das Gesicht hat eine einheitliche Form, ohne dass ein bestimmtes Merkmal besonders hervorgehoben wird. Selbst die Kopfbehaarung lenkt nicht von der Anatomie ab. Es ist kurz und eng anliegend und hat zwei Reihen einfacher, regelmäßiger Locken am Rand, während der Rest grob mit einer Spitze abgeschlossen ist - eine ungewöhnliche Alternative zu der damals üblichen feinen Wellenfrisur, es sei denn, sie war als Unterlage für Leisten gedacht.

Für Übersichten über berühmte griechische Statuen siehe Venus von Milos (ca. 130-100 v. Chr.) von Alexandros von Antiochia und Laokoon und seine Söhne (ca. 42-20 v. Chr.) von Hagesander, Athenodorus und Polydorus.

Das bemerkenswerteste dekorative Detail dieser nüchternen Figur ist das Schamhaar, das nach einer Tradition geformt ist, die im späten sechsten und frühen fünften Jahrhundert in Mode war. Insgesamt war der Kouros des Aristodikos an die Grenzen des archaischen Stils gestoßen; bei einer Figur von so natürlicher Statur wirkte die Pose unangenehm gestelzt. Vielleicht spürte dies auch der Bildhauer und winkelte zur Abwechslung die Arme an den Ellbogen nach vorne an, obwohl dies die unschöne Verwendung von Streben erforderte. Wie dem auch sei, obwohl die Komposition immer noch auf vier regelmäßigen Erhebungen beruht, ist die Zwischenansicht lebendiger.

Alle vier besprochenen Kouroi stammen aus dem europäischen Griechenland und sind, mit Ausnahme der New Yorker Statue, typisch für den allgemeinen Stil dieser Region. Die kykladischen Schulen scheinen recht nahe beieinander gelegen zu haben, obwohl einige Stücke eine weichere Verarbeitung aufweisen. Noch weicher waren die ostgriechischen Werkstätten, die sich auf plumpe, oberflächliche Formen konzentrierten und sogar die Falten eines gut gerundeten Bauches genossen. Nichtsdestotrotz können sowohl das europäische als auch das ostgriechische Ideal als aristokratisch angesehen werden: Das eine repräsentiert den Gentleman, der Zeit für Athletik hat, das andere den Mann mit Vermögen, der es sich leisten kann, zu essen.

Archaischer Kore

Die archaische Kore entwickelte sich ganz anders als der Kouros. Da sie vollständig bekleidet sein musste, hatten die Bildhauer wenig Lust, die weibliche Anatomie zu erforschen, und bis kurz nach 500 v. Chr. ein strengerer Stil aufkam, wurden ihre Ziele immer dekorativer. Dies zeigt sich an der Behandlung der Haare und sogar der Gesichtszüge sowie an der Draperie, für die um die Mitte des sechsten Jahrhunderts eine neue Formel entwickelt wurde.

Die griechische Kleidung ist zwar im Grunde einfach, erfordert aber einige Überlegungen. Die beiden wichtigsten Kleidungsstücke, sowohl für Männer als auch für Frauen, waren der schwere „Peplos“ ohne Ärmel und der leichte „Chiton“ mit Ärmeln (wir verwenden diese Namen so, wie sie von den Archäologen definiert wurden), und beide sollen aus rechteckigen, unförmigen Stoffstücken bestanden haben, die mit Stecknadeln oder Knöpfen zusammengehalten oder je nach Bedarf angenäht und in der Taille durch einen Gürtel zusammengehalten wurden.

So trägt die Auxerische Göttin einen einfachen Peplos mit einem separaten Umhang über den Schultern; die Heldinnen des östlichen Giebels in Olympia tragen einen Peplos mit einem Wechsel (das heißt, der obere Teil des Rechtecks wurde bis zur Taille in zwei Teile gefaltet); und die Akropolis-Kore trägt einen Chiton und darüber eine Art Mantel (oder „himation“), der schräg über eine Schulter geworfen wird. Der Chiton dieser Kore ist jedoch so geschnitten, als ob der obere und der untere Teil zwei getrennte Kleidungsstücke wären, und selbst bei der auxerischen Göttin scheint das Muster des Schößchens - mit Schuppen auf der Brust, aber nicht auf dem Rücken, und einem Mäanderband auf der Vorderseite des Rocks - auf einem einzigen Stück Stoff unwahrscheinlich, wenn man es in aufgeklappter Form betrachtet. Es ist durchaus möglich, dass die griechische Kleidung manchmal aufwändiger war, als allgemein angenommen wird, aber die Künstler haben die Logik der Drapierung oft ignoriert.

Um die plastische Kunst des antiken Griechenlands zu würdigen, siehe: Wie man die Bildhauerei würdigt . Für spätere Werke, siehe: Wie man die moderne Bildhauerei zu schätzen weiß .

Die Berliner stehende Göttin

Sie soll in der attischen Landschaft gefunden, in Bleifolie eingewickelt und vergraben worden sein, vermutlich 480 v. Chr., um der Zerstörung durch die Perser zu entgehen. Sie besteht aus lokalem Marmor, ist 2 m hoch und stammt aus der Zeit um 575 v. Chr. Von der ursprünglichen Färbung ist das Rot recht gut erhalten, das Gelb ist weniger gut erhalten und es gibt einige Spuren von Blau. Das Fleisch war nicht bemalt, das Haar war gelb, der Chiton war rot, aber die Farbe des Umhangs ist nicht bekannt. Von den dekorativen Details waren die Blumen auf dem Polo (oder der Kappe) rot; der Mäander am Hals des Echitons war rot, gelb, blau und weiß umrandet, und entlang des unteren Teils des Rocks rot, gelb und blau; die Sandalen hatten rote Riemen und gelbe Sohlen.

Was die Schnitzerei betrifft, so weist der Kopf keine Spur des daedalischen Schemas auf, und das Haar ist mit einer Schlichtheit ausgeführt, die sowohl der Natur entspricht als auch nicht vom Gesicht mit seinen ausdrucksstarken Augen, der Nase, den Wangen und dem Mund ablenkt, der, wie bei Apollo Teneus, in „einem archaischen Lächeln“ fixiert ist. Dieses Lächeln kann, wie einige Kunsthistoriker argumentiert haben, auf eine tiefere Scheitelung der Lippenwinkel zurückzuführen sein, obwohl dies nicht ihre Aufwärtskurve erklärt; aber was auch immer seine Ursache ist, es wurde bald manieriert, sogar - in Reliefs und Giebeln - für Figuren, deren Position keinen Anlass zum Lächeln bietet.

Die Pose ist natürlich symmetrisch, obwohl zur Abwechslung beide Arme über dem Körper getragen werden. Auch die Draperie hat die dedalische Ebene verlassen und ist in breiten, flachen Falten geschnitten, die vertikal fallen, außer am hinteren Teil des Schals, wo sie eine Reihe einfacher Schlaufen bilden, die von einer Schulter zur anderen bis zur Taille reichen. Wer diese Figur darstellt, ist nicht genau bekannt. Bei der Berliner Statue handelt es sich um eine solide, verweichlichte Frauenfigur, obwohl weder im Gesicht noch im Körper etwas spezifisch Weibliches zu erkennen ist, soweit dies unter dem eng anliegenden Kleid möglich ist.

Etwa zur gleichen Zeit experimentierten einige Werkstätten im Osten mit einer anderen Version der Kore. Die Form einiger dieser Statuen ist so viel zylindrischer, dass man den Einfluss von Elfenbeinfiguren vermuten kann, sei es aus Syrien oder von ihren griechischen Nachfolgern, die in ihrer Form dazu tendierten, die Form des Stoßzahns beizubehalten, aus dem sie geschnitzt wurden.

Das Kleid ist hier ein Chiton, der bald regelmäßig durch einen Mantel ergänzt wird, der über eine Schulter getragen wird und die Brust kreuzt, und jedes Kleidungsstück ist mit engen, flachen Falten verziert, die seinen Schnitt wiederholen. Nur bei einer Statue dieses Typs ist der Kopf erhalten, und dieser hat eine solide Fülle, die möglicherweise von frühen Werken wie dem New Yorker Kouros übernommen wurde. Oft liegt eine Hand auf der Brust und hält eine kleine Opfergabe, während die andere an der Hüfte herunterhängt. Doch schon bald, vielleicht um 560 v. Chr., wird diese Hand benutzt, um die Seite des Rocks zu umklammern und so seine Falten umzulenken; und der nächste Schritt, nicht später als 550 v. Chr., besteht darin, die Folgen dieser Umklammerung auszunutzen, indem der Rock in strahlenförmigen Falten vorne angeordnet wird und sich an das Gesäß und die Rückseite der Beine schmiegt, während die Falten des Mantels zur Verstärkung des Kontrasts abgestuft und tiefer sind.

Auch das Gesicht und das Haar sind skurril gestaltet, und in der Regel ist ein Bein leicht nach vorne gestreckt, entweder um die Pose zu beleben oder um die mechanische Stabilität der Statue zu verbessern. Diese Art von kore wird im Allgemeinen für eine ionische oder ostgriechische Erfindung gehalten, aber die kunstvollsten Beispiele scheinen zu den Kykladen zu gehören, während die bisher in Ionien gefundenen recht einfach sind, und - was es wert ist - die frühesten vollständig „ionischen“ kore wurden im europäischen Griechenland gefunden. Dennoch, wo immer ein neues kōrai erfunden oder entwickelt wurde, verbreitete es sich schnell in der gesamten griechischen Welt.

Statue Nr. 682, Akropolis

Die Statue 682 auf der Akropolis von Athen ist eine der ältesten Statuen, die nicht älter als 525 v. Chr. ist. Sie ist fast 2 Meter hoch, aus kykladischem Marmor und besteht - ungewöhnlich - aus zwei Hauptteilen, wobei das Gelenk an den Knien liegt. Auch der rechte Unterarm, der gerade nach vorne ragt, war - wie üblich - ein separates Teil, dessen Stumpf noch am Sockel befestigt ist. Das Ende des Umhangs, das vorne herunterhing, war ebenfalls abgetrennt, und auf der Brust waren Löcher zu sehen, an denen zusätzliche Haarpartien befestigt waren. Die Haare waren rot, die Augenbrauen schwarz, und das Diadem war mit roten und blauen Palmetten verziert.

Der obere Teil des Chitons war wahrscheinlich gelb oder blau, der Rest des Gewandes war unbemalt, abgesehen von gemusterten Bändern entlang des Saums und der Vorderseite des Rocks und einer Reihe kleiner, ordentlicher Ornamente an anderen Stellen; diese Ornamente waren meist rot und blau mit möglichen grünen und gelben Flecken. Es gab auch eine Halskette, die bemalt, aber nicht geschnitzt war; der Armreif war blau bemalt und die Sandalen waren rot mit blauen Details.

Um die ursprüngliche Wirkung zu vervollständigen, wurde der Metallstab auf dem Kopf begradigt und mit einem kleinen Bronzeschirm („meniscos“) gekrönt. - Ein üblicher Schutz gegen Vögel, wenn die Statuen im Freien standen. Im Vergleich zu modernen Kouroi ist der Kopf von der Akropolis 682 interessant. Offensichtlich sollte er mit seinem hohen gewölbten Schädel, den schrägen Augen (die einst mit Paste gefüllt waren), den halb geschlossenen, überhängenden Augenlidern und den ausgeprägten Wangenknochen modisch weiblich wirken; aber abgesehen von den unplausiblen Brüsten wird hier wenig auf die charakteristischen Formen des weiblichen Körpers geachtet, und obwohl der Bildhauer sich im unteren Teil der Figur reichlich Spielraum gelassen hat, scheint er einen Kouroi als Modell benutzt zu haben.

Diese Freilegung der Formen von Gesäß und Beinen war eine bildhauerische Eigenart, die in der Vasenmalerei so früh noch nicht zu finden war; und der Trick, den straff gespannten Stoff den nach innen gerichteten Kurven der Beine folgen zu lassen, ist ebenfalls bildhauerisch und kein Ersatz für die in der Malerei mögliche Transparenz, da die Künstler jener Zeit den Blick von hinten und sogar von vorne vermieden. Der Stil solcher korai ist raffiniert und sogar brillant, aber er ging nicht weiter als dies, und eine Generation später wandten sich die Bildhauer strengeren, aber vielversprechenderen Standards für ihre weiblichen Figuren zu.

Die fragmentarische Rinde, die Euthydikos gewidmet ist, ist eine der letzten Statuen aus den persischen Ruinen der Athener Akropolis und kann in die 480er Jahre v. Chr. datiert werden. Die Mitte der Statue ist verloren gegangen, aber sie muss ursprünglich kaum mehr als einen Meter hoch gewesen sein, ohne die unzerstörte Don-Säule, auf der sie stand. Das System der Draperie und der Frisurenstil entsprechen „der ionischen“ Rinde, obwohl viele Details oberflächlich und sogar grob sind, aber es gibt auch positive Neuerungen. Am deutlichsten wird dies im Gesicht mit seiner strengen, einheitlichen Struktur, dem Verzicht auf weiblichen Glanz und dem aggressiv lächelnden Mund; auch der Körper ist solider, vor allem in der Tiefe von vorne nach hinten.

Diese Statue ist eher von historischem als von ästhetischem Wert, und ihre Wirkung muss bei ihrer Vollendung noch unstimmiger gewesen sein. Die ionische“ Rindenformel entsprach nicht den strengen Maßstäben, die im frühen fünften Jahrhundert an Künstler gestellt wurden, und es war eher eine Revolution als eine Anpassung erforderlich.

Für eine Liste der schönsten Statuen, Figuren und Reliefs, die von der Kunst des klassischen Altertums überlebt haben, siehe: Die größten Skulpturen aller Zeiten . Zum Neoklassizismus, siehe: Neoklassische Bildhauer .

Die archaische Reliefplastik wird je nach der Form des Feldes in drei Klassen unterteilt. Viele Grabsteine des sechsten Jahrhunderts waren hohe, schmale Platten, auf denen eine einzelne, im Profil stehende Figur geschnitzt (oder einfach gezeichnet) war. Diese Art von Grabmonument ist am besten in Attika bekannt, wo es von einer kleinen kompakten Statue einer sitzenden Sphinx oder später einer Palmette gekrönt sein kann.

Das änderte sich bald nach der Mitte des Jahrhunderts, als mit der Verbesserung der anatomischen Fähigkeiten und des Geschmacks Monster und Tiere (mit Ausnahme des Pferdes) zu Themen wurden, die für einen ernsthaften Bildhauer unwürdig waren. Sowohl die Sphinx als auch der Löwe (der auch auf frühen Grabmonumenten zu finden ist) könnten übrigens als Widmungen in Heiligtümern verwendet worden sein und waren daher wahrscheinlich keine Symbole des Todes.

Die Griechen mögen eine Vorstellung davon gehabt haben, dass es sich bei ihnen um eine Art Wachhunde handelte, aber wie die Vasenmalereien zeigen, wurden solche Kreaturen in der Kunst nicht zugelassen, es sei denn, sie wurden als dekorativ angesehen.

Die zweite Klasse von Reliefs, mehr oder weniger quadratisch, umfasst die geschnitzten Tafelmetopen der dorischen Tempel und Schatzkammern sowie einige Grabreliefs. Um den Raum auszufüllen, wird hier in der Regel eine Gruppe von zwei oder drei Figuren dargestellt, oder wenn es nur eine einzige Figur gibt, wird sie auseinandergezogen, wie die einzelnen Figuren der Vasenmalerei in archaischen Kelchen. Schließlich gibt es lange Reliefs - für die Friese der ionischen Architektur oder die Sockel von Statuen. In solchen Bereichen sind Handlungsszenen fast unvermeidlich.

Die Komposition und die Posen sind in etwa die gleichen wie in der Vasenmalerei. Die Köpfe der Figuren reichen in der Regel bis zum oberen Rand des Feldes, es gibt einige Überschneidungen in den Gruppen, die die Tiefe der Szene eher verschleiern als anzeigen, und sehr selten wird die Umgebung auch nur angedeutet. Die Gesichter sind in der Regel im Profil dargestellt, obwohl eine vollständige Frontalansicht vielleicht seltener ist als auf Vasen; Schultern und Brüste sind je nach Handlung der Figur frontal oder im Profil dargestellt, und der Unterleib und die Beine sind im Profil. Die Übergänge zwischen Frontal- und Profilansicht sind abrupt, ohne organischen Übergang, obwohl später einige sensible Bildhauer versuchten, die ungeschickte Drehung der Taille der nackten Figur zu kaschieren, indem sie eine Hand davor führten. Die Bewegungsrichtung ist natürlich seitlich, und die Posen und Gesten sind klar und ausdrucksstark. Die Tiefe der Schnitzereien ist unterschiedlich; Grabsteine sind aus offensichtlichen Gründen in der Regel viel flacher als architektonische Skulpturen.

Die früheste uns überlieferte pedimentale Steinskulptur stammt aus der Zeit um 580 v. Chr. aus dem Artemis-Tempel von Corcyra oder, um den üblichen venezianischen Namen zu verwenden, Korfu. Das Material ist Kalkstein, das Feld ist etwa 17 m lang und in der Mitte 2,5 m hoch, und die Gestaltung der beiden Giebel ist bemerkenswert ähnlich.

Auf dem Westgiebel, der besser erhalten ist, besteht die mittlere Gruppe aus der Gorgone Medusa mit ihren beiden Kindern, dem geflügelten Pferd Pegasus und dem Mann Chrysaorus. Auf jeder Seite liegt „ein Panther“ (oder eher ein Leopard, da er Flecken hat); ganz rechts erschlägt Zeus, erkennbar an seinem Donnerkeil, einen Riesen an einem Baum, und in der linken Ecke ein weiterer Leichnam, dann eine Mauer am Ende und eine sitzende Figur, die von einer anderen Figur mit einem Speer bedroht wird - entweder eine Begebenheit aus dem Sack von Tray oder eine andere Stelle aus dem Kampf der Götter und Riesen. Einige Studenten schreiben den Panthern obskure übernatürliche Funktionen zu, aber es ist plausibler, dass sie in erster Linie dekorativ sind, weil sie bequem in das Feld passen und schnell geschnitzt werden konnten - eine wünschenswerte Einsparung für ein so großes Werk. Medusa ist auch nicht unbedingt „apotropäisch“.

Das Design dieses Giebels ist beeindruckend, außer vielleicht an den Enden, aber es fehlt ihm an Einheitlichkeit des Maßstabs oder des Themas. So wird Zeus, obwohl er der größte der Götter ist, von Medusa, die in der Mythologie nur eine unbedeutende Figur und nicht einmal unsterblich war, in den Schatten gestellt. Eine unbefriedigende Folge davon ist, dass die großen Figuren in relativem Relief erscheinen, während sich die künstlerisch untergeordneten Gruppen in den Ecken fast kreisförmig abheben, und der Kontrast muss ursprünglich noch störender gewesen sein, als die Skulpturen dem direkten Sonnenlicht ausgesetzt waren. Man hat den Eindruck, dass der Bildhauer einer der Pioniere der pedimentären Komposition war.

Blaubarts Giebel

Der Blaubartgiebel wurde aus Fragmenten zusammengesetzt, die auf und in der Nähe der Akropolis von Athen gefunden wurden, obwohl einige immer noch bezweifeln, dass das Zentrum und die beiden Seiten zusammengehören. Auch er ist aus Kalkstein gefertigt, hat etwa die gleiche Größe wie der Giebel auf Korfu und ist, den menschlichen Köpfen nach zu urteilen, nur wenige Jahre später entstanden.

In der Mitte sind zwei Löwen zu sehen, die einen Stier quälen, ein Thema, das auch in der Vasenmalerei dekorativ verwendet wird. Auf der linken Seite ringt Herakles mit Triton, während auf der rechten Seite ein dreiköpfiges Ungeheuer zu sehen ist und Platz für eine weitere Figur ist, die heute fehlt, aber möglicherweise ein laufender Mann ist. Die Farben sind auffallend gut erhalten - Rot für das Fleisch und Rot und Blau für die anderen Teile. Die Komposition dieses Giebels ist weniger ehrgeizig und erfolgreicher als die des Giebels auf Korfu. Die Köpfe sind so angeordnet, dass sie verschiedene Ansichten ergeben - ein Zeichen dafür, dass diese Art der Bildhauerei nun ihre eigenen Regeln aufstellte - und die Figuren stimmen in ihrer Größe gut überein, aber die Füllung der Ecken mit Fischen und Schlangenschwänzen ist eher frivol.

Das Schema wiederholt sich im Skelett eines anderen Giebels desselben Tempels, wenn es korrekt restauriert wurde, mit zwei kauernden Löwen, die jeweils von einer großen Schlange umgeben sind. Auch hier gibt es eine Unstimmigkeit, wenn auch weniger offensichtlich als in Korfu, zwischen der mittleren und den seitlichen Gruppen, von denen eine als Relief und die anderen teilweise in einem kreisförmigen Muster geschnitzt sind.

Auf der Athener Akropolis wurden auch einige andere Gruppen von Giebelskulpturen gefunden, die zeitgleich mit dem Blaubartgiebel oder nicht viel später entstanden sind. Auch sie sind aus Kalkstein, stammen aber von weniger bedeutenden Gebäuden (z. B. Schatzkammern) und sind, vielleicht wegen ihrer geringen Größe, eher experimentell, auch wenn das Experiment zum Teil darin besteht, eine für ein rechteckiges Feld bestimmte Komposition in einen dreieckigen Rahmen zu zwängen.

Die Techniken reichen von Flachreliefs bis hin zu kreisrunden Figuren, und sie suggerieren einheitliche Themen aus der Mythologie. Das östliche Giebelfeld der siphnischen Schatzkammer in Delphi ist mit seinen Abmessungen von 6 m x 75 cm kaum fortschrittlicher, obwohl es aus Marmor besteht und aus dem Jahr 525 v. Chr. stammt. Ihr Thema ist ein Kampf zwischen Herakles und Apollo um den delphischen Dreifuß, in den ein vollständig bekleideter Zeus eingreift. Auf beiden Seiten befinden sich Zuschauer, und der Bildhauer hat sich wenig Mühe gegeben, ihre Posen zu variieren, so dass die Komposition eintönig ist und die Figuren durch den unglücklichen Kunstgriff, ihre Höhe von der Mitte aus zu verringern, in das Feld eingeschrieben sind.

Ein noch seltsameres ungeschicktes Detail ist die Wand, die bis zur Hälfte des Giebels reicht und Reliefs der unteren Teile einiger Figuren enthält, während ihre oberen Teile frei stehen. Es ist ganz offensichtlich, dass der Schöpfer dieses Giebels nicht der Schöpfer des Ostfrieses war.

Gigantomachisches Giebelfeld

Der Gigantomachische Giebel , der ebenfalls aus dem Jahr 525 v. Chr. stammt, ist der erste uns bekannte große Marmorgiebel. Er gehörte zu einem athenischen Tempel auf der Akropolis und seine Fläche wird auf etwa 20 mal 2,5 Meter geschätzt. Die Überreste lassen vermuten, dass Zeus und Athene Rücken an Rücken in der Mitte standen und ihre Gegner erschlugen, und es gibt drei Riesen, die entweder zusammengebrochen sind oder auf dem Boden kriechen.

Die ursprüngliche Anzahl der Figuren betrug wahrscheinlich nur zehn, aber obwohl die Komposition unstrukturiert war, bot sie eine zufriedenstellende Lösung für das Hauptproblem der pädiatrischen Kunst: Die Schlacht mit ihren gefallenen und zusammengekauerten Kämpfern ermöglicht es, das Feld logisch und umfassend mit Figuren desselben Maßstabs zu füllen. Siehe auch die Gigantomachie in den Metopen des Parthenon .

Der Tempel von Aphaia auf Aegina

Der Tempel von Aphaia auf Aegina wurde am Ende der archaischen Periode erbaut, und der größte Teil von zwei Marmorgiebel-Skulpturen und, überraschenderweise, Fragmente von zusätzlichen Figuren und ein Akroterion im Stil des westlichen Giebels sind uns überliefert. Diese scheinen für den Ostgiebel vorgesehen gewesen zu sein, wurden aber möglicherweise verworfen, bevor sie angebracht wurden. Auf dem Westgiebel, der etwa 13 m breit und 2 m hoch ist, steht Athene allein in der Mitte, mit einem Kopf, der größer ist als der der Sterblichen, und zu beiden Seiten von ihr sechs Krieger, die auf die Ecke zustürmen und schießen.

Die Posen sind durchdacht variiert, und die Komposition wird durch ein System von schrägen Linien zusammengehalten. Im östlichen Giebel steht Athena wieder im Mittelpunkt, wenn auch in geringerer Zahl, und auf jeder Seite befindet sich eine Gruppe von vier Figuren, die in den Kampf verwickelt sind, während eine fünfte zusammengerollt in der Ecke im Sterben liegt. Die nach hinten fallenden Soldaten, einer auf jeder Seite, sind ein misslungenes Experiment. Die griechische Bildhauerei hätte eine derart krasse Missachtung der Schwerkraft bei Figuren, die vollständig im Kreis angeordnet sind (wie es heute bei pedimentalen Skulpturen regelmäßig der Fall ist), niemals gutheißen können.

Der Stil des östlichen Giebels scheint etwas fortschrittlicher zu sein als der des anderen, aber er macht immer noch keinen Versuch, die Drehung des Körpers darzustellen, und wenn wir die Theorie eines späteren Ersatzes beiseite lassen, könnten die beiden Gruppen zeitgenössische Werke aus der Zeit von etwa 510-500 v. Chr. sein, eines von einem Restaurator und das andere von einem modernen Meister. Die Giebel von Aegina sind so deutlich geschnitzt, dass einige Studenten glauben, sie seien von Bronzearbeiten inspiriert, und sie sind so sicher komponiert, dass sie den Eindruck einer fast akademischen Übung im Ausfüllen eines sich verjüngenden Feldes vermitteln.

Obwohl die Skulptur der Giebel die eindrucksvollste Dekoration der Tempelaußenseite war, hielten es die Griechen nicht für notwendig, dass ihr Thema in besonderer Weise mit dem Gott oder der Göttin verbunden war, dem/der der Tempel gehörte. Die Giebel von Korfu haben nichts mit Artemis zu tun, ebenso wenig wie der Giebel von Blaubart und sein Gegenstück mit Athene, obwohl das Thema der Schatzkammer von Siphnia mit Delphi übereinstimmt und Athene im Giebel der Gigantomachie eine wichtige Rolle spielt. Was die Giebel von Ägina betrifft, so ist Aphaia, der der Tempel geweiht war, für uns eine Schattengottheit, die mit Artemis assoziiert wird, aber die Göttin, die jede Skulpturengruppe beherrscht, ist zweifellos Athena. Es scheint daher, dass die Skulpturen der Giebel, wie die der Metopen und Friese, eher der Bewunderung als der Verherrlichung einer Schutzgottheit dienten.

Schon auf dem Giebel aus Korfu waren einige Figuren fast kreisförmig geschnitzt, und als diese Praxis immer üblicher wurde, wurden auch die Rückseiten oft mit mehr oder weniger aufwändigen Details versehen, so dass die Giebelfiguren in ihrer Form oft als Statuen angesehen werden können. Die freien Posen dieser Pedimentalfiguren hatten jedoch keinen Einfluss auf die gewöhnlichen Statuen, die bis zum Beginn des fünften Jahrhunderts noch den Regeln der frontalen Symmetrie gehorchten. Tatsächlich galt die Pedimentalskulptur als eine besondere Art von Relief, zumindest bis zu den bemerkenswerten Neuerungen des Parthenon, und der Grund, warum sie in einem Kreis geschnitzt wurde, war vermutlich, um sie in ihrer erhöhten Position ausdrucksstärker zu machen.

Für Informationen über architektonische Stile und Design im antiken Griechenland, siehe: Griechische Architektur .

Die Griechen Süditaliens und Siziliens übernahmen natürlich einen archaischen Stil der Bildhauerei und folgten weitgehend dem Beispiel des europäischen Griechenlands, wenn auch oft mit Verspätung. Diese Verspätung war sicherlich nicht auf Armut oder Trägheit zurückzuführen; der Hauptgrund dürfte die Entfernung zu den Marmorlieferungen gewesen sein, so dass die örtlichen Werkstätten viel länger mit minderwertigem Kalkstein vorlieb nehmen mussten.

Eine merkwürdige Eigenart ist die Vorliebe für Schnitzereien auf den Metopen, nicht aber auf den Giebeln der Dareios-Tempel, was im Gegensatz zur Mode im modernen Griechenland steht. In Etrurien waren die Bestandteile der lokalen archaischen Skulptur vielfältiger und ihre Verwendung phantasievoller, so dass es schwierig ist, einen allgemeinen Stil der etruskischen Kunst zu definieren . Das örtliche Gestein, der weiche Tuffstein, erlaubte keine kunstvollen Schnitzereien, und die besten Arbeiten wurden in Terrakotta ausgeführt, sogar für architektonische Statuen.

Ob es nun an den Schwierigkeiten lag, griechische Künstler anzuziehen, oder an den Eigenheiten des lokalen Geschmacks, ein Großteil der etruskischen Skulptur blieb bis zum Ende des fünften Jahrhunderts weitgehend archaisch. Umgekehrt übernahm Zypern einige Merkmale des griechischen Archaismus für seine hybriden Kalksteinstatuen, mit bezeichnenderweise erfolglosem Ergebnis. Zypern war teilweise griechisch, aber am Ende des sechsten Jahrhunderts machte die griechische Kunst Eindruck auf die nicht-griechischen Zivilisationen des Ostens.

An der syrischen und phönizischen Küste begannen die lokalen Statuetten, den archaischen Stil zu übernehmen, und die Hofskulptur des persischen Reiches (das 547 v. Chr. Ionien und den Rest Westanatoliens annektierte) nahm einige griechische Merkmale in ihre Formel auf.

In Griechenland selbst überlebten nur wenige archaische Details den Übergang zum klassischen Stil im frühen fünften Jahrhundert. Das auffälligste Beispiel sind die Haare des Hermas, rechteckige Steinblöcke mit einem Kopf auf der Spitze und einem Phallus davor, die zumindest in Athen zu vertrauten Objekten der privaten Frömmigkeit wurden.

Es gibt auch Kultstatuen, die in einigen klassischen Vasenbildern und Reliefs vorkommen und oft in einer streng archaischen Weise dargestellt werden, vielleicht nicht so sehr, um ihnen Alter und Ehrfurcht zu verleihen, sondern weil sie sonst schwer von lebenden Figuren zu unterscheiden wären. Im Laufe der Zeit begannen jedoch einige Bildhauer, sich in bescheidenem Maße für den archaischen Stil zu interessieren, und ab dem Ende des fünften Jahrhunderts finden sich manchmal Reminiszenzen oder Anpassungen in der Behandlung von Haaren oder Draperien.

Später, während der hellenistischen Periode der griechischen Bildhauerei und mehr gegen deren Ende, entwickelten sich kleine archaische Schulen, die hauptsächlich Reliefs für eklektische Auftraggeber herstellten. Bei den meisten archaischen Arbeiten waren die Posen ziemlich steif und die Frisuren hielten sich ziemlich genau an die archaischen Formeln, aber in der Regel wurden die Draperien verzerrt, so dass übertriebene Schwalbenschwanzfalten entstanden, und die Gesichter wurden modernisiert - und zwar absichtlich, denn es gab reichlich archaische Skulpturen, die man studieren konnte, und bei Bedarf konnten gute Kopien oder Fälschungen angefertigt werden. In der römischen Periode kam von Zeit zu Zeit eine begrenzte Mode für den archaischen Stil auf, aber im Allgemeinen reichte der Geschmack der Antiquare nicht weiter als die Periode des hohen Klassizismus .

In der Neuzeit kam die erste Anerkennung der archaischen Skulptur mit der Entdeckung der Pedimentalfiguren von Aegina im Jahre 1811 und ihrer Ausstellung in München 1830, aber sie waren dem Geschmack der Zeit fremd, und obwohl Thorvaldsen sie mit einem würdigen Verständnis restaurierte und sogar ein Originalwerk in ihrem Stil versuchte, hatten sie keinen merklichen Einfluss. Allmählich tauchten mehr archaische Statuen und Reliefs auf, und in den 1880er Jahren wurde eine reiche Ladung von der Akropolis in Athen gesammelt, so dass die Archäologen zumindest mit dem archaischen Stil vertraut wurden, obwohl die meisten von ihnen ihn immer noch nach klassischen Maßstäben beurteilten.

Erst zu Beginn dieses Jahrhunderts fanden einige Bildhauer, wie Mestrovic und Eric Gill, etwas, das mit der griechischen archaischen Bildhauerei übereinstimmte, obwohl sie, ganz in der Tradition von Praxiteles, den weiblichen Akt nicht aufgaben. Der kulturelle Geschmack folgte, und seit den 1920er Jahren wird die archaische Skulptur bewundert, wenn auch nicht immer kritisch. Sicherlich ist ihre Komposition einfach, es gibt einen ausgeklügelten Kontrast zwischen starken Formen und dekorativen Details (obwohl die Dekoration auf vielen korai überflüssig erscheinen mag), die Qualität der Ausführung ist sehr hoch, höher als in jeder anderen Periode der griechischen Skulptur, und die Wertschätzung wird nicht durch minderwertige Kopien geschmälert. Die Vorzüge des archaischen Stils liegen auf der Hand, aber auch seine Grenzen.

Artikel über die schönen Künste des klassischen Altertums:

Bildhauerei des antiken Griechenlands (Einleitung)
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Griechische Malerei der klassischen Epoche (c.500-323 BC)
Hellenistische Statuen und Reliefs (c.323-27 BC)
Griechische Malerei der klassischen Epoche.
Statuen und Reliefs des hellenistischen Stils (ca. 323-27 v. Chr.)
Griechische Malerei der hellenistischen Zeit (ca. 323-27 v. Chr.)
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