Hochklassische griechische Skulptur Automatische übersetzen

Eigenschaften

Frühklassische griechische Skulptur um 450 v. u. Z. dem hochklassischen Stil gewichen, der sich sehr schnell entwickelte. Sein Ende ist nicht klar definiert, könnte aber der Einfachheit halber auf etwa 400 v.Chr. Festgelegt werden, wenn es als bekannt wird Späte Klassik . Im Gesicht ersetzt eine gelassene Distanzierung die Strenge der frühen Klassik; Die Anatomie wird sowohl allgemein als auch im Besonderen genauer. Vorhänge werden mit einem neuartigen Sinn für Absicht ausgearbeitet; und Posen – jedenfalls von Statuen – sind einfacher, aber kompakter. Es ist ein Stil, der mit viel gründlicherer Intelligenz ausgearbeitet wurde als jeder seiner Vorgänger, und nach seinen Maßstäben erscheinen frühklassische Werke ungeschickt und beides Daedalisch und Archaische Skulptur erscheint lächerlich.

[Anmerkung: Biografien wichtiger Bildhauer aus dem antiken Griechenland: Phidias (488-431 v. Chr.), Myron (Aktiv 480-444), Callimachus (Aktiv 432-408), Skopas / Scopas (Active 395-350), Lysippos / Lysippus (c.395-305), Praxiteles (Active 375-335), Leochares (Aktiv 340-320).]

Bei der natürlichen Wiedergabe von Körperformen wurden stetige Fortschritte erzielt. Dies zeigt sich am subtilsten in den Stämmen von Figuren und deutlicher in solchen Details wie dem Auge, in dem der obere Lidteil bald regelmäßig den unteren überlappt, aber dennoch wurden einige künstliche Konventionen beibehalten, um eine ideale Schönheit oder strukturelle Klarheit zu erreichen. Das griechische Profil zum Beispiel, das von Natur aus ungewöhnlich ist, hat den Vorzug, die Nase als integralen Bestandteil des Gesichts und nicht als zufällige Auswuchsform erscheinen zu lassen, obwohl hochklassische Bildhauer mehr Kompromisse eingingen als ihre Vorgänger. Ein weiterer wichtiger Fortschritt war das Verständnis der weiblichen Anatomie, was durch den neuen und aufschlussreicheren Stil des Vorhangs gefördert wurde. Man kann die Nike von Paionios (ca. 420 v. Chr.) Mit der zentralen Figur des Ludovisi-Throns (ca. 460 v. Chr.) Oder, soweit es die starken Leute zulassen, der Hippodamia des Olympia-Giebels (ca. 460 v. Chr.) Vergleichen.

Gleichzeitig untersuchten fortschrittliche Bildhauer die Auswirkungen von Aktivität auf die Muskulatur, um dem Torso auf Kosten des Gesichts mehr Bedeutung zu verleihen. Ob aus diesem Grund oder aus künstlerischen Gründen, der Ausdruck von Emotionen im Gesicht wird noch seltener als in der frühen Klassik, manchmal absurd. Auf einer der Metopen des Parthenon , der bereits in den 440er Jahren geschnitzt wurde, hat der Zentaur , der einen Lapithen umspinnt, das typische hochklassische Aussehen einer nachdenklichen, fast melancholischen Distanziertheit. Noch merkwürdiger sind die raffinierten, leidenschaftslosen Gesichter in den Bordellszenen, die auf einigen Arretine-Töpfen des späten ersten Jahrhunderts abgebildet sind.

Vorhänge in hochklassischer Skulptur

Das typische Gewand des frühklassizistischen Stils von Griechische Kunst hatte die Gestalt in einem System tiefer Falten gedämpft, das im wesentlichen der Linie von Körper und Beinen folgte. Wenn die Haltung aufrecht war, fielen die Falten vertikal; und wenn die Pose geneigt oder verbogen war, so war es am häufigsten auch die Richtung der Falten. Die Effekte waren in stehenden Figuren stattlich genug, schienen aber ansonsten viel zu eintönig und einschränkend für hochklassische Bildhauer, die Vorhänge als Mittel zur Erklärung oder Hervorhebung der Anatomie und Handlung des Subjekts betrachteten. Obwohl die neuen Arrangements in ihrem Erscheinungsbild überzeugender waren, entsprachen sie nicht den Tatsachen und beruhten weniger auf der Beobachtung drapierter Modelle als auf der Untersuchung optischer Täuschungen. Dies ist charakteristisch für eine ideale Skulptur, die die Natur nicht so darstellt, wie sie ist, sondern wie sie sein sollte.

Betrachtet man die Penelope (ca. 460 v.Chr.) Und dann die Iris (ca. 435 v.Chr.) Des Westgiebels des Parthenons, die beide vollständig in die Runde gehauen sind, so erscheinen die Formen der Iris viel runder. Was dieses Erscheinungsbild hervorbringt, ist die Anordnung der Vorhänge und hier gibt es zwei wichtige Neuerungen – "Transparenz" und die "Modellierungslinie". Transparente Vorhänge, oder genauer gesagt Vorhänge, die sich wie nasses, dünnes Material an die Figur schmiegen, wurden für die unteren Teile des spätarchaischen Korai verwendet und im frühklassizistischen Stil vom Provinzbildhauer des Ludovisi-Throns versucht. Bei der Iris ist die Transparenz jedoch weitaus ausgefeilter. Sie modelliert vor allem den Bauch und die Brüste durch glatte Oberflächen und hohe schmale Grate. der Zweck dieser Grate war übrigens nicht schlecht, da die Farbe ausreichte, um zu zeigen, dass die Figur bekleidet war, sondern um das allgemeine Design zu vervollständigen und auch die Modellierung zu betonen. Unabhängig davon, ob Gemälde den Bildhauern der Hochklassik Transparenz nahe legten oder nicht, war ihre Verwendung durch und durch skulptural.

Die "Modellierungslinie" wird am rechten Oberschenkel der Iris und auch an den Oberschenkeln der Götter aus dem Parthenonfries sehr deutlich. Auf der Penelope erscheinen die Falten des Vorhangs über den Oberschenkeln mehr oder weniger als gerade Linien, ob vertikal oder schräg, und der Effekt ist flach. Bei der Iris und den Göttern des Frieses krümmen sich die Falten nach oben, als ob sie das Profil des Oberschenkels wiedergeben, und dieser oder ein ähnlicher Reflex des Sehens vermittelt einen Eindruck von Rundheit in der Tiefe, einen Eindruck, der besonders bei niedrigen Reliefs erforderlich ist.

Bei einigen der Pedimentalfiguren des Zeustempels von Olympia scheint es einen tastenden Versuch zu geben, diesen optischen Trick auszuführen, und in den Falten über dem unteren Teil des weiteren Beins befindet sich möglicherweise etwas Ähnliches, das jedoch weniger intelligent angewendet wird des rechten Begleiters auf dem Ludovisi-Thron. In einer fortgeschritteneren Form tritt die Modellierungslinie, wenn auch selten, in der Vasenmalerei etwa vom selben Datum an auf, und so ist es wahrscheinlich, dass sie von Malern erfunden wurde, die zu dieser Zeit keine Schattierung entwickelt hatten und Rundheit und Verkürzung nur durch Linearität anzeigen konnten Geräte. Wie dem auch sei, die Bildhauer hatten ihre Möglichkeiten in den 440er Jahren gemeistert, und die Iris zeigt, dass sie nicht nur an den Oberschenkeln, sondern auch subtiler am Bauch und an den Brüsten zum Einsatz kommt.

Das Streamen von Vorhängen hinter einer Figur lässt sie vorwärts gehen, aber der Effekt ist viel überzeugender, wenn die Linien des Vorhangs einer doppelten Kurve folgen. Dies zeigt sich in der Seitenansicht des Nike von Paionios. Ohne den Vorhang der Statue scheint auf einem Fuß zu balancieren, mit dem Vorhang gibt es keinen Zweifel, dass es sich in schneller Bewegung befindet. Auf dem Nike wird die Bewegungslinie mit ungewöhnlichem Überschwang entwickelt; eine bescheidenere und dennoch wirkungsvollere Verwendung findet sich am linken Oberschenkel der Iris des Parthenons, einer Figur, die, so unvollständig sie auch ist, offensichtlich nach links eilt. Im vierten Jahrhundert zeigen Akroterien aus dem Tempel des Asklepios in Epidaurus eine merkwürdige Erweiterung des Geräts; Eine Frau reitet auf einem galoppierenden Pferd im Seitensattel, und ihr Rock krümmt sich in die Richtung, in die sich das Pferd bewegt, sei es aus unlogischen Gründen als dekorativer Effekt oder, wenn sie kurz davor ist abzuspringen, um ihre bevorstehende Rezession im Verhältnis zu anzuzeigen das Pferd. Wie die "Modellierungslinie" ist die "Bewegungslinie" für hochklassische Bildhauer möglicherweise aus der Malerei gekommen.

Auf dem Rücken der archaischen Korai wurden von Zeit zu Zeit „Oberleitungen“ oder schwere Schlaufenfalten verwendet, die bei bestimmten Kleidungsarten natürlich vorkommen. Hochklassische Bildhauer verwendeten die Oberleitungen jedoch immer häufiger und subtiler. Auf der Figur der Nike Balustrade, die ihre Sandale öffnet, befinden sich ihre Befestigungspunkte auf unterschiedlichen Höhen – entlang des linken Arms und des rechten Beins – und der Effekt besteht darin, die Figur zusammenzubinden und so einer Pose Kohärenz und Anmut zu verleihen nackt wäre ungeschickt und unausgeglichen. Eine weniger wichtige hochklassische Verwendung von Fahrleitungen erfolgt wie in der Archaik auf dem Rücken stehender drapierter Statuen: Sie ist eine leise, würdevolle und sparsame Art, mit ihren am wenigsten interessanten Aspekten umzugehen.

Eine Liste der besten Statuen, Statuetten und Reliefs der Antike finden Sie unter: Größte Skulpturen aller Zeiten . Rezensionen berühmter späterer Statuen finden Sie unter: Venus de Milo (um 130-100 v. Chr.) von Alexandros von Antiochien und Laokoon und seine Söhne (c.42-20 v. Chr.) von Hagesander, Athenodoros und Polydorus. Eine Anleitung zum Neoklassizismus finden Sie unter: Neoklassizistische Bildhauer .

Neben der Nutzung dieser Spezialgeräte vervielfachten und variierten hochklassische Bildhauer die Falten ihrer Vorhänge. Die übliche Praxis im frühklassizistischen Stil bestand darin, dass die Falten in einem größeren Bereich des Kleides nahezu gleich tief und breit und in nahezu gleichem Abstand voneinander angeordnet waren. Dies wird am typischsten in solchen stehenden Statuen wie dem Charioteer von Delphi und mit einigen Modifikationen in der späteren und fortgeschritteneren Hippodamia des Zeustempels von Olympia gezeigt ; und für weniger glückliche Effekte gibt es die Penelope, bei der die Falten enger, flacher und weniger regelmäßig sind, aber an Größe verlieren, ohne an Lebendigkeit zu gewinnen. (Anmerkung: Die klassische griechische Zeusstatue von Olympia (466-435 v. Chr.), Die von Phidias geschaffen wurde, wurde als eine der berühmtesten aufgeführt Sieben Weltwunder , vom griechischen Dichter Antipater von Sidon.)

Im hochklassischen Stil von Griechische Skulptur Im Großen und Ganzen ist es die allgemeine Zusammensetzung, die den Abstand der Falten sowie ihre Breite und Tiefe bestimmt, jetzt oft viel größer als zuvor, und um Monotonie zu vermeiden, gibt es detailliertere Variationen in diesen Einzelheiten und auch in den Konturen jeder Falte. Eine unglückliche Folge dieser Behandlung von Vorhängen ist, dass, wenn die Kämme von tiefen Falten weggebrochen werden, wie dies im Laufe der Zeit häufig vorgekommen ist, ein Großteil des ursprünglichen Effekts zerstört wird, da das Muster von Schatten und Licht verändert wird und die Vertiefungen von Falten, die unsichtbar und nicht leicht zugänglich waren, zeigen jetzt ihre unfertigen Oberflächen.

[Hinweis: Informationen zu Keramik aus dem antiken Griechenland, einschließlich geometrischer, schwarzfiguriger, rotfiguriger und weißgrundiger Techniken, finden Sie unter: Griechische Keramik: Geschichte & Stile .]

Phidias

In den Figuren der Giebel des Zeustempels von Olympia, die um 460 v. Chr. Geschnitzt zu sein schienen, gibt es nur schwache Andeutungen des hochklassizistischen Stils. Wie die Skulpturen des Parthenon zeigen, war dieser Stil spätestens nach 25 Jahren mehr oder weniger vollständig etabliert.

Wenn ein einzelner Meister benötigt wird, um die Geschwindigkeit und den Charakter dieser Entwicklung zu berücksichtigen, muss der offensichtliche Kandidat sein Phidias , von denen später griechische und römische Schriftsteller und andere Historiker Antike Kunst gilt als der größte Bildhauer des fünften Jahrhunderts. Bisher wurden kaum Originalarbeiten von Phidias mit irgendeiner Wahrscheinlichkeit identifiziert und nur ein oder zwei stilistisch vertrauenswürdige Kopien; vielleicht könnte die sogenannte " lemnische Athene " eines seiner frühen Werke von etwa 450 v. Chr. reproduzieren.

Es gibt auch die Skulptur des Parthenon ist zu berücksichtigen. Laut Plutarch, der im zweiten Jahrhundert nach Christus schrieb, war Phidias für das Bauprogramm in Athen verantwortlich, und obwohl es unwahrscheinlich ist, dass er selbst eine der architektonischen Skulpturen des Parthenons geschnitzt hat – zum einen war er damit beschäftigt der vierzig Fuß chryselephantine skulptur der Athena, die darin stand – der allgemeine Stil dieser Skulpturen deutet auf den Einfluss einer einzelnen Persönlichkeit hin. Die Metopen, die zuerst geschnitzt wurden, unterscheiden sich nicht nur in den Ausdrücken und anatomischen Details der Figuren, sondern auch in der Zusammensetzung des Ganzen, so dass es offensichtlich ist, dass sowohl rückständige als auch moderne Handwerker beschäftigt wurden und nur mündliche Anweisungen gaben jedes Modell oder jede Skizze, aber im Fries und auf den Giebeln ist das Design vereinheitlicht, und obwohl die verschiedenen Handwerker ihre Individualität im Detail zeigten, hat auch ihr Stil eine allgemeine Einheit, da Phidias zu dieser Zeit die dominierende Persönlichkeit in der attischen Skulptur war Es ist wahrscheinlich, dass der Parthenonstil den von Phidias widerspiegelt, und die Zusammensetzung des Frieses und der Giebel könnte sogar direkt von ihm stammen.

Für den Charakter des Stils der Hochklassik ist es leicht, sich zu sehr auf die architektonischen Skulpturen des Parthenon zu verlassen, da sie den einzigen großen Bestand an Originalarbeiten von erstklassiger Qualität bilden, der überlebt hat. Es gibt jedoch genug spätere Stücke, um zu zeigen, wie sich der Stil entwickelt hat. Aus finanziellen Angaben geht hervor, dass die Metopen, der Fries und die Giebel des Parthenons (in dieser Reihenfolge) von 447 bis 432 v. Chr. Geschnitzt wurden. Hier zeigt sich der neue Stil mit souveräner Klarheit und Kraft. In der nächsten Generation gibt es keine wesentlichen Neuerungen, sondern eine Tendenz zu Eleganz oder Extravaganz. Eine merkwürdige Nebenerscheinung dieser Periode ist eine begrenzte Wiederbelebung modifizierter archaischer Details, insbesondere Reihen von Schneckenhauslocken an der Vorderseite des Haares; Vielleicht war es das Ziel, statischen Bildern von Gottheiten eine altmodische Ehrwürdigkeit zu verleihen.

HINWEIS: Für spätere Bildhauer, die von der hohen klassischen griechischen Skulptur inspiriert sind, siehe: Klassizismus in der Kunst (ab 800).

Polykleitos

Die großen Bildhauer des hochklassischen Stils waren sicher und neugierig genug, über ihre Kunst zu spekulieren, und Polykleitos Beide machten eine Statue und schrieben eine Abhandlung, um seine Theorien zu erklären. Die meisten Überreste der Abhandlung befassen sich mit detaillierten arithmetischen Proportionen für die Teile der menschlichen Figur, obwohl die Vermessung von Kopien des Doryphorus, der möglicherweise seine Modellstatue war, und anderer Werke dieser Zeit noch nicht erfolgt ist erzeugte jedes kohärente numerische System. Dass die Ausstellung von Polykleitos tiefer ging, wird durch seine rätselhafte Bemerkung nahegelegt, dass die Arbeit des Bildhauers am schwierigsten ist, wenn der Ton im Fingernagel ist. Trotzdem waren viele Feinheiten der Hochklassischen Skulptur kaum einer theoretischen Analyse zugänglich, beispielsweise die Anpassung von Proportionen und Winkeln, um die Verkürzung der oberen Teile großer Figuren von unten zu korrigieren, was einige, aber nicht alle zeitgenössischen Meister zuließen. war schon eine alte Praxis, wie man beim Charioteer in Delphi um 470 v. Chr. beobachten kann.

Einzelheiten zu den Baustilen des antiken Griechenland finden Sie unter: Griechische Architektur .

Färbung von Statuen

Es gibt kaum Hinweise auf die Farbgebung der Marmorskulptur in dieser Zeit, aber nach Gemälden oder vielmehr nach Vasengemälden wurden feinere und natürlichere Farbtöne verwendet. Man kann weiter erwarten, dass die Farbkontraste bewusster berechnet wurden, und dies muss auch beachtet werden, wenn man den ursprünglichen Effekt von drapierten und teilweise drapierten Figuren wie zum Beispiel dem Nike von Paionios betrachtet . Es gab auch eine Zunahme in der Praxis, kleine, aber lästige Details ungeschnitten zu lassen und sie einfach einzumalen – zum Beispiel die Riemen der Sandale und die Federn der Flügel des Nike of Plate ; und Metallzubehör blieb natürlich in Gebrauch. Bei der Behandlung von Bronzeskulptur es ist unwahrscheinlich, dass sich etwas geändert hat.

Datierung und Chronologie

Inschriften besagen, dass die Skulpturen des Parthenons zwischen 447 und 432 v.Chr. Ausgeführt wurden, und es ist angemessen, jeweils fünf Jahre nacheinander für die Arbeit an Metopen, Friesen und Giebeln vorzusehen. Aus historischen Gründen sollte der Nike von Paionios innerhalb von ein oder zwei Jahren von 420 v. Chr. Geschnitzt worden sein, und die Architekturskulptur des neuen Tempels im Argiven Heraeum muss später als 423 sein, als der alte niedergebrannt ist. Die Karyatiden des Erechtheums in Athen wurden wahrscheinlich erst kurz vor 413 fertiggestellt und der Fries sicherlich zwischen 409 und 406. Auch diese Daten stammen aus Inschriften, die für den Fries sogar detaillierte Zahlungen an bestimmte Handwerker für bestimmte Berufe enthielten. Abgesehen von einigen genau datierten Reliefs auf Platten, die in Athen öffentliche Verordnungen aufzeichnen, ist ihre Qualität jedoch zu schlecht, um viel zu helfen. Im Übrigen erfolgt die Datierung meist durch subjektive Stilvergleiche oder noch subjektivere Rückschlüsse auf historische Ereignisse. Trotzdem ist der Haupttrend klar.

Überlebende Skulpturen

Nur sehr wenige hochklassizistische Originalstatuen sind erhalten, und keine davon ist sehr gut erhalten. aber kopiert in Römische Kunst sind reichlich, einige fair und ein oder zwei ausgezeichnet im Abgang. Es gibt viele architektonische Skulpturen, an denen das British Museum Anteil hat. Auch andere Reliefs sind zahlreich, aber die Qualität variiert. Es wurde noch keine bedeutende Bronzestatue gefunden, und der allgemeine Standard der Figuren fällt schnell ab, obwohl einige feine Exemplare Trost spenden.

Der hochklassige stehende männliche Akt: Doryphorus

Der stehende männliche Akt fand eine klassische Lösung im Doryphorus oder Speerträger von Polykleitos , der vielleicht um 440 v. Chr. Entstand und eines der beliebtesten Themen für Kopisten in der Römerzeit war. Das Original, das keinen Baumstamm besaß, war aus Bronze und knapp zwei Meter hoch, mit Ausnahme des Speers, der auf der linken Schulter ruhte und in der linken Hand gehalten wurde. Dies war, wie spätere Schriftsteller klarstellen, Polykleitos ’berühmtestes Werk und war möglicherweise der Kanon, der in seiner Abhandlung analysiert wurde. und es ist bedeutsam, sowohl für den undifferenzierten Charakter vieler klassischer Skulpturen als auch für die Verbreitung einer ästhetischen Haltung zur Kunst, dass diese Statue unter einem beschreibenden Namen bekannt wurde und wir nicht sagen können, für welchen Gott, Helden oder Menschen sie steht.

In der Pose vervollständigt der Doryphorus die Entwicklung, die im Kritios Boy begonnen und im Oenomaus fortgesetzt wurde. Dort war die Haltung gelöst worden, aber der obere Teil des Körpers sah immer noch steif aus. Hier hat die ganze Figur eine studierte Leichtigkeit des Gleichgewichts: straffes rechtes Bein kontrastiert mit schlaffem linkem Bein und straffer linker Arm mit schlaffem rechtem Arm. Die Mittellinie der Figur bildet eine sanfte Doppelkurve, die sich durch das Gesicht fortsetzt. und die Äxte durch Knie, Hüften, Brust, Schultern und Augen sind in einer Art Rotation geneigt. Obwohl der Kopf ein wenig zur Seite gedreht ist, besteht die Statue immer noch aus vier Haupterhebungen – vorne, zwei Seiten und hinten – und nicht nur ihre Konturen, sondern auch ihre Hauptmerkmale sind im Wesentlichen in einem linearen Design geplant. Dies kann ein Grund für die Beibehaltung des Ligamentum unguinalis sein, das die Grenze zwischen Rumpf und Beinen so fest umreißt.

Neue Vorhangkonventionen

Für ältere Männer und besonders für die älteren Götter galt ein gewisser Vorhang schon lange als angemessen, selbst im Stehen. Die üblichen hochklassischen Formeln ließen die Brust nackt (wie im Zeus des östlichen Giebels des Tempels bei Olympia), wobei das Kleidungsstück optimistisch in der Taille verstaut und manchmal mit einem Ende über die Schulter geworfen war. Der neue Stil des Gewandes war natürlich ein Gewinn für solche Figuren.
Stehende weibliche Figuren waren, so scheint es, weniger häufig als stehende männliche. Einige von ihnen haben die gleiche Leichtigkeit der Pose und nutzen auch die neuen Effekte des Vorhangs voll aus, andere waren aufgrund ihrer Position oder Funktion zurückhaltender. In Phidias ’kolossaler Kultstatue von Athena Parthenos , die in der Cella des Parthenon stand , hatten sowohl die Pose als auch das Kleid einen starken vertikalen Akzent.

Neue Posen

Mit zunehmender Geschicklichkeit suchten die Bildhauer nach neuen Posen oder Variationen der alten. Neben dem Sitzen gibt es jetzt loungende Figuren; Verwundete Amazonen tauchen auf und gelegentlich darf eine Statue entschlossen vortreten. Eine der kühnsten Erfindungen der Hochklassik ist das Denkmal in Olympia, das Paionios für die Messenier und Naupaktiker gemacht hat . Diese Figur von Nike (oder Victory), die vom Himmel herabfliegt, ist aus Parian-Marmor und eher überlebensgroß. Ursprünglich hatte es Flügel, die sich hinter den Schultern erhoben, sein linker Unterarm war leicht nach oben gebeugt, und ein offener Umhang, der von den beiden Händen gehalten wurde, wogte nach hinten, um auf jeder Seite bis auf etwa die Höhe der Knöchel zu reichen. Die Figur stützt sich auf einem formlosen Steinklumpen ab, aus dem ein Adlerkopf hervortritt, der vermutlich eine Wolke oder vielleicht einen Himmel darstellt, und der wiederum auf einem sich leicht verjüngenden Pfeiler ruhte, der einen dreieckigen Querschnitt und eine Höhe von fast zehn Metern hatte. In der Vorderansicht wird die Modellierungslinie mit überbordender Meisterschaft verwendet, so dass der drapierte rechte Oberschenkel runder aussieht als der nackte linke, und in der Seitenansicht ist die Bewegungslinie an der Reihe; aber die zwei Ansichten sind nicht vollständig koordiniert und die des Rückens ist kaum berücksichtigt worden, obwohl natürlich seine Neigung es vom Boden nicht sehr wahrnehmbar machte. Als Kleid macht der Vorhang wenig Sinn, weder in seiner Masse noch in der Art, wie er sich um das rechte Bein legt, ohne jedoch die Hauptfalten zu beeinträchtigen; aber seine Funktion war es, die Figur zu erklären und zu verbessern, und dies in den Hauptansichten bewundernswert, auch wenn man nicht mehr die Hilfe der Farbe hat, um die nackten Teile, Peplos, Umhänge, Flügel und – wahrscheinlich – die zu unterscheiden Unterstützung.

Hinweis zur Kunstevaluierung
Um mehr über plastische Kunst zu erfahren, siehe: Wie man Skulptur schätzt . Für spätere Arbeiten sehen Sie bitte: Wie man moderne Skulptur schätzt .

Giebelskulptur am Parthenon

Das Steinskulpturen von den Giebeln des Parthenon, die innerhalb von zwei oder drei Jahren 435 v. Chr. geschnitzt wurden, wurden mit bemerkenswerter Sorgfalt ausgeführt, und die Komposition weist eine Komplexität und Raffinesse auf, die, soweit wir wissen, bei keinem früheren oder späteren Giebel erreicht wurde. Die Untertanen, die einem Tempel der Athene angemessen sind, sind im Osten die Geburt dieser Göttin und im Westen ihr Kampf mit Poseidon um das Land Attika. In beiden Fällen steht die Handlung im Mittelpunkt und die Bewegung und Aufmerksamkeit der umgebenden Gottheiten schwindet in den Ecken, so dass es wenig erzählerisches Interesse gibt, die ästhetische Wirkung und den Erfolg zu ergänzen, abhängig vom Muster des überfüllten Ganzen und von der Exzellenz bestimmter Figuren und Gruppen. Eine andere kühne Neuheit ist die Überschreitung des pedimentalen Raums; Figuren ragen vorwärts über den Rahmen hinaus, am deutlichsten in den Ecken des östlichen Giebels, wo die Köpfe der Pferde die Wagen von Sonne und Mond darstellen, die im Begriff sind, sich zu erheben oder bereits unter den Boden des Feldes gesunken zu sein. Obwohl es offensichtlich ist, dass die Giebel des Parthenon in einem sehr sorgfältig ausgemessenen Design oder Modell geplant worden sein müssen, deutet eine genaue Untersuchung der Vorhänge darauf hin, dass die Bildhauer, die die Figuren schnitzten, noch einige Freiheiten bei der Wahl der Details hatten.

Friese und Metopen

Die wichtigsten Reliefs sind architektonische Friese und Metopen, und einige Grabsteine ​​sind von gleicher Qualität, insbesondere jene aus Athen, wo um 440 v. Chr. Solche geschnitzten Denkmäler wieder auftauchten. Ihre Form ist jetzt breit genug, um zwei oder drei Figuren aufzunehmen, die normalerweise in einer ruhigen häuslichen Szene posieren und durch Gesicht und Haltung nichts weiter als eine mitfühlende Resignation suggerieren. Auch Votivreliefs werden häufig, die von Privatpersonen persönlichen und häufig geringfügigen Gottheiten gewidmet werden. Sie sind meist minderwertig verarbeitet, obwohl bereits einige für ihre Nachahmung der dreidimensionalen Effekte der Malerei interessant sind. Es gibt auch kleine Reliefs, die gelegentlich die Texte eines öffentlichen Dekrets anführen, aber ihr – manchmal altmodischer – Stil ist in der Regel oberflächlich.

In der Hauptsache folgen hochklassische Reliefs freistehenden Statuen. Natürlich mit einer größeren Auswahl an Posen für Kampfszenen oder andere kraftvolle Aktionen. Manchmal sind diese Posen übertrieben gewalttätig, obwohl das Gesicht, außer in altmodischen Arbeiten, regelmäßig teilnahmslos bleibt. und manchmal, wie auf einer der Metopen des Parthenons, haben sogar die Posen eine studierte Ruhe. Für ruhige Kompositionen gibt es hervorragende Beispiele am östlichen Ende des Frieses des Parthenon, der um 440 v. Chr. Direkt nach den Metopen geschnitzt wurde und in der Behandlung sitzender Figuren mit den archaischen Zuschauern der Siphnischen Schatzkammer einen leuchtenden Kontrast bildet. Hier wird, wie bei guten klassischen Reliefs üblich, die volle Profilhaltung vermieden und dem Kleid mehr Abwechslung gegeben. Man kann das Bündeln von Material über den Schoß des Gottes auf der linken Seite bemerken, ein Gerät, das stärker auf sitzenden Statuen angewendet wird. Ein naturalistisches Detail, das neben der formalen Anordnung der Falten überraschend ist, ist die Kante des Saums unterhalb des linken Ellbogens der sich drehenden Figur.

Seriöse klassische Bildhauer betrachteten Relieffiguren eher als abgeflachte Statuen als als ausgeschnittene Gemälde. In Etrurien war der hochklassische Stil für die örtlichen Handwerker zu subtil und schwierig und hatte nur geringe Wirkung. In Lykien beschäftigten einheimische Potentaten seit archaischen Zeiten griechische Bildhauer, die oft die Themen und manchmal auch die Komposition der Reliefs diktierten: So enthält der Kalksteinfries des Heroons von Gjolbaschi (oder Trysa), der wahrscheinlich zwischen 420 und 410 v einer Stadt mit Mauern und Gebäuden dahinter – manchmal in Teilperspektive – und Figuren auf verschiedenen Ebenen. Weiter östlich in Phönizien gibt es unter anderem einige griechische Werke von besserer Qualität und hervorragender Erhaltung, insbesondere aus den Grabgewölben der Könige von Sidon: Selbst in ihrer alten und fremden Kultur war die künstlerische Überlegenheit der hochklassischen Kunst inzwischen anerkannt worden.

Erbe

Exemplarisch für den Höhepunkt der Kunst der klassischen Antike Die Hochklassische Skulptur hatte einen bedeutenden, aber schwankenden Einfluss auf ihre Nachfolger. Die Römer verehrten es weiterhin – siehe zum Beispiel die Ara Pacis Augustae – und im späten zweiten Jahrhundert erschien ein vollständig klassizistischer Stil, der die alten Formeln anpasste oder wiederholte und manchmal so gekonnt, dass klassizistische Produktionen vergangen sind und zweifellos immer noch als echte Werke des fünften Jahrhunderts gelten. Gleichzeitig wurde auch das direkte Kopieren zu einer Industrie, die bis ins 4. Jahrhundert n. Chr. Oder noch länger dauerte, obwohl die Qualität normalerweise nicht besser als mittelmäßig ist. Viele dieser Kopien kamen ab dem späten fünfzehnten Jahrhundert wieder zum Vorschein, aber da sie selten die stille Subtilität des hochklassischen Stils der Maler und Bildhauer der Renaissance wandte sich eher dem Dramatischeren zu Statuen der hellenistischen Zeit , und erst 1807, als Lord Elgin in London seine Sammlung aus dem Parthenon ausstellte, wurde die Qualität der High Classical anerkannt und fast allgemein anerkannt. Für Bildhauer war dies zu spät für einen wirksamen Einfluss, obwohl Canova (der Hauptvertreter der damals modischen Neoklassizistischer Stil ) bedauerte, dass er zu spät geboren worden war, um von der Enthüllung zu profitieren, und die Kunstschulen kauften in großem Umfang Abgüsse für ihre Schüler, um sie zu zeichnen, wie es manche noch tun. Auch die Kritiker waren beeindruckt und sprachen sich zumindest für die hochklassische Bildhauerei aus, bis die Modischeren im heutigen Jahrhundert ihren Charakter als zu naturalistisch oder zu blumig empfanden und in ihren Provinzprodukten wie dem sterbenden Niobid in Rom mehr Tugend sahen und vor allem in Ansichten ursprünglich nicht vorgesehen.

Ressourcen
Artikel über die bildenden Künste der Antike finden Sie unter:

Skulptur des antiken Griechenlands (Einführung)
Griechische Malerei Archaic Period (c.600-480)
Griechische Malerei Klassik (c.480-323 BCE)
Statuen und Reliefs im hellenistischen Stil (c.323-27 v. Chr.)
Griechische Malerei der hellenistischen Periode (c.323-27 v. Chr.)
Griechisches Malerei-Vermächtnis
Griechische Metallkunst (8. Jahrhundert vor Christus)