Afrikanische Kunst: Geschichte, Eigenschaften Automatische übersetzen

Zur Chronologie der frühen primitiven Kunst siehe Prähistorische Kunst Timeline .

Einführung

Das Ziel dieses Artikels ist es, afrikanische zu platzieren Stammeskunst in seinem sozialen Kontext, anstatt ästhetische Anziehungskraft, stilistische Zonen und formale Qualitäten von Kunstobjekten zu diskutieren. In der europäischen Kunst werden häufig Symbole verwendet, die für gebildete Menschen unmittelbar von Bedeutung sind – Symbole Christi, der Heiligen, historische Episoden. Die Kenntnis der Bedeutung hinter diesen Symbolen spielt eine wichtige Rolle für das Verständnis und die Wertschätzung Malerei und Skulptur .

Gleiches gilt für Afrikanische Skulptur und andere Kunstformen: Es ist unerlässlich, herauszufinden, ob eine Maske oder eine skulpturierte Figur hergestellt wird, um zu unterhalten, Angst zu machen, die Fruchtbarkeit zu fördern oder nur Kunst für die Kunst zu sein. Wir müssen wissen, ob eine Maske einen Häuptling, einen Gott, einen Sklaven, ein Wer-Tier oder eine Hexe darstellt; ob eine Maske auf dem Kopf oder über dem Gesicht getragen oder heimlich in einem Kulthaus aufbewahrt wird. Obwohl afrikanische Kunst hier als integraler Bestandteil wirtschaftlicher, sozialer und politischer Institutionen dargestellt wird, ist letztendlich das Hauptelement die Ästhetik. Trotz der Pracht "klassischer" afrikanischer Kunst – wie der Skulpturen von Nok , Ife , Benin - geht es hier hauptsächlich um die Kunst, die in den Häuptlingen, Dörfern und Nomadenzelten weiter blüht. (Hinweis: Informationen zur nordafrikanischen Grabkunst und zum Tempeldesign finden Sie unter: Ägyptische Architektur .)

Prähistorische afrikanische Felsenkunst

Die frühesten bekannt prähistorische Kunst von Afrika – wie die Blombos Höhlengravuren (ca. 70.000 v. Chr.), die Diepkloof Eierschalengravuren (ca. 60.000 v. Chr.) oder die Apollo 11 Höhlensteine (25.500-23.500 v. Chr.) – war wahrscheinlich das Werk gelbhäutiger Buschmänner, der Ureinwohner des südlichen Afrikas. (Eine Anleitung zu den in Blombos verwendeten Symbolen finden Sie unter: Prähistorische abstrakte Zeichen 40.000-10.000 v. Chr.) Buschmänner sind die ältesten bekannten Ureinwohner Südafrikas, obwohl es ein Rätsel bleibt, wann sie aufgetaucht sind und wie weit ihre Geschichte zurückreicht. Es ist nicht einmal sicher, ob es ihre Vorfahren waren, die für das Spiel verantwortlich waren Piktogramme und Petroglyphen die an verschiedenen prähistorischen Orten im Land gefunden wurden. Die Buschmänner wurden nicht nur vom Weißen, sondern auch von den hottentotischen Invasoren in die Wüstengebiete zurückgetrieben. Die Hottentotten sind ebenfalls eine Rasse mit gelber Haut, die den Buschmännern so sehr ähnelt, dass es nach Ansicht einiger Experten nicht ratsam ist, sie zu trennen. Es bleibt jedoch ein enormer Unterschied zwischen ihren künstlerischen Leistungen. Den Hottentotten kann keine Konsequenz zugeschrieben werden, aber die alten Buschmänner haben zu ihrem Verdienst einige der besten und älteste kunst weltweit an Standorten im gesamten südlichen Afrika.

Der allgemeine Charakter des Buschmanns Rock Kunst ist naturalistisch, und viele der Bilder können als Piktogramme angesehen werden, da sie Ideen ausdrücken und nicht "Kunst um der Kunst willen" sind. Die große Mehrheit der Figuren sind Menschen und Tiere, aber es gibt einige andere Objekte, die wahrscheinlich symbolisch sind, obwohl ihre Bedeutung nicht immer klar ist; In einigen Regionen sind die Bilder in Farbe gemalt; an anderer Stelle treten nur Gravuren oder Absplitterungen auf. Der Unterschied ist auf die natürlichen Bedingungen des Landes zurückzuführen, obwohl allgemein angenommen wird, dass Gravuren archaischer sind als Gemälde. Das Prähistorische Farbpalette verwendet von Buschmännern in ihren Höhlenmalerei bestand aus Erdpigmenten. Rot und Braun von Bole oder Heematit; gelb von Eisenocker; weiß aus Zinkoxid; schwarz von Holzkohle oder Ruß; blau aus Eisen und Kieselsäure. Das Blau ist besonders ungewöhnlich und kommt in den Höhlenmalereien Europas nicht vor. Die feinen Linien in Buschmann-Gemälden wurden mit dünnen Hohlstäben gezogen, die geschärft und wie Stacheln verwendet wurden.

Beachten Sie das früheste Kunst des afrikanischen Kontinents – ausgenommen die umstrittene Steinzeit – Quarzit – Figur aus Marokko, bekannt als Venus von Tan-Tan (200.000-500.000 v. Chr.) – besteht aus den Gravuren in den Blombos-Höhlen an der südafrikanischen Kapküste von 70.000 v. Chr., Gefolgt von den Tierfiguren aus der Apollo-11-Höhle in den Hunnenbergen im Südwesten Namibias von etwa 25.000 BCE.

Interessanterweise wurden afrikanische Felsmalereien und Stiche früher entdeckt als europäische: im südlichen Afrika bereits Mitte des 18. Jahrhunderts, im Norden 1847, als sie von einer Gruppe französischer Soldaten gefunden wurden, die Stiche von Elefanten und Löwen meldeten, Antilopen, Hornträger, Strauße, Gazellen und Menschen, die mit Pfeil und Bogen bewaffnet sind. Der bekannteste Ort der Wüstenmalerei im Norden ist das Tassili-Hochplateau , das seit dem Alter von Mesolithische Kunst , die in den 1950er Jahren von Henri Lhote erforscht und beschrieben wurde. Dies ist ein bergiges Gebiet – 5180 km² (2000 Quadratmeilen) Fels und bewegter Sand – das heute nur noch von wenigen Tuareg-Hirten bewohnt wird. Vor Tausenden von Jahren, als die Bilder entstanden, war das Land fruchtbar, mit Wäldern bedeckt und von Flüssen durchzogen, die mit Fischen belebt waren.

Der Stil der Bilder ist naturalistisch, animiert und unterscheidet sich sowohl vom konventionellen libyschen Berberstil als auch von der frühen naturalistischen Gruppe des Atlas. Sie scheinen viel enger mit der Kunst der südafrikanischen Buschmänner verwandt zu sein. Von besonderem Interesse sind mehrere polychrome Gemälde in den Tassili-Bergen, die anmutige menschliche Figuren mit gesprenkelten Rindern in der Nähe darstellen. Im Südwesten dieser Region entdeckte die französische Ahagger-Expedition 1935 einen anderen Ort mit der gleichen Art von polychromen Wandgemälden, die verschiedene Tiere zeigen, aber hauptsächlich Vieh. Einige menschliche Figuren zeichnen sich durch außergewöhnlich lebhafte und oft anmutige Bewegungen aus. Die Arbeit wird vollständig in Räumen ausgeführt, so dass es sich um echte Gemälde und nicht um lineare Zeichnungen handelt. Auf der gleichen Seite gibt es jedoch auch eine Reihe von prähistorische Gravuren ähnlich dem Typ in der Atlasregion. Es gibt eine starke Ähnlichkeit zwischen den Ahagger-Gemälden und der Buschmann-Kunst, und außerdem haben sie eine bemerkenswerte Ähnlichkeit mit der Kunst des alten Ägypten.

Einige der Saharabilder zeigen Neger und eine jagdliche Lebensweise (aus der prähistorischen Rundkopfzeit), während andere (aus der Viehzeit, 4000 v. Chr. – 800 n. Chr.) Pastoralisten, Figuren mit kupferfarbener Haut und glattem Haar zeigen, die ähneln die Fulani-Viehzüchter der westafrikanischen Savanne. Kunsthistoriker haben vorgeschlagen, und ethnographische Untersuchungen haben teilweise bestätigt, dass diese Werke von Neolithische Kunst wurden von Proto-Fulani-Gruppen geschaffen: Sie enthalten Elemente, die Merkmalen der Fulani-Mythen entsprechen, die während der Initiationsriten der Jungen gelehrt wurden, wie die zwittrige Kuh, aus deren Brust die Köpfe von Haustieren hervorgehen, und die grafische Darstellung dessen, was einer Fulani-Initiation ähnelt Feld (ein Kreis mit der Sonne in der Mitte und Köpfen anderer Kühe, die verschiedene Mondphasen darstellen und um ihn herum angeordnet sind).

Die Felsbilder im algerischen Atlas wurden erstmals 1913 untersucht. Es handelt sich fast ausschließlich um Stiche: Es wurden nur zwei in Ocker gemalte Bilder entdeckt, die aus früheren Perioden stammen. Es können drei Hauptkunstgruppen unterschieden werden. Es gibt zuerst die sehr frühen naturalistischen Zeichnungen von Tieren, die entweder in diesem Gebiet ausgestorben sind oder aus einer sehr entfernten geologischen Periode stammen. Das beeindruckende Design eines Löwen in Djattou ist ein gutes Beispiel. Als nächstes folgt eine Gruppe von etwas weniger naturalistischen Zeichnungen, die etwas jünger sind. Schließlich gibt es die vergleichsweise späten libyschen-berberischen Entwürfe, die zum Teil als eher grobe Tierumrisse beschrieben werden, zum Teil als rein geometrische und schematische Entwürfe.

Klassische afrikanische Skulptur

Afrikanische Bronzen und Terrakotten gehören vor allem Archäologen nicht mehr einer "unbekannten" Vergangenheit an. Detaillierte Vergleichsstudien mit Hilfe von Radiokarbon-Datierungen haben sie in historischen Kontexten und fortgesetzten Traditionen lokalisiert. Eines der bekanntesten Beispiele für eine frühe skulpturale Tradition ist "Nok", ein Label mit einer Auswahl von Terrakotta-Skulptur von Menschen- und Tierfiguren, die in Nordnigeria weit verbreitet sind. Sie wurden erstmals in Zinnminen in der Nähe des Dorfes Nok in der Provinz Zaria entdeckt und stammen seitdem aus dem 4. oder 5. Jahrhundert vor Christus. Einige Kunsthistoriker haben Ähnlichkeiten zwischen den stilisierten menschlichen Figuren und den naturalistischen Tieren von Nok und den undatierten Steinskulpturen von Esie , den Nomoli- Figuren von Sierra Leone und den afro-portugiesischen Elfenbeinschnitzereien von Sherbro festgestellt. Überzeugender ist jedoch, dass der Nok-Stil, dessen Hauptmerkmale ein kugelförmiger oder konischer Kopf sind und dessen Augen als Segmente einer Kugel mit horizontalem Oberlid und kreisförmigem Unterlid dargestellt werden, viele Merkmale aufweist gemeinsam mit dem von Ife , der religiösen und einstigen Hauptstadt der Yoruba .

Eines ist sicher: Die Traditionen der afrikanischen Kunst sind nicht ohne Entwicklung geblieben. Radiokarbondatierungen und mündliche Überlieferungen lassen beispielsweise vermuten, dass der naturalistische Stil der Skulptur in Ife etwa so lange anhielt wie der Bronzeguss in Benin. Der reiche Ife-Stil zeigt jedoch einen unveränderlichen Kanon vom 10. bis zum 14. Jahrhundert, während in Benin vom 15. bis zum 19. Jahrhundert der Übergang von einem gemäßigten Naturalismus zu einem beträchtlichen Grad an Einbürgerung sehr ausgeprägt ist.

Zum Vergleich mit Skulpturen aus Amerika siehe auch: Präkolumbianische Kunst (bis 1535 CE).

Über die Künste und Zivilisationen von Sao (Tschadsee) und Simbabwe ist weniger bekannt, aber genug, um zu zeigen, dass es sich um einheimische afrikanische Kulturen handelt: Es ist nicht mehr erforderlich, ägyptische, phönizische oder portugiesische Einflüsse geltend zu machen. Archäologen haben zum Beispiel gezeigt, dass die Mauern und Türme von Simbabwe von afrikanischen Bauherren und von afrikanischen Inspirationsquellen errichtet wurden. Auch an der Afrikanität des Cross River Akwanshi im Südosten Nigerias und dem nahe gelegenen Kamerun besteht kein Zweifel – Steinfiguren, die in keinem Medium Afrikas anderen Kunstwerken ähneln. Sie haben eine phallische Form mit einem allgemeinen stilistischen Übergang vom Phallus zur menschlichen Form. Einige sind kaum mehr als gekleidete und verzierte Felsbrocken, aber sie zeichnen sich durch eine reichhaltige Oberflächendekoration aus, die sich auf Gesicht, Brüste und Nabel konzentriert.

Andere weniger bekannte Beispiele für "klassische" afrikanische Kunst sind die Bronzeskulpturen von Nupe und Ibo in Nigeria . Die Bronzen von Ibo Ukwu wurden 1938 entdeckt, als im Dorf eine Zisterne gegraben wurde. Der Ort erwies sich als Aufbewahrungsort für kunstvoll dekorierte Gegenstände – Gefäße, Keulenköpfe, einen Gürtel und andere zeremonielle Gebrauchsgegenstände. In einem in der Nähe ausgegrabenen Grab befanden sich eine Krone, ein Brustmuskel, ein Fächer, ein Schneebesen und perlenbesetzte Metallarmbänder sowie mehr als 10.000 Perlen. Radiokarbontests stimmen darin überein, diese Objekte bis zum Ende des 1. Jahrtausends zu datieren, was dies zur frühesten bronzeverwendenden Kultur Nigerias macht. Die Bronzen sind äußerst detailgetreue Gussteile mit aufwändigen Oberflächendekorationen, unterscheiden sich jedoch von anderen afrikanischen Gusstraditionen wie denen von Benin und Ife . Darüber hinaus gibt es in "demokratischen" Ibo-Ländern, in denen es keine zentralisierten Häuptlinge oder wohlhabenden Aristokratien wie in Yoruba und Benin gibt, keine Parallele zu dem hohen Wohlstandsstandard, den sie offenbaren.

Auswirkungen der Jagd

Mögen Ozeanische Kunst Einer der auffälligsten Aspekte der afrikanischen Kunst ist, dass sie immer ein intimer Bestandteil des gesellschaftlichen Lebens ist und sich in allen Aspekten der Arbeit, des Spiels und des Glaubens der Afrikaner manifestiert. Der Stil und die Symbolik von Gemälden, Figuren und Masken hängen daher von ihren politischen, wirtschaftlichen, sozialen und religiösen Kontexten ab, deren Untersuchung oft wertvolle Einblicke in die Bedeutung der afrikanischen Kunst gibt. Die Buschmänner der Kalahari zum Beispiel jagen in einer unwirtlichen Umgebung und führen ein Leben, das von ihrer absoluten Abhängigkeit von sofort verfügbaren Überlebensressourcen geprägt ist. Zwischen den Jägern und den Gejagten besteht eine intensive Beziehung, zwischen Leben und Regen. Die Ängste der Buschmänner kommen in ihren Mythen, Zeremonien und Riten zum Ausdruck, und sie sind auch in ihren Gemälden und Stichen vertreten . Die Felsmalereien der Buschmänner zeigen nicht nur die Tiere, die sie jagen, die Regenrituale und die Jäger selbst, sondern auch die Tierarten, die die größte mythische Bedeutung haben. Eine andere Gruppe, der Kalabari Ijo , sind Fischer, die auch vom Zufall abhängig sind – das Glück der Gezeiten, die wechselnden Fischschwärme. Ihre Kunst spiegelt auch direkt ihre Lebensweise, ihre Ängste und ihre Mythen wider. Sie leben in isolierten, in sich geschlossenen Gemeinschaften in den Mangrovensümpfen im Südosten Nigerias und glauben an Wassergeister, "Lords of the Creeks", die in einer fabelhaften Unterwasserwelt leben und wie die Skulpturen, die sie darstellen, anthropomorph oder zoomorph sind. oder eine Mischung aus beiden. Die Essenz der Geister steckt in den Masken und gemeißelten Kopfbedeckungen, die die Fischer bei Maskeraden tragen. Die in den Masken abgebildeten Tierarten werden nicht nach ihrer wirtschaftlichen Bedeutung, sondern nach ihren symbolischen Bedeutungen und Rollen im Mythos und Ritual von Ijo ausgewählt.

Die Kunst der Nomaden

Die zahlreichen Nomadenvölker Afrikas sind aufgrund ihrer natürlichen Lebensweise daran gehindert, sperrige oder schwere Kunstwerke zu besitzen. In vielen Fällen bevorzugen sie Literatur, die tragbarste Form der Kunst – bukolische Gedichte, Epen, Erzählungen und satirische Stücke, die eine nomadische Ästhetik lebendig ausdrücken. Die Fulani in Westafrika sind ein typisches Beispiel. Sie verachten die Bearbeitung von Holz, Eisen und Leder; Alle Kulturgüter aus diesen Materialien, die sie besitzen, werden von Negergruppen hergestellt, auf deren Land sie ihr Vieh weiden lassen. Sogar Fulani, die sich in Dörfern niedergelassen haben, geben Architektur , kunstvollen Kleidungsstücken und Ornamenten einen künstlerischen Ausdruck. Authentische Fulani-Kunst ist daher selten und beschränkt sich auf Details von Kleidern, Amuletten, Kopfbedeckungen, Fußkettchen für Mädchen, zeremoniellen Werkzeugen und Behältern sowie auf den Körper selbst. In der Tat haben die Fulani eine wahre Ästhetik des persönlichen Aussehens entwickelt , die verschiedene Formen von Körperkunst einschließlich Körperbemalung und gesichtsmalerei sowie Piercings und Tätowierungen. Von Kindheit an lernen sie, sich selbst zu schmücken und zu malen, ihr Haar in wundervolle Formen und Muster zu formen und herrliche Gehstile zu pflegen. Mütter massieren sogar die Schädel ihrer Babys, um ideale Formen zu erreichen. Bei jährlichen Zeremonien, die sowohl sadistische Tests der Männlichkeit als auch Wettbewerbe der männlichen Schönheit darstellen, wenden Jugendliche alle Künste der persönlichen Dekoration an – der Körper wird geölt, bemalt und verziert. Die Männer stellen sich vor den Richtern auf, "wie prächtige Götterbilder", die Gesichter rot und indigo bemalt, die Haare mit Kauris geschmückt und von hohen Kopfbedeckungen überragt. An beiden Seiten ihres Gesichts hängen Bärte, Ketten, Perlen und Ringe. Alte Frauen beschimpfen lautstark die Jugendlichen, die nicht den höchsten Standards der Schönheit der Fulani entsprechen.

Holzskulptur

Der größte Beitrag, den Afrika zur Weltkultur geleistet hat, ist die schöne Tradition der Bildhauerei , die außerhalb des "dunklen" Kontinents bis zum Ende des letzten Jahrhunderts kaum bekannt war. Damals erregten Werke, die bisher nur als Kolonialtrophäen und seltsame Museumsobjekte galten, die Aufmerksamkeit europäischer Künstler, die nach neuen Erfahrungen suchten. Andre Derain (1880-1954), Maurice De Vlaminck (1876-1958), Picasso (1881-1973) und Matisse (1867-1954) waren wiederum überwältigt von den expressiven und abstrakten Qualitäten der Figuren und Masken, die aus dem fernen Kongo und dem französischen Sudan in Paris auftauchten. Juan Gris Es wurde sogar eine Pappkopie einer Grabfigur aus Gabun angefertigt . Das Interesse dieser Maler führte zu einer allgemein erhöhten Sensibilität für die Qualitäten der afrikanischen Skulptur, obwohl es über viele Jahre eine Sensibilität war, die nur aus Unkenntnis ihrer Funktion oder Symbolik auf die reine Form und das Geheimnis der Skulptur reagieren konnte.

Heute sind wir besser informiert, obwohl ganze Korpora afrikanischer Kunst mysteriöse Gebilde bleiben, da sie vor langer Zeit als Kuriositäten von Menschen gesammelt wurden, die sich ihrer Verwendung oder ihrer symbolischen Bedeutung nicht mehr bewusst waren.

Unter den Dogon von Mali gibt es eine Reihe berühmter alter Skulpturen, die als Tellem bekannt sind und über die weder die Dogon noch die Archäologie etwas aussagen können (obwohl unzählige Kunsthistoriker weiterhin mehr oder weniger inspirierte Vermutungen anstellen). Tellem-Figuren haben normalerweise erhobene Arme und sind meist weiblich oder manchmal zwittrig. Andere sind Tiere oder anthropomorphe Figuren, die nach dem Vorbild der ursprünglich geschwungenen Holzstücke geschnitzt sind. Bei solchen Skulpturen beschränken wir uns auf formale Vergleiche von Stil und subjektiver ästhetischer Wertschätzung. Zu dieser Klasse gehören die Fang-Masken und Kota-Figuren , einst die neu gefundenen "Idole" von Derain und Epstein. Die Plakette hinter dem Kopf der Kota-Figur wurde sicher als "Sonnenstrahlen", "Ziegenhörner", "Halbmond" und "christliches Kreuz" beschrieben.

Bambara Bauern und ihre Kunst

Die Mehrheit der Afrikaner sind keine Könige, Priester, Hexenmeister und Zauberer, sondern Bauern, die den größten Teil ihres Lebens damit verbringen, Getreide zu produzieren oder Wurzelfrüchte anzubauen. Ihr ästhetisches Leben ist eng mit dieser Tatsache ihrer Existenz verbunden. Einige der größten skulpturalen Traditionen Afrikas werden durch Masken und Figuren repräsentiert, die die Fruchtbarkeit der Felder und das Überleben ihrer Züchter sicherstellen. Die Bambara , eine Mandinka-Gruppe mit mehr als einer Million Einwohnern in Mali , sind bekannt für ihre Metallarbeiten , Korbwaren , Lederarbeiten , Webarbeiten , Färbearbeiten und Holzschnitzereien . Bambara-Masken sind mit vier großen Kult-Assoziationen verbunden: N’domo , Komo , Kove und Tyi Wara . Diese Gesellschaften bringen ihre Masken sowohl in der trockenen als auch in der feuchten Jahreszeit heraus; Sie "helfen" beim Säen, Jäten und Ernten der Grundnahrungsmittel der Bambara, Hirse, und feiern das Kommen und Gehen des Regens.

Die N’domo-Maske mit ihren vertikalen Hörnern symbolisiert die wachsende Hirse – der Mais wird stark und aufrecht wie die Hörner der Maske stehen. Die Hörner sind acht und erheben sich gerade in einer Reihe, wie ausgestreckte Finger über der Oberseite des Kopfes und auf derselben Ebene wie die Ohren. Die Hörner stellen in schematischer Weise die verschiedenen Episoden des Bambara-Schöpfungsmythos dar, die acht Hörner in der idealen Maske, die die acht ursprünglichen Samen darstellen, die Gott für den Aufbau des Universums erschaffen hat. Die Grundbedeutung der Hornsymbolik ergibt sich aus der Assimilation dieser Organe an das Wachstum von Getreide und menschlicher Leber. Die Bauern in Bambara sagen, dass Tierhörner für Tiere das sind, was die Leber für den Menschen und die Gemüsesprosse für die Erde.

Die Symbolik und die Riten anderer Bambara-Gesellschaften und -Masken hängen ebenfalls eng mit der prosaischen Tätigkeit der Landwirtschaft zusammen. Die Komo-Maske repräsentiert die Hyäne, den großen Arbeiter des Bodens und Hüter des Lebens. Die Tyi-Wara-Maske repräsentiert ein fabelhaftes Wesen, halb Mensch, halb Tier, das in der Vergangenheit den Menschen das Farmen beigebracht hat. Während der Aussaat und der Vegetationsperiode repräsentiert die Tyi Wara Antilopenmaske die Geister des Waldes und des Wassers und sichert die Fruchtbarkeit der Felder und des Menschen.

ANMERKUNG: 2007 entdeckten Schweizer Wissenschaftler bei der Ausgrabung eines Geländes in Zentralmali Scherben von alte Töpferei Es stammt aus dem Jahr 9500 v. Chr. und ist damit die älteste bekannte Keramik in Afrika. Weitere Informationen finden Sie unter: Keramik-Timeline .

Die Kunst der afrikanischen Königreiche

Kunst ist allgemein ein Mittel zur Verherrlichung ranghoher Personen. Das Vorhandensein von Gegenständen, die kunstvoll aus so kostbaren Materialien wie Gold , Silber oder Elfenbein geschnitzt wurden, deutet normalerweise auf das Vorhandensein einer herrschenden Klasse, überzähligen Reichtums und das Nötigste hin, um spezialisierte Handwerker einzustellen. In Afrika erfordern beispielsweise die meisten Wachsausschmelzbronzegüsse eine hochspezialisierte Produktionstechnik, und obwohl es sich nicht nur um eine auf Königreiche beschränkte Kunst handelt, wird sie am ausführlichsten ausgearbeitet, wenn es sich der Häuptling oder eine wohlhabende Kaste leisten kann, eine Gruppe von Wachsausschmelzbronzen zu unterhalten spezialisierte Künstler. In Benin war das Privileg, Bronze zu bearbeiten, einer besonderen Gesellschaft vorbehalten, die in einem besonderen Viertel der Stadt lebte und unter die Kontrolle des Oba – des Herrschers – geriet. Bei den Bamileken galten Künstler als Diener und sogar als Sklaven ihrer Häuptlinge, in deren Palästen sie lebten und durch die sie ihre Werke verkauften. In diesen Situationen ist afrikanische Kunst nicht das Ergebnis eines "Instinkts" – der Erfassung der Seele eines Tieres oder Gegenstandes durch eine "primitive ekstatische Imagination" – sondern das Ergebnis von Ausbildung, Lehre und einer engen Kenntnis der Tradition.

Der in einem afrikanischen Häuptling lebende Künstler entwarf Porträts, Insignien und Embleme, um den König und seine königlichen Verwandten als besondere, beeindruckende Gestalten darzustellen und sie dazu zu bringen, die kurzen Perioden ihres Lebens zu überdauern, indem sie sich an Kunst erinnern. So werden Könige als mächtig und schön dargestellt, ohne Makel und gewöhnlich ohne Ausdruck, geschmückt mit königlichen Symbolen. Die Häuptlinge selbst tragen prächtige Tücher und Ornamente, sitzen auf hohen, reich verzierten Hockern und schlafen auf kunstvoll geschnitzten Betten. Die künstlerische Produktion unter königlicher Kontrolle wird auch verwendet, um die Notwendigkeit hervorzuheben, dass die königliche Kaste ihre Untertanen kontrolliert, und Fürsten verwenden häufig Kunstobjekte, um die Bürger zu erschrecken.

Sowohl in Afrika als auch in Europa führt die Konzentration von Reichtum und Macht in den Händen eines Chefs oder einer Oligarchie häufig zu einer lokalen Renaissance der Künste. Ashanti und Dahomey sind gute moderne Beispiele, bei denen brillante Gerichte, die für zahlreiche Einflüsse empfänglich sind, unverwechselbare und prächtige Kunststile hervorbringen. In Dahomey konzentrierte sich der König auf die Bearbeitung von Silber , Messing und die Herstellung von Applikationen an seinem Hof. Wandskulpturen schmückten den Palast und zeigten historische und allegorische Szenen und Schlachten. Bei den Ashanti brachte der Handel mit Gold und Sklaven den Königen großen Reichtum, die das Arbeiten mit Gold zum Hofmonopol machten. Ihre Goldschmiede bildeten eine angesehene und privilegierte Kaste und stellten zeremonielle Gegenstände und Porträts her, von denen das berühmteste die Goldmaske aus der Schatzkammer von König Kofi Kakari (Wallace Collection, London) ist. Es wurden auch kleine Gewichte aus Messing hergestellt, um Goldstaub zu wiegen.

Kuba-Bushong Art

Eine der reichsten künstlerischen Zonen Afrikas umfasst die Becken des Kwango , des Kasai , des Katanga und des nordwestlichen Angola . Dies ist eine Zwischenzone zwischen Wald und Savanne, die von Bauern bewohnt wird , deren Vorfahren die Untertanen mächtiger Königreiche waren – der Luba , Tshokwe , Lunda und Kuba . In jedem waren die Künstler eng mit dem Hof ​​und den königlichen Kulten verbunden. Unter den Luba wurden zum Beispiel Statuen von Königen und Königinnen , Karyatidenstühle, Kopfstützen, Zepter, Streitkolben und Waffen hergestellt, um die Macht und den Ruhm der Herrscher widerzuspiegeln. Unter den Kuba inspirierte die dominante Bushong- Gruppe eine aristokratische Kultur, die das gesellschaftliche Leben mit einer Leidenschaft für Schönheit und Dekoration durchdrang. Kuba- Kunst und Dekoration blühten in allen Bereichen des täglichen Lebens auf – beim Bauen, bei der Metallbearbeitung , beim Korbflechten und beim Weben . Künstlerische Bestrebungen wurden für viele zu einer Lebensform: Auch Herrscher waren oft Künstler und Bildhauer. Die Kunst wurde verwendet, um die Könige von Bushong zu verherrlichen, deren Statuen Meisterwerke der Kuba-Skulptur sind und seit dem 17. Jahrhundert hergestellt werden. Alle zeigen, wie der König sitzt, die Beine gekreuzt und die Embleme eines heiligen Königtums trägt. Sie sind klein, kaum mehr als 50 cm hoch. Ihre Gesichter sind ausdruckslos, ihre Augenlider halb geschlossen; die künstler haben bemerkenswerte erscheinungen zeitloser ruhe und tiefer schwerkraft erreicht. Wie alle guten Könige sind sie fett und mit Armbändern, Fußkettchen, Gürteln und Halsketten geschmückt. Obwohl die Statuen eine ähnliche allgemeine Form haben, sind sie nicht identisch und ihre Gesichter wurden mit individuellen Details versehen. Dabei handelt es sich kaum um naturgetreue Porträts, sondern um konventionelle Darstellungen von Königen mit charakteristischen Merkmalen. Das Hauptziel des Bildhauers war es, die Essenz des Königtums vorzuschlagen, eine Essenz, die von einem König zum nächsten übertragen wird.

Maske der Geheimbünde Art

Häuptlinge und wohlhabende Personen sind nicht die einzigen Förderer der Kunst. In Afrika können wichtige Gegenstände von Liniengruppen in Auftrag gegeben werden, und in Gesellschaften ohne Chefs werden Kunstwerke am häufigsten von Mitgliedern von Vereinigungen wichtiger Männer gemeinsam gehalten, die sowohl regierende als auch religiöse Funktionen ausüben. Die Voraussetzungen für die Mitgliedschaft in solchen Kultvereinen, Altersklassen oder Geheimgesellschaften sind von Gesellschaft zu Gesellschaft unterschiedlich. Manchmal sind alle erwachsenen Männer eingeschlossen; Manchmal ist die Mitgliedschaft auf Personen mit besonderen Fähigkeiten oder auf Personen beschränkt, die bestimmte Statuen oder andere heilige Utensilien besitzen.

Der vielleicht berühmteste "Geheimbund" ist der des Poro , dessen Mitglieder am dichtesten unter den Mande- und Kpe- sprechenden Völkern Liberias und des südlichen Sierra Leone konzentriert sind, obwohl er sich gewöhnlich unter verschiedenen Namen auch in Guinea und Guinea ausbreitet die Elfenbeinküste . Eng verbunden mit dem Poro der Männer sind die Sande- oder Bundu- Frauenverbände, die die Form von Logen unter den Frauen bestimmter Häuptlinge haben. Sowohl männliche als auch weibliche Gesellschaften unterhalten Zeremonienzyklen, die mit der Rekrutierung und Initiierung von Mitgliedern verbunden sind. Die Hauptakteure der Zeremonien sind die nicht eingeweihten Jugendlichen, alle erwachsenen Männer der Poro , die erwachsenen Frauen der Sande und die heiligen Ältesten, die die Ahnen repräsentieren. Dazu gesellen sich die maskierten Imitatoren der Naturgeister, die mit den Gründern des Landes verbündet sind.

Im gesamten Gebiet von Paro und Sande gibt es im Allgemeinen zwei Arten von Masken: die schlanken, naturalistischen Masken, die mit dem Namen Dan in Verbindung gebracht werden, und die stark kontrastierenden, grob bearbeiteten "Großen Masken". Es gibt auch Hilfsmasken zur Durchsetzung von Recht und Ordnung und zur Aufklärung der Jugendlichen während der Para-Initiationsriten. Dan-Masken sind ausgewogen und harmonisch. Ihre Schönheit ergibt sich aus ihrer naturalistischen, aber stark vereinfachten Form. Es gibt auch Miniaturkopien der großen Masken mit einer Länge von 7, 5 bis 10 cm, die von denjenigen getragen werden, die in die Geheimgesellschaften eingeweiht wurden.

Die Große Maske des Poro ist eine wilde, abstrakte Darstellung des Dämons des Waldes. Sein stilisiertes Gesicht soll einen längst verstorbenen, fast mythischen Vorfahren großer Weisheit darstellen – den Kulturhelden, der den Poro in das Land der Menschen einführte. Die Maske ist das Symbol und Orakel des Priesters, der als Richter und Anführer des Clans die Maske für den Poro behalten darf. Mit ihm kann er die Sanktion der Vorfahren erhalten, um kriminelle und zivile Straftäter zu bestrafen. Wenn wichtige Streitigkeiten beigelegt werden sollen, trägt der Priester die Maske zum Treffen der Ältesten und legt sie auf den Boden unter eine
weiße Kleidung. Jedes menschliche Urteil gilt als vorläufig, bis die Maske ihre Zustimmung erteilt hat.

Der Gebrauch der Großen Maske auf diese Weise bietet eine sinnvolle göttliche Bestätigung: Es wird angenommen, dass das Urteil aus der Geistigen Welt kommt, über die Maske, nicht von Menschen. Die Maske übernimmt zum Beispiel die Verantwortung für den Tod von jemandem, der die Tortur von Sasswood durchgemacht hat. Bei wichtigen Ratssitzungen kümmert sich die Maske um die Anwesenheit und Zustimmung der Vorfahren. In gewaltsamen Auseinandersetzungen setzt der Priester die Maske auf und stoppt die Prozessparteien mit seinem Wort. Kleine Masken werden auch als Boten oder Polizisten eingesetzt.

Die Große Maske selbst zeichnet sich durch hervorstehende Augen aus, die mit perforierten Porzellan- oder Metallscheiben, roten Filzlippen und einem langen Bart mit Palmnüssen oder Perlen verziert sind. Seine typische dicke Patina stammt aus schwarzem, getrocknetem Blut von Opfern und den rötlichen Überresten gekauter Kolanüsse, die der Priester in den Mund der Maske gespuckt hat.

Während der eigentlichen Poro-Initiationsriten erscheint die Große Maske viermal auf mysteriöse Weise, nur um einen geheimen Satz auszusprechen, bei dem alle auf den Boden fallen. Kleinere Masken, bekannt als Ge, werden verwendet, um die Eingeweihten zu disziplinieren und zu erziehen. Die Masken fungieren als Beamte, die die Frauen und Kinder außerhalb des Dorfes kontrollieren, oder als Aasfresser, die beim Betteln, Ausleihen und Stehlen von Bürgern das Essen aufrunden.

In seiner Erscheinung sind Ge-Masken abscheulich und vereinen tierische und menschliche Merkmale. Es sollen künstlerische Versuche sein, den Glauben darzustellen, dass Geisteskraft sowohl tierische als auch spirituelle Eigenschaften hat – die Kombination von Merkmalen plus Verzerrung, was darauf hindeutet, dass es bestimmte ungeklärte Phänomene gibt, die stärker sind als die Kräfte, die Tiere und Menschen getrennt besitzen.

Während der langen Einweihungsriten werden die Frauen dazu gebracht zu glauben, dass ihre Kinder von den Masken verschluckt werden, und es heißt, dass die Masken Skarifikationen hervorrufen, wenn sie die Jungen einnehmen und sie später zur Welt bringen. Nach ihrer Wiedergeburt aus dem Magen der Masken sitzen die Eingeweihten auf Matten mit Decken über den Gesichtern, und in zwei Tagen bringen ihnen die Masken alles noch einmal bei – wie man geht, isst und kotet. Gegen Ende der Sitzung bringt die Große Maske mit ihrer tiefen, knurrenden Stimme die Jungen ans Wasser, wo sie gewaschen werden und neue Namen erhalten.

Mädchen werden auch in die Bundu- oder Sande- Gesellschaften eingeweiht. Bei ihrer Ankunft in unserer Zeremonie werden sie mit Öl gesalbt, ihr Haar ist wunderschön frisiert und sie tragen reiche Kleidung und Schmuck. Sie treten zur Begleitung von Liedern, Tänzen und akrobatischen Darbietungen auf, die alle von den Masken aufgeführt werden. Die Sande-Maske leuchtet schwarz und die Trägerinnen verstecken sich hinter einem Stoffkostüm und Bastschleier. Die Form und Symbolik der Maske variieren kaum. Die auffälligsten Merkmale sind der Spiralhals, die komplizierte Verzierung der Frisur und das kleine dreieckige Gesicht.

Sehen: Indianische Kunst , zum Vergleich mit amerikanischen Masken.

Kunst und Verwandtschaft

Das wichtigste Merkmal vieler afrikanischer Gesellschaften und die Quelle politischen Handelns in ihnen ist die Verwandtschaft in Form von Unternehmensverbänden. Kunst dient häufig als Ergänzung und Symbol für die Macht der Abstammung und des Clans. Bei den Bakwele treffen sich die Ältesten der Abstammungslinien in Krisenzeiten und versuchen, den Ärger durch den Einsatz von Masken zu umgehen. Bei den Fang- und Tiv- Stämmen, bei denen die politische Macht über Abstammungslinien übertragen wird, sind Masken und Statuen Symbole für das Recht der Stammesoberhäupter auf Erfolg und werden in der Verwaltung sozialer Angelegenheiten eingesetzt. In ähnlicher Weise gibt es in der Lega von Ost- Zaire, in der es kein Chiefship gibt und das Liniensystem ohne politische Führer funktioniert, Männer mit Prestige, die durch ihr Alter, ihre persönliche Magie und ihren Besitz von Kunstgegenständen an Einfluss gewinnen. Zu den Lega gehörten Schnitzer, die in der Lage sind, originelle und gekonnt gefertigte Arbeiten aus einer Vielzahl von Materialien herzustellen. ihre masken und figuren werden von der bwame association in ihren dramatischen und rituellen aufführungen verwendet. Die in Initiationszeremonien verwendeten Objekte stellen einen Symbolkomplex dar, der dabei hilft, die Essenz der Lega-Gesellschaft zu übersetzen und vom Ältesten zum Initiierten zu denken. Sie sind im Besitz von Linien, und wenn sie von Hand zu Hand gehen, fungieren sie als Symbole für die Kontinuität der Lega-Linien und als Bindeglied zwischen den toten und lebenden Mitgliedern der patrilinealen Familie.

In Ghana spielen matrilineare Linien eine wichtige Rolle für das Wohlergehen der Akan- Gemeinschaft, auch wenn diese Gemeinschaft, wie im Fall der Ashanti , ein zentralisiertes Königreich ist. Jeder verfolgt seine Abstammung durch seine Mutter und gehört zur Linie seiner Mutter, die aus allen Nachkommen einer gemeinsamen Vorfahren besteht. Der Schrein der Linie hat die Form eines Hockers, zu dem der Kopf der Linie Nahrung für die Ahnen anbietet. Beim Hauptritus in der Ernennung eines Ashanti-Häuptlings wird der neue Häuptling dreimal über den heiligen Stuhl des Gründers seiner Linie gesenkt und angehoben. Der Ashanti-Hocker ist also ein Symbol für die Ahnen und die Abstammung. Es besteht aus einem rechteckigen Sockel mit einer geschwungenen Sitzfläche, die von geschnitzten Rungen getragen wird. Im Kumasi- Hockerhaus sind zehn schwarze Hocker aufbewahrt, die an zehn Ashanti-Könige erinnern. Der goldene Hocker , von dem traditionell angenommen wird, dass er vom Priester und Stadtrat des ersten Königs vom Himmel geholt wurde, ist eine Masse aus massivem Gold, an der Glocken aus Kupfer, Messing und Gold befestigt sind.

Religiöse Kunst

Obwohl unsere zunehmende Kenntnis der afrikanischen Gesellschaften dazu führt, dass viele Kunstwerke, die bisher nur für religiöse Zwecke bestimmt waren, soziale und ästhetische Funktionen erhalten, spielt afrikanische Kunst im Wesentlichen eine religiöse und symbolische Rolle. Mitglieder der Yoruba zum Beispiel sind die produktivsten afrikanischen Schnitzer und die größte Konzentration ihrer Skulptur religiöse Kunst den Kulten der verschiedenen Orishas oder Götter gewidmet. An anderen Orten verwenden Maskeraden und andere rituelle Darbietungen Masken und geschnitzte Figuren, um grundlegende Mythen in Szene zu setzen.

Die Dogon- Kunst hat ausdrücklich religiösen Charakter: Sie zeigt die Vorfahren, die ersten mythischen Wesen, den atavistischen Schmied, den Reiter mit den Fähigkeiten und dem Handwerk der Arche und mythische Tiere. Ihr kosmologisches System und ihre Beziehung zum Inhalt ihrer Kunst wurde von einem Team französischer Anthropologen und Kunsthistoriker in erstaunlichen Einzelheiten untersucht. Um die Bedeutung der Dogon Grand Mask zu verstehen, müssen wir die Bedeutung des Mythos der Dogon-Schöpfung und der Zeitschrift Sigi verstehen Festival, das das religiöse Leben der Dogon regelt. Die Grand Mask ist das Doppel des mythischen Vorfahren; mit der neuen maske täuscht der schnitzer die seele des vorfahren und überredet ihn, in seine neue wohnstätte einzutreten. Wenn die Grand Mask der Öffentlichkeit ausgesetzt ist, ist nur der Grundpfosten sichtbar, da der Kopf in einem Steinhaufen vergraben ist. Andere Dogon-Masken sind weniger heilig, obwohl ihre Aufführungen möglicherweise besondere Zeichen und Symbole und Teile des Schöpfungsmythos widerspiegeln.

Ein Großteil des kosmologischen Denkens vieler afrikanischer Gesellschaften konzentriert sich auf Zwillinge und Androgynität. Bei den Bangwa , einem Bamileke- Volk aus Kamerun , werden Zwillinge und ihre Eltern verehrt, wobei Zwillingsgeburten als perfekte Geburten gelten, die eine ursprüngliche und androgyne Welt darstellen, in der Doppelgeburten die Regel waren. Eine Frau, die Zwillinge hervorbringt, wird im ganzen Dorf gefeiert und kunstvolle Skulpturen werden zu Ehren der Zwillinge geschnitzt. Beiden Eltern wird besondere Aufmerksamkeit geschenkt und sie werden in eine religiöse Vereinigung eingeweiht, die bei Fruchtbarkeitszeremonien und Beerdigungen eine wichtige Rolle spielt. Bangwa Skulptur hat sich von diesen Zwillingseltern inspirieren lassen und es gibt eine Reihe von Statuen von Frauen und Männern, die Zwillinge tragen oder die Symbole der Zwillinge tragen. Die vielleicht bekannteste aller Bangwa-Skulpturen ist eine tanzende Figur, die eine Kauri-Kette trägt und eine Rassel und eine Bambus-Trompete, wie sie von der Mutter der Zwillingspriesterinnen getragen werden, wenn sie die Götter rufen.

Bei den Yoruba wird auch Zwillingen besondere Aufmerksamkeit geschenkt, und es gibt die Tradition, Bilder von ihnen zu machen, falls einer oder beide von ihnen sterben sollten. Diese Ibeji- Figuren werden wie echte Kinder ernährt und gepflegt, da angenommen wird, dass sie die Seele eines toten Zwillings enthalten. Alles, was für ein lebendes Kind getan wird, geschieht für den Ibeji: Er erhält Geschenke und neue Kleider. Es werden auch regelmäßige Opfer gebracht, um zu verhindern, dass die Seele des Verstorbenen seinem lebenden Zwilling oder seiner Mutter Schaden zufügt. Das Tragen des Ibeji verhindert auch, dass die Mutter unfruchtbar wird.

Ibeji-Figuren haben eine homogene Form – kleine, stehende Statuetten, die in den meisten Fällen nackt sind, obwohl einige mit einem schürzenartigen Kleidungsstück geschnitzt sind. Normalerweise ist das Verhältnis des Kopfes zum Körper größer als das des Modells. Die Genitalien sind geschnitzt und das fertige Objekt gefärbt – der Kopf hat oft eine andere Farbe als der Körper. Das Gesicht ist oval mit markanten Augäpfeln, die Stirn konvex, die Nase breit, die Ohren stilisiert. Die Lippen sind im Allgemeinen hervorgehoben und so geformt, dass sie eine Art Regal bilden, weil Mütter sie wie ihre anderen Babys füttern. Die Arme sind schwer und lang, die Hände stilisiert und mit den Oberschenkeln verbunden. Ibeji hat eine Vielzahl von Skarifikationen und Frisuren.

Die Kunst der Hexerei

In ganz Afrika weist die Hexerei einige bemerkenswerte Gemeinsamkeiten auf. Der Begriff bezieht sich normalerweise auf bösartige Aktivitäten, die Menschen zugeschrieben werden, die übernatürliche Kräfte aktivieren, um anderen zu schaden. Die meisten Hexen arbeiten nachts; Sie können im Handumdrehen fliegen und große Entfernungen zurücklegen. Während der Wanderungen bleibt der Körper der Hexe zurück, das andere Selbst reist unsichtbar oder in tierischer Form. Sie lieben menschliches Fleisch, machen ihre Opfer krank und verzehren ihre Körper nach dem Begräbnis.

Krankheit und Tod können also übernatürlichen Ursachen zugeschrieben werden, und Kunstgegenstände werden in Verbindung mit magischen Techniken und Ritualen eingesetzt, um sie zu bekämpfen. Diese Objekte werden üblicherweise als Fetische bezeichnet , ein Wort, das eigentlich für eine Art "Maschine" reserviert sein sollte – das Wort "Fetisch" kommt von "fetico", dem portugiesischen Wort, das "ein von Menschenhand gefertigter Gegenstand, der von Wahrsagern oder Zauberern erfunden wurde und aus verschiedenen besteht" bedeutet Materialien und Arzneimittel, um auf die immanenten Lebenskräfte dieser Stoffe zurückzugreifen “. Tatsächlich ist das additive Material möglicherweise wichtiger als die Basisskulptur und besteht aus verschiedenen Gegenständen – Krabben, Tierknochen und -hörnern, Zähnen, Federn, Vogelteilen, Knöpfen, Stoffen und Eisenstücken. Auch wenn dieses Konglomerat von Gegenständen auf den ersten Blick willkürlich und banal erscheint, haben die Ausstattungen eines Fetischs alle einen symbolischen Wert und eine symbolische Bedeutung für ihre Besitzer und die von ihnen betroffenen Personen.

Die bekanntesten Fetische wurden ursprünglich in der Region Zaire gefunden: Einige sehr frühe Stücke sind noch vorhanden. Im Jahr 1514 soll der christliche König des Kongo , Alfonso, den damals bei seinen Untertanen vorherrschenden Götzendienst beklagt haben und erklärt haben: "Unser Herr hat in dem Stein und dem Holz, die Sie verehren, dafür gesorgt, Häuser zu bauen und Feuer zu entzünden". Hunderte Arten von Fetischen wurden zwischen den Bakongo und den Nachbarvölkern gesammelt. Sie sind als Nkisi bekannt und haben alle die gleiche allgemeine Eigenschaft von magischen Figuren: Sie können Personen, von denen angenommen wird, dass sie anderen übernatürlichen Schaden zufügen, schwere Krankheiten zufügen. Trotz ihres Ruhmes wurde diese Kunstform nicht sehr detailliert untersucht.

In ganz Afrika werden Kunstgegenstände dazu verwendet, die übernatürlichen Ursachen von Krankheiten zu erraten. Unter den Bamileken wird die traditionelle Anti-Hexen-Gesellschaft, der Kungang , in Krisen- und Epidemienzeiten zusammengerufen, um das Land zu reinigen und Hexen durch die Vermittlung ihrer mächtigen Fetische zu dezimieren. Kungang-Figuren sind mit großem Geschick geschnitzt; Sie haben in der Regel einen übertrieben geschwollenen Magen, um auf die schreckliche Wassersucht hinzuweisen, die eine der übernatürlichen Sanktionen des Fetischs darstellt. Sie symbolisieren auch eine sympathischere Magie: Die gebeugten Arme repräsentieren die Haltung eines bettelnden Waisenkinds oder eines freundeslosen Menschen; Die geduckte Position ist die Haltung eines niederen Sklaven. Der Kungang Es wird angenommen, dass Figuren von über Generationen angesammelten Kräften durchdrungen sind: Diese Kräfte sind in einer dicken Patina konzentriert, die aus dem Blut von Hühnern gebildet wird, die bei Riten gegen Hexereiopfer geopfert werden. Die meisten von ihnen haben eine kleine Blende im Bauch oder Rücken, die zum Einführen von Medikamenten geöffnet werden kann.

Kunst um der Kunst Willen

Afrikanische Kunst ist multifunktional: Sie dient als Dienerin der Regierung, der Religion und sogar der Wirtschaft. Es dient auch zur Unterhaltung. Westafrikanische Maskeraden Glauben Sie insbesondere an die Verallgemeinerung, dass es in traditionellen afrikanischen Kulturen keine Kunst um der Kunst willen gibt. Auch wenn Performances mit Ritual und Glauben verbunden sind, werden Ästhetik und Theatralik nie außer Acht gelassen. In vielen westafrikanischen Gesellschaften treten Maskeraden während der zweiten Bestattungszeremonien auf, die für alle toten Erwachsenen durchgeführt werden. In den meisten Fällen ist es das Ziel der Aufführung, nicht nur religiöse Ehrfurcht zu erregen oder den Schutz der Ahnen zu suchen, obwohl dies eine Rolle spielt, sondern die Trauernden zu unterhalten und dem Toten und seinem Nachfolger Ruhm zu verleihen. In all diesen Tänzen kommt es auf die Maske an, und aus diesem Grund ist die Persönlichkeit der Tänzer der der Maske völlig untergeordnet. Für das Mitglied der Maskeraden sollten die Masken so spektakulär wie möglich sein und nichts – nicht einmal ein Affe.s Schädel oder eine europäische Puppe – ist für eine Maske nicht akzeptabel, die in der Regel aufwändiger wird, wenn sie die Hände ihres Bildhauers verlässt. Oben sind gefärbte Federn und an jeder Ecke gestreifte Hörner angebracht. Kokarden werden aus den feinen Haaren eines Widderbartes hergestellt, und Bast wird geflochten und in Form eines Bären am Kinn angebracht oder an der Vorder- und Rückseite des Kopfes der Masken befestigt. Hautbedeckung kann unter anderem verwendet werdenwie unter denwie unter den Bangwa und Ekoi , um eher strukturelle als symbolische Effekte zu erzielen. Andere Bangwa-Masken sind mit Perlen verziert, während die meisten von ihnen mit Pflanzenfarben oder modernen polychromen Farben hell gefärbt sind.

Eine Betrachtung der Dekoration der Ibo- Mbari- Häuser wird zeigen, dass eine Kunstform nicht einfach als "primär religiös" oder sogar "primär ästhetisch" eingestuft werden kann. Zu Ehren der Göttin Ala werden zu Beginn des Yamswurzelzyklus kunstvolle Stuckverzierungen angefertigt. In einer Zeit der Abgeschiedenheit schaffen speziell ausgewählte Personen eine Fülle von Skulpturen und Reliefs, die dann der Öffentlichkeit präsentiert werden. In dieser Zeit singen sie Lieder zu Ehren der Erdgöttin und Nebengötter. Die Mbari- Objekte sind vielfältig und können Götter, Menschen, Jagdszenen, kopulierende Frauen und Männer sowie gebärende Frauen darstellen. Die Hauptfigur ist Ala die zuletzt gemalt und geformt wird, manchmal mit ihren beiden kindern. Mit ihr verbunden sind phallische Figuren, die für die Anrufung der Fruchtbarkeit von Menschen und Bauernhöfen konstruiert wurden. Mbari ist nicht nur religiöse Kunst, sondern auch eine Quelle des Vergnügens. Viele der Figuren sind komisch; manche sind obszön. Unnatürliche Praktiken werden mit Freude illustriert; Frauen zeigen unverschämt ihre privaten Teile. Grobe Unanständigkeiten werden mit der Begründung erklärt, dass ein Mbari jede Phase der menschlichen Existenz offenbaren sollte, da es sich um eine Konzentration des gesamten menschlichen Lebens einschließlich seiner Tabus handelt. Die Ibo-Kunst ist , wie alle afrikanischen Kunstwerke, wunderbar vielseitig. In der Mbari steht Christus am Kreuz neben Ala die Erdgöttin. Die Tradition wird durch die individuelle Inspiration des Künstlers und die Verwendung äußerer Einflüsse erneuert. Tiefes moralisches Ziel und pure Unterhaltung verbinden sich, um Mbari zu einer dynamischen und unmittelbaren Kunstform zu machen.