Valentin Aleksandrovich Serov (1865–1911) Automatische übersetzen

Der wunderbare russische Künstler Valentin Serov hatte das Glück, in einer wohlhabenden und begabten Familie geboren zu werden. Die Eltern des Malers waren talentierte und vielseitige Menschen. Alexander Nikolaevich Serov, der Vater des zukünftigen Künstlers, war Komponist, Autor der Opern Enemy Force, Judith und Rogneda. Er galt als bester Musikkritiker seiner Zeit und war auch ein großartiger Originalkünstler. In seiner Jugend würde er sich mit Malerei beschäftigen, aber dann interessierte er sich für Musik und gab sich dieser vollkommen hin.

Bilder von Valentin Alexandrovich Serov

Talentierte Familie

Von seinem Vater erbte Valentine sein außergewöhnliches Talent, die Fähigkeit, Form und Farbe unglaublich genau wahrzunehmen, sowie seine große Liebe zu Tieren, die Serov Sr. am häufigsten auf seinen Leinwänden darstellte. Alexander Nikolajewitsch war erst mit vierundvierzig Jahren verheiratet, er war bereits ein versierter Komponist und ein reifer Mann. Seine Wahl fiel auf die junge talentierte Pianistin Valentina Semenovna Bergman, eine ehemalige Schülerin des Musikers.

Der einzige Sohn der Serovs wurde am 7. Januar 1865 geboren. Von Kindesbeinen an war Valentin von kreativen und außergewöhnlichen Persönlichkeiten unterschiedlicher sozialer Herkunft umgeben, die sich regelmäßig im Haus des Komponisten und seiner jungen Frau versammelten. Darunter befanden sich alle talentierten Leute dieser Zeit, Musiker, Wissenschaftler, Schriftsteller, Künstler und Schauspieler. Unter den engen Freunden von Alexander Nikolajewitsch, der sein Haus oft besuchte, befanden sich der Bildhauer Mark Antokolski, der Schriftsteller Iwan Turgenew, mit dem Serow am nächsten war, und der Künstler Nikolai Ge, der als erster den kleinen Valentin einflößte, der sein Leben lang bei ihm blieb, die Liebe für Pferde.

Die Familie Serov hielt oft literarische Lesungen und Konzerte als Zuschauer ab, zu denen die Magd oft eingeladen wurde. Solche Bildungsabende waren nicht ihre persönliche Erfindung, sondern eine Hommage an die damalige Mode.

Der kleine Valentin begleitete seine Eltern oft zur Oper. Und 1869 brachten sie ihren Sohn zum ersten Mal ins Ausland. Nach dieser Reise erinnerte sich Serov, der jüngste, ein Leben lang an seinen Besuch im Haus des großen Richard Wagner. Der unauslöschliche Eindruck auf den Jungen wurde jedoch nicht vom berühmten Komponisten selbst gemacht, sondern von einem Käfig mit ausgefallenen Fasanen und seinen Riesiger Hund. Mit solch einem äußerlich interessanten Leben wurde Valentin von Kindheit an nicht von der Aufmerksamkeit der Eltern verdorben, die jeweils in ihrer eigenen Arbeit lebten.

1871, als der zukünftige Künstler erst sechs Jahre alt war, verstarb sein Vater. Die Zeit heiterer Empfänge im Wohnzimmer und literarischer Lesungen ist für immer vorbei. Jetzt lebten sie mit ihrer Mutter in München (von 1872 bis 1873). Diese zwei Jahre waren eine sehr fruchtbare Zeit für den kleinen Zeichner. In einem Hotel lernte Serov den bereits bekannten Maler Kegshing kennen, der sich für einen talentierten Jungen interessierte. Kegshing begann nicht nur, das Kind zum Studium mitzunehmen, um ihm mit professionellen Ratschlägen zu helfen, sondern beeinflusste auch Valentina Semenovna und empfahl ihr, das junge Talent auf jede erdenkliche Weise zu entwickeln und zu fördern.

In dem Glauben, dass die Fähigkeiten des Sohnes sein Schicksal werden können, begann Serovs Mutter, sie bewusst zu fördern und zu entwickeln. 1874 zog der neunjährige Valentine mit seiner Mutter nach Paris, wo sich Ilya Repin in dieser Zeit befand. Die Entscheidung von Valentina Semenovna, sich mit der Bitte, ihren Sohn zu erziehen, an Repin zu wenden, war die erfolgreichste Entscheidung im Leben eines zukünftigen Malers.

Es war Ilya Repin, der als einziger Meister die Fähigkeiten des jungen Serov voll entfalten und offenbaren konnte. So begann der Junge den ersten regelmäßigen und ernsthaften Zeichenunterricht. Zu dieser Zeit arbeitete Repin in Paris an den Gemälden "Cafe" und "Sadko". Er fertigte viele Skizzen aus der Natur an und vergaß nicht, dem Studenten ständig Aufträge zu erteilen. Der junge Valentin Serov erhielt zu dieser gnädigen Zeit viele wertvolle Ratschläge, Tipps und Erläuterungen, an die er sich später sein ganzes Leben lang erinnerte. Repin erlaubte ihm, seine Arbeit zu kopieren, manchmal bat er darum, bestimmte Objekte aus dem Gedächtnis zu schreiben, aber er schenkte der Zeichnung aus der Natur die größte Aufmerksamkeit.

Der aufstrebende Künstler hat sich ganz seinem Hobby hingegeben und seine ganze Freizeit damit verbracht. Tagsüber malte er und abends fertigte er endlos Skizzen und Zeichnungen an. Dank der ernsten Haltung seiner Mutter blieben viele der studentischen Arbeiten von Serov perfekt erhalten. In seinen frühen Alben waren die meisten Gemälde und Skizzen Pferden gewidmet. Natürlich malte Serov auch andere Tiere, aber es waren die Pferde, die seine Liebe zum Leben wurden.

Dies war ohne Zweifel eine fruchtbare Zeit in der Ausbildung des großen russischen Malers. Bei allem scheinbaren Wohlstand war das Leben eines neunjährigen Jungen in Paris einsam und langweilig. Seine Mutter, die nur in ihre Arbeit vertieft war, war tagsüber ständig abwesend und besuchte abends die Oper. Valentine war lange Zeit allein und auf sich allein gestellt. Dieser erzwungene Rückzug prägte Serovs Charakter und gab ihm die Verdrießlichkeit und Isolation, die der Künstler während seines ganzen Lebens bewahrt hatte.

Der Einfluss von Savva the Magnificent

Wie viele talentierte Moskauer war Valentin Serovs Mutter mit Savva Mamontov vertraut, was für den zukünftigen Künstler ein großer Erfolg war. Dieser Philanthrop und Industrielle stand im Zentrum des geistigen und intellektuellen Lebens in Moskau in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Mamontov nahm die ganze Farbe der russischen künstlerischen Intelligenz in sich auf und bot den Gästen seines Anwesens in Abramtsevo die einmalige Gelegenheit, sich inspirieren zu lassen, frei zu sein und nicht von irgendwelchen finanziellen Problemen und kreativen Problemen belastet zu werden. Über zwanzig Jahre lang war das Mamontov-Anwesen in der Nähe von Moskau ein wichtiges Zentrum der russischen Kultur, in dem Künstler manchmal den ganzen Sommer über miteinander kommunizierten, Erfahrungen austauschten und Arbeit mit Freizeit kombinierten.

Valentin Serov lebte oft mit seiner Mutter in "Abramtsevo" und war von Kindheit an direkt an fast allen Bereichen der Kreativität beteiligt, die von diesem kreativen Umfeld von Enthusiasten und gleichgesinnten Menschen der neuen Kunst entwickelt wurden. Hier entwickelte sich sein helles und vielseitiges Talent. Der von Savva Mamontov unterstützte Club Abramtsevo eröffnete gleichzeitig zwei Kunstwerkstätten: Keramik- und Tischlerschneiden, in denen das alte Handwerk wiederbelebt wurde. Großes Augenmerk wurde auch auf das Theater gelegt. Serov nahm mit Vergnügen an den Hausvorstellungen von Mamontov teil, er spielte brillant komödiantische Tierrollen und hatte einen durchschlagenden Erfolg. Es ist nicht verwunderlich, dass Valentine seine ersten und inspirierendsten Werke, die ihm Berühmtheit verliehen haben, wie zum Beispiel The Girl with Peaches, in diesem wunderbaren Nachlass schuf.

Der wohltuende Einfluss des Abramtsevo-Kreises trat jedoch viel später auf und wurde zunächst von einem jungen Talent aus dem Nachlass von Mamontov ausgeübt, was seinem Talent jedoch keinen Nutzen brachte. Laut dem Biographen des Künstlers Igor Grabar gab der Junge im Sommer 1875, als Valentina Semyonovna ihren Sohn zum ersten Mal auf das Landgut brachte, den Zeichenunterricht und alle seine Alben auf, um sich vom Spaß und dem unbeschwerten Leben der Mammutkinder mitreißen zu lassen. Was seine künstlerischen Fähigkeiten nicht unberührt ließ. Die wenigen Zeichnungen der damaligen Zeit in seinen Kinderalben bestätigen nur, dass angeborene Fähigkeiten ohne Übung nicht viel bedeuten, denn das ursprüngliche Talent des Malers und seine Zeichenfähigkeiten gehen schnell verloren, ohne ständig daran zu arbeiten, sie zu entwickeln und zu erhalten. Sie sagen nicht umsonst, dass wahres Genie 10 Prozent Talent und 90 Prozent harte Arbeit sind.

So kam es, dass der junge Künstler mit Serov ohne ständiges Training in der Verbesserung der Strichgenauigkeit und der Anzeige von Farbe und Form viel schlechter zu zeichnen begann. Deshalb brachte ihn seine Mutter im Herbst nach St. Petersburg, wo der alte Freund der Familie, der Künstler Nikolai Ge, begann, sich um Valentins Talent zu kümmern, ihn zu kultivieren und sich zu perfektionieren. Dank der Sorgfalt von Ge wurde bald klar, dass Serov in eine neue Entwicklungsrunde eintrat.

Dann zogen Valentine und seine Mutter wieder um. Diesmal in Kiew, wo sie ungefähr drei Jahre verbrachten, was das glücklichste im Leben von Mutter und Sohn wurde. In Kiew trat der Junge in die Zeichenschule ein, nachdem er in die Klasse von Nikolai Murashko eingetreten war, Repins altem Freund an der Akademie der Künste.

Top-Pädagogen

Valentina Semenovna beschloss, die Entwicklung ihres Sohnes nicht auf eine reine Kunstausbildung zu beschränken, sondern kehrte erneut nach Moskau zurück und arrangierte ihr Kind in einem Moskauer Gymnasium. Hier wandte sich die Mutter des Künstlers erneut an Repin und bat ihn, den Unterricht wieder aufzunehmen. Die Familie des Malers empfing Serov mit offenen Armen, und sein Unterricht wurde auf noch höherem Niveau fortgesetzt.

Repin selbst bemerkte, dass Valentin trotz der ständigen Unterbrechung des Unterrichts hervorragende Fortschritte machte und dass die sehr erfolgreiche Arbeit dem Jungen selbst den Glauben einflößte, dass er es wieder schaffte, alles darzustellen, was er geplant hatte. Valentine glaubte an sich selbst und gab sein Studium am Gymnasium fast vollständig auf, wobei er sich leidenschaftlich seiner Lieblingsbeschäftigung hingab. Am Ende wandte sich der Direktor des Gymnasiums an die Mutter des jungen Künstlers mit dem Vorschlag, das Kind in eine spezielle Einrichtung zu überführen, wo sein Malgeschenk voll entfaltet werden könnte. Also zog der Junge endlich nach Repin. Jetzt hat sein Studium des Zeichnens und Malens nichts mehr aufgehört.

Igor Grabar schrieb in seinen Memoiren: „Auch Repin betrachtet ihn bereits als Künstler, nicht als Teenager, und posiert sogar für ihn als Porträt, während er selbst Serow zeichnet. Der 14-jährige Serov sieht düster mürrisch aus - eine erkennbare reine "Serov" -Wolf-Gewohnheit, die er bis in die letzten Tage beibehalten hat. Und hinter dieser düsteren Erscheinung lauert ein gütiges Herz und die zärtlichste und reinste Seele. Repin malt ein Porträt von Serov, und Serov malt das genaueste Porträt von Repin, das jemals gemacht wurde. Es hat die ganze Repin-Essenz: sein Aussehen, sein Charme, sein Lächeln, sogar seine ewige Verlegenheit - mit einem Wort, absolut alles, was wir alle so gut wussten und das er bis zu 70 Jahre hielt. "

Als Serow 1880 in die Akademie der Künste eintrat, landete er im Atelier des berühmten Professors Pavel Chistyakov, der sich durch einen extrem harten Unterrichtsstil auszeichnete, der jeden ungenauen Schlag seiner Schüler kritisierte und lächerlich machte. Diese Methoden des Professors halfen dem Künstler, eine nachdenkliche und gelassene Art der Naturdarstellung zu entwickeln. Wie sein Lehrer konnte Valentin Serov keine Eile und Annäherung beim Zeichnen und Malen tolerieren.

Der Maler beantwortete Fragen zu seiner sorgfältigen Schreibweise und sagte: „Ansonsten weiß ich nicht, wie ich schreiben soll, es ist meine Schuld, ich weiß nicht, wie sehr ich es liebe.“ Tatsächlich wäre es nicht fair zu sagen dass Serov nicht über superschnelle Bildgebungstechniken verfügte. Der talentierte Künstler verlangte für seine Porträts mindestens vierzig Posing-Sitzungen (und es kam vor, dass diese Zahl hundert erreichte) und fertigte sofortige Skizzen perfekt an und beherrschte die Kunst der Hochgeschwindigkeits-Bleistiftskizzen perfekt.

Valentin Alexandrowitsch konnte mit seiner inhärenten Geschicklichkeit nicht nur die erkennbare Form von Figur und Kopf erfassen, sondern auch alle charakteristischen Merkmale seines Aussehens mit einer klaren und präzisen Berührung bis hin zu einem sofort eingefangenen Ausdruck auf seinem Gesicht vermitteln. Diese kurzen schnellen Skizzen sind stärker als andere Arbeiten, Sie können die erstaunliche Fähigkeit des Künstlers beurteilen.

Serow fuhr mit der Hand über die blitzschnellen Skizzen von Paraden und Militärmanövern, zeichnete Offiziere und Soldaten und strebte überhaupt keine Porträtähnlichkeit an, sondern fertigte selbst gegen seinen Willen echte Porträts an. Das genaue Auge und die unverwechselbare Hand des Meisters wussten nicht wie anders. Der Maler konnte es sich leisten, komplexe Kompositionen ohne vorläufige Bleistiftskizze sofort mit einem Aquarellpinsel zu schreiben. Kohle, Pinsel und Bleistift gehorchten ihm implizit. Deshalb malte er Kinder, die nie so sicher für ihn posierten, wie er Erwachsene monatelang darstellte, und erschöpfte sie mit langen Posing-Sessions.

Nur fünf Jahre nach seiner Zulassung verlässt Serov die Akademie und fühlt sich als fertiger Meister. Sein ganzes zukünftiges Leben lang findet seine ständige kreative Selbstverbesserung nach einem freien Zeitplan in ständiger Arbeit statt.

1885 malte Serow das Gemälde „Ochsen“ (Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau), ein Jahr später das Gemälde „Herbstabend in Domotkanowo“ (Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau) und „Winter in Abramtsevo“. Kirche “(Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau). Die Entstehung des Malstils von Valentin Serov erfolgte unter dem Einfluss zweier ehrwürdiger Maler - Repin und Chistyakov und ihrer Kunstschulen.

Trotzdem hatte der Künstler bereits mit zwanzig Jahren mit keinem der Lehrer etwas gemein mit dem Stil und der Technik des Schreibens, denn er entwickelte eine eigene, einzigartige Art der Darbietung, die nicht mit irgendeiner der bekannten Techniken der Kunst zu verwechseln ist Kunstgeschichte. Dies trotz der Tatsache, dass Serovs Gemälde in der Ausführung sehr unterschiedlich sind.

Der Maler hörte nie bei jemandem auf, der erfolgreich gefunden wurde, und arbeitete einmal einen Weg aus, um das Problem zu lösen, wie es bei anderen Malern häufig der Fall ist. Ständig suchte er nach neuen Ansätzen und suchte für jede Handlung die am besten geeignete Form und Technik des künstlerischen Ausdrucks aus. Während der gesamten Zeit seiner Arbeit. Serov suchte ständig nach noch genaueren Wegen, um seine Haltung zum Objekt auszudrücken, ohne sich mit den bereits verwendeten zufrieden zu geben.

Innovator der russischen bildenden Kunst

Serow wird oft als erster russischer Impressionist bezeichnet, der seine Arbeiten mit Gemälden von Renoir vergleicht. Obwohl einige Kunsthistoriker glauben, dass der russische Künstler in der Lebendigkeit der Farben, der Eleganz der Lichtübertragung und der Noblesse der Töne seinem Vorgänger sogar voraus war.

Wenn Renoir in seiner Arbeit oft neblige, vage Übergänge verwendete, die eine gewisse Untertreibung hervorriefen, dann bewies Serov im Gegenteil mit allen ihm zur Verfügung stehenden Mitteln Transparenz und Tiefe des Hintergrunds und einen strahlenden Triumph des Lebens darauf. In den Werken des Künstlers sieht man oft einen bizarren Wechsel von Licht und Schatten, einen unnachahmlichen Überlauf von Lichttönen und ein Spiel mit Highlights.

Sogar in seinen dunklen klassischen Porträts konnte Serov einen leichten Akzent so einbringen, dass er die Persönlichkeit der abgebildeten Person betonte und betonte. Valentin Aleksandrovich hat selbst kleine Details und Objekte mit großer Zuverlässigkeit vorgeschrieben, was seinen Ruhm als sehr akribischer Künstler festigt, der Wert auf jedes Element legt.

Es ist bemerkenswert, dass der Künstler seine Gemälde in den besten Traditionen des Impressionismus malte, lange bevor er die Bilder von Vertretern dieser Richtung, die in Frankreich geboren wurden und erst zwei Jahrzehnte später durch Europa nach Russland reisten, selbst sehen konnte.

Ein so einfühlsames Genie wie Serov, das sich mit all seinen innovativen Ideen beschäftigte, begann plötzlich auf eine völlig neue und ungewöhnliche Art und Weise für unsere Malschule zu arbeiten, die wir den neuen Realismus nannten. Wir können den Eindruck erwecken, dass die erste öffentliche Ausstellung der Werke des jungen Valentin Serov laut der in der Monografie von Igor Grabar gemachten Aufnahme sein kann, der schrieb: „Die Antithese„ Wahrheit des Lebens und Wahrheit der Kunst “ symbolisiert in folgenden Namen: Manet und Courbet in Frankreich, Aable und Menzel in Deutschland, Serov und Repin in Russland. Ich erinnere mich an das erste Mal, als ich die volle Bedeutung dieser Antithese spürte. Es war im Jahr 1888. Für uns waren die damaligen Teenager, die Eröffnungstage der beiden einzigen Moskauer Ausstellungen dieser Zeit, der Periodic und der Mobile, ein echter Feiertag, die glücklichsten Tage des Jahres… Die Ausstellung war äußerst bedeutsam. Jetzt ist klar, dass dies weder früher noch später geschah… sie sollte eine große Rolle in der Geschichte unseres neuesten Gemäldes spielen… Das bedeutendste von allen waren… zwei Leinwände, die Serov bis dahin unbekannt waren, zwei solcher Perlen, dass, wenn es notwendig wäre, nur fünf der perfektesten Gemälde aller neuesten russischen Gemälde zu nennen, beide unweigerlich in diese Liste aufgenommen werden müssten… ".

Die Monographie handelt von zwei Porträts, die den 22-jährigen Maler sofort auf eine unerreichbare Höhe hoben. Diese Arbeit ist "Ein Mädchen mit Pfirsichen" (1887, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau) und "Ein Mädchen, das von der Sonne beleuchtet wird" (1888, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau). Die erste Leinwand machte in der Zeit des düsteren Realismus und des offensichtlichen Vorherrschens von dunklen und matten Farben in der Malerei eine echte Sensation. Vor diesem Hintergrund war die emotionale Wirkung von Serovs strahlendem Gemälde, gefüllt mit Sonnenlicht, dessen Strahlen den Raum durchdringen, mit einem sanften Übergang aller Arten von Schattierungen, der bezaubernden Wärme von Pastellfarben, alles zusammen kein neues Wort, aber ein frischer Windhauch von Veränderungen in der russischen Kunst.

Der Maler selbst beschrieb die Arbeit an dem Gemälde wie folgt: „Alles, was ich erreicht habe, war Frische, diese besondere Frische, die man immer in der Art empfindet und auf den Gemälden nicht zu sehen ist. Ich schrieb mehr als einen Monat und quälte sie, die Arme, zu Tode. Ich wollte wirklich die Frische des Gemäldes bewahren, als es vollständig fertig war, wie alte Meister… ".

Die Leinwand zeigt ein bestimmtes Kind - Verusha Mamontova, aber das Werk selbst war so viel kompakter als ein Porträt einer bestimmten Person, dass sein allgemeiner Name - "Mädchen mit Pfirsichen" berühmt wurde. Die Arbeit ist wie aus Sonnenlicht und Freude gewebt, erfüllt den Raum bis zum Rand und hüllt alle Gegenstände mit einem funkelnden Heiligenschein ein. Lichtstrahlen gleiten an den Wänden entlang, fallen auf eine weiße Tischdecke, spielen auf den Schultern und Ärmeln des rosa Kleides des Mädchens, dringen durch den dünnen Stoff, warmes "Häschen" liegt auf der dunklen Haut der Wangen. Es scheint, als ob die Luft des Raumes läutet und durchsichtig ist, gefüllt mit dem zarten Geruch von Pfirsichen und funkelnden Goldfunken.

Das Gemälde ist mit Farben gemalt, die so hell sind, dass sie die Realität auf einzigartige Weise wiedergeben, dass die Harmonie der wahren Vitalität die unbestreitbare Schönheit dieser Arbeit überlagert und buchstäblich in jedem abgebildeten Motiv atmet. Verushas dunkle Augen leuchten mit kindlicher Spontanität, hinter der auch ihre Unruhe vermutet wird, das Kind hält kaum ein Lächeln zurück, sie ist schon ungeduldig, den gewählten Pfirsich zu beißen, den sie mit einer erstaunlich bemalten gebräunten Hand hält. Der gesamte Look des Mädchens, von einer zerzausten Haarsträhne bis zu einem kleinen Lachen in den Augen, ist voller unermüdlicher Energie und verleiht ihr eine lebhafte Neugier. Das zwölfjährige Mädchen auf dem Bild lebt auch nach mehr als hundert Jahren sorglos weiter.

Sogar die Pfirsiche auf dem Bild sind Teilnehmer an der Aktion. Sie werden buchstabiert mit buchstäblich auffallender Vorstellungskraft. Ihre Samtschale ist fast körperlich fühlbar. Die Rückenlehnen der Stühle und die polierte Tischplatte sind ebenfalls wunderschön umrissen. In unverständlicher Weise gelingt es Serov, die Textur der Dinge von brillantem Polieren bis hin zu magischem Samt zu vermitteln, der das Licht sanft absorbiert und harmonisch mit der gleichen Samthaut eines Kindes harmoniert. Die Moskauer Gesellschaft der Kunstliebhaber zeichnete den jungen Valentin Serov für diese Arbeit aus.

Ein weiteres Werk - „Das von der Sonne erleuchtete Mädchen“ (Porträt von Serows Cousin M. Ya. Simonovich) - ist eine weitere Solarleinwand, bei der der Künstler der Übertragung des fesselnden Spieles von Licht und Schatten besondere Aufmerksamkeit schenkte. Ein Mädchen, das unter einem Baum sitzt, ist in ein Muster aus Spitzenlaub gehüllt, das vom Sonnenschein eines ruhigen Sommernachmittags durchbohrt wird. Ihr Gesicht ist ruhig, ihre gesamte Körperhaltung ist weiblich und entspannt, als ob sie sich im Reich der Ruhe und des Friedens befindet. Durchbrochene Sonneneinstrahlung durchflutet die Bluse und die Haut der Heldin. Sie sind in fast mosaikartigen Strichen geschrieben und bilden einen Kontrast zu dem unerwartet weichen blau-violetten Samtrock. Auch hier konnte der Maler den samtigen Stoffüberlauf mit mehreren langen Strichen unglaublich genau wiedergeben. Das Werk zeichnet ein völlig anderes Lebenstempo nach als das ein Jahr zuvor geschriebene „Mädchen mit Pfirsichen“. Diese beiden Werke scheinen sich zu überlappen, als ob sie bildliche Allegorien darstellen: Kindheit und Jugend, sorglose Verspieltheit und träumerische Kontemplation. Viel später, im November 1911, kurz vor seinem Tod, betrachtete Serov zusammen mit Igor Grabar diese Leinwand in der Tretjakow-Galerie. „Er stand lange vor ihr“, erinnert sich Grabar, „und sah sie aufmerksam und ohne ein Wort zu sagen an. Dann winkte er mit der Hand und sagte nicht so sehr zu mir, sondern zum Weltraum: "Ich habe dieses Ding geschrieben, und dann ist mein ganzes Leben lang, egal wie aufgeblasen, nichts herausgekommen, dann war alles erschöpft." - Grabar erinnert sich, - sie aufmerksam und ohne ein Wort zu sagen ansehen. Dann winkte er mit der Hand und sagte nicht so sehr zu mir, sondern zum Weltraum: "Ich habe dieses Ding geschrieben, und dann ist mein ganzes Leben lang, egal wie aufgeblasen, nichts herausgekommen, dann war alles erschöpft." - Grabar erinnert sich, - sie aufmerksam und ohne ein Wort zu sagen ansehen. Dann winkte er mit der Hand und sagte nicht so sehr zu mir wie zu mir: "Ich habe dieses Ding geschrieben, und dann ist mein ganzes Leben lang, egal wie aufgeblasen, nichts herausgekommen, dann war alles erschöpft."

Natürlich war der Maler zu selbstkritisch. Alle seine nachfolgenden Arbeiten bestätigten nur sein bemerkenswertes Talent, das ständig nach neuen Ausdrucksformen suchte und es seinem Besitzer ermöglichte, uns die Realität durch neue Formen seiner einzigartigen Wahrnehmung zu zeigen.

Persönliches und öffentliches Leben des Meisters

In einem Brief aus Venedig an die Braut Olga Trubnikova schreibt Serov 1887 über seine Faszination für „Meister der Renaissance des 16. Jahrhunderts“: „Es war leicht für sie, sorglos zu leben. Ich möchte so sein - sorglos; In diesem Jahrhundert schreiben sie alles Schwierige, nichts Ermutigendes. Ich will, ich will etwas Gutes und ich werde nur etwas Gutes schreiben. Zwei Jahre später, im Januar 1889, heirateten Olga Trubnikova und Valentin Serov in St. Petersburg. Nach 10 Jahren porträtierte die Künstlerin 1999 ihre Söhne Yuri und Sasha im Gemälde "Kinder" (Russisches Museum, St. Petersburg).

Serov war ein talentierter Porträtmaler. Seine ersten Modelle waren ihm vertraut und ihm nah: Schriftsteller, Künstler, Künstler. Er malte oft Porträts seiner Freunde: Rimsky-Korsakov, Korovin, Repin, Levitan und Leskov.

Für jedes neue Werk wählte der Künstler einen besonderen Stil, der die Individualität seiner Figuren betont. Bei der Erstellung des Gemäldes „Porträt von Konstantin Korovin“ (1891, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau) stellte der Meister seinen Freund vollständig „Korovin“ dar, wobei er große Freihandstriche und die Farben verwendete, die Korovin eigen sind, und bereicherte so das Bild des Künstlers persönliche Eigenschaften. Heimtextilien, eine freie Pose und die Umgebung vermitteln sehr genau das Temperament und Aussehen von Konstantin.

Ganz anders wurde das Porträt des II. Levitan (1893, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau) ausgeführt. Für ihn findet Serov andere grafische Mittel, eine andere, zurückhaltendere Farbe. Die aristokratisch hohe Stirn und die anmutige Hand heben sich mit zwei Lichtpunkten von der Leinwand ab, alles andere zieht sich in das ruhige bräunliche Zwielicht zurück. Es gibt kein einziges Objekt auf dem Bild, was zumindest auf die Art der Tätigkeit der dargestellten Person hindeutet, obwohl Levitan in seiner Werkstatt posierte. Für Serov war es viel wichtiger, den Charakter seines Freundes, seine Romantik, Melancholie, ständige Traurigkeit, Nachdenklichkeit und Poesie zu vermitteln.

Valentin Serov führte ein aktives öffentliches Leben. Seit 1894 nahm er an der Vereinigung der Wanderausstellungen teil. Drei Jahre später, 1897, begann er an der Moskauer Schule für Malerei, Skulptur und Architektur zu unterrichten. Zu seinen Schülern gehörten Künstler wie Pavel Kuznetsov, Nikolai Ulyanov, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan und Kuzma Petrov-Vodkin.

Die Interessen des Künstlers beschränkten sich nicht nur auf Tiere und Porträts von Freunden, wie Serov selbst sagte: "Ich bin immer noch ein kleiner Landschaftsmaler." Die Landschaften sind überraschend lakonisch und unprätentiös, was sie nicht daran hindert, die Stimmung der umgebenden Natur auf unglaublich subtile Weise zu vermitteln. Darüber hinaus hatte der Künstler ein perfekt entwickeltes Gespür für die Auswahl erstaunlicher Ecken für seine Landschaften.

Der Maler beschäftigte sich hauptsächlich mit dem Bild des russischen Dorfes. Am meisten gefiel ihm der Mittelstreifen Russlands, den er in den Gemälden „Frau in einem Karren“ (1896, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg), „Oktober“ (1895, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau) wunderschön und subtil darstellte., "Winter" (1898, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg), "Gurgeln" (1891, Verbleib unbekannt), "Frau mit einem Pferd" (1898, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau) und "Striguni an einer Wasserstelle" (1904, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau).

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts, nämlich von 1900 bis 1904, war der Künstler Mitglied des Vereins „World of Art“. Während dieser Zeit ließ sich Serow von dem Bild des Zarenreformers Peter I. mitreißen, dem er mehrere seiner wunderschönen Leinwände widmete. Zu dieser Zeit beginnt sich der Maler intensiv für die politischen Prozesse in seiner Heimat zu interessieren. Vielleicht hat genau dies das Interesse an der Figur des Petrus geweckt, der wie Serow selbst in der Ära des Wandels lebte.

Sehr aufschlussreich ist die Arbeit des Künstlers „Peter I. auf der Hundejagd“ (1903, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg). Gemäß der Handlung des Bildes beschließt der junge König, den Adligen, die sich ihrer Erfolge bei der Hundejagd rühmen, eine Lektion zu erteilen. Peter beschließt, dem Stolzen zu beweisen, dass ihr Glück ganz vom Können der Leibeigenen abhängt. Der König arrangiert eine Jagd, bei der es keinen einzigen Zwinger gibt, und zwingt die Bojaren, sich selbst mit dem Rudel zu befassen. Natürlich gibt es ein komplettes Chaos, nur zum Spaß von Peter. Viele ehrwürdige Jäger fallen von ihren Pferden, weil sie Hunde nicht kontrollieren können. In dieser Arbeit gelang es Serow ungewöhnlich zuverlässig, den Geschmack des russischen Winters und die Stimmung aller Teilnehmer in der Szene zu vermitteln.

Ein weiteres Gemälde des Künstlers, das 1907 etwas später geschrieben wurde, „Peter I“ (Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau), ist dem großen russischen Reformer gewidmet. Hier sehen wir gleichzeitig eine sehr pathetische und sehr dynamische Szene, die vom Geist der schnellen Transformationen dieser heroischen Ära erfüllt ist. Peter I. schreitet schnell dem Wind entgegen und bläst praktisch sein Gefolge. Das Bild soll die Größe, Stärke und Entschlossenheit des Souveräns betonen.

Serow war ein Akademiker, der 1903 zum ordentlichen Mitglied der Akademie der Künste gewählt wurde. Aber das dauerte nicht lange. Zwei Jahre später wird der Künstler aus Protest gegen die Massenexekution am 9. Januar 1905 den Ehrenstatus aufgeben.

Der Maler war auch an der Organisation der satirischen Publikation „Zhupel“ beteiligt und zeichnete für ihn Karikaturen mit politischer Ausrichtung. Außerdem schuf Veerov etwa fünfzehn Jahre lang Tierillustrationen für Krylovs Fabeln. Es waren diese Zeichnungen, die zum Lieblingsgehirnbild des Künstlers wurden; er wiederholte sie viele Male und suchte dabei mit besonderer Sorgfalt nach den notwendigen Eigenschaften und Emotionen. Bereits in seinen reifen Jahren schuf Serov eine Reihe von Meisterwerken des Neoklassizismus und der russischen Moderne in Malerei und Grafik, was seine Vielseitigkeit und die ständige Suche nach Stil und Art der Malerei erneut unter Beweis stellt.

1907 besuchte der Meister Griechenland, was ihn mit seinen Skulpturen und Denkmälern unauslöschlich beeindruckte. Serow schuf mehrere dekorative Tafelbilder, die dem antiken Thema gewidmet waren: "Odysseus und Navzikaya" (in mehreren Versionen) und die poetische Legende über "Die Entführung Europas" (beide Werke von 1910, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau). Der Bulle Zeus, der auf dem letzten Bild abgebildet ist, ist überraschend lebhaft und sieht völlig bedeutungsvoll aus, während das Gesicht des Mädchens im Gegenteil wie eine antike Maske wirkt, allegorisch eingefroren und emotionslos.

Wie viele Künstler seiner Zeit arbeitete Serov mit Theatern zusammen. Der Vorhang zum 1911 entstandenen Ballett "Scheherazade", einem wahren Meisterwerk der bildenden Kunst, war in London und Paris ein voller Erfolg.

Der beste Porträtmaler Russlands

Der Ruhm eines talentierten Porträtmalers wurde für Serov zu einer echten Bindung und einem Fluch. Nach 1895 strömten unaufhörlich Porträts bürgerlicher und aristokratischer Adliger auf den Künstler. Trotz der enormen Fleißigkeit träumte der Maler davon, überhaupt keine weltlichen Menschen, sondern Tiere zu zeichnen, weshalb er mit großer Begeisterung daran arbeitete, Illustrationen für Fabeln zu schaffen. Aber mit der Entwicklung der Fähigkeiten des Künstlers wuchs sein Ruhm als bester Porträtmaler Russlands stetig.

Das Porträt von SM Botkin (1899, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg) spricht von Serovs ausgeprägtem Talent als Künstlerpsychologe. Der Maler konnte nicht widerstehen, in weltlichen Porträts ein wenig Ironie zu stiften. Die elegante Sofya Botkina in einem luxuriösen, goldenen Kleid mit künstlichen Blumen befindet sich auf einem Sofa, das mit einem reich gewebten Blumenornament aus blauer Seide bezogen ist. Der Künstler ärgerte sich über diesen phantasievollen Luxus des Interieurs, den übermäßigen Goldreichtum und die Dame selbst, die er die „gelangweilte Geliebte“ nannte. Das mit subtiler Ironie gefüllte Werk wurde unmittelbar nach der Veröffentlichung die „Dame auf der Couch in der Wüste“ genannt.

In der Tat hat der Künstler den Hintergrund des Bildes so unscharf gemacht, dass er sich weit tiefer auszudehnen scheint, als ob er über den Horizont hinausginge. Aber das ist nicht das Interessanteste an dem Porträt. Gegen alle Gesetze der Komposition verschob Serow die posierende "Geliebte" von der Mitte nach rechts und pflanzte genau in die Mitte der Leinwand einen winzigen italienischen Windhund, mit dem er geschrieben war fast mehr Sorgfalt und Liebe als ihre elegante und luxuriöse Geliebte. Der Künstler war sich sicher, dass die Anwesenheit von Tieren der angespannten und ausgefeilten Haltung der Menschen Natürlichkeit verleiht.

Das auffälligste Beispiel hierfür ist das "Porträt des Großherzogs Pavel Alexandrovich" (1897, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau). Darauf ist der Prinz selbst in einer unnatürlichen Spannung dargestellt, wie in einer gefrorenen Pose, während sein Pferd - sensibel, lebhaft, mit klugen Augen - der Leinwand Dynamik und Natürlichkeit verleiht. Für dieses feierliche Porträt, das eines der ersten Porträts dieser Art in der Karriere des Künstlers war, erhielt Serov 1900 auf der Weltausstellung in Paris die Goldmedaille des Grand Prix.

Das Bild auf Tierporträts wurde für den Künstler zu einer Art Ausgangsbasis. In „Porträt des Grafen FF Sumarokov-Elston mit einem Hund“ (1903, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg) bestand der Maler selbst auf der Anwesenheit eines jungen Grafen auf der Leinwand seines geliebten Hundes Sieht fast bedeutender aus als sein edler Besitzer. Die gleiche Geschichte mit einem prächtigen weißen Pferd auf dem „Porträt des Prinzen FF Jussupow“ (1903, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg).

Serows Zeitgenossen zufolge ist es sein Pinsel, der das beste Porträt des letzten russischen Zaren besitzt.Das Gemälde „Porträt des Kaisers Nikolaus II.“ (1900, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau) war für den Künstler, der sich aufgrund seiner schöpferischen Ambitionen und seiner geistigen Gesinnung am wenigsten für die Rolle eines Hofmalers eignete, nicht einfach. Der Maler war bereits berühmt, hatte eine Vielzahl von Aufträgen, die er wegen der physischen Unmöglichkeit, alles zu tun, oft ablehnte.

Natürlich wollte Serow kein Porträt des Herrschers der Macht malen, aber er konnte den Kaiser auch nicht selbst ablehnen. Das Porträt hat lange nicht funktioniert. Die Kaiserin ärgerte vor allem die Malerin, die mit ihrem Rat ständig in den Schaffensprozess eingriff. Infolgedessen konnte Serov es nicht ertragen und gab ihr den Pinsel mit der Palette in die Hand, um das Porträt selbst fertigzustellen, da sie so gut malen kann. Niemals arrogant Nikolai, entschuldigte sich beim Künstler für die Taktlosigkeit seiner Frau. Aber das Porträt entzog sich immer noch dem scharfen Blick des Meisters, das von ihm übermittelte Bild des Kaisers brach auseinander. Serow war äußerst unzufrieden mit sich selbst, er konnte das fehlgeschlagene Bild nicht beenden, dies hätte seinem Stolz für Russlands besten Porträtmaler zu sehr geschadet. Schlussendlich,Der Künstler musste dem Souverän eingestehen, dass er nicht weitermachen konnte, da das Porträt keinen Erfolg hatte. Kaiser Nikolaus II., gekleidet in eine schlichte Jacke eines Offiziers des Preobrazhensky-Regiments, setzte sich gefaltet an den Tisch seine Arme vor ihm und sah den Porträtmaler mit aufrichtiger Traurigkeit an. Es war diese Ansicht, die das innere Wesen der Persönlichkeit des Kaisers enthüllte und seine Zartheit und Verletzlichkeit perfekt charakterisierte, die Serov brauchte.Er enthüllte die innere Essenz der Persönlichkeit des Kaisers und charakterisierte perfekt seine Zartheit und Verletzlichkeit, die Serov brauchte.Er enthüllte die innere Essenz der Persönlichkeit des Kaisers und charakterisierte perfekt seine Zartheit und Verletzlichkeit, die Serov brauchte.

Nach vielen Jahren wird Konstantin Korovin so über die Leinwand sprechen: „Serov war der erste der Künstler, der die Weichheit, Intelligenz und gleichzeitig die Schwäche des Kaisers einfing und auf Leinwand einfing…“ In seiner Ausführung Das Porträt ist fast skizzenhaft, aber nachdenklich genau und harmonisch, völlig lyrisch und einfach. Eine überraschende Ähnlichkeit des Kaisers wurde von allen Zeitgenossen festgestellt. Der Künstler konnte mit den leichten Bewegungen des Pinsels, hervorgehoben durch einfache Ausführung und diskrete Farbgebung, die Aufmerksamkeit des Betrachters in den Augen des Souveräns konzentrieren und zeigte nicht den Kaiser, sondern einen einfachen Mann mit seinen Ängsten. Bedenken und Erwartungen. Dank dieser Herangehensweise erwies sich das Porträt als sehr erfolgreich. Leider wurde die ursprüngliche Leinwand im Jahr 1917 zerstört,eine originalkopie ist bei uns eingetroffen.

Oft schrieb der Künstler symbolische Werke. Wie zum Beispiel das Gemälde "Porträt der Schauspielerin MN Ermolova" (1905, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau). Der Architekt Fedor Shekhtel, der das Werk sah, sagte: "Dies ist ein Denkmal für Ermolova!" Tatsächlich ist die Leinwand monumental, und die große Schauspielerin selbst ähnelt einer antiken Skulptur oder sogar einer nach oben gerichteten Säule. Ermolovas Kopf ist vor dem Hintergrund eines Spiegels geschrieben, der die Decke widerspiegelt, was die Illusion des Aufstiegs der Figur der Schauspielerin erzeugt, wie eine Karyatide. Die monochrome und kammerartige Natur des Porträts scheint die Heldin auf einem Podest zu erheben und gleichzeitig den Stempel der Exklusivität und Einsamkeit der kreativen Person zu betonen.

Der Maler porträtierte gerne Künstler in ihren Theaterrollen. Serov schuf das wundervolle „Porträt von Francesco Tamagno“ (1903, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau), in dem der großartige Sänger in einer Theatermütze gefangen gehalten wird und ein symbolischer Goldreflex an seiner Kehle sichtbar ist. Das zweite Beispiel ist das „Porträt von Schaljapin“ (1905, Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau), das dafür berühmt war, dass es im Leben das vertraute Bühnenbild so gut wie nie verlassen hat.

Der Höhepunkt des künstlerischen Könnens war jedoch das Porträt von Ida Rubinstein (1910, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg), das auf dem Bild der Kleopatra abgebildet ist. Nicht umsonst hielt der Choreograf Michail Fokin das Erscheinen der Ballerina für unverzichtbar für die damals angesagten Ballette Scheherazade und Cleopatra in den berühmten Diaghilev-Saisons. Die Idee war die charismatische Raffinesse des Jugendstils, a la Beardsley, und die perfekte Übereinstimmung mit den Geschmäcken dieser Ära. Rubeinstein erschien in Cleopatra, kaum bedeckt von einer fast durchsichtigen Decke, die Lev Bakst eigens für sie erfunden hatte.

Die Künstlerin verband auf brillante Weise Kunst und Leben in diesem Bild und brachte die theatralischen Bilder der Heldin mit ihrer stilvollen, ostexotischen Erscheinung zusammen. Cleopatra und Zobeida verbanden sich für immer in der Silhouette einer Ballerina, der Osten verschmolz mit Ägypten auf der feinen Linie von Fiktion und Realität.

Aber ein lebender Mensch in dieser paradoxen Verschmelzung von "Theater des Lebens" und "Wahrheit der Kunst" ist in seiner Nacktheit schutzlos. Die mythologische „schöne Nacktheit“ einer fiktiven Heldin verwandelt sich plötzlich in das schamlose „Ausziehen“ einer bestimmten realen Person, und dies war genau die durchdringendste Note des Porträts.

Als das Porträt der Öffentlichkeit präsentiert wurde, brach natürlich ein schrecklicher Skandal aus. "Meine arme Ida Rubinstein… arm, nackt…", wird Serov selbst den Skandal beschreiben, als das Porträt trotz der wachsenden Empörungswelle vom Museum Alexander III. Erworben wurde.

Das Bild ist im Jugendstil gehalten. Die klar definierten Konturen eines fragilen Körpers lassen die Figur auf einem völlig flachen Hintergrund geprägt erscheinen. Ein hellgrüner Schal, der fast zu einem Bündel verdreht ist, strömt an den anmutigen Knöcheln einer Ballerina entlang und ähnelt einer Schlange in der Todesstunde. Dieser Moment verwebt wie zufällig das Thema des bevorstehenden Todes zu einem Porträt. Der Blick der Heldin ist fast abwesend, Lebewohl, jenseits der Welt, angehalten von der Künstlerin in diesem beinahe unerklärlichen Moment, in dem der Winkel der Kopfdrehung es Ihnen noch erlaubt, sich zu berühren. Es besteht kein Zweifel, dass dies der letzte, bereits zum Scheitern verurteilte Blick der ägyptischen Königin ist, den sie der Welt schickt, bevor sie sich für immer in Stein verwandelt.

Diese Leinwand betäubte Ilya Repin buchstäblich wie ein Blitz aus klarem Himmel: "… und wie Venus aus der Spüle erschien" Ida Rubinstein "… Es schien mir, dass die Decke unseres rutschigen Pavillons herunterfiel mich und drückte mich zu Boden; ich stand mit der Zunge am Kehlkopf… ", beschrieb der Künstler seine Eindrücke. Natürlich unterzog die weltliche Kritik das Werk einem skrupellosen Schlag:" schlechte Nachahmung von Matisse "," Dekadentismus " "Hässlichkeit". Trotz aller heftigen kritischen Schreie war Serov sehr stolz auf seine Arbeit.

Bei jeder Vorbereitung auf ein neues Porträt versuchte der Maler, jede Wiederholung von Winkeln, Posen, Umgebungen oder Gesten zu vermeiden. Er warf einen langen Blick auf das neue Modell, fertigte Skizzen an, suchte nach der ausdrucksvollsten Pose für den Helden und dem für ihn am besten geeigneten Interieur.

Für ein Porträt der Frau des einflussreichen Antiquariats Vladimir Girschman hat Serov lange Zeit einen geeigneten Rahmen gefunden. Die Künstlerin wollte, dass das Interieur den Glanz und die Anmut dieser Persönlichkeit betont, ohne gleichzeitig ihre brillante Schönheit zu vereinfachen und herabzusetzen. Die Meisterin war Henrietta Leopoldovna gegenüber sehr sympathisch und warmherzig, da sie „klug, gebildet, kultiviert, bescheiden und einfach, ohne die Manieren reicher Emporkömmlinge und darüber hinaus sehr hübsch“ war. Das Gemälde „Portrait of LL Hirschman“ (1907, State Tretyakov Gallery, Moskau) ist ein exquisites semantisches und bildhaftes Meisterwerk der bildenden Kunst.

Die Komposition der Arbeit ist sehr einfach. Die einzige auffällige Figur auf der Leinwand ist eine luxuriöse junge Frau in einem strengen schwarzen Anzug, die gerade vom Schminktisch aufgestanden zu sein schien und sich dem Künstler und dem Publikum zuwandte. Vielleicht wollte sie sich in einem anderen Spiegel untersuchen, aber zwischen ihr und der gegenüberliegenden Wand mit einem anderen Spiegel befand sich ein Künstler, der diese Drehung mit seinem Pinsel anhielt und den weichen, aber genauen Blick der Dame festlegte und ihn zu uns drehte. Die schöne Henrietta Leopoldovna blickt wie im Spiegel in den Betrachter, ihr fordernder Blick wie an diejenigen gerichtet, die sie im Laufe der Jahrhunderte anschauen werden. Ein strenger schwarzer Anzug wird nur durch eine kleine schneeweiße Boa erfrischt, die eine Frau mit ihrem dünnen, mit Ringen besetzten Liliengriff kokett aufrichtet.Eine anmutig geschwungene Pose ermöglicht es der Heldin, sich mit ihrer zweiten Hand auf den Schminktisch zu lehnen. Im Gegensatz zu luxuriösen Prominenten, die der Künstler nicht mochte, sehen wir hier eine junge, strenge, aber schöne Frau, die mit Charakter und Charme ausgestattet ist.

Valentin Aleksandrovich schuf auf der Leinwand ein Spiegelspiel, eine doppelte Reflexion, die nur von der Seite des Malers wahrnehmbar und für den Betrachter offen ist. Er stellte nicht nur die Rückseite von Henrietta Hirschman dar, die sich im Spiegel spiegelte, sondern auch ihre verschwommene, kleine Kopie, die im entfernten Spiegel sichtbar war, wodurch sich ein Kreis schloss und dem Betrachter in Reflexion zeigte, was über die Grenzen der Porträtleinwand hinausging. Auch Serov zeigte zum ersten und letzten Mal für alle seine Arbeiten auf der Leinwand einen offenen Dialog zwischen dem Modell und dem Meister. Er stellte sich am äußersten Rand des Spiegels in Reflexion dar. Obwohl das Gesicht des Künstlers durch Facettierung verzerrt ist, wird deutlich, mit welcher Spannung er versucht, für diese Frau zu arbeiten.

Serovs charakteristische Röntgenaufnahme erschreckte viele säkulare Menschen so sehr, dass sie Angst hatten, für ihn zu posieren. Der Maler hat in seinen Werken immer das Wesen des Dargestellten, die Grundlage seiner Persönlichkeit, klar gesehen und unparteiisch gezeigt. Jeder wusste, dass es „gefährlich“ war, für diesen Künstler zu posieren, obwohl Serov die Erwartungen der Kunden nie täuschte und großartige und sehr realistische Porträts schuf, auf die sie stolz sein konnten.

Der Meister selbst hat immer erkannt, dass er sich nicht für das Aussehen der posierenden Person interessiert, sondern für seine Charakterisierung, die sich auf Leinwand ausdrücken lässt. Die Merkmale, die Künstler in ihren Helden enthüllten, waren für ihre Besitzer oft so unerwartet, dass er wiederholt der Karikatur beschuldigt wurde. Der Meister selbst bemerkte dazu: „Was kann ich dafür, wenn der Cartoon im Modell selbst sitzt? Ich habe nur aufgepasst, bemerkt. "

Ein Beispiel für eine solch fein durchdachte und erfüllte Karikatur ist das „Porträt der Prinzessin O. Orlova“ (1911, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg). Igor Grabar schrieb über Olga Orlova: „Sie konnte ohne besondere Tricks nicht stehen, sitzen, sprechen oder gehen, um zu betonen, dass sie nicht nur eine gewöhnliche Aristokratin war, sondern… die erste Dame am Hof.“ Nach den überlebenden Kritiken von Zeitgenossen, die Prinzessin zeichnete sich nicht durch hohe Intelligenz aus, sie interessierte sich praktisch nicht für Kunst, aber sie war die eleganteste Modefigur von St. Petersburg, sie gab Vermögen auf den luxuriösesten Pariser Toiletten aus. Zahlreiche Orlova betrachteten Serov, der sich gerade auf dem Höhepunkt seiner Beliebtheit befand, als ehrenwert, um das Erscheinungsbild dieser weltlichen Löwin des frühen 20. Jahrhunderts aufrechtzuerhalten. Was der Künstler jedoch auf seine Weise tat.

Die Malerin begann damit, die Pose der Prinzessin in einen absurden Zustand zu versetzen, indem sie auf einer niedrigen osmanischen Höhe und einer schlanken Orlova saß, so dass ihre scharfen Knie nach oben und vorne ragten. Der luxuriöse Mantel rutschte leicht ab und enthüllte eine anmutige weiße Schulter. Die Prinzessin scheint mit einer Perlenschnur zu spielen, und in dieser zweideutigen Geste zeigt sie eine Hand auf sich selbst, als ob sie die Bedeutung und Wichtigkeit ihrer eigenen Person betont. Das kompositorische Zentrum des Bildes war der riesige schwarze Hut der Heldin, was eindeutig zu viel ist. Sie scheint das Modell zu zuschlagen und es kompositorisch noch weiter zu senken.

Der Vorwand für diese Situation war die Situation, als hätte sich die Prinzessin einen Moment lang in Erwartung ihrer Mannschaft gesetzt, die sich bereits vollständig für den Ausgang versammelt hatte. Orlovas Gesicht drückt die übliche nervöse Enttäuschung aus, die durch das Warten entsteht. Ihre hohen Augenbrauen sind verblüfft und ihr Kinn arrogant hochgezogen. Orlova hat eine ausgefeilte Haltung, selbst wenn sie in Erwartung allein ist, ihre trotzige Arroganz ist fast vulgär, aber der Manierismus und die Unnatürlichkeit einer exquisiten Persönlichkeit werden vom Porträtmaler absichtlich betont.

Hinter der Prinzessin befindet sich eine große Vase, die fast die Silhouette des Modells kopiert. Serov stellt an der Wand einen Schatten dar, den eine Vase wirft, und verzerrt ihn absichtlich, entgegen der fotografischen Genauigkeit seines Auges. Die Umrisse des Schattens erinnern eher an die Heldin der Leinwand in ihrem riesigen Hut. Der Künstler deutete also subtil an, dass die Prinzessin so leer ist wie die Vase hinter ihr. Es ist nicht verwunderlich, dass die Prinzessin selbst und ihre Bewunderer von dem Porträt enttäuscht waren, obwohl die Malerin die Stofffalten eines teuren Kleides, die Ebbe des luxuriösen Pelzes und das schicke Dekor um die Heldin sehr sorgfältig darstellte.

Serov wurde der Subjektivität gegenüber Orlova beschuldigt und er habe nicht die vorteilhaftesten Eigenschaften der Heldin genutzt - ihre Eleganz und ihr hohes Wachstum. Trotzdem hat dieses Bild erneut die Sensibilität und Einsicht des Künstlers bewiesen. Der Kunde überreichte das Porträt ohne Bedauern dem Museum von Alexander III. (Staatliches Russisches Museum St. Petersburg) und drückte die einzige Bedingung aus, dass er nicht in der gleichen Halle ausgestellt werden sollte wie das Porträt der nackten Ida Rubinstein.

Ein Freund des Künstlers Vladimir Dmitrievich von Derviz schrieb in seinen Memoiren über ihn: „Valentin Alexandrovich zeichnete sich durch absolut außergewöhnliche Direktheit und Einfachheit aus, trotz seines anscheinend eher milden Charakters wusste er, wie er seine Ansichten verteidigen konnte, und setzte seine Überzeugungen niemals außer Kraft.“

Epilog

Der große Maler starb am Morgen des 22. November 1911 unerwartet auf dem Weg zum Haus der Schtscherbatows, wo für ihn eine Porträtsitzung angesetzt war. Die Ursache für Serovs frühen Tod war eine Angina-Attacke. Valentin Serov, der nur sechsundvierzig Jahre lebte, davon sogar dreißig, webte mit Zuversicht und Enthusiasmus die goldenen Striche seiner atemberaubenden solaren Meisterwerke auf die Leinwand des russischen Silberzeitalters. Der Künstler war in der Blüte seines Lebens und arbeitete viel. Der Dichter Valery Bryusov verehrte das Talent des Malers und schrieb: „Serov war ein Realist im besten Sinne des Wortes. Er erkannte genau die geheime Wahrheit des Lebens. Seine Werke enthüllten die Essenz jener Phänomene, die andere Augen nicht einmal sehen konnten. "

Zhuravleva Tatyana