Claude Monet (1840–1926)

Am 14. November 1840 wurde in Paris ein Sohn namens Oscar Claude Monet in die Familie des Besitzers des Lebensmittelladens hineingeboren. Nur fünf Jahre später zog die ganze Familie des zukünftigen Künstlers in die Normandie nach Le Havre. Ab dem 14. Lebensjahr begann Monet mit dem Zeichnen von Cartoons Geld und Ruhm zu verdienen.

Claude Monet Gemälde

Hier in Le Havre lernte ein junger Mann einen Landschaftsmaler und den ursprünglichen Eugene Boudin kennen, der für diese Zeit sehr seltsam arbeitete - er schuf seine Bilder nicht im Atelier, sondern direkt im Freien.

Monet erkannte schnell die Vorteile der Boudin-Methode - die Unmittelbarkeit und Lebendigkeit der Übertragung der Natur auf Leinwand. Seitdem, also seit etwa 1856, begann der Künstler auch unter freiem Himmel zu schreiben. Schon damals entschied Claude Monet für sich, sein Leben der Malerei zu widmen, obwohl sein Vater diesbezüglich seine eigene Meinung hatte.

Nachdem Monet sich für seine Mission entschieden hatte, zog er nach Paris, wo er 1859 die Suisse Academy betrat. Dort lernt er den Realisten Gustave Courbet, den großen Romantiker Eugene Delacroix und den Impressionisten Camille Pissarro kennen. Zwar wurde der Künstler nach nur einjähriger Ausbildung zum Militärdienst nach Algerien geschickt, kehrte aber aus gesundheitlichen Gründen vorzeitig nach Le Havre zurück und zog von dort sofort nach Paris zurück.

Kreative Experimente und Leidenschaft für Lichteffekte

Schicksalhaft für Monet war der Eintritt in das Atelier des damals berühmten Malers Charles Gdeir im Jahr 1862. Dort lernte er seine zukünftigen Freunde - Auguste Renoir, Alfred Sisley und Frederic Bazil - kennen, mit denen er die impressionistische Bewegung initiierte. Die Suche nach neuen Wegen in der Kunst ist zum Ziel und zur Hauptunterhaltung des gesamten Unternehmens geworden.

Drei Jahre später schrieb Monet das Gemälde „Breakfast on the Grass“, dessen Inspiration die skandalöse Arbeit von Edouard Manet unter dem gleichen Namen war. Allerdings würde Monet die Öffentlichkeit nicht mit dem Bild echter nackter Charaktere schockieren, wie es Manet tat. Der junge Künstler suchte nur seinen Stil. Bereits zu dieser Zeit begann er die Linie zu vernachlässigen und modellierte alle Formen mit Farbflecken. Der Maler, der immer noch in der Normandie ist und dem Schreiben in der Natur verfallen ist, war am meisten an den Wirkungen des natürlichen Lichts interessiert. Die Arbeit am Waldrand gab dem jungen Künstler die Möglichkeit zu beobachten, wie die Sonnenstrahlen durch das Laub fallen und auf verschiedene Oberflächen fallen, deren Farbe sich dank dieser Reflexionen und Blendung des Laubs sofort ändert.

Monet benutzte seine Geliebte Camille Donsier als Vorbild für weibliche Figuren bei der Arbeit, und die männlichen Figuren auf dem Bild stammten von Frederic Bazil. Diese Gesellschaft, die im Schoß der Natur zum Frühstück gedeckt ist, beschäftigt sich nur mit ihrem Gespräch und hat keinen Kontakt zum Betrachter. Der Künstler erscheint hier wie ein unbemerkter Beobachter, Herren und Damen posieren nicht für ihn. Wir können nur die Falten von Damenkleidern bewundern, die uns den Rücken zugewandt haben. Das Gesicht eines sitzenden jungen Mannes in der rechten unteren Bildecke ist ebenfalls vom Betrachter abgewandt. Monet folgt seinen eigenen Gesetzen, er strukturiert die Komposition nicht klar wie eine Inszenierung. Der Künstler bricht die Tradition, dass das Bild im Vordergrund einer Figur, dessen Rücken dem Betrachter zugewandt ist, schlicht unmöglich war, und schafft seine eigene entspannte Ästhetik, frei von Vorurteilen. Leider blieb das Bild nicht vollständig erhalten, aber seine Skizzen stießen bei vielen jungen Künstlern auf großes Interesse. Im Moskauer Museum ist der Name AS Puschkin eine der 1886 geschaffenen Arbeitsmöglichkeiten.

Ein weiteres Beispiel für die Abkehr von der klassischen Malerei ist das Gemälde „Ladies in the Garden“ (1866, Musee d’Orsay, Paris), dessen Aufteilung mit dem Zerschneiden von Frauenkleidern es mir unmöglich machen würde, in einer akademischen Schule gemalt zu werden Weg. Und Monet hatte keine Angst, das Bild frei zuzuschneiden, was den Eindruck einer Fragmentierung erweckte, ähnlich wie bei einer Fotografie.

Auf der Leinwand sehen wir eine typische Genreszene, deren semantisches Zentrum nach links verschoben ist. Die Abweichung von der Tradition drückt sich darin aus, dass im Schatten der Bäume stehende Damen ein wesentlicher Bestandteil der blühenden Landschaft sind und wie schöne Blumen als Dekoration dienen. Weibliche Figuren scheinen mit der Landschaft zu verschmelzen, ihre Kleider passen sich dem Hintergrund der Schatten an, die von Baumstämmen geworfen werden.

Dem Maler geht es nicht so sehr darum, die Individualität junger Frauen, ihre Outfits oder Aktivitäten zu vermitteln, sondern das Spiel von Licht und Harmonie in der Beziehung zwischen Natur und Mann zu vermitteln. Wie unbedeutend für die Künstlerin die Damen selbst waren, lässt sich daran ablesen, dass alle vier jungen Damen nach demselben Vorbild geschrieben waren - Camilla selbst. Der Künstler versuchte dies zu verschleiern, indem er uns das Gesicht einer einzigen Frau zeigte, die im Gras saß. Die linke Figur ist im Profil zu sehen, die Dame neben ihr bedeckt ihr Gesicht mit einem Blumenstrauß, und die vierte Heldin, die nach den blühenden Büschen greift, ist vom Betrachter völlig abgewandt.

Im selben Jahr wurde eines von Claude Monets berühmtesten Gemälden der 1860er Jahre gemalt - "Eine Frau in einem grünen Kleid" (1866, Kunsthayle, Bremen, Deutschland). Auf der Leinwand sehen wir wieder Camilla Donsier. Der Maler arbeitet realistisch, er verwendet einen dunklen Hintergrund, auf dem das Gesicht eines jungen Mädchens in der Sonne gebadet hell hervortritt.

Der scharfe Kontrast der beleuchteten und schattierten Bereiche ähnelt dem Hell-Dunkel von Caravaggio. Das lyrische Bild und gleichzeitig sehr intim, es ist nicht für die allgemeine Betrachtung gedacht: Die Meisterin entfaltet Camilla mit dem Rücken fast zum Betrachter, das Model selbst sucht nicht nach spektakulären Posen und lässt uns nur die Gelegenheit, den Saum zu untersuchen von ihrem Kleid und dem darüber geworfenen Pelzmantel. Die Arbeit wurde sowohl von Kritikern als auch von Zuschauern positiv aufgenommen, was den jungen Monet berühmt machte.

Ein Jahr später malte Monet ein Bild mit einem sehr ähnlichen Thema. Man hat den Eindruck, dass eine Frau in einem hellweißen Gewand auf dem Gemälde „Lady in the Garden“ (1867, Eremitage, St. Petersburg) vom Künstler nur als Vorwand für die Verwirklichung der Animation der Natur in Ordnung gebraucht wird um ihr einen bewohnbaren Zustand zu geben. Die Dame drehte dem Betrachter wieder fast den Rücken zu und der Künstler interessiert sich nur für die Schönheit der Mittagslandschaft mit ihren leuchtenden Farben und langen Schatten.

Das Zentrum der Komposition ist ein rundes Blumenbeet mit roten Blüten, auf dem ein Baum steht. Die abgebildete Frau, die theoretisch das semantische Zentrum des Werkes darstellt, steht am äußersten Bildrand. Die Dame ist der äußerste linke Punkt, von dem aus die Kompositionsdiagonale des Werks beginnt, unterstützt durch einen Baum im Blumenbeet und einen weiteren rechts abgebildeten Baum. Den Rhythmus der Komposition bestimmen die Vertikalen der weiblichen Figur und der beiden Bäume sowie die schmalen Schatten, die sie auf das Grasgrün werfen.

1867 brachte Camille Donsier den Sohn des Künstlers Jean zur Welt und wurde wenig später seine Frau. Im selben Jahr wurde das Gemälde „Jean Monet in der Wiege“ (Privatsammlung) gemalt. Hier ist im Gegensatz zu vielen Gemälden des Autors das Zentrum der Komposition deutlich markiert; es ist eine verzierte Wiege mit einem Baldachin, der über dem Kopf des Bettes hängt. Wir sehen eine Mutter in der Nähe der Krippe - so sieht das Bild aus, als wären Genreszenen in der niederländischen Malerei beliebt. Die rechte Schulter und der Rücken von Camilla sind jedoch am Bildrand abgeschnitten, was auf die Bedeutung eines anderen Charakters der Arbeit hinweist - eines Sohnes, der mit einer Decke bedeckt ist.

Das Genre des Stilllebens war nicht Monets Favorit, aber er sprach ihn dennoch von Zeit zu Zeit an. Das Gemälde "Stillleben mit Früchten und Trauben" (1867, Privatsammlung) zeichnet sich durch einen geschmeidigeren Schreibstil aus als Landschaftsarbeiten des Meisters. Ein trüber dunkler Hintergrund ist in Monets Gemälden ziemlich selten, aber darauf sehen reife, sogar leicht überreife Früchte besonders lebendig und glaubwürdig aus. In dieser Arbeit interessiert sich der Künstler wie immer am meisten für die Natur und die Wirkungen des Lichts.

Aber die Blumen, die Künstlerin, die sie leidenschaftlich liebte, malten lieber in der Natur. Bildschnittblumen waren eine seltene Ausnahme. Ein Beispiel dafür ist das Gemälde "Flowers and Fruits" (1869, Paul Getty Museum, Los Angeles, Kalifornien). Hier verwendete der Meister zunächst einen dunklen Hintergrund, gab ihn aber später wieder auf. Nachdem Monet ein Stillleben aufgebaut hat, schneidet er leicht eine gute Hälfte eines Weidenkorbs, Früchte auf dem Tisch und Sonnenblumenblätter, was auch gegen alle Kanons der akademischen Malerei verstößt, deren Berufung immer als das Bild des Objekts von seiner besten Seite betrachtet wurde Seite.

Claude Monet litt zu Beginn seiner Karriere schwer unter finanziellen Schwierigkeiten, die ihn fast zum Selbstmord brachten. In den 1860er Jahren zwang ihn die schlechte finanzielle Situation des Künstlers, ständig von einem Ort zum anderen zu ziehen. Ab 1869 ließ sich Monet im Pariser Vorort Bougival nieder. Auguste Renoir kam hier oft zu ihm, sie arbeiteten viel in der Natur, erfassten die gleichen Ansichten und entwickelten ihre eigene Maltechnik.

Freunde schauten der Natur ins Gesicht und bemerkten sogar geringfügige Veränderungen der Beleuchtung und der Luftbewegung, die sie am meisten interessierten. Der Wunsch, die augenblicklichen Zustände einer sich ständig verändernden Natur einzufangen, lebte nach seinen eigenen Gesetzen und vereinte junge Künstler. Sorgfältig beobachteten sie, wie sich die gleichen Landschaften je nach Tageszeit, atmosphärischen Bedingungen und Art der Beleuchtung verwandelten: Schatten werden länger und dicker, Sonnenblendung spielt auf Blättern und Wasser und Wellen bilden sich auf der stillen Oberfläche des Flusses.

1869 malten Künstler ihre berühmten gleichnamigen Gemälde mit Blick auf das Café an der Seine bei Bougival und den Pool in der Nähe. Die Bilder hießen „The Frog“ (Metropolitan Museum of Art, New York). In seiner Version des Werks entwickelte Monet eine individuelle Schreibtechnik, eine neue Art, Striche anzuwenden, die es ermöglicht, die Empfindungen von dem, was er sah, was Kritiker als äußerst fahrlässig betrachteten, schnell auf die Leinwand zu übertragen. In der Tat erweckt die Leinwand aus Sicht des Salonmalers den Eindruck einer unvollendeten, flüssig ausgeführten Skizze, in der Objekte nur markiert und recht unhöflich sind. Es gibt kein Idealisierungsmerkmal der akademischen Kunst. Aber Monet hat das ganz bewusst vermieden. Der Künstler schrieb immer, was er im Moment sah, und versuchte, die gefrorene Realität, die für einen Moment eingefroren war, „einzufangen“. Für eine solche Aufgabe benötigte er eine schnelle Ausrüstung.

Wie die meisten Impressionisten schrieb Monet in reinen Farben, ohne auf das Mischen von Farben auf einer Palette zurückzugreifen. Er vermied die in der traditionellen Malerei verwendeten Schattierungen und Mitteltöne. Stattdessen hat der Künstler dicht bestimmte Farbstriche auf die Leinwand aufgetragen und in Kombination der Wahrnehmung des menschlichen Auges verschiedene Schattierungen verliehen. Die Idee eines solchen Gemäldes basierte auf den Entdeckungen des französischen Physikers Eugene Chevreul auf dem Gebiet der Optik. Insbesondere wurde festgestellt, dass die Farbe von Objekten keine bestimmte objektive Tatsache ist, sondern von dem Licht abhängt, dessen Strahlen von ihnen reflektiert werden. Dies war eine Rechtfertigung für die völlige Ablehnung von Schwarz durch die Impressionisten und die Schaffung von „farbigen“ Lichtern und Schatten auf den Lichtflächen ihrer Leinwände.

Das Gemälde „Terrace at St. Andress“ (1867, Metropolitan Museum of Art, New York) zeichnet sich durch das Fehlen einer vielversprechenden Konstruktion eines für die europäische Kunst gemeinsamen Raumes aus. Aus diesem Grund scheint das Meer über einer sonnigen Terrasse zu hängen. Die Idee, die Aussicht auf Monet aufzugeben, kam von der in Europa populären traditionellen japanischen Malerei. Im Vordergrund des Bildes befindet sich eine blühende Terrasse, auf der sich Damen und Herren vor der heißen Sommersonne unter einem Baldachin oder Sonnenschirmen verstecken und in Korbstühlen spazieren gehen oder einfach nur entspannen.

Auf Monets Gemälden erscheinen immer wieder leuchtende Blumen, die letztendlich zu einem eigenständigen Motiv in seinem späteren Schaffen werden. Im Hintergrund ist das Meer, auf dem zahlreiche Segelboote den Horizont betonen. Das neben der Terrasse abgebildete Segelboot ist eine wichtige Orientierungshilfe für die Augen. Ohne sie würden der erste und der zweite Plan des Bildes zu fragmentiert aussehen, was zur Auflösung der Komposition in zwei unabhängige und unabhängige Teile führen würde. Klare vertikale Säulen, die mit der horizontalen Konstruktion der Komposition argumentieren, wirken ein wenig fremd. Dies ist jedoch nur ein oberflächlicher Eindruck. Tatsächlich „sammeln“ sie alle Arbeiten und lenken die Aufmerksamkeit des Betrachters auf seinen zentralen Teil.

Mit Beginn des Deutsch-Französischen Krieges 1870 ging Monet nach London, wo er im selben Jahr Camille heiratete. In London trifft sich der Künstler weiterhin mit Freunden und Gleichgesinnten und schreibt mit Camille Pissarro Stadtansichten.

Style Persönlichkeit

Zwei Jahre später kreiert der Künstler sein berühmtes Werk „Impression. Sunrise ”(1872, Marmottan-Monet-Museum, Paris). Darin versuchte der Maler nicht, die Wirklichkeit zu reproduzieren, versuchte nicht, die Natur zu imitieren, sondern vermittelte nur seinen persönlichen Eindruck von ihrer Schönheit.

Die Figuren der Personen auf dem Bild werden kaum noch umrissen, was für den Betrachter ungewöhnlich ist und an den akademischen Schreibstil gewöhnt ist. Aber das koloristische Verhältnis von reinem strahlendem Wasser und Sonnenaufgang, das sich in hellen Reflexionen auf der Meeresoberfläche manifestiert, wird wunderschön übertragen.

Der Künstler präsentierte dieses Werk auf der ersten Impressionistenausstellung im Jahr 1874. Dann nannten sich Monet und seine Kameraden immer noch "Anonyme Gesellschaft der Künstler, Maler und Graveure". Das Gemälde erhielt scharf negative Kritiken von Kritikern und Zuschauern, und sein Name ("Impression") führte zu einer ironischen Definition in der Zeit der neuen Richtung der Malerei - des Impressionismus. Bekannt wurde die Ausstellung nur durch ihr ohrenbetäubendes Scheitern.

Wir werden 1872 zurückkehren, als Monet und seine Familie in die Stadt Argenteuil in der Nähe von Paris zogen. Hierher kamen wieder Freunde - Sisley, Eduard Manet und Renoir. Die Gemälde des Künstlers standen noch immer nicht zum Verkauf, aber das Erbe seines Vaters konnte das materielle Wohlergehen seiner Familie leicht steigern. Hier in Argenteuil richtete Monet eine „schwimmende Werkstatt“ für sich ein. Er reiste mit einem Boot auf der Seine, hielt die Ansichten frei, die er mochte, und untersuchte weiterhin die Auswirkungen der Beleuchtung durch die Reflexe des Sonnenlichts auf dem Wasser.

Im Jahr 1873 schuf Monet das Gemälde „Mohnfeld in Argenteuil“ (Museum d’Orsay, Paris), das Camille und den kleinen Jean Monet zeigt, der im Feldgras ertrinkt. Die diagonale Konstruktion der Komposition schafft ein Gefühl der Bewegung. Im Vordergrund und im Hintergrund befinden sich zwei Paare, bestehend aus einer Mutter und einem Kind, die sich auf der Diagonale befinden, unterstützt von einem kaum wahrnehmbaren Pfad, der nur durch einen Mohnstreifen unterstrichen wird. Beide Paare stammen von denselben Modellen. Die Arbeit demonstriert perfekt die gekonnte Komposition der Komposition unter Verwendung von Farbe.

Im selben Jahr wurde auch das Gemälde „Kaputsin Boulevard“ (1873, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste, Moskau) gemalt, in dem der Einfluss der Kunst der Fotografie deutlich zu spüren ist. Das Bild vermittelt einen Moment aus dem Leben von Passanten und Besatzungen des Stadtboulevards und ähnelt einer Momentaufnahme. Die Menschen darin spielen nur eine untergeordnete Rolle, und die wichtigste ist der Atmosphäre des zeitgenössischen Künstlers der Stadt zugeordnet.

Der offensichtliche Einfluss der Fotografie macht sich in der kompositorischen Gestaltung des Gemäldes „Saint-Denis-Straße am Nationalfeiertag“ (1878, Kunstmuseum, Rouen) bemerkbar. Den Rhythmus der Komposition bestimmen blau-weiß-rote Striche vieler nationaler Banner, die wie Bajonette auf Balkonen und Fensteröffnungen von Häusern ausgestellt sind. Die Arbeit hielt wie eine Reportage das Leben der Stadt während der Ferien fest.

Darüber hinaus ist der Maler überhaupt nicht daran interessiert, Menschen zu feiern. Im Gegensatz zu Delacroix und seiner Arbeit Freedom on the Barricades hat Monet die Gruppe nicht in einem spektakulären Rahmen porträtiert. Der Künstler brauchte die Stadt selbst, deren Gesicht und Atmosphäre im Urlaub herrschte. Die Straßen werden nur von Angestellten bewohnt - skizzierte dunkle Silhouetten, die von Steinmauern unterdrückt werden.

Die beliebtesten Modelle für den Künstler blieben jedoch seine geliebte Frau und sein kleiner Sohn. Brushes Monet besitzt eine wunderbare Arbeit "Camille Monet mit ihrem Sohn Jean" (alternativer Name "Lady with a Umbrella", 1875, National Gallery of Art, Washington). Trotz der statischen Posen der Helden ist das Bild voller Bewegung: Wolken ziehen über den Himmel, und im Wind entwickeln sich ein leichtes Kleid und ein Schleier auf dem Hut einer jungen Frau.

Ein markantes Beispiel für den Einfluss der orientalischen Kunst auf das Werk des Künstlers ist sein weltberühmtes Gemälde „Japanese Girl“ (1876, Museum of Fine Arts, Boston). Darauf steht Camilla, gekleidet in einen leuchtend roten Kimono, vor einer grauen Wand, die mit Fächern aus japanischem Papier geschmückt ist. Die Arbeit ist äußerst dekorativ, die traditionelle japanische Kleidung verbirgt die Körperform einer Frau vollständig, und die Komposition ist völlig ohne Tiefe und nähert sich einer flachen Zeichnung. Wie immer vermeidet Monet die klaren Konturen von Gegenständen: Die Figur seiner Frau, einer Japanerin, die auf dem Stoff eines Kimonos abgebildet ist, und ein Fächer an der Wand hinter dem Rücken der Frau, sind mehr in Farbe als in einer Linie geschrieben, die erzeugt ein zusätzlicher eindruck von ebenheit der arbeit. Ein interessanter Punkt in der kompositorischen Lösung ist, dass die Figuren der Japaner auf dem Kimono und der Heldin des Bildes in genau entgegengesetzten Richtungen eingesetzt werden und sich gegenseitig ausbalancieren.

Der wichtigste Ort für den zeitgenössischen Künstler von Paris war der Bahnhof Saint-Lazare. Der Meister widmete ihm mehrere Gemälde aus dem Jahr 1877. Der Bahnhof schuf das Schicksal der Menschen und verband die Hauptstadt Frankreichs mit anderen Städten und sogar Ländern. Das Leben war hier immer in vollem Gange: Passagiere kamen und fuhren weg, Lokomotiven summten, Züge nahmen Fahrt auf und fuhren in die Ferne.

Es war diese aufregende Atmosphäre des neuen industriellen Lebens, die der Künstler in seinen Leinwänden zeigen wollte. „Station Saint-Lazare. Ankunft des Zuges “(1877, Fogg Museum of Art, Harvard) spiegelt das tägliche Leben des Bahnhofs perfekt wider. Die Arbeit verwendet fast monochrome Malerei, der ausgewählte ungewöhnliche Winkel vermittelt perfekt die Merkmale der Lösung des architektonischen Gewölbes der Station.

Bald fanden zwei der wichtigsten Ereignisse für den Künstler in seiner Familie statt: 1878 brachte seine geliebte Frau seinen zweiten Sohn, Michel, zur Welt, woraufhin Camilla selbst schwer krank wurde. Monet hat wieder ernsthafte finanzielle Schwierigkeiten. Weder das Publikum noch die Kritiker sind bisher zu einer korrekten Wahrnehmung seines Kunststils „gereift“. Der Maler musste Argenteuil verlassen und sich in Vetej niederlassen, wo sein Nachbar der Geschäftsmann Ernest Goshede und seine Frau Alice waren, die später die zweite Frau des Malers werden sollte.

Der Künstler vermittelte seine Eindrücke von der Bewegung in dem Gemälde „Der Weg zu Vethey im Winter“ (1879, Kunstmuseum, Göteborg), in dem er eine typische Winterlandschaft in Frankreich darstellte: eine mit Schnee bedeckte Schotterstraße, Hügel mit bräunlichen Farben. brauner Boden zeigt sich durch losen Schnee und gefrorenes grünes Gras, eine Kirche, zweistöckige Häuser, die in die sanften Hänge der Hügel zu beiden Seiten der Straße gebaut wurden. Nur die Figuren der beiden Reisenden beleben die Landschaft ein wenig.

Das im Sommer nächsten Jahres gemalte Gemälde "An den Ufern der Seine bei Vetheya" (1880, National Gallery, Washington) ist sowohl schlicht als auch lyrisch. Der gesamte Vordergrund des Bildes ist von blühenden Wiesengräsern besetzt, hinter denen Sie die Spiegelfläche des Flusses sehen können. Der Künstler vermittelte meisterhaft den im Fluss reflektierten Himmel mit schwebenden Wolken und den Bäumen am gegenüberliegenden Ufer. Die Küstenbüsche und separat wachsenden Bäume im Hintergrund des Bildes sind wie in einen bläulich-grauen Dunst gehüllt, der von grauen Wolken, die sie beschatten, herrührt.

Die ungewöhnlich helle und sonnige Landschaft auf der Leinwand "Blossoming Apple Trees" (1879, Museum of Fine Arts, Budapest) beeindruckt durch die Lichtdurchlässigkeit der Werkstatt - die abgebildete Landschaft scheint im Sonnenschein zu baden, der den gesamten umgebenden Raum überflutet.

Die Komposition des Bildes ist wieder sehr einfach, im Vordergrund blühen Bäume des Apfelgartens und Gras unter ihnen, im zweiten sehen wir Häuser mit roten Dächern, die zur Hälfte hinter den Zweigen der Bäume versteckt sind, und der Hintergrund wird von einem Baum besetzt steigender Hügel. Ein paar Apfelbäume, die nahe an den unteren Rand des Werks geschoben werden, dienen als rechte Seitenszenen und als einzige vertikale auf der horizontalen Komposition, als würde man das gesamte Werk „sammeln“.

Im selben Jahr starb Monets geliebte Frau im Alter von nur zweiunddreißig Jahren an einer schweren Krankheit. Als trauernde Künstlerin malt sie ihr Porträt von Camille auf ihr Sterbebett, in dem er seine Frau auf seine eigene Weise porträtiert und mit Farbe betont, wie ihr Gesicht seine vitalen Farben verliert.

Lang erwarteter Erfolg

Paradoxerweise ist es in diesem Jahr des Todes in seinem persönlichen Leben, dass der Künstler beruflichen Erfolg erlangt. In der Pariser Presse erschienen positive Kommentare und Kommentare zur Ausstellung seiner Werke, die sofort verkauft wurden. Dies verbesserte die finanzielle Situation des Malers.

1883 wird er in Giverny bei Paris ein kleines, aber sehr gemütliches Haus mieten, neben dem ein prächtiger Garten angelegt wird, der als Gemälde unter Berücksichtigung der individuellen Farbe und Blütezeit jeder Pflanze verifiziert ist. Später erwirbt Monet zusätzliches Territorium in der Nähe des Hauses, um einen weiteren atemberaubenden Garten darauf anzulegen, in dem sich ein Teich mit Seerosen und eine japanische Brücke mit gewundenen Pfaden befanden, die dorthin führten. Dieser Ort wird bis zu seinem Tod Gegenstand seiner Malerei sein, zusammen mit der Idee, viele separate Werkserien zu schaffen, in denen der Künstler seine langjährige Auseinandersetzung mit den visuellen Möglichkeiten der Farbe bei der Übertragung verschiedener Beleuchtungen verkörpert. In diesen Arbeitszyklen hat der Maler deutlich dargestellt, wie sich das gleiche Motiv je nach Beleuchtung ändert. Ich muss sagen, dass alle Serien einen enormen Publikumserfolg hatten.

Eine unprätentiöse ländliche Ansicht im Gemälde „Haystack in Giverny“ (1886, Eremitage, St. Petersburg) ist zu einem der Lieblingsmotive des Künstlers geworden. Die Landschaft, deren kompositorischer Mittelpunkt ein im Vordergrund stehender Heuhaufen war, wird durch Häuser und Bäume ergänzt, die auf den weiten Feldern sichtbar sind.

Im Jahr 1888 wird Monet eine Reihe von 25 Werken erstellen, die dieser Art gewidmet sind. Darüber hinaus wird die umgebende Landschaft auf den Leinwänden immer willkürlicher, die Aufteilung in Kompositionspläne wird praktisch verschwinden, und der Heuhaufen wird eine eigenständige Rolle spielen, als ob er ein solches konzeptuelles Seinszentrum in sich konzentriert. Die Hauptrolle in allen Gemälden spielt die Farbe, die das gesamte Spektrum des variablen Lichts vermitteln soll. Tagsüber arbeitete der Künstler an mehreren Leinwänden, die unterschiedliche Lichtverhältnisse vermitteln: morgens, nachmittags und abends - dies war die Originalität der Malmethode, die den Grundstein für eine weitere Serie legte - „Pappeln“. Die Spiegelsymmetrie, nach deren Prinzip die Komposition des Werkes „Poplars at Ept“ (1891, National Gallery of Scotland, Edinburgh) aufgebaut ist, bietet dem Betrachter zwei Realitäten: einen echten Pappelhain am Ufer des Flusses und dessen Reflexion in der Spiegelfläche des Wassers, nur leicht von Wellen gewellt. Der Fluss enthält vollständig alle Farben, mit denen die Bäume voll sind, der Himmel mit rosa Wolken, die auf ihm schwimmen. Die Unruhe der Wasseroberfläche wird durch die Art der Pinselstriche des Malers unterstrichen.

Der größte Zyklus, der der Kathedrale von Rouen gewidmet war, wurde 1892 von Claude Monet begonnen. Zwei Jahre lang fertigte der Künstler 50 Gemälde an, die die gotische Fassade der Kathedrale zu verschiedenen Tageszeiten darstellten: vom frühen Morgen bis zum späten Abend. Das Sonnenlicht verwandelt nicht nur die Farbe der Kathedrale, sondern auch die Essenz des Steins in atemberaubende Metamorphosen. Die Mauer, die seit mehreren Jahrhunderten besteht, wirkt dank des Lichts, das sie durchflutet, und der gotischen Architektur des Durchbruchs fast schwerelos und wunderbar. Die Sonnenstrahlen scheinen die Steinkraft der Kathedrale aufzulösen und mit unterschiedlicher Intensität in sie einzudringen.

Dank der Beherrschung von Monets Pinsel scheint die Kathedrale keine materielle Substanz mehr zu sein und wird luftig und vergänglich. Es ist, als wäre es keine irdische Schöpfung mehr und verschmilzt mit dem Himmel. War dies die Wirkung der Architekten des fernen Mittelalters, die die steinernen Spitzen der Kirchenmauern zum Himmel erhoben? Vielleicht hat Monet das Herzstück der Konzeptidee der gotischen Kunst durchdrungen. Der Zyklus "Kathedrale von Rouen" wurde 1895 vom Künstler ausgestellt und war sehr erfolgreich.

Gleichzeitig mit dem Beginn der Arbeit am Zyklus wird Claude Monet Alice Goshed heiraten. Der Maler beginnt viel zu reisen, er arbeitet in Italien, dessen gotische Kathedralen er unglaublich impressionistisch findet, in der Normandie, in der Schweiz und in Holland.

In der Normandie brachte der Meister großartige Meereslandschaften hervor, wie das Gemälde Mannport (1883, Metropolitan Museum of Art, New York), als ob es die Größe des Wasserelements verherrliche. Außerdem arbeitete der Künstler häufig an der Darstellung malerischer Felsen in der Nähe der Stadt Egret, die aufgrund ihrer einzigartigen Form, die durch die Laune der Wellen hervorgerufen wurde, die Hauptattraktion dieser Gegend darstellten.

Mannport ist vielleicht der berühmteste Felsbogen. Um die Größe der Gesteinsformation zu vermitteln, skizziert der Maler mit wenigen Strichen schnell ein paar Figuren unter den Bögen eines Steinbogens, von denen der größte Teil kraftvoll aus dem linken Bildrand herausragt und buchstäblich bereit ist, sie zu zermalmen. Die Komposition des Werkes trägt zur Entstehung eines solchen Eindrucks bei: Die Wirkung der Unendlichkeit der Steinoberfläche wird vom Künstler dadurch unterstrichen, dass der gesamte Fels nicht in den Rahmen des Bildes passt.

Ein Aufruhr von Farbe und Sinnlosigkeit

Die Ausdruckskraft der Farbe während der gesamten Karriere des Künstlers war das Hauptmittel seiner künstlerischen Sprache. Claude Monet blieb sich bis zum Schluss treu, wandte sich nie dem gewählten Weg zu und verbesserte und verfeinerte nur die Ausdruckskraft der Techniken seines individuellen Stils. Der einzige Unterschied in der späten Zeit seines Schaffens war das Verlangen nach Sinnlosigkeit, wodurch das Konzept einer bestimmten Handlung und Form verwischt wurde. Der Künstler betrachtete eine seiner besten Kreationen überhaupt nicht als ein Gemälde, sondern als einen Garten, den er im Haus in Giverny angelegt hatte, wo er zahlreiche Arten und Sorten von Blumen aufnahm und pflanzte, damit der Garten ständig blühte und die Blumen erfreute Malerauge mit verschiedenen Nuancen. Der prächtige Garten, der auch ein Kunstwerk ist, ist zu einem Lieblingsobjekt des Gemäldes des Meisters geworden und findet seine unzähligen Reflexionen auf der Leinwand.

Die Leinwand "Garten der Iris in Giverny" (1899, Yale University Art Gallery) zeigt uns wieder eine sehr einfache Komposition. Eine quadratische Leinwand zeigt einen Weg, der in die Tiefe des Gartens führt, halb verborgen von bewachsenen Büschen mit Schwertlilien, und darüber sieht man Stämme von Gartenbäumen, die eine langfristige Perspektive schaffen.

Der Künstler bringt die Leinwand wie fröhliche, reine, leuchtende Farben auf, die dem Betrachter das Gefühl von Glück und Fülle des Lebens vermitteln, das aus dem Kontakt mit der Natur entstanden ist. Die schönen und zarten Blüten der Iris im Vordergrund scheinen uns in die Augen zu schauen. Die geschickte Hand des Meisters scheint ihnen Seele einzuhauchen, und die Schönheit der umgebenden Natur wird zum größten Wunder, zur Personifikation der Krone göttlicher Schöpfungen. Es ist diese Einstellung zur Natur, die in den Werken von Claude Monet ein ausreichender Gegenstand der Malerei ist, die den Künstler von Anhängern des akademischen Stils unterscheidet, in dem immer nur der Mensch die „Krone der Schöpfung“ war.

Eine der berühmtesten Serien von Monet, „Water Lilies“, wurde 1899 herausgebracht. In den Werken des Zyklus zeigt der Maler Seerosen (nenufaras), die im Teich seines Gartens in Giverny schwimmen. Der Künstler selbst züchtete diese zarten Blumen in seinem Teich und bewunderte sie lange. Er genoss den Glanz der Sonne auf zerbrechlichen Blütenblättern und das Spiegelbild von Wolken im Wasser. Es scheint unglaublich, aber die Seerosen besaßen bis zu seinem Tod, ungefähr zwanzig Jahre, das Herz eines talentierten Künstlers. Die Serialität der Arbeit basiert auf der Variation dieses Motivs unter verschiedenen Lichtverhältnissen.

Das 1903 entstandene Werk „Water Lilies. Wolken “(Privatsammlung) hinterlässt einen auffallend freudigen Eindruck. Die Leinwand ist mit Sonnenlicht gesättigt, obwohl der Himmel nur in seinem Spiegelbild im Wasser vorhanden ist. Es scheint, als würden Seerosen und Wolken langsam auf derselben Oberfläche schweben, als würde sie von einem leichten Luftzug getrieben.

Die quadratische Form der Leinwand in der Arbeit „Ein Teich mit Seerosen“ (1908, Privatsammlung, St. Gallen, Schweiz) vergrößert das Bild im Raum optisch und vermittelt den Eindruck von Unendlichkeit. Monet nutzte den Effekt der Fotografie, als würde er ein separates Fragment von der Wasseroberfläche eines Teiches schnitzen und es in Nahaufnahme schreiben. Nur die Wasserfläche mit Blättern, Blüten von Seerosen und reflektierten Wolken, die malerisch auf der Oberfläche verstreut waren, fiel in den Rahmen.

Hier ist der Meister wieder von der perspektivischen Konstruktion des Gemäldes abgewichen, wodurch die in der rechten oberen Ecke der Komposition befindlichen Seerosen näher am Betrachter liegen als die Vordergrundpflanzen des Gemäldes. Dank dieser Technik verliert das Gemälde seine Tiefe und entfaltet sich sozusagen auf einer Ebene, wodurch es dekorativer wird.

Seit den 1870er Jahren hat Claude Monet wiederholt England besucht und London wegen seiner einzigartigen nebligen Atmosphäre geliebt. Und ab etwa 1900 kam der Maler immer öfter hierher. Er schafft hier eine Reihe von Werken, die dem Parlamentsgebäude gewidmet sind.

Das Gemälde „Das Parlamentsgebäude in London“ (1904, d’Orsay Museum, Paris) zeigt ein architektonisches Objekt wie in dichtem Nebel gehüllt. Nur an einigen Stellen durchbricht die gelb-rote Sonne den kleinen Gedanken, hebt Fragmente der majestätischen Umrisse neugotischer Architektur hervor und färbt die breite Themse mit rötlich-lila Reflexen. Der Malstil ist sehr willkürlich, der Künstler zeigt keine spezifischen Elemente, sondern ein momentanes Bild der Stadt selbst, wie er es gerade gesehen hat.

Monets Impressionismus soll keine objektive Realität vermitteln. er erkennt die Beständigkeit der Eigenschaften von Gegenständen nicht.Ihre gesamte Erscheinung, Farbe und Form hängen nur von dem Licht ab, das kaum durchdringt, dann die gesamte Nachbarschaft durchflutet oder sogar erlischt und in die Dämmerung übergeht. Im Frühjahr 1908 gingen Claude Monet und seine Familie nach Venedig. Die entzückende Atmosphäre dieser Stadt, ihre Wasserflächen, die von venezianischen Architekten überraschend erfolgreich besiegt wurden, die Lichtreflexe auf dem Wasser und die darin reflektierten Denkmäler faszinierten den Maler. So entstand eine Reihe venezianischer Landschaften, die direkt während der Reise entstanden sind.

Das dort geschriebene Werk „Palazzo da Mula in Venedig“ (1908, National Gallery, Washington) kann kaum als geführte oder architektonische Landschaft bezeichnet werden. Es ist vielmehr im übertragenen Sinne ein "Porträt" eines mittelalterlichen venezianischen Gebäudes, das in den Spiegel des Kanals davor "schaut". Darüber hinaus wurde dieses „Porträt“ in Nahaufnahme gemalt, die Seiten des Palastes sind durch den Rahmen des Bildes abgeschnitten, nur der mittlere Teil des Gebäudes ohne Dach fiel auf die Leinwand.

Eine solch ungewöhnliche Komposition lässt sich sehr einfach erklären: Monet wollte überhaupt kein Architekturdenkmal kopieren, er war für ihn so unwichtig wie die Figuren von Menschen auf den meisten seiner Leinwände. Der Künstler war fasziniert von der überraschend harmonischen Einheit von Architektur und Landschaft, die von einem brillanten Architekten entworfen wurde, der den Palast so konzipierte, als ob er aus dem Wasser entspringe. Eine horizontale Komposition mit einer klaren Unterteilung in den vorderen (Wasserraum) und hinteren (Wände des Palazzo, übersät mit zahlreichen Bögen von Tür- und Fensteröffnungen) Grundrissen wird durch ein Paar dünner Silhouetten von Gondeln ausgeglichen.

Venedig beeindruckte den Künstler mit der Einheit des Lebens der Gebäude und Kanäle, an deren Ufern sie errichtet wurden. Das Herz des Malers eroberte die impressionistische Harmonie, die von im Wasser reflektierten Steinmauern gebildet wird, die das gleiche Wasser, das das Sonnenlicht absorbiert, mit zahlreichen Reflexionen himmlischer Schatten malen. Diesen Zustand versuchte er auf seinen venezianischen Leinwänden zu vermitteln.

Einsamkeit und Verlust

Das zweite Jahrzehnt des neuen Jahrhunderts war für den Künstler von einer Reihe von Verlusten geprägt. 1911 starb Alices zweite Frau, drei Jahre später, 1914 starb sein ältester Sohn Jean. Monet wurde nur von Alices Tochter aus ihrer ersten Ehe, der Frau von Jean, treu betreut.

Zusammen mit einer Reihe von Todesfällen bei Verwandten erlitt der Maler ein weiteres Unglück - den doppelten Katarakt. Evil Rock hat dem Künstler die Hauptsache genommen, die er sein ganzes Leben lang verwendet hat, um die Lichteffekte, Blendung und Reflexe der Sonnenstrahlen in der Natur sehen und studieren zu können. Monet hörte jedoch nicht auf, er fuhr fort, seine Arbeit zu schaffen. Vier Jahre später, nach seiner Diagnose, entwarf der Künstler eine neue Serie beeindruckender Tafeln mit einer Größe von 2x4 Metern mit Bildern seines Gartens.

Die Tafel „Seerosen“ („Nenufaras“, 1920-1926, Museum des Gewächshauses, Paris) vermittelt den Eindruck der Flachheit eines endlosen Raumes, als würde er sich weit über die Rahmen des Bildes hinaus erstrecken. Saftige, große Striche des Meisters umreißen nur die Form der Blätter und Blüten, das ganze Bild wird in der Technik der Farbflecken ausgeführt.

Etwas früher, 1917, schrieb Claude Monet sein "Selbstporträt" (Museum des Gewächshauses, Paris). Das Bild ist das Selbstwertgefühl eines Menschen, das sich im Spiegel des eigenen Bewusstseins widerspiegelt. Müde Augen des Meisters schauen den Betrachter nicht an, obwohl er sich zu ihm umdrehte. Der Künstler sucht keinen "Dialog". Das Werk wirkt auf den ersten Blick unvollendet: Es ist nur der Kopf des Künstlers abgebildet, und die Schulterlinie ist schematisch umrissen. Der dicke Schatten, der das Porträt umgibt, sättigt das Bild jedoch mit Drama und lässt keinen Zweifel an seiner Vollständigkeit.

Am Ende seiner Karriere begann Monet, thematische und nicht-objektive Kunst zu mischen. In seiner Arbeit von 1918, The Japanese Bridge (Institut für Künste, Minneapolis), kann man nur die Umrisse der Lieblingsbrücke des Künstlers lesen, die mit Glyzinien umwickelt und über einen Teich mit Seerosen, einem niedrigen Busch im Vordergrund und einem Baum in der Nähe geworfen wurde der rechte Rand der Leinwand. Alles andere ist nur ein extravaganter Aufruhr von Farben, Schönheit und Fülle des Lebens.

Das Gemälde „Garten mit Teich in Giverny“ (um 1920, Museum der Schönen Künste, Grenoble) zeigt eine mysteriöse Ecke des Künstlergartens, versteckt in dichtem Dickicht. Die Arbeit ist natürlich inhaltlich: Hier ist eine übersichtliche Komposition zu erkennen, die Umrisse der Zweige sind deutlich zu erkennen. Es scheint, dass in der Arbeit die Farbe eine eigenständige Rolle spielt, sie wird dekorativ in der Brechung der sterbenden Sicht des Malers betont. Dank der unrealistischen bedingten Farbwiedergabe macht das Bild einen dramatischen Eindruck. Farbe ist ungewöhnlich ausdrucksstark. Dies ist kein Impressionismus mehr in seiner reinsten Form, die Schreibtechnik und die künstlerische Konzeption spiegeln eher die innere Welt eines alternden Menschen wider.

Der große Künstler, einer der Begründer des Impressionismus, der die Welt eroberte, Claude Monet, starb im Dezember 1926 in seinem Haus in Giverny. Cezanne rief einmal aus: "Monet ist nur ein Auge, aber, mein Gott, was für eine Sache!" Das Gemälde des französischen Künstlers ist eine unendliche begeisterte Bewunderung für die Natur, deren Schönheit und Perfektion er in einem besonderen, einzigartigen, subtilen und sinnlichen Stil vermitteln konnte.

Zhuravleva Tatyana