Ausstellung von Yulia Agenosova "Deja Vu"

Am 9. Oktober eröffnet die Galerie der Pro Art eine persönliche Ausstellung von Yulia Agenosova "Deja Vu"* - der nächste Teil einer großen Aussage über die grundlegenden Kategorien der menschlichen Existenz, in der die philosophische Weltanschauung der Künstlerin künstlerische Materie erhält.

Yulia Agenosova beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit der Schnittmenge der inneren und äußeren Welt eines Menschen. Die meditative Symbolsprache des Künstlers, an der Grenze zum Abstrakten und Gegenständlichen, berührt in jeder geschaffenen Serie zutiefst persönliche, intime, fast intime Sphären und beleuchtet auf unterschiedliche Weise Aspekte des menschlichen Lebens.

Das neue Projekt setzt die Entwicklung des Themas Metaphysik in der Kunst und das Studium der Repräsentativität in der abstrakten Malerei fort. Exquisit das Unbewusste in die Wahrnehmung einbeziehend, schafft die Künstlerin eine Situation der Verunsicherung, wenn sich eine abstrakt anmutende Komposition auf den ersten Blick bei näherer Betrachtung als zuverlässig reproduziertes Abbild eines realen Objekts entpuppt – eines menschlichen Haares. Hier ist die Kraft der optischen Wirkung künstlerischer Materie und Farbe so groß, dass das Geschehene auf der körperlichen Ebene spürbar wird, der Inhalt erfahrbar wird, sein lebendiges „Fleisch“ erhält.

* Deja vu - (fr. Deja vu) "bereits gesehen" - ein psychischer Zustand, in dem eine Person das Gefühl hat, bereits in einer ähnlichen Situation oder an einem ähnlichen Ort gewesen zu sein, ein solches Gefühl jedoch in der Regel trotz seiner Stärke, diese "Erinnerung" mit einem bestimmten Moment aus der Vergangenheit zu assoziieren. Da ein Déjà-vu nicht künstlich herbeigeführt werden kann, ist seine wissenschaftliche Erforschung schwierig.

Die Ausstellung vereint in der Ausstellung zwei Serien von Gemälden und Skulpturen, die 2021 entstanden sind - Kräuter des Gartens Eden und Erinnerungen.

Serie "Kräuter des Garten Eden". Nur ein Satz des Protagonisten aus Marcel Prousts Roman Auf der Suche nach der verlorenen Zeit, in dem er die Bilder des Gartens Eden und die Haare der Frau, von der er träumte, poetisch verglich, inspirierte den Künstler zu einer Serie. Dieser unerwartete Vergleich wird als Manifestation der "französischen Leidenschaft" gesehen - Manie und Mut, sich ganz aufs Spiel zu setzen. Oder was die Franzosen s’engager nennen - sich einmischen. Aber sich zu engagieren ist nicht der Verstand, sondern sich im Sinne zu engagieren - sein Leben aufs Spiel zu setzen, sich selbst zu riskieren. Du bist authentisch präsent, weil du dich selbst aufs Spiel gesetzt hast. Und nur im Lichte dieser Gewissheit kann alles, was sich damit vergleichen lässt, mit ihr korreliert, ein Zeichen der Wahrheit erhalten.

Das zweite Thema der Reihe ist wie das von Prousts Roman das Thema der Freude und einer Reise, die es wert ist, unternommen zu werden, obwohl es den Abdruck einer sterblichen Reise trägt. Der Autor des Projekts teilt mit dem Betrachter sein eigenes Gefühl, dass ohne das Leben im Schatten des Symbols des Todes nichts zu verstehen und nichts wirklich zu erfahren ist.

Serie "Erinnerungen". Die Urheberschaft des altgriechischen philosophischen Begriffs sollte Platon zugeschrieben werden. Der Begriff wurde in Platons Lehre vom Wesen der menschlichen Seele und der Ideenlehre verwendet. Platon glaubte, dass die Intuition der Seele als Werkzeug dient, um Informationen über die andere Welt zu sammeln. Dieser Begriff findet sich in drei Hauptwerken von Platon. In Meno diskutiert Sokrates die allgemeine Verwandtschaft von Objekten zueinander, dank derer man sich buchstäblich an alles erinnern und alles finden kann. Das platonische Konzept, das Sokrates in den Mund gelegt wurde, besagt, dass der Mechanismus des Erinnerns den Zugang zu Urteilen über Ursachen eröffnet. In Phaidon wird das Dogma wiederholt, dass Wissen tatsächlich Erinnerung ist. Und in Phädros postuliert Platon Reminiszenz (Erinnerung) als Einweihung in die Sakramente und als Annäherung an spirituelle Vollkommenheit.Die frühesten Reminiszenzen sollten als Silhouetten, Proportionen und Plots antiker Felszeichnungen - Petroglyphen - erkannt werden.

Die Serie "Reminiszenzen" führt den Betrachter in die Welt der Bilder ein - Erinnerungen, Erinnerungen an eine andere Welt, in der er vielleicht noch nie war. Diese Quellen inspirierten Künstler der Vergangenheit, und heute ist die Verbindung dieser Archetypen mit dem wirklichen Leben eines modernen Menschen Gegenstand der Reflexion des Künstlers.

Maltechnik. Julia Agenosova arbeitet hauptsächlich in der Ölmaltechnik. Der Autor wählt eine Schicht-für-Schicht-Technik, um das Bild zu erstellen, und versucht sicherzustellen, dass durch jede Schicht, die pastös (nicht glasiert) ist, die vorherige Schicht durchscheint und dadurch den "Klang" der vorherigen beeinflusst. In einer Arbeit können solche Schichten 3 bis 10 betragen. Wenn sie sich ansammeln, erzeugen sie kein Gefühl von gemalter Tiefe, sondern real, physisch, einfach durch den mechanischen Aufbau der Farbschicht verursacht. Das hält die Künstlerin für wichtig, denn es macht das Gemälde lebensnah, das auch vielschichtig ist – Tag für Tag, Jahr für Jahr, und das Gestern macht sich im Heute bemerkbar.

Haar. Das Bildmaterial ist neu, komplex und verursacht widersprüchliche Gefühle: von Ekel bis zu einem Gefühl tiefer Intimität und Beteiligung an etwas ganz Persönlichem. Für einen Künstler ist dieses Material mit besonderen Eigenschaften ausgestattet – es birgt das Geheimnis der Erinnerung. Dafür gibt es eine wissenschaftliche Grundlage – menschliche DNA und MYSTISCHE – in allen Kulturen der Welt ist es das menschliche Haar, das an verschiedenen Kulten und Ritualen beteiligt ist. Glaube und Aberglaube sind mit ihnen verbunden. Für einen Künstler macht ihn eine so bedeutungsvolle Seite des Materials völlig einzigartig und mit zusätzlicher Energie ausgestattet. Julia zeichnet Haare aus dem Leben und legt einen Haarknoten in eine Akte auf ein weißes Blatt Papier, damit er flach wird. Dies ist ein grundlegender Punkt: Für einen Künstler ist es wichtig, sie genau so zu skizzieren, wie sie liegen, um die von der Natur geschaffene Form zu erkunden.Ein Teil der Arbeit wird auf hellem Hintergrund ausgeführt - Schattierungen, nahe an der Hautfarbe. Der andere Teil – im Dunkeln – ist die Idee des inneren Lichts. Wie Tag und Nacht. Der Künstler malt Haare, die nicht mehr zum Menschenbild gehören. Im normalen Leben ist dies etwas, das sofort im Müll landet, begleitet von Ekelgefühlen, insbesondere wenn es sich um die Haare eines anderen handelt. Der Künstler vermutet, dass dies daran liegt, dass ein Mensch normalerweise nicht an den Moment seines Todes denkt - diese Gedanken sind für ihn unerträglich, er vermeidet sie. Es ist sofort klar, dass er beim Anblick einer ausgefallenen Haarlocke persönlich mit der Unvermeidlichkeit seines Todes konfrontiert wird. Sie fallen für immer aus, sie können nicht zurückgegeben werden, wie man die Zeit nicht zurückgibt, keine einzige Minute unseres Lebens.die sofort im Müll landet, begleitet von Ekelgefühlen, besonders wenn es sich um fremde Haare handelt. Der Künstler vermutet, dass dies daran liegt, dass ein Mensch normalerweise nicht an den Moment seines Todes denkt – diese Gedanken sind für ihn unerträglich, er vermeidet sie. Es ist sofort klar, dass er beim Anblick einer ausgefallenen Haarlocke persönlich mit der Unvermeidlichkeit seines Todes konfrontiert wird. Sie fallen für immer aus, sie können nicht zurückgegeben werden, wie man die Zeit nicht zurückgibt, keine einzige Minute unseres Lebens.was sofort in den Müll geht, begleitet von Ekelgefühlen, besonders wenn es sich um die Haare eines anderen handelt. Der Künstler vermutet, dass dies daran liegt, dass ein Mensch normalerweise nicht an den Moment seines Todes denkt - diese Gedanken sind für ihn unerträglich, er vermeidet sie.Es ist sofort klar, dass er beim Anblick einer ausgefallenen Haarlocke persönlich mit der Unvermeidlichkeit seines Todes konfrontiert wird. Sie fallen für immer aus, sie können nicht zurückgegeben werden, wie man die Zeit nicht zurückgibt, keine einzige Minute unseres Lebens. Sie fallen für immer aus, sie können nicht zurückgegeben werden, wie man die Zeit nicht zurückgibt, keine einzige Minute unseres Lebens.Sie fallen für immer aus, sie können nicht zurückgegeben werden, wie man die Zeit nicht zurückgibt, keine einzige Minute unseres Lebens.wie man die Zeit nicht zurückgibt, keine einzige Minute unseres Lebens. Sie fallen für immer aus, sie können nicht zurückgegeben werden, wie man die Zeit nicht zurückgibt, keine einzige Minute unseres Lebens.wie man die Zeit nicht zurückgibt, keine einzige Minute unseres Lebens. Sie fallen für immer aus, sie können nicht zurückgegeben werden, wie man die Zeit nicht zurückgibt, keine einzige Minute unseres Lebens.

Petroglyphen. Der Künstler nennt seine Werke Petroglyphen (im modernen Vokabular - Scratchboard, Scratch), da sie mit der Technik des Kratzens auf roher Farbe hergestellt werden, so ähnlich wie das, was antike Künstler taten, als sie ein Bild auf einen Stein ritzten, und was wir wissen als Felsmalerei. Diese Bildmethode ermöglicht es Ihnen, die außergewöhnliche Ausdruckskraft des Materials Haar zu zeigen, nicht in seiner Masse, da Haare normalerweise als "Schock" dargestellt werden, sondern sich auf die Plastizität jedes einzelnen Haares zu konzentrieren und seine Anmut, Plastizität zu demonstrieren und Dynamik.

Skulptur. In letzter Zeit beschäftigt sich Yulia Agenosova mit Skulptur, wobei hauptsächlich Draht, Stein (Beton) und Holz verwendet werden. Das Objekt selbst besteht aus einem Draht, der vage einem Knoten ähnelt, einem Haarstrang. Damit hat die Malerei der letzten Jahre drei Dimensionen angenommen. Die Materialwahl kommt nicht von ungefähr – die Künstlerin ist fasziniert von der unerwarteten Einfachheit dieses Materials und seiner Ausdruckskraft. Da der Draht bis zu einem gewissen Grad weich und duktil ist, ist er in der Lage, seine Form beizubehalten. Gleichzeitig hat sie die Qualität eines Lebewesens - die Fähigkeit zur Veränderung. Dies ist eine Besonderheit der Arbeit - sie bleibt immer unvollendet, es besteht immer die Gefahr, dass ein Element die Form und damit den Inhalt verändert.

Über den Künstler

Julia Agenosova wurde in Kaluga geboren. Sie absolvierte die Fakultät für Grafik und die Fakultät für praktische Psychologie der Staatlichen Pädagogischen Universität Smolensk.

Mitglied der Creative Union of Artists of Russia und der International Federation of Artists seit 2010. Mitglied der Academy of Analytical Arts (AKANIS) seit 2012. Lehrer für abstrakte Kunst an der Tantum Art`s Foundation und dem Innovative Cultural Center (Kaluga, Russland).

Teilnehmer und Preisträger von städtischen, regionalen, regionalen und internationalen Ausstellungen und Wettbewerben.

2019 wurde sie in die Liste der besten zeitgenössischen Künstler Russlands (Arteex) aufgenommen. Werke befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen in Russland und im Ausland. Lebt und arbeitet in Kaluga.

Nach einer künstlerisch-pädagogischen Ausbildung ist Yulia Agenosova begeistert von Psychologie, erhält die Fachrichtung praktische Psychologin und arbeitet seit 7 Jahren in einer psychiatrischen Klinik als klinische Psychologin. Dies hatte einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Persönlichkeit des Künstlers und bereicherte ihn mit einer einzigartigen Erfahrung des Eintauchens in die tiefsten Tiefen der menschlichen Psyche mit all ihren Leidenschaften und Widersprüchen. Dieser direkte Kontakt mit der echten Manifestation der menschlichen Seele in ihrem schwersten Moment - dem Moment des Leidens - lehrte den Künstler, keine Angst zu haben, die schwierigsten Themen der Kunst zu berühren: Der Autor reflektiert über die Angst vor dem Verlust, die Bedeutung und Sinnlosigkeit des Lebens, Schmerz durch Nähe zu einem anderen Menschen, Einsamkeit, Kampf mit dem Gefühl der eigenen Unvollkommenheit und Unvollkommenheit der Welt,ein Mangel an Liebe und Verständnis…

All dies spiegelt sich direkt in den Werken von Yulia Agenosova wider – jede Serie ist gefüllt mit sehr persönlichen Inhalten und betrifft gleichzeitig das, was alle Menschen beschäftigt, unabhängig von sozialem Status, Nationalität und Geschlecht. Dieses gemeinsame "kollektive Unbewusste" ist Gegenstand der Reflexion des Autors.