Bildungsprogramm für die Ausstellung "Francis Bacon, Lucien Freud und die London School" Automatische übersetzen

Ausstellung "Francis Bacon, Lucien Freud und die London School" wird im Puschkin-Museum stattfinden. AS Puschkin vom 5. März bis 19. Mai. Das Projekt wird dem russischen Publikum ein einzigartiges und bedeutendes Kapitel in der Geschichte der zeitgenössischen britischen Kunst vorstellen, das sich mit der Verwendung von figurativer Malerei durch Künstler als Ausdruck einer zutiefst persönlichen, sinnlichen und intensiven Lebenserfahrung befasst.

Speziell für die Ausstellung wurde ein pädagogisches Programm entwickelt, dessen erste Veranstaltung ein Vortrag der Kuratorin Elena Krippa (Tate Gallery, London) sein wird. Danila Bulatov - Kurator des Projekts vom Puschkin-Museum - wird ihnen auch Vorträge halten. ABER.. Puschkin, Catherine Lampert - Kuratorin, Direktorin der Whitechapel Gallery (von 1988 bis 2001), Autorin von Büchern über Frank Auerbach und Ewan Aglow, Alexandra Danilova - Leiterin der Abteilung Kunst in Europa und Amerika des 19. bis 20. Jahrhunderts Jahrhunderte.

Im Rahmen des Festivals „Freitags in Puschkinski“ wird eine Reihe von Diskussionen über die Londoner Schule für Malerei: Kunst und Philosophie nach dem Ersten Weltkrieg stattfinden, die gemeinsam mit der kuratorischen Agentur Science vorbereitet werden. mich. Fachleute aus verschiedenen Wissensgebieten - Kunst, Wissenschaft, Philosophie, Kultur - initiieren ein Gespräch über zentrale Aspekte der Arbeit von Künstlern an der London School. Die Werke dieser Künstler sind mehr als einmal Gegenstand tiefer Analyse geworden, da sie konzentrierte Manifestationen sowohl persönlicher tragischer Erfahrungen als auch kollektiver Umwälzungen sind. Die Diskussionen berührten ein breites Themenspektrum - von den Erfahrungen der Tragödie des Krieges bis zur Verbindung der Arbeiten der Künstler der London School mit den philosophischen und wissenschaftlichen Konzepten der Zeitgenossen. Die Teilnehmer der Diskussionen werden versuchen, die tiefen Bedeutungen zu entdecken, die den Anstoß für die Schaffung dieser gleichzeitig faszinierenden und erschreckenden Gemälde gaben.

Der Eintritt zu den Veranstaltungen des Bildungsprogramms erfolgt per Eintrittskarte in das Museum. Das Programm und der Zeitplan sind auf der Website des Museums verfügbar.

Veranstaltungsprogramm

Kuratorischer Vortrag „Künstler und ihre Themen: unmittelbare Nähe“
5. März, 19:00 Uhr, Hauptgebäude, Halle 29

Der Vortrag wird von Helen Crippa gehalten, Kuratorin für zeitgenössische britische Kunst in der Tate Gallery. Dank Helena Crippa fanden wichtige internationale Ausstellungen wie The London Calls im J. Paul Getty Museum in Los Angeles und Too Human: Bacon, Freud und das Zeitalter des Kunstlebens in der Tate Gallery statt.

Elena Crippa wird in seinem Vortrag über die Beziehungen sprechen, mit denen die in der Ausstellung vertretenen Künstler in Verbindung standen. Warum beginnt die Ausstellung mit den Werken von William Coldstream, David Bomberg und Francis Bacon, und wer ist in ihren Werken abgebildet? Wer der Künstler wurde von den Meistern der Vergangenheit beeinflusst und in wessen Werken wurde nach Hinweisen auf die Werke von Diego Velazquez, Edgar Degas, Paul Cezanne und Pablo Picasso gesucht? Und wer von den Vertretern der Londoner Schule hat die Kunst der Kollegen bewundert und gesammelt und Werke von David Hockney gesammelt? Im letzten Teil der Vorlesung wird der Kurator auf die Figur von Lucien Freud zurückgreifen, die als Inspirationsquelle für den Künstler dient, und darlegen, wie sich seine Arbeit im Laufe von fast sieben Jahrzehnten verändert hat.

Vortrag „Die Londoner Schule und das Ende einer geordneten Ära“
13. März, 19:00 Uhr, Hauptgebäude, Halle 29

Der Vortrag wird gehalten von Danila Bulatov, Kuratorin der Ausstellung, Forscherin an der Kunstabteilung Europas und Amerikas des 19.-XX. Jahrhunderts.

Vortrag „Künstler der London School im Dialog mit klassischer Kunst“
20. März, 19:00 Uhr, Hauptgebäude, Halle 29

Der Vortrag wird gehalten von Danila Bulatov, Kuratorin der Ausstellung, Forscherin an der Kunstabteilung Europas und Amerikas des 19.-XX. Jahrhunderts.

Diskussion "London School and the Old Masters"
22. März, 18:00 Uhr, Hauptgebäude, Halle 29

Die Londoner Schule ist ein zweideutiges Phänomen in der Kunstwelt: Einerseits sind ihre Vertreter Reformer, die nach neuen Ausdrucksmitteln suchten, und andererseits Künstler, die sich dem Realismus zuwandten. Entgegen der Dominanz der verschiedenen Strömungen des Abstraktionismus nach dem Zweiten Weltkrieg schufen die Londoner eine absolut menschliche Welt - körperlich und sinnlich. Dieses Programm kombiniert sie mit alten Meistern. Sie nannten sich Schüler klassischer Künstler: Lucien Freud betrachtete die nördliche Renaissance als die wichtigste Periode in der Kunstgeschichte und nannte sich den Nachfolger von Albrecht Durer, dem Vater des Genres Selbstporträt; Frank Auerbach sprach über den Einfluss fast aller alten Meister auf seine Arbeit. In der Diskussion werden die allgemeinen Trends der alten und neuen Traditionen sowie die Ausgangspunkte erörtert, an denen sich moderne Künstler von den Klassikern zu entfernen begannen.

Teilnehmer: Viktor Yerofeyev (Schriftsteller, Literaturkritiker, Radio- und Fernsehmoderator), Danila Bulatov (Kuratorin, Forscherin am Puschkin-Museum der Schönen Künste, Kunsthistorikerin), Nadezhda Prokazina (Lehrerin an der HSE School of Historical Sciences, Kunstkritikerin, Western Kunstwissenschaftlerin), Ekaterina Kochetkova (Ph.D., Dozentin an der Abteilung für Geschichte der Moskauer Staatlichen Universität, benannt nach MV Lomonosov).

Diskussion "London School: figurative Kunst als neue Abstraktion"
29. März, 18:00 Uhr, Hauptgebäude, Ausstellungsausstellung

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts gibt die Kunst grundsätzlich ihre Repräsentativität auf. Die Kunstwelt ist gefüllt mit "Theorie", weg von räumlicher Klarheit und Geschichtlichkeit: Kunst versucht, die Idee der Kunst zu reflektieren. Aber die Krisen, mit denen die Menschheit konfrontiert ist, machen es dringend erforderlich, zur Realität zurückzukehren. Künstler der London School haben diese Wende geschafft, aber obwohl ihre Kunst figurativ ist, ist sie weit von einer realistischen Tradition entfernt. Sie wollten die direkteste Erfahrung des Lebens vermitteln. Hierzu griff man häufig auf die Technik des pastosen Aufbringens (Aufbringen einer dicken Farbschicht auf die Leinwand) zurück, die dazu beitragen sollte, den Raum des Bildes mit der realen Welt zu verbinden und die materiellen Aspekte der Malerei zu stärken. Gleichzeitig implizierte dieser Ansatz ein hohes Maß an Abstraktion, da der Künstler nicht die Realität der sichtbaren Welt auf der Leinwand imitieren wollte, sondern den „Realitätssinn“ stärken wollte.

Teilnehmer: Ilona Lebedeva (Ph.D. in Kunst, Forscherin an der Abteilung für zeitgenössische westliche Kunst am Staatlichen Institut für Kunststudien, Mitglied der Association of Art Critics und der Association of Culture Managers), Sergey Dzikevich (Ph.D. Kirill Svetlyakov (Ph.D. in Kunstgeschichte, Preisträger des Sergey Kuryokhin-Preises), Assistenzprofessor für Ästhetik an der Philosophischen Fakultät der Moskauer staatlichen Universität, benannt nach MV Lomonosov, ist auf der Liste der einflussreichsten Personen der russischen Kunst aufgeführt nach den Ausgaben von Artchronika, Artguide, The Artnewspaper Russia ”), Victoria Vasilieva (Ph.D., Juniorprofessorin, Fakultät für Geisteswissenschaften, Fakultät für Kulturwissenschaften, Hochschule für Wirtschaft der Nationalen Forschungsuniversität, Spezialist für Medien, Massenkultur und Audiovisuelle Methoden in den Kulturwissenschaften.

Diskussion "London School: Die Krise des Bösen"
5. April, 18:00 Uhr, Hauptgebäude, Ausstellungsausstellung

Traditionell gehört das Verständnis von Gut und Böse zum Bereich der Ethik; Die Vorstellungen über diese Kategorien haben sich zu verschiedenen Zeiten geändert. Ethische Ideen betrafen sehr abstrakte Begriffe wie Pflicht, Prinzip, Wille, manchmal wurde das Universum durch ethische Gesetze konzeptualisiert. Die Ethik hat den Menschen immer als eine Kreatur angesprochen, die in der Lage ist, nach idealistischen Prinzipien zu handeln. Das zwanzigste Jahrhundert brachte die Menschen dazu, sich der Tatsache zu stellen, dass alle ethischen und religiösen Vorstellungen von Gut und Böse nicht mehr funktionieren. Dies war das Ergebnis der Tragödie des Krieges, der monströsen Verbrechen des Nationalsozialismus, des physischen Leidens der Menschen - der menschliche Körper erwies sich als politisches Feld, in dem die Gewalt an ihre Grenzen stieß. Die Untersuchung der nationalsozialistischen medizinischen Experimente im Rahmen der Nürnberger Prozesse führte zu einer neuen, stärker angewandten Vorstellung von Ethik: Medizinethik und Bioethik traten auf. Im Rahmen der Diskussion wird versucht, die Arbeit der Künstler der London School anhand des Prismas ethischer Probleme des 20. Jahrhunderts zu erfassen.

Teilnehmer: Boris Kashnikov (Doktor der Philosophie, Professor der Philosophischen Fakultät der Nationalen Forschungsuniversität), Danila Bulatov (Kuratorin, Forscherin am Puschkin-Museum der Schönen Künste, Kunsthistorikerin), Oleg Aronson (Ph.D. (Senior Researcher am Institut für Philosophie der Russischen Akademie der Wissenschaften), Senior Researcher am Institut für Russische Anthropologische Schule sowie am Russischen Institut für Kulturwissenschaften, Kunstkritikerin), Alexandra Moskovskaya (Ph.D., Researcherin am den Bereich Ästhetik am Institut für Philosophie der Russischen Akademie der Wissenschaften).

Vorlesung "Living Essence"
10. April, 19:00 Uhr, Hauptgebäude, Halle 29

Der Vortrag wird von Katherine Lampert, freie Kuratorin, Kunstkritikerin, gehalten.

„Existenz geht der Essenz voraus“ - so formulierte Jean-Paul Sartre eine existentialistische Position, die auf den Künstlern basierte, deren Werk in der Ausstellung „Francis Bacon, Lucien Freud und die London School“ gezeigt wurde.

Katherine Lampert wird auf ihren eigenen Erfahrungen mit Ausstellungen, dem Verfassen von Artikeln und persönlichen Kontakten mit Londoner Künstlern wie Francis Bacon, Leon Kossoff, Frank Auerbach, Lucien Freud, William Coldstream, Michael Andrews, Paula Reglu, Ewan Aglow und Paul beruhen Sprechen Sie auch über mehrere Anhänger, darunter Georg Baselitz.

Katherine Lampert, eine unabhängige Kunstkuratorin, arbeitete von 1988 bis 2001 in der Hayward Gallery in London. Sie war die Direktorin der Whitechapel Gallery. Der Autor von Büchern und Artikeln über Ewan Aglow, Frank Auerbach, Peter Doig, George Shaw, Francis Alice und andere. Heute ist Catherine Lampert Mitglied des wissenschaftlichen Beirats des Rodin-Museums, arbeitet an der Ausstellung Paula Regu, die im Juni 2019 eröffnet wird, und stellt einen Katalog mit Gemälden von Lucien Freud zusammen.

Diskussion "Tod Gottes" und christliche Bilder
12. April, 18:00 Uhr, Hauptgebäude, 29. Halle

Eines der traditionellen religiösen Themen ist die Schwierigkeit, die Existenz des Bösen in einer Welt zu erklären, die von einem guten Gott regiert wird - das Problem der Theodizee. Im 20. Jahrhundert von Nietzsches Idee des „Todes Gottes“ verkündet, umfasst sie die Idee, dass alte moralische Prinzipien, deren Quelle ein bestimmtes höheres Wesen, Gott, ist, sterben. Mit dem Tod Gottes bekräftigt der Mensch die Realität - sagt „Ja“ zum Leben. Gleichzeitig verliert das Sein die Zuverlässigkeit, die die Gegenwart Gottes gibt. Die Ereignisse, die während des Lebens der Künstler der Londoner Schule stattfanden - Kriege, Revolutionen, wissenschaftliche Entdeckungen, Wirtschaftskrisen - zeigen die Zerbrechlichkeit des Wohlbefindens und die Rationalität des Lebens. In der Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg sind oft Bilder aus der christlichen Ikonographie entlehnt, aber sie bekommen unweigerlich einen weltlichen, ja sogar nihilistischen Charakter. Die Diskussion wird die Möglichkeiten aufzeigen, die Arbeit der Künstler der London School im Kontext der „Dehydration“ der Welt und eines neuen Blicks auf christliche Doktrinen zu verstehen.

Teilnehmer: Lidia Chakovskaya (Ph.D., leitende Forscherin am Staatlichen Institut für Kunstwissenschaft und am Institut für Geschichte und Theorie der Weltkultur der Philosophischen Fakultät der Moskauer Staatlichen Universität, benannt nach MV Lomonosov, Kunstkritikerin), Alexei Rastorguev (Ph.D. in Kunstgeschichte, Assistenzprofessor an der nach MV Lomonosov benannten Fakultät der Moskauer Staatlichen Universität für allgemeine Geschichte der historischen Künste, spezialisiert auf die Kunst der Spätantike, die Kunst des westeuropäischen Mittelalters, die byzantinische und die post-europäische Kunst Byzantinische Ikone, Geschichte der christlichen Ikonographie und Kunst der nördlichen Renaissance, Kunst des 20. Jahrhunderts), Julia Sineokaya (Doktor der Philosophie, Professorin der Russischen Akademie der Wissenschaften, Leiterin der Abteilung für westliche Philosophie am Institut für Philosophie der Russischen Akademie der Wissenschaften, Spezialistin für Geschichte der europäischen und russischen Philosophie der zweiten Hälfte des 19. - 20. Jahrhunderts, Anna Pozhidaeva (Kandidatin für Kunst H Assoziierte Professorin an der Fakultät für Geisteswissenschaften der Nationalen Forschungsuniversität für Wirtschaftswissenschaften, Spezialistin für mittelalterliche westeuropäische Kunst, christliche Ikonographie und Rezeption mythologischer Themen in der Weltkunst.

Diskussion "Körper ohne Organe: Philosophie und Nachkriegskunst"
19. April, 18:00 Uhr, Hauptgebäude, 29. Halle

„Körper ohne Organe“ - ein philosophisches Konzept, das von Antonin Artaud eingeführt und von Gilles Deleuze detailliert ausgearbeitet wurde, wurde zum Schlüssel für die Entwicklung nachfolgender Trends in Malerei, Tanz, Theater und Kino. Sein Wesen liegt in der Tatsache, dass ein Körper ohne Organe einem organisierten Körper gegenübersteht, er ist „Fleisch und Nerven“. Deleuze untersucht die Arbeit von Bacon und schreibt über die Darstellung der "intensiven Tatsache des Körpers" durch den Künstler. Dieses Prinzip erwies sich als äußerst wichtig für die Künstler der Londoner Schule, die sich mit der Realität des Nachkriegseuropas konfrontiert sahen, in der die Realität in der ganzen Bandbreite physischer Eindrücke spürbar wurde: eine Realität, die sich nicht hinter den Ansichten von verbirgt gemütliche städte, tische voller lebensmittel in häusern und teure kleidung - ein reines wesen, das dem künstler direkt offenbart wird. Der „Körper ohne Organe“ als Prinzip des Denkens und Sehens ist am besten geeignet, um die Spannung des Lebens zu vermitteln, und die Vertreter der Londoner Schule versuchen, den Betrachter zu zwingen, sich zu einem „Körper ohne Organe“ zu machen, Nerven wahrzunehmen zu lernen endet auf der Ebene der Arbeit, so dass das Leben von „Organisation“ befreit wird und zur Geltendmachung seiner Authentizität kommt.

Teilnehmer: Svetlana Polyakova (Ph.D., Juniorprofessorin am Institut für Ontologie, Wissenstheorie, Philosophische Fakultät der Moskauer Staatlichen Universität, benannt nach MV Lomonosov, Ontologin, Spezialistin für zeitgenössische Kunst und Theosophie), Chaim Sokol (Künstler, Bildhauer, Kunstkolumnistin, Autorin von Installationen, Performances, Texten), Anna Yampolskaya (Doktorin der Philosophie, Leitende Forscherin am Zentrum für Fundamentalsoziologie der Nationalen Forschungsuniversität, Spezialistin für französische und deutsche Phänomenologie).

Vortrag "Malen mit und ohne Kommentar: RB China und britische Pop Art"
15. Mai, 19:00 Uhr, Hauptgebäude, Halle 29

Die Idee, eine "neue Kunst" zu schaffen, wurde von jungen britischen Künstlern, Studenten des Royal College of London, aufgegriffen: RB China, Peter Blake, Joe Tilson, Richard Smith, Derek Boschier, David Hockney, Allen Jones und Peter Philipps, der im Februar 1961 seine Studentenausstellung "Young Contemporaries" ankündigte. Diese Künstler stellten den Kern der britischen Pop-Art dar und verkörperten ihre Hauptprinzipien in ihrer Arbeit. Auf ihrer Seite existieren zwei Welten - "High Art" und Massenkultur Leinwandbilder zu gleichen Bedingungen als Teil eines Ganzen Werbung, Comics, die amerikanisierte Kultur des Mittelstandes stellen für die meisten englischen Popkünstler in erster Linie eine Quelle moderner Bilder dar. Ihre Werke sind voller Zitate und künstlerischer Parallelen.

Der Vortrag wird von Alexandra Danilova gehalten, Leiterin der Kunstabteilung der Länder Europas und Amerikas des 19.-XX. Jahrhunderts.

Diskussion „London School and Poetry. Kunst nach Auschwitz “
18. Mai, 20:00 Uhr, Hauptgebäude, 29. Halle

Der Satz des deutschen Philosophen Theodor Adorno „nach Auschwitz ist jedes Wort, in dem hohe Töne zu hören sind, des Existenzrechts beraubt“, wurde zu einem Satz für alle Kunst, die nach dem Holocaust geschaffen werden konnte. Alle Worte, die das Transzendentale ansprechen, werden durch die Tatsache kompromittiert, dass sie einst nach Auschwitz führten. Wenn solch erhabenes Denken mit realer Erfahrung verbunden wird, kostet es nichts, ganze Nationen im Namen einer „hohen Idee“ auszurotten. Poesie und Malerei sind Genres, die häufiger als andere Bedeutungen fordern, die über der materiellen Realität des Menschen liegen. Aber wie sind sie zu einer Zeit möglich, in der ein solches Weltbild noch nach Aas riecht? Die Londoner Schule ist ein Produkt dieser Haltung, die zum Impuls für die Schaffung neuer Formen und Ausdrucksmittel wird, sofern die Destruktivität des alten Kunstverständnisses anerkannt wird. Im Rahmen des Gesprächs über Malerei und Poesie der Nachkriegszeit wird es möglich, zu verstehen, wie die Kunst die Krise der Repräsentation überwunden hat, die durch die blutigen Seiten der menschlichen Geschichte verursacht wurde.

Teilnehmer: Juri Saprykin (Journalist, Kulturwissenschaftler, Radiomoderator, Projektleiter des Projekts „Shelf“), Ksenia Golubovich (Kandidatin der philologischen Wissenschaften, Vorsitzende der Jury des A. Pyatigorsky-Literaturpreises, Schriftstellerin, Übersetzerin, Literaturkritikerin), Alexandra Volodina (Dozentin des Programms „Zeitgenössische Kunst““an der Hochschule für Wirtschaft, wissenschaftliche Mitarbeiterin im Bereich Ästhetik, Institut für Philosophie der Russischen Akademie der Wissenschaften, Kulturwissenschaften

Diskussion "London School: existentieller Horror und Kriegserfahrung"
19. Mai, 20:00 Uhr, Hauptgebäude, Halle 29

Die existentielle Erfahrung des Grauens ist eine der Quellen der künstlerischen Sprache der Meister der London School. Krieg ist ein Ereignis, das als endloses Gefühl des Todes beschrieben werden kann. Menschen, die in einen solchen Zustand eingetaucht sind, können die Lichtbrechungen des Lebens erkennen, die in Friedenszeiten nicht zu sehen sind - paradoxerweise beginnen sie, so wie sie klingen, wirklich zu leben. Trotz der Tatsache, dass der Krieg eine Person demoralisiert, handelt es sich um eine „Grenzsituation“ (dies ist ein Begriff aus der Philosophie des Existentialismus, der sich auf den Moment bezieht, in dem eine Person ihre wahre Existenz erkennt - Existenz). Искусство Лондонской школы пропитано этим потрясением от открывшейся алогичности и неупорядоченности. Приемы, которые используют художники, позволяют делать ощутимым страх человека, вызванный чувством слитности с этим миром и одновременно ужасом пребывания в нем. В связи с этим большинство из этих мастеров обращается к изображению плоти - самой первичной зоны человеческого опыта, в которой человек утверждает себя. Жан-Поль Сартр писал: „Моё тело из плоти, плоть живет, плоть копошится, она тихо вращает соки, кремы, эта плоть вращает, вращает мягкую сладкую влагу моей плоти, кровь моей руки, сладкая боль в моей раненой плоти, которую вращают, она идет, я иду, я спасаюсь бегством, я негодяй сизраненной плотью, израненный существованием со. Плоть становится точкой.

Участники: Глеб Напреенко (искусствовед, психоаналитик лакановской ориентации, теоретик искусства), Валентин Дьяконов (кандидат культурологии, искусствовед, арт-критик), Алина Стрельцова (кандидат искусствоведения, преподаватель факультета журналистики МГУ им М. В. Ломоносова, заместитель главного редактора журнала. „Искусство“, журналист).