Geschichte der Skulptur Automatische übersetzen

Einführung

Jeder chronologische Bericht über die Ursprünge und die Entwicklung der dreidimensionalen Kunst sollte mehrere Bände, wenn nicht sogar eine ganze Bibliothek von Büchern umfassen. Durch die Komprimierung auf eine einzelne Seite wird der größte Teil der Geschichte unvermeidlich weggelassen. Trotzdem ist es immer noch eine großartige Geschichte! Von der Vorgeschichte über die Antike, die Gotik, die Renaissance bis zum 21. Jahrhundert ist die Geschichte der Bildhauerei von außergewöhnlichen Künstlern geprägt – am traurigsten anonym – deren visuelle Ausdruckskraft in Form von wunderschönen Marmorstatuen, Steinreliefs und unsterbliche Bronzen.

Besuchen Sie auch heute noch eine Kathedrale oder eine der großen Städte, Plätze oder Gebäude der Welt, und Sie werden mit Sicherheit großartige Beispiele für 3D-Kunst sehen.

Chronologie der Bildhauerei

Prähistorische Skulptur

Die Skulptur beginnt in der Steinzeit. Genau wann, wissen wir nicht. Die frühesten bekannten Beispiele sind die zwei primitiven Steinbilder, die als Venus von Berekhat Ram und Venus von Tan-Tan bekannt sind . Die Venus von Berekhat Ram (um 230.000 v. Chr. Oder früher) ist eine Basaltfigur aus der Zeit der Acheulianer, die auf den Golanhöhen entdeckt wurde. Die Venus von Tan-Tan (um 200.000 v. Chr. Oder früher) ist eine Quarzit-Figur aus derselben Zeit.

Wenn es sich bei diesen Objekten um vorskulpturale Formen handelt, ist dies die früheste prähistorische Skulptur etwa 35.000 v. u. Z. wurden in den Höhlen von Vogelherd, Hohle Fels und Hohlenstein-Stadel im Schwäbischen Jura Schnitzereien von Tieren, Vögeln und Menschen gemacht, die während der Unterperigord- / Aurignac-Zeit entstanden sind. Die früheste figurative Skulptur ist die Elfenbein schnitzen bekannt als Löwenmann des Hohlenstein Stadels (38.000 v. Chr.).

Eine andere frühe Art der Steinzeitskulptur sind die fettleibigen Miniaturfiguren, die Venus genannt werden : wie die Venus von Willendorf, Kostenky, Monpazier, Dolni Vestonice, Moravany, Brassempouy und Gagarino. Diese Venusfiguren bestehen aus so unterschiedlichen Materialien wie Mammutknochen, Keramik, Ton und Knochenasche sowie verschiedenen Steinsorten wie Steatit, oolitischem Kalkstein, Serpentin und Vulkangestein und wurden an Standorten in ganz Europa, von Russland bis Spanien, gefunden. Anthropologen glauben, dass sie in Fruchtbarkeitsritualen verwendet wurden, obwohl es ein Rätsel bleibt, warum dicke Frauen so ikonisch sein sollten. (Mangel an Essen? Ed).

Mesolithische Skulptur (ca. 10.000-4.000 v. Chr.)

Mesolithische Kunst erlebte weitere Reliefs und freistehende Skulpturen wie die in Nevali Cori und Nevali Cori entdeckten anthropomorphen Figuren Gobekli Tepe in der Nähe von Urfa in der Osttürkei und den Statuen von Lepenski Vir (z. B. Der Fischgott) in Serbien. Es war auch Zeuge der Gründung der Shigir Idol (7.500 v. Chr.) – die älteste erhaltene Holzschnitzerei der Welt – in der Nähe von Swerdlowsk in Russland gefunden. Das wohl größte mesolithische Kunstwerk ist das Terrakotta-Skulptur aus Rumänien, bekannt als The Denker von Cernavoda ein unverkennbares Bild des kognitiven Denkens.

Neolithische Skulptur (ca. 4.000-2.000 v. Chr.)

Neolithische Kunst ist vor allem für seine Töpferei bekannt, aber auch für freistehende Skulpturen und Bronzestatuetten – insbesondere aus dem Indus Valley Zivilisation , der Nordkaukasus und präkolumbianische Kunst in Amerika. Die spektakulärste Form der neolithischen Kunst war Ägyptische Pyramidenarchitektur deren Grabkammern führten zu einer erhöhten Nachfrage nach verschiedenen Arten von Reliefs sowie tragbaren Statuen und Statuetten. (Sehen Ägyptische Skulptur .) In der Tat lösten das Aufkommen der Bronzezeit (in Europa: 3000-1200 v. Chr.) Sowie die Entstehung von Städten und öffentlichen Gebäuden und die Entwicklung ausgefeilterer Werkzeuge eine allgemeine Zunahme der Nachfrage nach Kunst aller Art aus einschließlich Skulptur. Siehe zum Beispiel Mesopotamische Skulptur (3000-500). In dieser Zeit begann die Kunst eine bedeutende Rolle zu spielen, indem sie die Bestrebungen mächtiger Herrscher und der von ihnen verehrten Gottheiten widerspiegelte. Kurz gesagt, wohlhabende und ehrgeizige Gemeinschaften waren gut für die Bildhauerei.

Skulptur des östlichen Mittelmeers (ca. 2000-1100 v. Chr.)

Nach der Blüte der Architektur und anderer Künste in Ägypten erlebte die Levante auch den Aufstieg der minoischen Kultur auf der Insel Kreta, die für ihre Skulptur und Kunst bekannt war Metallarbeiten . Nach einer unbekannten Katastrophe (wahrscheinlich Erdbeben) um 1500 v Zivilisation zusammengebrochen, und Kreta wurde von den Mykenern vom griechischen Festland erobert, die selbst überwunden und die Stadt Mykene um 1100 v. Chr. zerstört wurden.

Fernöstliche Skulptur (um 1700 v. Chr. – 1150 n. Chr.)

Chinesische Kunst während der Shang Dynastie (um 1600-1050) entwickelten sich ganz anders als westliche Sorten. Für die feinste Bronzeskulptur, die in dieser Zeit in China hergestellt wurde, siehe: Sanxingdui Bronzen (1200-1000 v. Chr.). Berühmte Beispiele für indische und südostasiatische Skulpturen sind die außergewöhnlichen Reliefs des Hindu-Tempels Kandariya Mahadeva (1017-29) aus dem 11. Jahrhundert in Madhya Pradesh, Indien; und das 12. Jahrhundert Angkor Wat Khmer Tempel (1115-45) in Kambodscha.

Skulptur der klassischen Antike (um 1100-100 v. Chr.)

Aufgrund der kulturellen Stagnation des griechischen "dunklen Zeitalters" (1100-900 v.Chr.) Und der Dominanz der Keramik in der geometrischen Periode (900-700 v.Chr.) Erschien die griechische Skulptur erst im 19. Jahrhundert Daedalisch oder im orientalischen Stil um 650 v.Chr. Danach entwickelte es sich nach der traditionellen Chronologie der griechischen Kunst während Antike wie folgt: Archaische Zeit (ca. 650-500 v. Chr.); Klassische Periode (c.500-323 BCE); und hellenistische Periode (c.323-100 BCE). Weitere Informationen finden Sie unter: Griechische Skulptur leicht gemacht .

Archaische griechische Skulptur (ca. 600 bis 500 v. Chr.)
Die archaische Zeit war eine Zeit langsamer, aber kontinuierlicher Experimente; die am meisten geschätzte Form von Archaische griechische Skulptur war der kouros (pl.kouroi) oder stehender männlicher Akt.

Klassische griechische Skulptur (c.500-323 BCE)
Aufgeteilt in die Frühe Klassik Zeitraum, Hochklassik Zeitraum und Späte Klassik Dies war der Höhepunkt der griechischen Kreativität. In der bildenden Kunst mögen berühmte Bildhauer Polykleitos (5. Jahrhundert v. Chr.), Myron (Active 480-444 BCE) und Phidias (c.488-431 BCE) (siehe seine Arbeit an der Parthenon ) erreichte ein Maß an Realismus – weiterentwickelt von späteren Künstlern wie Callimachus (Aktiv 432-408 v. Chr.), Skopas (Active 395-350 BCE), Lysippos (c.395-305 v. Chr.), Praxiteles (Active 375-335 BCE) und Leochares (Active 340-320 BCE) – das bis zur italienischen Renaissance unübertroffen bleiben würde.

Griechische Skulptur (ca. 323-27 v. Chr.)
In dieser Zeit (gekennzeichnet durch die Verbreitung der griechischen Kultur in der zivilisierten Welt) wurde der klassische Realismus durch einen stärkeren Heroismus und Expressionismus ersetzt. Sehen: Pergamene Schule der hellenistischen Skulptur (241-133 v. Chr.). Berühmte Werke von Hellenistische griechische Skulptur gehören: Sterbende Gallier von Epigonos ; der geflügelte Sieg von Samothrace ; Laokoon und seine Söhne von Hagesandrus, Polydorus und Athenodorus (42-20 v. Chr.) und der Venus de Milo . Für die größten hellenistischen Reliefs siehe: Pergamonaltar des Zeus (166-56 v. Chr.).

Trotz des politischen und militärischen Niedergangs der griechischen Stadtstaaten um 200 v. Chr. Und des damit einhergehenden Aufstiegs Roms behielt die griechische Skulptur ihren Status als die schönste, die jemals geschaffen wurde. Sogar die Römer haben es nicht geschafft, ihr Minderwertigkeitsgefühl gegenüber der griechischen Kunst zu überwinden, obwohl sie süß genug waren, um so viele griechische Werke wie möglich zu kopieren, und vor allem durch diese Kopien ist die Kunst der griechischen Skulptur bekannt. Der wahre Einfluss von Hellenistische Statuen und Reliefs tatsächlich zwischen 1600 und 1700 Jahre später, als es von Künstlern der Frührenaissance in Italien "wiederentdeckt" wurde und danach den Grundstein der europäischen Kunst für die nächsten vier Jahrhunderte bildete. Kurz gesagt, die Griechen bekommen maximale Punkte.

Keltische Metallskulptur (400-100 v. Chr.)

Vergessen wir nicht die Kelten – eine Reihe von Nomadenstämmen, die um 800 v. Chr. Aus dem Kaukasus hervorgingen und sich allmählich nach Westen in Europa (600-100 v. Chr.) Bis zur Iberischen Halbinsel, nach Großbritannien und Irland ausbreiteten. Obwohl sie sehr mobil waren und Meister der Schwarz- und Goldschmiedekunst waren, waren sie zu unorganisiert, um mit dem hochdisziplinierten und zentralisierten Staat Rom zu konkurrieren. Schließlich vollständig romanisiert, zumindest auf dem Kontinent, ihre Keltische Metallkunst schloss einige der feinsten Metallskulpturen des Zeitalters ein (zB das Broighter Boot c.100-50 v. Chr.). Sie waren auch außergewöhnliche Händler und ihre komplizierten Metallarbeiten wurden in die ganze Welt exportiert und nachgeahmt. Für Steinmetzarbeiten der Kelten siehe: Keltische Skulptur . Für monumentale Keltoi - Steinskulpturen siehe: Turoe Stein .

Die größte Lehmskulptur der Welt
Das Terracotta Armee (246-208 v. Chr.), eine riesige Sammlung von Kriegern und Pferden aus Lehm, wurde in der chinesischen Provinz Shaanxi auf Befehl von Kaiser Qin Shi Huangdi geschaffen. Tausende von Figuren bleiben auf der Baustelle begraben. Siehe auch Chinesische buddhistische Skulptur (100 vorhanden). Zur Kunst in Indien siehe Indische Skulptur (3300 v. Chr. – 1850).

Römische Skulptur (ca. 200 v. Chr. – ca. 200 n. Chr.)

Bis etwa 27 v. Chr. Trotz des Einflusses früherer etruskischer Bildhauer – bekannt für ihre "Lebensfreude" – Römische Skulptur war unidealisiert und realistisch; danach wurde es streng heroisch und ziemlich mittelmäßig. Es sollte vor allem die Majestät und Macht der römischen Herrschaft ausdrücken, also neben einer Reihe von prächtigen historischen Reliefs (z. B. das Spiralflachrelief von Trajansäule ) und seltene Denkmäler (z Ara Pacis Augustae ) Waren römische Bildhauer vorwiegend in der Herstellung von Porträtbüsten der Kaiser und anderer Würdenträger. Kurz gesagt, keine große Sache.

Byzantinische Skulptur (330-1450 n. Chr.)

Bis zum vierten Jahrhundert frühchristliche Skulptur Es handelte sich fast ausschließlich um Grabreliefs für Sarkophage in Rom. Als das Römische Reich in Ost und West geteilt wurde, befand sich die östliche Hauptstadt in Konstantinopel. Die Kunst des oströmischen Reiches mit Sitz in Byzanz war fast ausschließlich religiös, aber abgesehen von einigen flachen Elfenbeinreliefs und Goldschmiedearbeiten erlaubte die ostorthodoxe Marke des Christentums keine 3D-Kunstwerke wie Statuen oder Hochreliefs. Gut für Maler, schlecht für Bildhauer.

Skulptur während des dunklen Zeitalters (c.500-800)

Wie der Name schon sagt, war dies eine dunkle und ruhige Zeit für europäische Bildhauer. Die Kirche war schwach, die Barbaren (die kein großes Interesse an Bildhauerei hatten) waren stark, und die Städte waren verarmt und unkulturiert. Es gab einige Aktivitäten in Konstantinopel und am Rande Europas, zum Beispiel in Irland, wo die Klosterkirche (von 800 bis 1100) damit begann, eine Reihe von freistehenden Steinkreuzen in Auftrag zu geben, die als bekannt sind Keltische Hochkreuzskulpturen – verziert mit Gospelszenen und anderen keltischen Mustern – aber wenig mittelalterliche Kunst wurde auf dem Kontinent geschaffen.

Hinweis zu Skulptur und Architektur

Bevor wir fortfahren, sollten wir die Schlüsselverbindung zwischen öffentlicher Architektur oder Bauprogrammen und Skulptur hervorheben. In einfachen Worten, öffentliche Gebäude brauchten in der Regel sowohl innen als auch außen skulpturale Dekoration. Die Stützpfeiler enthielten häufig dekorative Motive oder Statuen und Reliefs, ebenso wie Fassaden, Türen und verschiedene Innengitter. So löste jedes neue Hauptprogramm öffentlicher Arbeiten – das in der Regel von einem neuen Architekturstil eingeläutet wurde – ein riesiges Parallelprogramm der Bildhauerei aus. Kurz, mittelalterliche Bildhauer liebten Architekten.

Frühromanische Skulptur (karolingisch, ottonisch) (um 800–1050)

Die Wiederbelebung von mittelalterliche Skulptur begann mit Karl I., dem König der Franken, der 800 zum Heiligen Römischen Kaiser gekrönt wurde. Das karolingische Reich löste sich recht schnell auf, aber Karls Mäzenatentum war ein entscheidender erster Schritt zur Wiederbelebung der europäischen Kultur, nicht zuletzt wegen vieler romanischer Persönlichkeiten und gotische Kirchen wurden auf den Grundlagen der karolingischen Architektur errichtet. Die architektonischen Errungenschaften Karls des Großen wurden von den heiligen römischen Kaisern Otto I., II. Und III. In einem als ottonisch bekannten Stil fortgesetzt. Die Kunst der Bildhauerei war also zurück, wenn auch in bescheidenem Umfang. Siehe auch: Mittelalterliche Künstler .

Romanische Skulptur (um 1000-1200)

Im 11. Jahrhundert setzte sich eine selbstbewusstere christliche Kirche wieder durch. Dieser doktrinelle Expansionismus führte zu den Kreuzzügen, um das Heilige Land vom Einfluss des Islam zu befreien. Der Erfolg der Kreuzfahrer und der Erwerb von Reliquien lösten den Bau neuer Kirchen und Kathedralen in ganz Europa im vollwertigen romanischen Baustil aus – einem Stil, der in Großbritannien und Irland als "normannische" Architektur bekannt ist. Dies wiederum führte zu einer enormen Provisionswelle für Romanische Skulptur und Glasmalerei. Damit war die Bildhauerkunst endlich wieder da. Und mit dieser neuen Nachfrage nach plastische Kunst Es folgten neue Schnitz- und Modellbauwerkstätten, Lehrstellen und Anerkennungen für Meister. Tatsächlich wurden die führenden Bildhauer im 12. Jahrhundert von Äbten, Erzbischöfen und anderen weltlichen Gönnern wegen ihres einzigartigen Beitrags zur visuellen Wirkung der im Bau befindlichen religiösen Gebäude sehr gefragt.

Berühmte romanische Bildhauer:
Gislebertus (12. Jahrhundert)
Meister der Cabestany (12. Jahrhundert)
Meister Mateo (12. Jahrhundert)
Benedetto Antelami (aktiv 1178-1196)

Gotische Skulptur (um 1150-1300)

Das Bauprogramm der Kirche regte die Entwicklung neuer architektonischer Techniken an. Diese Techniken kamen Mitte des späten 12. Jahrhunderts in einem Stil zusammen, den die Architekten der Renaissance später als "Kunst" bezeichneten. gotische Architektur ". Charakteristische Merkmale im romanischen Stil wie Rundbögen, massiv dicke Wände und kleine Fenster wurden durch Spitzbögen, hohe Decken, dünne Wände und riesige Buntglasfenster ersetzt. Dadurch wurde das Innere vieler Kathedralen vollständig in inspirierende Zufluchtsorte verwandelt Christian Nachricht wurde in einer Vielzahl von vermittelt Biblische Kunst , darunter schöne Glasfenster, und durch eine Vielzahl von Skulpturen. Die Fassaden und Türen der Kathedrale waren in der Regel mit Reliefs mit biblischen Darstellungen sowie mit Skulpturenreihen gefüllt, die Propheten, Apostel, alte Könige von Judäa und andere Evangeliumsfiguren darstellten. In den Innenräumen befanden sich Säulenstatuen und weitere Reliefs. Das Ganze wurde nach einem komplizierten Plan der Evangeliumsikonografie gestaltet, der Analphabeten erziehen und inspirieren sollte.

Im Wesentlichen sollte die gotische Kathedrale das Universum in Miniatur darstellen – ein einzigartiges Stück Christliche Kunst entworfen, um ein Gefühl von Gottes Kraft und Herrlichkeit und der rationalen geordneten Natur seines weltlichen Plans zu vermitteln. Zu den größten Häusern der gotischen Architekturskulptur zählen die französischen Kathedralen Notre Dame de Paris, Chartres, Reims und Amiens; unter anderem die deutschen Kathedralen von Köln, Straßburg und Bamberg sowie die englischen Kirchen von Westminster Abbey und York Minster. In Summe, Gotische Skulptur repräsentierte den Höhepunkt der monumentalen religiösen Kunst. Obwohl die Kirche weiterhin stark in die Kraft der Malerei und Bildhauerei investieren würde, um die Massen zu inspirieren (insbesondere in der Barockzeit der Gegenreformation), war die Gotik wirklich der Höhepunkt der "idealistischen" religiösen Kunst. Von nun an wurde die Kunst der Skulptur sowohl in die säkulare als auch in die päpstliche Politik immer mehr verstrickt.

Berühmte gotische Bildhauer:
Nicola Pisano (c.1206-1278)
Giovanni Pisano (c.1250-1314)
Arnolfo di Cambio (c.1240–1310)
Giovanni di Balduccio (c.1290–1339)
Andrea Pisano (1295-1348)
Filippo Calendario (vor 1315-1355)
Andre Beauneveu (c.1335-1400)
Claus Sluter (c.1340-1406)

Siehe auch: Englische gotische Skulptur und Deutsche gotische Skulptur .

Italienische Renaissance-Skulptur (um 1400-1600)

Das Italienische Renaissance wurde durch die "Wiederentdeckung" und Verehrung der Kunst der klassischen Antike, insbesondere auf dem Gebiet der Architektur und Skulptur, inspiriert. Renaissance-Kunst wurde auch durch einen starken Glauben an den Humanismus und den Adel des Menschen gefärbt. Es begann in Florenz, inspiriert von Persönlichkeiten wie dem Architekten Filippo Brunelleschi (1377-1446), dem Bildhauer Donatello (1386-1466), dem Maler Tommaso Masaccio und dem Theoretiker Leon Battista Alberti (1404-72) und finanziert von der Medici-Familie. Es verbreitete sich dann nach Rom – wo es Unterstützung von den päpstlichen Ambitionen von Papst Sixtus IV (1471-84) erhielt, Papst Julius II (1503-13), Papst Leo X. (1513-21) und Papst Paul III. (1534-45) – und Venedig. Die nordeuropäischen Künste (insbesondere Flandern, Holland, Deutschland und England) erlebten ebenfalls eine Renaissance, insbesondere in den Bereichen Ölmalerei, Druckgrafik und in geringerem Maße Holzschnitzerei, obwohl sich diese sogenannte nördliche Renaissance aufgrund der Reformation (c.1520) und der daraus resultierende Mangel an religiöser Schirmherrschaft durch eine protestantische Kirche, die religiöse Malerei und Bildhauerei in den Hintergrund rückte.

Skulptur aus der Frührenaissance (1400-90)

Angesichts des Respekts der italienischen Renaissance ist es leicht zu vergessen, dass viele italienische Künstler stark von gotischen Traditionen und Handwerkskunst beeinflusst waren. Insbesondere Renaissance-Bildhauer waren ihren gotischen Vorgängern verpflichtet. Man muss nur die Reliefs an den Fassaden und Türen der Kathedralen aus dem 12. Jahrhundert studieren, um den außergewöhnlichen dreidimensionalen Realismus und Emotionalismus zu sehen, der Jahrhunderte vor der Renaissance erreicht wurde. Der große Unterschied zwischen Bildhauern der Gotik und der Renaissance besteht darin, dass die Namen der letzteren heute weltberühmt sind, während viele der ersteren unbekannt sind.

Vor diesem Hintergrund bemühten sich die Bildhauer der Frührenaissance, die gotischen Werke weiter zu verbessern, und ließen sich dabei weitgehend von der klassischen römischen und griechischen Skulptur inspirieren. Dabei haben sie ihren Statuen eine Reihe von Emotionen verliehen und sie mit neuer Energie und neuen Gedanken erfüllt. Die drei größten 3D-Künstler der Frührenaissance waren Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donato di Niccolo di Betto Bardi, bekannt als Donatello, und Andrea del Verrocchio (1435-88).

Lorenzo Ghiberti

Im Jahr 1401 wurde ein Wettbewerb für die Kommission abgehalten, um ein Paar Bronzetüren für das Florenzer Baptisterium des Hl. Johannes zu schaffen – eine der ältesten erhaltenen Kirchen der Stadt. Lorenzo Ghiberti ordnungsgemäß gewann die Kommission für die Türen, die er 27 Jahre brauchte, um zu beenden. Eine zweite ähnliche Kommission folgte und beschäftigte Ghiberti für weitere 25 Jahre. Seine Tore wurden jedoch zu einem greifbaren Symbol der florentinischen Kunst, weshalb Michelangelo sie als "Paradiestore" bezeichnete.

Donatello

Donatello , das erste wirkliche Genie von Italienische Renaissance-Skulptur , erfand das Medium der Skulptur auf die gleiche Weise neu wie Masaccio, Piero della Francesca und Mantegna die Kunst der Malerei revolutionierten. Sein Meisterstück ist die Bronzeskulptur David (um 1435-53), die erste lebensgroße Aktskulptur seit der Antike, die für die Familie Medici geschaffen wurde und sich im Palazzo Medici in Rom befindet Florenz. Die schlanke Form des Jungen des biblischen Hirten scheint kaum in der Lage zu sein, Goliath zu töten, aber seine nachdenkliche weibliche Pose mit ihrem klassischen Kontraposto (Hüftknick) übt eine hypnotische Wirkung auf den Betrachter aus. Es muss sicherlich eine der größten Statuen sein, die jemals geschaffen wurden. Einzelheiten finden Sie unter: David von Donatello .

Andrea del Verrocchio

Der David (um 1475) von Andrea del Verrocchio ist raffinierter, aber weniger intensiv als Donatellos Statue, während seine Reiterstatue des Condottiere Bartolommeo Colleoni (1480er Jahre) weniger heroisch ist, aber ein größeres Gefühl für Bewegung und Prahlerei vermittelt als Donatellos Gattamelata (1444-53) in Padua.

Weitere bedeutende Bildhauer der Frührenaissance sind: Jacopo della Quercia (c.1374-1438); Nanni di Banco (c.1386-1421); die Terrakotta-Bildhauer Luca Della Robbia (1400-1482), sein Neffe Andrea Della Robbia (1435-1525) Niccolo Dell’Arca (1435-94) und Guido Mazzoni (1450-1518); Antonio Rossellino (1427 & ndash; 79); Antonio Pollaiuolo (1432 & ndash; 98).

Hochrenaissanceskulptur (um 1490-1530)

Renaissance-Bildhauer wurden dominiert von Michelangelo (1475-1564), der größte Bildhauer der italienischen Renaissance und wohl aller Zeiten. Der Kunsthistoriker Anthony Blunt sprach von Michelangelos Werken wie Pieta (1497-9, Marmor, Petersdom, Rom), David (1501-4, Marmor, Galleria dell’Accademia, Florenz) und der sterbende Sklave (1513-16, Marmor, Louvre, Paris) besaßen eine "übermenschliche Qualität" "aber auch" ein Gefühl des Grübelns, der düsteren Unruhe… sie spiegeln die Tragödie des menschlichen Schicksals wider. " Einige von Michelangelos Marmorschnitzereien sind makellos schön und poliert und zeugen von seiner absoluten technischen Meisterschaft. Auf dem Gebiet des heroischen männlichen Akts bleibt er der oberste Exponent. Für mehr sehen Sie David von Michelangelo .

Weitere bedeutende Bildhauer der Hochrenaissance sind der Künstler und der venezianische Architekt Jacopo Sansovino (1486-1570) und Baccio Bandinelli (1493 & ndash; 1560).

Skulptur aus der Renaissance des Nordens (um 1400-1530)

In Nordeuropa wurde die Kunst der Bildhauerei insbesondere durch zwei großartige Handwerker veranschaulicht, die die Kunst des Bildhauens in Holz zu neuen Höhen führten: den deutschen Lindenholzbildhauer Tilman Riemenschneider (1460-1531), bekannt für seine Reliefs und freistehende Holzskulptur; und der Holzschnitzer Veit Stoss (1450-1533) berühmt für seine zarten Altarbilder.

Weitere bedeutende Bildhauer aus dem Norden der Alpen sind:
Hans Multscher (c.1400-1467); Giorgio da Sebenico (1410-1473);
Michel Colombe (c.1430-1512); Gregor Erhart (c.1460-1540).

Manieristische Skulptur (1530-1600)

Wenn sich das Vertrauen und die Ordnung der Hochrenaissance in ihren idealisierten Formen der figurativen Skulptur widerspiegelten, spiegelte die manieristische Skulptur das Chaos und die Unsicherheit eines von religiösen Spaltungen zerrütteten Europas und eines Roms wider, das vor kurzem von französischen Söldnern geplündert und besetzt wurde. Manieristische Bildhauer führten eine neue Ausdruckskraft in ihre Werke ein, wie beispielsweise der mächtige Raub der Sabiner von Giambologna (1529-1608) und Perseus (1545-54) von Benvenuto Cellini (1500–71). Vergleichen Sie jedoch die berühmte naturalistisch liegende Marmorstatue der Heiligen Cäcilie von Stefano Maderno (1576 & ndash; 1636). Siehe auch Juan de Juni (1507-1577), der die Renaissance nach Spanien verbreitete, Alonso Berruguete (c.1486-1561), der den Manierismus in Spanien einführte, und Francesco Primaticcio (1504-1570), der den Manierismus in Frankreich ins Leben gerufen hat. Für die besten französischen manieristischen Bildhauer siehe: Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590) Barthelemy Prieur (1536-1611) und Adriaen de Vries (1560 & ndash; 1626).

Barocke Skulptur (um 1600-1700)

Im späten 16. Jahrhundert startete die römisch-katholische Kirche als Reaktion auf die protestantische Reformation eine eigene Gegenreformation. Diese Propagandakampagne, die darauf abzielte, die Gläubigen zur Rückkehr in die "wahre" Kirche zu bewegen, beschäftigte sich mit der gesamten Bandbreite der bildenden Künste, einschließlich Architektur, Skulptur und Malerei, und wurde mit einer großartigeren, dramatischeren Ausdrucksweise in Verbindung gebracht, die als Barockkunst bekannt ist. Für die Künstler bedeutete dies eine massive Schirmherrschaft – eine gute Nachricht für die Bildhauer!

Sogar der Petersplatz in Rom wurde umgebaut, um die Besucher zu beeindrucken. Der geniale Architekt / Bildhauer Bernini (1598-1680) entwarfen eine Reihe von Kolonnaden, die zur Kathedrale führten und den Eindruck erweckten, als würden sie von den Armen der katholischen Kirche umarmt.

Bernini war der größte von allen Barockbildhauer . Nachdem er für Kardinal Scipione Borghese gearbeitet hatte, wurde er der führende Bildhauer für Papst Urban VIII. Berninis einzigartiger Beitrag bezog sich auf den dramatischen Naturalismus des sogenannten hellenistischen Barockstils des zweiten und ersten Jahrhunderts v. Chr. (Siehe z. B. " Der besiegte Gallier bringt sich selbst und seine Frau um" ) und bestand in der Schaffung sensationeller illusionistischer Meisterwerke (z. B. durch Darstellung) einen Moment in der Zeit), auf eine Art und Weise, die bisher nur von Malern erreicht wurde. Es war, als würde er die relativ unlösbaren Materialien der Skulptur so behandeln, als wären sie vollständig verformbar. Seine bildhauerische Technik und Komposition waren so beeindruckend, dass er auch von neidischen Rivalen kritisiert wurde.

Sein Hauptkonkurrent war Alessandro Algardi (1598-1654), der Lieblingsbildhauer von Papst Innozenz X. Wenn Bernini den griechischen dramatischen Naturalismus verkörperte, war Algardis Stil zurückhaltender (Kritiker sagen schwach). Ein weiterer Rivale war der flämische Bildhauer Francois Duquesnoy (1594-1643), deren Stil völlig klassisch war. Duquesnoy war eher eine Schattenfigur, die in einem strengen, emotionslosen Stil arbeitete, der jedoch von akademischen Schriftstellern wegen seiner perfekten Synthese von Natur und Antike hoch geschätzt wurde. Die Vorhänge fließen elegant und folgen der Form des Körpers, während die Figur in perfekter Grazie und Ruhe ausgeglichen ist – das Gegenteil von Berninis dynamischer Bewegung und intensivem Gefühl.

Beispielhaft für die französische Barockskulptur war Francois Girardon (1628-1715), eine Art französischer Algardi, und sein Rivale Antoine Coysevox (1640-1720), deren lockerer Stil im Vergleich zu Bernini noch relativ zurückhaltend war, und Pierre Puget (1620-94), der als einer der wenigen Bildhauer die Unmittelbarkeit von Berninis bestem Werk wieder einfing.

Andere Barockbildhauer sind: Juan Martines Montanes (1568–1649), Alonzo Cano (Granada, 1601-67) und Andreas Schlüter (1664-1714), der größte Barockbildhauer Norddeutschlands. In Süddeutschland war einer der größten Meister Jörg Zurn (1583-1638), der in der Nikolaikirche zu Überlingen am Bodensee-Nordufer den beeindruckenden fünfstöckigen Hochaltar der Jungfrau Maria (1613-16) herstellte.

Weitere Informationen finden Sie unter: Barocke Skulptur .

Rokokoskulptur (um 1700-1789)

Grundsätzlich eine französische Reaktion gegen die Ernsthaftigkeit des Barocks, Rokokokunst begann vor dem französischen Gericht am Schloss von Versailles vor der Verbreitung in ganz Europa. Wenn die barocke Skulptur dramatisch und ernst gemeint war, war das Rokoko alles andere als sachlich, obwohl es sich in Wirklichkeit nicht so sehr um einen anderen Stil als den Barock handelte, sondern vielmehr um eine Variation des Stils, der von Bernini und seinen Zeitgenossen verwirklicht wurde. Trotzdem kann man in einem skulpturalen Werk von Rokokoqualitäten sprechen – Informalität, Fröhlichkeit, Sorge um das Herz und eine bewusste Vermeidung von Ernst.

Der erfolgreichste Bildhauer der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts war Guillaume Coustou (1677–1746), Direktor der Französische Akademie ab 1707, der den barocken Trend seines Onkels Coysevox fortsetzte. Interessanter ist seine Schülerin Edme Bouchardon (1698-1762). sein Gespür für die Antike ließ ihn den späteren Trend zum Neoklassizismus antizipieren.
Jean-Baptiste Pigalle (1714-85), ein Favorit von Madame de Pompadour, war ein weiteres wichtiges Beispiel für den Rokokostil, so wie sein Hauptkonkurrent Etienne-Maurice Falconet (1716-91), die sich auf erotische Figuren spezialisiert haben, die sich nur geringfügig von hellenistischen Originalen ableiten. Sein Meisterwerk bleibt jedoch sein klassisches "Bronze Horseman" -Denkmal für Peter den Großen in St. Petersburg – siehe Russische Skulptur .

In England gehörten zu den führenden Bildhauern des 17./18. Jahrhunderts der eher theatralische Klassiker Michael Rysbrack (1694-1770) Louis Francois Roubiliac (1705-62) und der herausragende Holzschnitzer Gibbons grinsen (1648 & ndash; 1721). Die deutsche Rokokoskulptur wurde in Werken des Dresdner Bildhauers exemplifiziert Balthazar Permoser (1651-1732), kleine Gruppen von Handwerkern, die in den süddeutschen katholischen Kirchen tätig sind, und Ignaz Gunther (1725-75), dessen figurative Skulpturen einen harten Oberflächenrealismus und eine polychromierte Oberfläche aufweisen, die an mittelalterliche deutsche Holzschnitzereien erinnern.

Das skurrile dekadente Rokoko wurde von der Französischen Revolution mitgerissen, die den neuen strengeren Stil des Neoklassizismus einleitete.

Neoklassische Skulptur (geblüht um 1790-1830)

Neoklassische Kunst – im Grunde griechische Kunst mit einem modernen Touch – wurde von dominiert Neoklassizistische Architektur . Zu den klassizistischen Gebäuden zählen das Pantheon (Paris), der Arc de Triomphe (Paris), das Brandenburger Tor (Berlin) und das United States Capitol Building. Neoklassizistische Skulptur ein Schwerpunkt auf die Tugenden von Heldentum, Pflicht und Gravitas. Führen Neoklassizistische Bildhauer schloss das außerordentlich strenge und heldenhafte ein Antonio Canova (1757-1822), der unruhige Porträt-Büstenmeister Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), der naturalistischere / realistischere Jean-Antoine Houdon (1741-1828), der eher unbeschwerte Claude Michel namens Clodion (1738-1814) und die englischen Bildhauer Joseph Nollekens (1737-1823), Thomas Banks (1735-1805), John Flaxman (1755-1826) und Sir Richard Westmacott (1775-1856). Erst im späten 18. Jahrhundert trat in der Person des dänischen Bildhauers ein würdiger Nachfolger Canovas auf Bertel Thorwaldsen (1770-1844), die sich der Antike mit vergleichbarer Hochherzigkeit, wenn auch mit geringerer Originalität, näherten.

Skulptur des 19. Jahrhunderts

Das 19. Jahrhundert war in vielerlei Hinsicht ein Zeitalter der Krise der Bildhauerei. In einfachen Worten, die architektonische Entwicklung hatte sich weitgehend erschöpft, das religiöse Mäzenatentum war infolge der Französischen Revolution zurückgegangen, und das allgemeine Klima des "Populismus" verursachte in den Köpfen institutioneller und privater Gönner große Verwirrung darüber, was als akzeptabel eingestuft wurde Themen (und Stile) für die bildhauerische Darstellung. Die Bildhauer, die in einer teureren Kunstform als die Maler tätig waren und daher auf kostspielige Aufträge angewiesen waren, waren häufig der öffentlichen Meinung in Form von Stadträten und Ausschüssen ausgeliefert. Abgesehen von einer Reihe grandioser öffentlicher Denkmäler und den üblichen Gedenkstatuen der Bischöfe und Könige, die stets in dem von den Behörden geforderten sterilen, konformistischen Stil (z. B. dem Albert Memorial) ausgeführt wurden, hatten Bildhauer kaum Gelegenheit, ihre Originalität zu demonstrieren. Auf der anderen Seite erlebte die Malerei große und aufregende Veränderungen. Kurz gesagt, es war keine gute Zeit, sich mit 3D-Kunst zu beschäftigen.

Bildhauer des 19. Jahrhunderts Erwähnenswert sind der vielseitige James Pradier (1790-1852), die Romantiker Francois Rude (1784-1855), David d’Angers (1788-1856), Antoine-Louis Barye (1796-1875) und Auguste Preault (1809-79) und die Florentiner Neorenaissance-Bildhauerin Felicie de St Fauveau (1799-1886). Einer der talentiertesten Künstler war der Unbeschwerte Jean-Baptiste Carpeaux (1827-75), dessen Sinnlichkeit von Ernest Carrier-Belleuse (1824-87) an die Bedürfnisse der dekorativen Bildhauer der 1860er Jahre angepasst wurde, ansonsten am bekanntesten für die Tatsache, dass einer seiner Schüler ein unbekannter Bildhauer namens Auguste Rodin war. Jules Dalou (1838-1902) war ein kontemplativerer und ernsthafter Anhänger von Carpeaux. Unter den Klassikern des 19. Jahrhunderts befanden sich unter anderem John Gibson (1791-1866), der talentiert, aber frustriert war Alfred Stevens (1817-75), der vielseitige George Frederick Watts (1817-1904) und die amerikanischen Hiram Powers (1805-73).

Wir sollten auch den einfallsreichen französischen Bildhauer nicht vergessen Auguste Bartholdi (1834-1904) – besser bekannt als der Schöpfer der weltberühmten Skulptur – The Freiheitsstatue – Im Hafen von New York. Auch der große monumentale amerikanische Bildhauer Daniel Chester Französisch (1850-1931), bekannt für die sitzende Figur von Lincoln am Lincoln Memorial in Washington DC.

Auguste Rodin

Die große Ausnahme war das unvergleichliche französische Genie Auguste Rodin (1840-1917). Rodin, einer der wenigen authentischen Meister der modernen Skulptur, sah sich als Nachfolger seines legendären Helden Michelangelo – obwohl der Florentiner ein Schnitzer aus Marmor war, während Rodin hauptsächlich ein Modellbauer in Bronze war. Während Michelangelo die edlen und zeitlosen Formen der klassischen Antike veranschaulicht, vermitteln Rodins charakteristischste Werke eine unverwechselbare Modernität und einen dramatischen Naturalismus. Rodins wahre Vorgänger waren wohl die gotischen Bildhauer, denn er war ein leidenschaftlicher Bewunderer der Gotische Kathedralen von Frankreich, von dessen heldenhaften Reliefs er einen großen Teil seiner Inspiration ableitete. Rodins Einfluss auf seine Kunstform war jedenfalls seit der Renaissance größer als jeder Bildhauer.

Skulptur des 20. Jahrhunderts: Das Aufkommen der Moderne

Mit Skulptur weniger in der Lage, die neuen Trends von zu reflektieren moderne Kunst Künstler wie Auguste Rodin (1840-1917) hatten im 19. Jahrhundert die Freiheit, einen Monumentalismus zu verfolgen, der im Wesentlichen aus der Renaissanceideologie stammt, und andere, um viktorianische Werte in Form patriotischer und historischer Figuren zu feiern, die ebenfalls in der großartigen Weise früherer Zeiten ausgeführt wurden Erst mit dem Aufkommen der Moderne Bildhauer des 20. Jahrhunderts mögen Constantin Brancusi (1876-1957), Umberto Boccioni (1882-1916) und Naum Gabo (Naum Neemia Pevsner) (1890-1977), diese Skulptur begann sich um die Jahrhundertwende wirklich zu verändern. Zum Einfluss der Stammeskulturen auf die Entwicklung der Skulptur des 20. Jahrhunderts siehe: Primitivismus / Primitive Kunst . In diesem Zusammenhang siehe die Arbeit von Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915) und sein Mentor Jacob Epstein (1880-1959). Beachten Sie insbesondere die Auswirkungen von Afrikanische Skulptur über moderne Bildhauer der Ecole de Paris .

In den frühen Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts war die Kunst ein Ferment. Die revolutionäre Kubismus-Bewegung, die von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) erfunden wurde, zerschmetterte viele der heiligen Kanone der traditionellen Kunst und löste eine Welle von Experimenten sowohl in der Malerei als auch in der Skulptur aus. Letzteres wurde von einer Reihe von Bildhauern wie maßgeblich neu definiert Marcel Duchamp (1887-1968) – siehe seine " fertige "- Jacques Lipchitz (1891-1973) und Alexander Archipenko (1887-1964) sowie Brancusi, Boccioni und Gabo. Der Repräsentationalismus wurde zugunsten neuer abstrakter Ausdrucksformen von Raum und Bewegung abgelehnt, wobei häufig nicht-traditionelle Materialien verwendet wurden, die noch nie zuvor in der Skulptur verwendet wurden.

Im Gefolge des Kubismus hatten der Große Krieg (1914-18) und die bolschewistische Revolution von 1917 einen weiteren großen Einfluss auf Künstler in ganz Europa, wie die einflussreichen ikonoklastischen Bewegungen von Dada und Konstruktivismus zeigen. Bildhauer schufen gemeinsam mit Malern Kunstwerke, die neue Ikonen wie die Maschine sowie neue Ideologien des Designs (z. B. Theorien der Bauhaus-Designschule) und der Form (z. B. den unglaublichen Merzbau von Kurt Schwitters) widerspiegeln.

In den 1920er Jahren entstand in Paris der Surrealismus, eine äußerst einflussreiche Bewegung, die einen neuen "Super-Realismus" in einem Stil suchte, der sowohl Abstraktion als auch Naturalismus umfasste. Berühmte surrealistische Künstler, die in 3-D arbeiten, sind: Salvador Dali (1904-89), der sein surrealistisches Mae West Lips Sofa und Lobster Telephone produzierte; Meret Oppenheim (1913-85), der Furry Breakfast kreierte ; und FE McWilliam (1909-1992), der Eyes, Nose und Cheek produzierte . Andere moderne Bildhauer mögen Jean Arp (1886-1966) sowie Henry Moore (1898-1986) und Barbara Hepworth (1903-75) – Führer der modernen britischen Bildhauerei – experimentierten mit neuen Formen der biomorphen / organischen Abstraktion , während die Amerikanerin Alexander Calder (1898-1976) war Pionier der mobilen Bildhauerei und kinetische Kunst , und David Smith (1906-65) entwickelte eine abstrakte Metallskulptur. Viele Bildhauer entwickelten ihren Stil im Laufe des Jahrhunderts: Alberto Giacometti (1901-66) begann beispielsweise in den 1920er und 1930er Jahren im surrealistischen Modus, bevor er seine einzigartigen halbabstrakten figurativen Arbeiten perfektionierte. Siehe auch den modernistischen britisch-amerikanischen Künstler Jacob Epstein (1880–1959), dessen kühne figurative Arbeiten sich als äußerst kontrovers erwiesen.

Nachkriegsskulptur (1945-70)

In New York oder Paris ist keine Skulptur entstanden, die mit dem vorherrschenden Malstil des Abstrakten Expressionismus (um 1945-62) verglichen werden könnte, obwohl es sicherlich Neuerungen gab, vor allem in der Verwendung neuer Materialien und einer wachsenden Stimmung des Konzeptualismus – ein Stil, der sich konzentriert auf die Idee hinter dem 3-D-Objekt und nicht auf das Objekt selbst – sowie auf die Verwischung zwischen Malerei und Skulptur. Zu den wichtigsten Neuerungen – hauptsächlich von amerikanischen Bildhauern , aber siehe Destroyed City (1953) des russischen Bildhauers Ossip Zadkine (1890-1967) – gehörten die "skulpturalen Wände" von Louise Nevelson (1899-1988) – Assemblagen aus gefundene Objekte , meistens Holz, mit weißer, schwarzer oder goldener Farbe besprüht und in kastenförmigen Regalen angeordnet, die eine Wand einnehmen; die Filzskulpturen von Robert Morris (* 1931); die neon und fluoreszierenden werke von Bruce Nauman (b.1941); die Werke von Cesar (1921-98) aus Autoteilen; die Schrottskulpturen (zB Haufen kaputter Telefone) von Arman (Armand Fernandez) (* 1928); die kinetische Kunst von Jean Tinguely (1925-1991) und die abstrakte Skulptur des britischen Künstlers Sir Anthony Caro (1924-2013).

Pop-Art-Skulptur

Chronologisch gesehen war die Pop-Art der 1960er Jahre die erste bedeutende Nachkriegsbewegung, an der Bildhauer beteiligt waren Robert Rauschenberg (1925-2008) und Jasper Johns (* 1930) in den 1950er Jahren. Berühmte Pop-Skulpturen sind: Japanischer Kriegsgott (1958) vom Pionier Eduardo Paolozzi (geb. 1924), Ale Cans (1964) von Jasper Johns , die Leinwand, Moosgummi und Pappe Floor Burger (1962) und Giant Fag-Ends (1967) von Claes Oldenburg (geb. 1929) und das witzige Joe Sofa (1968) der Italiener Jonathan De Pas (1932-91), Donato D’Urbino (geb. 1935) und Paolo Lomazzi (geb. 1936) – allesamt Spuren des früheren Surrealismus Kunst. Pop-Skulptur ist nicht ernst gemeint, aber es macht großen Spaß.

Minimalistische Skulptur

Ganz im Gegensatz zur Pop Art der 1960er Jahre Minimalismus erforschte die Reinheit ultra-vereinfachter Formen bis zur Absurdität. Berühmte minimalistische Bildhauer sind unter anderem Sol LeWitt (* 1928) – der amerikanische Konzeptkünstler, der für seine skelettartigen, geometrischen kastenartigen Konstruktionen bekannt ist; die kompromisslosen vereinfachten Formen von Donald Judd (1928-94); der experimentelle Künstler Walter de Maria (* 1935); und der in Massachusetts geborene Carl Andre (geb. 1935). Minimalistische Skulptur kann von jedem mit einem Doktortitel in Kunstinterpretation voll und ganz geschätzt werden.

Land Art: Umweltskulptur

In den 1960er Jahren gab es auch eine völlig neue Art von Skulptur, bekannt als Land Kunst (Erdarbeiten oder Umweltkunst). Wie Kinder, die Sandburgen am Strand errichteten, stürmten Künstler in die Wildnis und gruben, gruben und formten die natürliche Landschaft neu, um Kunst zu schaffen (was sie hofften). Der Pionier des Umweltbildhauers war der pessimistische Robert Smithson (1938-73). In letzter Zeit haben das Künstlerpaar Christo und Jeanne-Claude Javacheff Berühmtheit erlangt, indem sie Teile der Umwelt in farbige Stoffe gewickelt haben, während Andy Goldsworthy (* 1956) sich auf temporäre Umweltskulpturen (z. B. aus Schnee) spezialisiert hat, die sich zersetzen oder verschwinden.

Postmoderne zeitgenössische Skulptur

Bis 1970 steigt eine Menge von zeitgenössische Kunst wurde extrem experimentell – Kunstkritiker mögen sagen verrückt, unverständlich und kitschig. Ab den 1970er Jahren wurde diese Tendenz getauft " Postmoderne Kunst ". Niemand weiß wirklich, was dieses Wort bedeutet, und wenn ja, können sie es nicht erklären. Was die postmoderne Skulptur betrifft, so kann man am besten sagen, dass sie die Skulptur an die Grenze des dreidimensionalen Ausdrucks bringt. und wechselt häufig in andere Kunstformen wie Installation, pur Assemblage-Kunst und sogar Theater. Einer der bekanntesten postmodernen Bildhauer ist der in Indien geborene britische Turner-Preisträger Anish Kapoor (geb. 1954).

Damien Hirst

Beispiele für die Postmoderne sind die Werke von Damien Hirst (* 1965), dem genialen, marktorientierten Führer der Young British Artists-Bewegung der 1980er Jahre, der weltweite Berühmtheit erlangte für die physische Unmöglichkeit des Todes im Kopf eines Lebenden (1991)), ein toter Tigerhai, der in einem Formaldehydtank eingelegt ist – Ist es eine Skulptur oder eine Installation? Niemand weiß es wirklich. Weitere kontroverse Werke von Hirst sind: Virgin Mother (2005), ein riesiges Werk, das eine schwangere Frau darstellt, die auf den Fötus, das Muskelgewebe und den Schädel zugeschnitten ist; und sein diamantbesetzter Schädel aus Liebe zu Gott (2007). Kritiker behaupten, Hirst sei nicht mehr als ein sehr innovativer Schausteller, aber Sammler – wie auch das Publikum – scheinen ihn zu lieben. Überlassen Sie der Geschichte das letzte Wort bei diesem Multimillionär.

Nicht jede zeitgenössische Skulptur ist als Hirsts toter Hai umstritten. Im späten 20. Jahrhundert gab es eine Reihe außergewöhnlicher Bildhauer, die mehr oder weniger traditionell arbeiteten, wenn auch mit einer modernistischen Konzeption. Berühmte Beispiele für zeitgenössische Skulpturen sind: die großformatigen Metallskulpturen von Mark Di Suvero (* 1933), die monumentalen öffentlichen Formen von Richard Serra (geb. 1939), die hyperrealistischen Figuren von Duane Hanson (1925-96) und John De Andrea (geb. 1941), die Umweltstrukturen von Antony Gormley (geb. 1950), die fabelhaften realistischen Figuren von Rowan Gillespie (* 1953), das innovative Neo-Pop-Werk von Jeff Koons (* 1955) und die surrealistischen Spinnenskulpturen von Maman Louise Bourgeois (1911-2010).

Zu den gefeierten Skulpturen des frühen 21. Jahrhunderts zählen Werke von Eduardo Chillida (1924-2002) (z. B. das Eisenstück Berlin , 2000, Bundeskanzleramt, Berlin-Tiergarten); von Sudobh Gupta (* 1964) und Damian Ortega (* 1967), unter anderem zu zahlreich, um sie zu erwähnen.

Siehe auch: Irische Skulptur .

Architektonische Skulptur

Obwohl nicht in dem Anwendungsbereich dieses Artikels, zu erwähnen ist von großen ikonischen Werken von Bauplastik hergestellt werden, einschließlich: Der Koloss von Rhodos , die Freiheitsstatue , der Eiffelturm , Nelson-Säule , The Chicago Picasso und das Dublin – Spike , unter anderem.