Geschichte der Skulptur Automatische übersetzen

Eine chronologische Darstellung des Ursprungs und der Entwicklung der dreidimensionalen Kunst würde mehrere Bände, wenn nicht gar eine ganze Bibliothek von Büchern füllen. Die Komprimierung auf eine einzige Seite bedeutet, dass zwangsläufig ein Großteil der Geschichte ausgelassen wird. Von der Vorgeschichte über das klassische Altertum, die Gotik und die Renaissance bis ins 21. Jahrhundert ist die Geschichte der Bildhauerei voller herausragender Künstler (leider sind viele von ihnen anonym), deren visueller Ausdruck uns in Form von wunderbaren Marmorstatuen, Steinreliefs und unsterblichen Bronzeschöpfungen erhalten bleibt.

Auch heute noch werden Sie, wenn Sie eine Kathedrale oder eine der großen Städte, Plätze oder Gebäude der Welt besuchen, zwangsläufig wunderbare Beispiele dreidimensionaler Kunst sehen.

Merkmale der Bildhauerei

Die Bildhauerei ist nicht nur die beständigste Kunstform, sondern auch die einflussreichste. In der Geschichte haben fast alle Könige, Päpste, Diktatoren und Tyrannen die Propagandawirkung einer inspirierenden Skulptur erkannt. Römische Kaiser brachten ihre Porträtbüsten in jeden Winkel ihres Reiches; die römische Kirche schmückte ihre Kathedralen, Klöster und Kirchen mit Zehntausenden von Statuen und Reliefs, um die Botschaft der Bibel zu vermitteln; Pharaonen, Könige und Kaiser aus dem alten Ägypten, Persien, Griechenland und der modernen Welt investierten ein Vermögen in Monumentalskulpturen, um Erfolge im Kampf zu feiern. Moderne Diktatoren, von Stalin bis Saddam Hussein, haben Statuen als Monumente für ihre glorreiche Herrschaft errichtet.

Natürlich lässt sich nichts mit der inspirierenden Botschaft der amerikanischen Freiheitsstatue vergleichen, die wohl die Propagandaskulptur Nr. 1 ist. Abgesehen von dem immensen narrativen Inhalt, der eine bestimmte Botschaft fördern kann, ist die Bildhauerei auch ein schwieriges Handwerk, dessen Schöpfer in hohem Maße von Werkzeugen und Technologie abhängig sind.

Beginnend mit den frühesten paläolithischen Werkzeugkulturen ist der Fortschritt der Bildhauerei durch die Entdeckung neuer Materialien und Geräte gekennzeichnet. Überraschenderweise waren bei Christi Geburt die meisten traditionellen Methoden und Techniken der Bildhauer bereits entdeckt worden, darunter die Bronzeverarbeitung und die exquisite Schmuckherstellung der Nomadenstämme. Aus all diesen Gründen ist die Geschichte der Bildhauerei eng mit der Politik, der Technik und dem finanziellen Wohlstand der Gesellschaft verbunden. Vor allem aber ist die Geschichte der Bildhauerei untrennbar mit der Architektur verbunden, dem Vorläufer der Kunst, dessen Bauwerke eine so wichtige Heimat für die dekorative Bildhauerei sind. Jede große architektonische Bewegung wurde von einer enormen Nachfrage nach Skulpturen aller Art begleitet.

Chronologie der Bildhauerkunst

Prähistorische Bildhauerei

Die Geschichte der Bildhauerei beginnt in der Steinzeit. Wann genau, wissen wir nicht. Die frühesten bekannten Beispiele sind zwei primitive Steinobjekte, bekannt als Venus von Berehat Ram und Venus von Tan-Tan . Venus von Berehat Ram (datiert auf ca. 230.000 v. Chr. oder früher) ist eine Basaltstatuette aus der Ashelian-Periode, die in den Golanhöhen entdeckt wurde. Die Venus von Tan-Tan (200.000 v. Chr. oder früher) ist eine Quarzit-Statuette aus derselben Zeit.

Wenn es sich bei diesen Objekten um prähistorische Formen handelt, dann erschien die früheste prähistorische Skulptur um 35.000 v. Chr. in Form von geschnitzten Figuren von Tieren, Vögeln und Therianthropen, die in der unteren Perigordzeit und der Orignacienzeit hergestellt und in den Vogelgerd-Höhlen, in Hol Fels und Holenstein-Stadel auf der Schwäbischen Alb, Deutschland, gefunden wurden. Die früheste figürliche Skulptur ist die Elfenbeinschnitzerei, bekannt als Mankolev von Holenstein-Stadel (38.000 v. Chr.).

Eine weitere frühe Form der Steinzeitplastik sind die beleibten Miniaturfiguren, die Venus genannt werden: wie die Venus von Willendorf, Kostenki, Montpazier, Dolny Vestonice, Moravana, Brassempuy und Gagarino. Diese Venusfiguren, die aus verschiedenen Materialien wie Mammutknochen, Keramik und Knochenasche sowie aus verschiedenen Gesteinsarten wie Steatit, oolithischem Kalkstein, Serpentin und Vulkangestein bestehen, wurden in verschiedenen Teilen Europas, von Russland bis Spanien, gefunden. Anthropologen vermuten, dass sie bei Fruchtbarkeitsritualen verwendet wurden, obwohl es ein Rätsel bleibt, warum dicke Frauen so ikonisch sein sollen. (Nahrungsmangel?).

Mesolithische Skulpturen (ca. 10.000-4.000 v. Chr.)

Die mesolithische Kunst umfasste mehr Flachreliefs und freistehende Skulpturen, wie die anthropomorphen Statuetten, die in Nevali Kori und Gobekli Töpe in der Nähe von Urfa in der Osttürkei gefunden wurden, die Statuen von Lepenski Vir (z. B. der Fischgott) in Serbien. In diese historische Periode fällt auch die Erschaffung des Shigir-Götzen (7500 v. Chr.), der ältesten erhaltenen Holzschnitzerei der Welt, die bei Jekaterinburg in Russland gefunden wurde. Das vielleicht größte mesolithische Kunstwerk ist die Terrakotta-Skulptur aus Rumänien, die als Denker von Cernavoda bekannt ist, ein unverwechselbares Bild des kognitiven Denkens.

Neolithische Skulptur (ca. 4000-2000 v. Chr.)

Die neolithische Kunst zeichnet sich in erster Linie durch ihre Töpferwaren aus, aber sie brachte auch freistehende Skulpturen und Bronzestatuetten hervor - vor allem aus dem Indus-Tal, dem Nordkaukasus und in Verbindung mit der präkolumbischen Kunst in Amerika. Die beeindruckendste Form der neolithischen Kunst war die Architektur der ägyptischen Pyramiden, wo Grabkammern zu einer erhöhten Nachfrage nach verschiedenen Arten von Reliefs und tragbaren Statuen und Figurinen führten. (Siehe den Artikel über ägyptische Skulpturen .) Das Aufkommen der Bronzezeit (in Europa: 3000-1200 v. Chr.) sowie das Entstehen von Städten und öffentlichen Gebäuden und die Entwicklung besserer Werkzeuge führten zu einem allgemeinen Anstieg der Nachfrage nach allen Künsten, einschließlich der Bildhauerei. Siehe z. B.: Mesopotamische Skulptur (3000-500 v. Chr.). In dieser Epoche begann die Kunst eine wichtige Rolle bei der Darstellung der Bestrebungen mächtiger Herrscher und der von ihnen verehrten Gottheiten zu spielen. Kurz gesagt, wohlhabende und ehrgeizige Gemeinschaften waren günstig für die Entwicklung der Bildhauerei.

Bildhauerei im östlichen Mittelmeerraum (ca. 2000-1100 v. Chr.)

Nach dem Aufblühen der Architektur und anderer Künste in Ägypten erlebte die Levante (östliche Mittelmeerländer) auch den Aufstieg der minoischen Kultur auf der Insel Kreta, die für ihre Bildhauerei und Metallarbeiten bekannt war. Nach einer unbekannten Katastrophe (wahrscheinlich ein Erdbeben) um 1500 v. Chr. brach die minoische Zivilisation zusammen und Kreta wurde von den Mykenern vom griechischen Festland erobert, die später selbst besiegt und die Stadt Mykene um 1100 v. Chr. zerstört wurden

Fernöstliche Bildhauerei (ca. 1700 v. Chr. - 1150 n. Chr.)

Die chinesische Kunst während der Shang-Dynastie (ca. 1600-1050 v. Chr.) entwickelte sich ganz anders als die westliche Kunst. Zu den besten Bronzeskulpturen, die in dieser Zeit in China hergestellt wurden, siehe: Sanxingdu-Bronzen (1200-1000 v. Chr.). Bekannte Beispiele indischer und südostasiatischer Bildhauerkunst sind die ungewöhnlichen Reliefs im Hindutempel Kandariya Mahadev aus dem 11. Jahrhundert (1017-29) in Madhya Pradesh, Indien, und der Khmer-Tempel von Angkor Wat aus dem 12.

Aufgrund der kulturellen Stagnation des griechischen „Dunklen Zeitalters“ (1100-900 v. Chr.) und der Vorherrschaft von Tonwaren in der Geometrischen Periode (900-700 v. Chr.) trat die griechische Bildhauerei erst in der Periode des daedalischen oder orientalischen Stils um 650 v. Chr. in Erscheinung. Danach entwickelte sich die Bildhauerei gemäß der traditionellen Chronologie der griechischen Kunst in der Klassischen Antike wie folgt: die Archaische Periode (ca. 650-500 v. Chr.), die Klassische Periode (ca. 500-323 v. Chr.) und die Hellenistische Periode (ca. 323-100 v. Chr.). Für weitere Informationen siehe: Griechische Bildhauerei .

Archaische griechische Bildhauerei (ca. 600-500 v. Chr.)

Die archaische Periode war eine Zeit des langsamen, aber kontinuierlichen Experimentierens; die wertvollste Form der archaischen griechischen Bildhauerei war der Kouros (stehender männlicher Akt).

Klassische griechische Bildhauerei (ca. 500-323 v. Chr.)

Die Periode, die in die frühklassische Periode, hochklassische Periode und spätklassische Periode eingeteilt wird, ist in der Geschichte als der Höhepunkt der griechischen Kreativität erhalten geblieben. In der bildenden Kunst erreichten berühmte Bildhauer wie Polyklet (5. Jh. v. Chr.), Myron (der 480-444 v. Chr. arbeitete) und Phidias (ca. 488-431 v. Chr.) (siehe sein Werk im Parthenon) ein Niveau des Realismus. Ihr Können wurde von späteren Künstlern wie Callimachus (432-408 v. Chr.), Scopas (395-350. v. Chr.), Lysippus (395-305 v. Chr.), Praxiteles (tätig 375-335 v. Chr.) und Leochar (Wirkungszeit: 340-320 v. Chr.). Die Meister dieser Periode blieben bis zur italienischen Renaissance konkurrenzlos.

Hellenistische griechische Bildhauerei (ca. 323-27 v. Chr.)

In dieser Periode (die durch die Verbreitung der griechischen Kultur in der gesamten zivilisierten Welt gekennzeichnet ist) wird der klassische Realismus durch großen Heroismus und Expressionismus ersetzt. Siehe: Pergamonschule der hellenistischen Bildhauerei (241-133 v. Chr.). Berühmte Werke der hellenistischen griechischen Bildhauerei : „Sterbender Gallier des Epigonos“ ; „Nika von Samothrake“ ; Laokoon und seine Söhne von Hagesander, Polydorus und Athenodorus (42-20 v. Chr.) und Venus von Milos . Zu den größten hellenistischen Reliefs siehe: Pergamonaltar des Zeus (166-56 v. Chr.).

Trotz des politischen und militärischen Niedergangs der griechischen Stadtstaaten ab etwa 200 v. Chr. und des anschließenden Aufstiegs Roms behielt die griechische Bildhauerei ihren Status als die schönste jemals geschaffene. Selbst die Römer konnten ihr Gefühl der Unterlegenheit gegenüber der griechischen Handwerkskunst nicht überwinden, obwohl sie so nett waren, so viele griechische Werke wie möglich zu kopieren, und durch diese Kopien kennen wir die Kunst der griechischen Bildhauerei. Der eigentliche Einfluss der hellenistischen Statuen und Reliefs erfolgte 1600-1700 Jahre später, als sie „von Künstlern der frühen Renaissance in Italien wiederentdeckt“ wurde, woraufhin sie für die nächsten vier Jahrhunderte zum Eckpfeiler der europäischen Kunst wurde. Kurzum, die Griechen erhalten die maximale Punktzahl.

Keltische Metallskulptur (400-100 v. Chr.)

Nicht zu vergessen die Kelten, eine Reihe von Nomadenstämmen, die um 800 v. Chr. im Kaukasus auftauchten und sich allmählich nach Westen über Europa (600-100 v. Chr.) bis zur Iberischen Halbinsel, nach Großbritannien und Irland ausbreiteten. Obwohl sie sehr mobil waren und über Fertigkeiten in der Schmiedekunst und Goldschmiedekunst verfügten, waren sie zu unorganisiert, um mit dem hoch disziplinierten und zentralisierten Staat Rom konkurrieren zu können. Ihre keltische Kunst der Metallbearbeitung, die zumindest auf dem Kontinent schließlich vollständig romanisiert wurde, umfasste einige der schönsten Metallskulpturen der damaligen Zeit (z. B. das Goldene Boot von Breuther aus der Zeit um 100-50 v. Chr.). Sie waren auch außergewöhnliche Händler, und ihre komplizierten Metallarbeiten wurden in die ganze bekannte Welt exportiert und nachgeahmt. Zur Steinmetzkunst der Kelten siehe: Keltische Bildhauerei . Zur monumentalen Steinskulptur Keltoi (Keltoi) siehe: Turo-Stein .

Die größte Tonplastik der Geschichte

Die Terrakotta-Armee (aus den Jahren 246-208 v. Chr.), eine riesige Sammlung von Kriegern und Pferden aus Ton, wurde in der Provinz Shaanxi, China, auf Befehl des Kaisers Qin Shi Huangdi geschaffen. Tausende der Figuren stehen noch heute an dem Ort, an dem sie begraben wurden. Siehe auch Chinesische buddhistische Bildhauerei . Zur Kunst in Indien, siehe: Indische Bildhauerei (3300 v. Chr. - 1850).

Römische Bildhauerei (ca. 200 v. Chr. - ca. 200 n. Chr.)

Bis etwa 27 v. Chr. war die römische Skulptur trotz des Einflusses früherer etruskischer Bildhauer, die für ihre „Lebensfreude“ bekannt waren, unidealisiert und realistisch; danach wurde sie streng heroisch und eher mittelmäßig. Sie wurde nun in erster Linie hergestellt, um die Majestät und Macht der römischen Herrschaft auszudrücken; abgesehen von einer Reihe prächtiger historischer Reliefs (z. B. das spiralförmige Flachrelief der Trajanssäule) und seltener Denkmäler (z. B. der Ara Pacis Augusta (Altar des augusteischen Friedens)) waren die römischen Bildhauer hauptsächlich mit der Herstellung von Porträtbüsten von Kaisern und anderen Würdenträgern beschäftigt.

Byzantinische Bildhauerei (330-1450 n. Chr.)

Bis zum vierten Jahrhundert bestand die frühchristliche Bildhauerei fast ausschließlich aus Reliefgräbern für Sarkophage in Rom. Als sich das Römische Reich in Ost und West teilte, befand sich die östliche Hauptstadt in Konstantinopel. Die Kunst des Oströmischen Reiches, die in Byzanz beheimatet war, war fast ausschließlich religiös, aber mit Ausnahme einiger kleinerer Elfenbeinreliefs und der Schmuckherstellung erlaubte die ostorthodoxe Form des Christentums keine dreidimensionalen Kunstwerke wie Statuen oder Hochreliefs (dreidimensionale, plastische, hervorstehende Reliefs).

Die Bildhauerei im finsteren Mittelalter (ca. 500-800 n. Chr.)

Wie der Name schon sagt, war dies eine dunkle und ruhige Zeit für die europäischen Bildhauer. Die Kirche war schwach, die Barbaren (die keine großen Experten in der Bildhauerei waren) waren stark, und die Städte waren arm und unkultiviert. Es gab einige Aktivitäten in Konstantinopel und an den Rändern Europas, zum Beispiel in Irland, wo (von 800-1100) die Klosterkirche begann, mehrere freistehende Steinkreuze in Auftrag zu geben, die als keltische Skulpturen des Hochkreuzes bekannt sind - verziert mit Szenen aus dem Evangelium und anderen Mustern im keltischen Stil -, aber wenig mittelalterliche Kunst wurde in dieser Zeit auf dem Kontinent produziert.

Eine Anmerkung zur Bildhauerei und Architektur

Bevor wir fortfahren, sollten wir die wichtige Verbindung zwischen der öffentlichen Architektur oder der Gestaltung von Gebäuden und der Bildhauerei hervorheben. Einfach ausgedrückt: Öffentliche Gebäude bedurften in der Regel einer bildhauerischen Verzierung sowohl im Inneren als auch im Äußeren. Die tragenden Säulen enthielten oft dekorative Motive oder Statuen und Reliefs, ebenso wie die Fassaden, die Türöffnungen und die verschiedenen Innenwände. Jedes wichtige neue öffentliche Bauprogramm, das in der Regel durch einen neuen Architekturstil angekündigt wurde, löste somit ein umfangreiches paralleles Bildhauerprogramm aus. Mit anderen Worten: Die mittelalterlichen Bildhauer waren sehr verliebt in die Architekten.

Frühromanische Bildhauerei (karolingisch, ottonisch) (ca. 800-1050)

Die Wiederbelebung der mittelalterlichen Bildhauerei begann mit Karl dem Großen, dem König der Franken, der im Jahr 800 zum römischen Kaiser gekrönt wurde. Das karolingische Reich brach zwar recht schnell zusammen, doch war das Mäzenatentum Karls des Großen ein entscheidender erster Schritt zur Wiederbelebung der europäischen Kultur, nicht zuletzt, weil viele der romanischen und gotischen Kirchen auf der Grundlage der karolingischen Architektur errichtet wurden. Die architektonischen Errungenschaften Karls des Großen wurden von den Heiligen Römischen Kaisern Otto I., II. und III. in einem als ottonisch bezeichneten Stil fortgeführt. Damit kehrte auch die Bildhauerkunst zurück, wenn auch in bescheidenem Umfang. Siehe auch: Mittelalterliche Künstler .

Romanische Bildhauerei (ca. 1000-1200)

Im 11. Jahrhundert begann sich eine selbstbewusstere christliche Kirche zu erholen. Dieser lehrmäßige Expansionismus führte zu den Kreuzzügen zur Befreiung des Heiligen Landes von der islamischen Herrschaft. Der Erfolg der Kreuzfahrer und die Erlangung heiliger Reliquien veranlasste den Bau neuer Kirchen und Kathedralen in ganz Europa in einem völlig romanischen Baustil, der in Großbritannien und Irland als „normannische“ Architektur bekannt ist. Dies wiederum führte zu einer großen Welle von Aufträgen für romanische Skulpturen und Glasfenster. So erlebte die Bildhauerkunst endlich ein Comeback. Und mit dieser neuen Nachfrage nach plastischer Kunst kamen neue Schnitz- und Modellierwerkstätten, Lehrstellen und die Anerkennung von Meistern. Im 12. Jahrhundert waren führende Bildhauer bei Äbten, Erzbischöfen und anderen weltlichen Mäzenen sehr begehrt, weil sie einen einzigartigen Beitrag zur visuellen Wirkung der im Bau befindlichen religiösen Gebäude leisteten.

Berühmte romanische Bildhauer:
Ghislebertus (12. Jahrhundert)
Meister Cabestani (12. Jahrhundert)
Meister Mateo (12. Jahrhundert)
Benedetto Antelami (tätig 1178-1196).

Gotische Bildhauerei (ca. 1150-1300)

Das Kirchenbauprogramm regte die Entwicklung neuer Architekturtechniken an. Diese Techniken fanden Mitte des 12. Jahrhunderts in einem Stil zusammen, den die Architekten der Renaissance später „Gotische Architektur“ nannten. Charakteristische Merkmale des romanischen Stils, wie Rundbögen, massive, dicke Wände und kleine Fenster, wurden durch Spitzbögen, hohe Decken, dünne Wände und riesige Glasfenster ersetzt. Dadurch verwandelten sich die Innenräume vieler Kathedralen in inspirierende Orte, an denen die christliche Botschaft durch verschiedene biblische Künste vermittelt wurde, darunter wunderschöne Glasfenster und eine Vielzahl von Skulpturen. Die Fassaden und Portale der Kathedralen waren im Allgemeinen mit plastischen Reliefs gefüllt, die biblische Szenen darstellten, sowie mit Reihen von Skulpturen, die Propheten, Apostel, alte Könige von Judäa und andere Figuren des Evangeliums zeigten. Die Innenräume waren mit säulenartigen Statuen und weiteren Reliefs ausgestattet, die alle nach einem komplizierten Plan der Ikonographie des Evangeliums gestaltet waren, um die ungebildeten Gläubigen zu lehren und zu inspirieren.

Im Wesentlichen sollte die gotische Kathedrale das Universum in Miniatur darstellen, ein einzigartiges Werk der christlichen Kunst, das ein Gefühl für Gottes Macht und Herrlichkeit und die rational geordnete Natur seines zeitlichen Plans vermitteln sollte. Zu den größten Bauwerken der gotischen Architektur gehören die französischen Kathedralen von Notre Dame de Paris, Chartres, Reims und Amiens, die deutschen Kathedralen von Köln, Straßburg und Bamberg sowie die englischen Kirchen von Westminster Abbey und York Cathedral, neben vielen anderen. Die gotische Bildhauerei stellt somit den Höhepunkt der monumentalen religiösen Kunst dar. Obwohl die Kirche weiterhin stark in die Macht der Malerei und Bildhauerei investierte, um die Massen zu inspirieren (vor allem während der barocken Gegenreformation), war die Gotik wirklich der Höhepunkt „der idealistischen“ religiösen Handwerkskunst. Von nun an wird die Bildhauerkunst immer stärker in die weltliche und päpstliche Politik eingebunden.

Berühmte gotische Bildhauer:
Nicola Pisano (ca.1206-1278)
Giovanni Pisano (c.1250-1314)
Arnolfo di Cambio (c.1240-1310)
Giovanni di Balduccio (c.ca. 1290-1339)
Andrea Pisano (1295-1348)
Filippo Calendario (ca.1315-1355)
Andre Bonevu (ca.1335-1400)
Klaus Sluter (ca.1340-1406)

Siehe auch: Englische gotische Skulptur und Deutsche gotische Skulptur .

Italienische Renaissance-Skulptur (1400-1600)

Die italienische Renaissance wurde inspiriert „durch die Wiederentdeckung“ und den Respekt vor der Kunst der antiken Klassiker, insbesondere in der Architektur und Bildhauerei. Die Kunst der Renaissance war auch von einem starken Glauben an den Humanismus und den Adel des Menschen geprägt. Sie begann in Florenz, inspiriert von Männern wie dem Architekten Filippo Brunelleschi (1377-1446), dem Bildhauer Donatello (1386-1466), dem Maler Tommaso Mazaccio und dem Theoretiker Leon Battista Alberti (1404-1472) und finanziert von der Familie Medici. Sie verbreitete sich dann in Rom - wo sie durch die päpstlichen Ambitionen von Papst Sixtus IV. (1471-1484), Papst Julius II. (1503-1513), Papst Leo X. (1513-1521) und Papst Paul III. (1534-1545) unterstützt wurde - und in Venedig. Auch in Nordeuropa (vor allem in Flandern, Holland, Deutschland und England) erlebte die Kunst eine Renaissance, insbesondere die Ölmalerei, der Kupferstich und, in geringerem Maße, die Holzschnitzerei. Diese so genannte nördliche Renaissance entwickelte sich jedoch etwas unabhängig von der Reformation (1520) und dem darauf folgenden Mangel an religiösem Mäzenatentum seitens der protestantischen Kirche, die der religiösen Malerei und Bildhauerei gegenüber eine ablehnende Haltung einnahm.

Bildhauerei der Frührenaissance (1400-1490)

Angesichts der Verehrung für die italienische Renaissance vergisst man leicht, dass viele italienische Künstler stark von gotischen Traditionen und Handwerkskünsten beeinflusst waren. Insbesondere die Bildhauer der Renaissance waren ihren gotischen Vorgängern zu Dank verpflichtet. Man braucht nur die Reliefs an den Fassaden und Portalen der Kathedralen aus dem 12. Jahrhundert zu studieren, um den außergewöhnlichen dreidimensionalen Realismus und die Emotionalität zu erkennen, die Jahrhunderte vor der Renaissance erreicht worden waren. Der große Unterschied zwischen den Bildhauern der Gotik und der Renaissance besteht darin, dass die Namen der letzteren heute in der ganzen Welt bekannt sind, während viele der ersteren unbekannt sind.

In diesem Sinne versuchten die Bildhauer der frühen Renaissance, die gotischen Werke zu verbessern, indem sie sich von der klassischen römischen und griechischen Bildhauerei inspirieren ließen. Auf diese Weise verliehen sie ihren Statuen andere Emotionen und erfüllten sie mit neuer Energie und neuen Gedanken. Die drei größten dreidimensionalen Künstler der Frührenaissance waren Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donato di Niccolò di Betto Bardi, bekannt als Donatello, und Andrea del Verrocchio (1435-1488).

Lorenzo Ghiberti

1401 wurde ein Wettbewerb ausgeschrieben, um Bronzetüren für das Baptisterium San Giovanni in Florenz in Auftrag zu geben, eine der ältesten noch erhaltenen Kirchen der Stadt. Lorenzo Ghiberti gewann diesen Auftrag für die Türen, deren Fertigstellung 27 Jahre dauerte. Ein zweiter ähnlicher Auftrag folgte, für den Ghiberti weitere 25 Jahre benötigte. Sein Tor wurde zu einem greifbaren Symbol der florentinischen Kunst, so dass Michelangelo es „das Tor des Paradieses“ nannte.

Donatello

Donatello, das erste wirkliche Genie der italienischen Renaissance-Bildhauerei, erfand die Bildhauerei auf die gleiche Weise neu, wie Masaccio, Piero della Francesca und Mantegna die Malerei revolutionierten. Sein Meisterwerk ist die Bronzeskulptur des David (ca. 1435-53), die erste lebensgroße Aktskulptur seit der Antike, die für die Familie Medici geschaffen und im Palazzo Medici in Florenz aufgestellt wurde, da er seine Figuren mit intensivem Realismus und Gefühl ausstattete. Die schlanke Gestalt des biblischen Hirtenjungen scheint kaum in der Lage zu sein, Goliath zu töten, aber seine beiden grüblerischen weiblichen Posen mit ihrem klassischen Kontrapunkt (Drehung der Hüften) haben eine hypnotische Wirkung auf den Betrachter. Es handelt sich sicherlich um eine der größten Statuen, die je geschaffen wurden. Für weitere Einzelheiten siehe: David Donatello .

Andrea del Verrocchio

David (c. 1475) Andrea del Verrocchio ist raffinierter, aber weniger durchsetzungsfähig als Donatellos Statue, während sein Reiterstandbild des Zuckerbäckers Bartolomeo Colleoni (1480er Jahre) weniger heroisch ist, aber einen größeren Sinn für Bewegung und Schwung vermittelt als Gattamelata von Donatello (1444-53) in Padua.

Andere wichtige Bildhauer der frühen Renaissance sind Jacopo della Quercia (ca. 1374-1438); Nanni di Banco (ca. 1386-1421); Terrakotta-Bildhauer Luca Della Robbia (1400-1482), sein Neffe Andrea Della Robbia (1435-1525), Niccolò Dell’Arca (1435-1494), und Guido Mazzoni (1450-1518); Antonio Rossellino (1427-1479); Antonio Pollaiuolo (1432-1498).

Skulptur der Hochrenaissance (ca. 1490-1530)

Michelangelo (1475-1564), der größte Bildhauer der italienischen Renaissance und vielleicht aller Zeiten, stellt alle anderen Renaissance-Bildhauer in den Schatten. Der Kunsthistoriker Anthony Blunt hat über Werke von Michelangelo wie Pietà (1497-99, Marmor, Petersdom, Rom), David (1501-04, Marmor, Galleria dell’Accademia, Florenz) und „Sterbender Sklave“ (1513-16, Marmor, Louvre, Paris), dass sie „eine übermenschliche Qualität“ besaßen, aber auch „ein Gefühl der grüblerischen, düsteren Unruhe… sie spiegeln die Tragödie des menschlichen Schicksals wider“. Einige der Marmorskulpturen Michelangelos sind von makelloser Schönheit und Politur und zeugen von seiner absoluten technischen Beherrschung. Auf dem Gebiet des heroischen männlichen Aktes ist er nach wie vor der oberste Meister. Für weitere Informationen siehe: Der David von Michelangelo .

Andere wichtige Bildhauer der Hochrenaissance sind der Maler und venezianische Architekt Jacopo Sansovino (1486-1570) und Baccio Bandinelli (1493-1560).

Skulptur der nördlichen Renaissance (ca. 1400-1530)

In Nordeuropa wurde die beste Bildhauerei vor allem von zwei erstaunlichen Handwerkern gezeigt, die die Kunst der Holzbildhauerei zu neuen Höhen führten: der deutsche Bildhauer, der mit Hartholz arbeitete Tilman Riemenschneider (1460-1531), bekannt für seine Reliefs und freistehenden Holzskulpturen; und der Holzschnitzer Feit Stoss (1450-1533), bekannt für seine feinen Altarbilder.

Andere wichtige Bildhauer nördlich der Alpen:
Hans Mulcher (ca. 1400-1467); Giorgio da Sebenico (1410-1473);
Michel Colomb (ca. 1430-1512); Gregor Ehrhart (ca. 1460-1540).

Manieristische Bildhauerei (1530-1600)

Während sich die Zuversicht und Ordnung der Hochrenaissance in den idealisierten Formen der figürlichen Bildhauerei widerspiegelte, spiegelte die manieristische Bildhauerei das Chaos und die Ungewissheit eines durch die religiöse Spaltung zerrütteten Europas und eines kürzlich von französischen Söldnern geplünderten und besetzten Roms wider. Die manieristischen Bildhauer verliehen ihren Werken eine neue Ausdruckskraft, wie Giambolognas kraftvolle Entführung der Sabinerinnen (1529-1608) und Perseus (1545-54) von Benvenuto Cellini (1500-1571) zeigen. Vergleichen Sie jedoch die berühmte naturalistische liegende Marmorstatue der Heiligen Cäcilia von Stefano Maderno (1576-1636). Siehe auch Juan de Juni (1507-1577), der die Renaissance in Spanien verbreitete, Alonso Berruguete (ca. 1486-1561), der den Manierismus nach Spanien brachte, und Francesco Primaticcio (1504-1570), den Begründer des französischen Manierismus. Die wichtigsten Bildhauer des französischen Manierismus sind Jean Goujon (ca. 1510-1568), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prieur (1536-1611), und Adrien de Vries (1560-1626).

Barocke Bildhauerei (1600-1700)

Im späteren 16. Jahrhundert begann die römisch-katholische Kirche als Reaktion auf die protestantische Reformation ihre eigene Gegenreformation. Diese Propagandakampagne, die darauf abzielte, die Gläubigen zur Rückkehr zur „wahren“ Kirche zu bewegen, bediente sich der gesamten Palette der bildenden Künste, einschließlich der Architektur, der Bildhauerei und der Malerei, und wurde mit einer größeren, dramatischeren Ausdrucksweise verbunden, die als Barockkunst bekannt wurde. Dies hatte zur Folge, dass die Kirche Maler und Bildhauer massiv förderte.

Sogar der Petersplatz in Rom wurde umgestaltet, um die Besucher zum Zittern zu bringen. Der geniale Architekt und Bildhauer Bernini (1598-1680) entwarf eine Reihe von Kolonnaden, die zum Dom hinaufführten und den Besuchern den Eindruck vermittelten, das Wappen der katholischen Kirche würde sie umarmen.

Bernini war der größte Bildhauer des Barock . Nachdem er für Kardinal Scipione Borghese gearbeitet hatte, wurde er der wichtigste Bildhauer für Papst Urban VIII. Angezogen vom dramatischen Naturalismus des so genannten hellenistischen Barockstils des zweiten und ersten Jahrhunderts v. Chr. (siehe z. B. Werke wie „Der besiegte Gal tötet sich und seine Frau“), bestand Berninis einzigartiger Beitrag darin, sensationelle illusionistische Meisterwerke zu schaffen (z. B. die Darstellung eines Moments in der Zeit), wie es zuvor nur Künstlern möglich war. Er schien mit relativ weichen Materialien zu arbeiten, als ob sie vollplastisch wären. Seine bildhauerische Technik und Komposition waren so verblüffend, dass er von neidischen Künstlern stark kritisiert wurde.

Sein Hauptrivale war Alessandro Algardi (1598-1654), der Lieblingsbildhauer von Papst Innozenz X. Während Bernini den griechischen dramatischen Naturalismus verkörperte, war Algardis Stil zurückhaltender (manche Kritiker nennen ihn schwach). Ein weiterer Rivale war der flämische Bildhauer François Duquesnoy (1594-1643), dessen Stil ganz klassisch war. Duquesnoy, eine eher düstere Gestalt, arbeitete in einem strengen, emotionslosen Stil, der jedoch von der akademischen Kritik wegen seiner perfekten Synthese von Natur und Antike hoch geschätzt wurde. Die Draperien fließen anmutig und folgen der Form des Körpers, während die Figur in perfekter Anmut und Ruhe balanciert - das genaue Gegenteil von Berninis dynamischer Bewegung und intensiven Gefühlen.

Die französische Barockskulptur wurde durch François Girardon (1628-1715), eine Art französischer Algardi, und seinen Rivalen Antoine Coysevox (1640-1720) verkörpert, dessen freierer Stil im Vergleich zu dem Berninis noch relativ zurückhaltend war, und Pierre Puget (1620-1694), der einer der wenigen Bildhauer war, die die Unmittelbarkeit der besten Werke Berninis wiederherstellten.

Weitere Barockbildhauer sind Juan Martinez Montanez (1568-1649), Alonzo Cano (Granada, 1601-1667) und Andreas Schlüter (1664-1714), der größte Barockbildhauer in Norddeutschland. In Süddeutschland war einer der größten Meister Jörg Zurn (1583-1638), der den überwältigenden fünfstöckigen Hochaltar zu Ehren der Jungfrau Maria (1613-16) in der Kirche St. Nikolaus in Überlingen am Nordufer des Bodensees schuf.

Für weitere Informationen siehe: Barocke Bildhauerei .

Skulptur des Rokoko (ca. 1700-1789)

Als französische Reaktion auf die Ernsthaftigkeit des Barock entstand die Rokoko-Kunst zunächst am französischen Hof im Schloss von Versailles und verbreitete sich dann in ganz Europa. Während die Barockskulptur dramatisch und ernsthaft war, war die Rokoko-Skulptur lediglich exzessiv und bedeutungslos, obwohl es sich um eine Variation des von Bernini und seinen Zeitgenossen realisierten Stils handelte. Dennoch kann man von den Qualitäten des Rokoko in einem bildhauerischen Werk sprechen: Ungezwungenheit, Heiterkeit, Herzensangelegenheiten und bewusste Vermeidung von Ernsthaftigkeit.

Der erfolgreichste Bildhauer der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts war Guillaume Custu (1677-1746), seit 1707 Direktor der französischen Akademie, der die barocke Richtung seines Onkels Koisevox fortsetzte. Sein Schüler, Edme Bouchardon (1698-1762), ist eine interessantere Figur, dessen Gefühl für die Antike ihn dazu brachte, die spätere Tendenz zum Neoklassizismus vorwegzunehmen. Jean-Baptiste Pigalle (1714-1885), der Liebling von Madame Pompadour, ist ein weiterer wichtiger Vertreter des Rokokostils, denn sein Hauptkonkurrent ist Etienne-Maurice Falcone (1716-1991), der sich auf erotische Figuren spezialisiert hat, die wenig Ähnlichkeit mit hellenistischen Vorlagen haben. Sein Meisterwerk bleibt jedoch sein klassisches Denkmal „Der Bronzereiter“ für Peter den Großen in St. Petersburg - siehe: Russische Bildhauerei“.

In England waren die führenden Bildhauer des 17. und 18. Jahrhunderts der Klassizist Michael Risbrack (1694-1770), der eher theatralische Louis Francois Rubiliac (1705-1762) und der bedeutende Holzschnitzer Greenling Gibbons (1648-1721). Die deutsche Rokoko-Skulptur findet sich im Werk des Dresdner Bildhauers Balthasar Permoser (1651-1732) sowie in den Arbeiten kleiner Gruppen von Handwerkern, die in katholischen Kirchen des Südens tätig sind, und von Ignaz Günther (1725-1775), dessen figürliche Skulpturen eine harte Oberfläche haben und polychrom sind und an die mittelalterliche deutsche Holzschnitzerei erinnern.

Das launische, dekadente Rokoko wurde von der Französischen Revolution hinweggefegt, die einen neuen, strengeren Stil einführte, den Neoklassizismus.

Neoklassizistische Skulptur (Blütezeit 1790-1830)

Die klassizistische Kunst - hauptsächlich griechische Kunst mit moderner Ausrichtung - wurde von der klassizistischen Architektur dominiert . Zu den klassizistischen Gebäuden gehören das Pantheon (Paris), der Arc de Triomphe (Paris), das Brandenburger Tor (Berlin) und das Kapitol der Vereinigten Staaten. Die neoklassizistische Bildhauerei betont die Tugenden Heldentum, Pflicht und Ernsthaftigkeit. Zu den führenden klassizistischen Bildhauern gehörten der äußerst strenge und heroische Antonio Canova (1757-1822), der besorgte Meister der Porträtbüste Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), der eher naturalistische und realistische Jean-Antoine Houdon (1741-1828), der eher schmächtige Claude Michel, bekannt als Clodion (1738-1814), und die englischen Bildhauer Joseph Nollekens (1737-1823), Thomas Banks (1735-1805), John Flaxman (1755-1826) und Sir Richard Westmacott (1775-1856). Erst später im 18. Jahrhundert trat mit dem dänischen Bildhauer Bertel Thorvaldsen (1770-1844) ein würdiger Nachfolger Canovas auf, der sich einer vergleichbaren antiken Arroganz näherte, wenn auch mit weniger Originalität.

Skulptur des neunzehnten Jahrhunderts

In vielerlei Hinsicht war das neunzehnte Jahrhundert für die Bildhauerei ein Zeitalter der Krise. Einfach ausgedrückt: Die architektonische Entwicklung hatte sich weitgehend erschöpft, das religiöse Mäzenatentum war infolge der Französischen Revolution zurückgegangen, und ein allgemeines Klima „des Populismus“ begann in den Köpfen institutioneller und privater Auftraggeber Verwirrung darüber zu stiften, welche Themen (und Stile) für die bildhauerische Darstellung als akzeptabel angesehen wurden. Da die Bildhauer eine teurere Kunstform als die Künstler ausübten und daher auf teure Aufträge angewiesen waren, sahen sie sich häufig der öffentlichen Meinung in Form von Stadträten und Ausschüssen ausgeliefert. Abgesehen von einigen großen öffentlichen Denkmälern und den üblichen Gedenkstatuen für Bischöfe und Könige - die stets in dem von den Behörden geforderten sterilen, konformistischen Stil ausgeführt wurden (z. B. das Albert-Denkmal) - hatten die Bildhauer kaum Gelegenheit, ihre Originalität unter Beweis zu stellen. Die Malerei hingegen erlebte große und spannende Veränderungen. Mit anderen Worten: Es war keine gute Zeit, um 3D-Kunst zu machen.

Die Bildhauer des neunzehnten Jahrhunderts, die erwähnenswert sind, sind: Der Universalist James Pradier (1790-1852), der Romantiker François Rood (1784-1855), David Angers (1788-1856), Antoine-Louis Bari (1796-1875), Auguste Préaud (1809-1879) und die Florentiner Neorenaissance-Bildhauerin Felicia de Saint-Fauvet (1799-1886). Einer der talentiertesten war der unbekümmerte Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), dessen Sinnlichkeit von Ernest Curry-Belz (1824-1887) an die Anforderungen der dekorativen Bildhauerei der 1860er Jahre angepasst wurde, der ansonsten vor allem dafür bekannt war, einen unbekannten Bildhauer namens Auguste Rodin zu seinen Schülern zu zählen. Jules Dalou (1838-1902) war ein eher kontemplativer und ernsthafter Anhänger von Carpeaux. Zu den führenden Klassizisten des 19. Jahrhunderts gehören John Gibson (1791-1866), der talentierte, aber desillusionierte Alfred Stevens (1817-1875), der Universalist George Frederick Watts (1817-1904) und der Amerikaner Hiram Powers (1805-1873).

Nicht zu vergessen der französische Bildhauer Auguste Bartholdi (1834-1904) - besser bekannt als Schöpfer der weltberühmten Skulptur - Freiheitsstatue - im New Yorker Hafen. Auch der große amerikanische Monumentalbildhauer Daniel Chester French (1850-1931), bekannt für seine sitzende Figur von Lincoln am Lincoln Memorial in Washington, DC.

Auguste Rodin

Die große Ausnahme war das unvergleichliche französische Genie Auguste Rodin (1840-1917). Als einer der wenigen wahren Meister der modernen Bildhauerei betrachtete sich Rodin als Nachfolger seines Kulthelden Michelangelo, obwohl der Florentiner ein Marmorschnitzer war und Rodin hauptsächlich in Bronze schuf. Während Michelangelo die edlen und zeitlosen Formen der klassischen Antike verkörpert, sind die charakteristischsten Werke Rodins von einer unverwechselbaren Modernität und einem dramatischen Naturalismus geprägt. Vielleicht waren Rodins wahre Vorgänger gotische Bildhauer, denn er war ein leidenschaftlicher Bewunderer der gotischen Kathedralen Frankreichs, von deren heroischen Reliefs er einen Großteil seiner Inspiration bezog. In jedem Fall war Rodins Einfluss auf die Kunst größer als der jedes anderen Bildhauers der Renaissance.

Die Bildhauerei des zwanzigsten Jahrhunderts: der Beginn der Moderne

Da die Bildhauerei im 19. Jahrhundert weniger in der Lage war, die neuen Tendenzen der modernen Kunst widerzuspiegeln, stand es Bildhauern wie Auguste Rodin (1840-1917) frei, einen auf der Ideologie der Renaissance basierenden Monumentalismus zu verfolgen, während andere die viktorianischen Werte in Form von patriotischen und historischen Figuren verherrlichten, die ebenfalls in der grandiosen Art früherer Zeiten ausgeführt wurden. Als jedoch moderne Bildhauer des 20. Jahrhunderts wie Constantin Brancusi (1876-1957), Umberto Boccioni (1882-1916) und Naum Gabo (Naum Nehemiah Pevsner) (1890-1977) auftraten, begann sich die Bildhauerei um die Jahrhundertwende wirklich zu verändern.

Zum Einfluss der Stammeskulturen auf die Entwicklung der Bildhauerei des 20. Jahrhunderts, siehe: Primitivismus und primitive Kunst . Lesen Sie in diesem Zusammenhang über das Werk von Henri Gaudier-Brzeski (1891-1915) und seines Mentors Jacob Epstein (1880-1959). Beachten Sie insbesondere den Einfluss der afrikanischen Skulptur auf die zeitgenössischen Bildhauer der Pariser Schule.

In den ersten Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts befand sich die bildende Kunst tatsächlich in einem Zustand der Gärung. Die revolutionäre kubistische Bewegung, die von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) erfunden wurde, erschütterte viele der heiligen Kanons der traditionellen Kunst und löste eine Welle von Experimenten in Malerei und Bildhauerei aus. Die Bildhauerei wurde von einer Reihe von Bildhauern wie Marcel Duchamp (1887-1968) - siehe seine „Readymades“ - Jacques Lipchitz (1891-1973) und Alexandre Archipenko (1887-1964), sowie Brancusi, Boccioni und Gabo entscheidend neu definiert. Der Repräsentationismus wurde zugunsten neuer abstrakter Ausdrucksformen von Raum und Bewegung abgelehnt, wobei häufig unkonventionelle, noch nie zuvor in der Bildhauerei verwendete Materialien verwendet wurden.

Nach dem Kubismus hatten der Erste Weltkrieg (1914-18) und die bolschewistische Revolution von 1917 einen tief greifenden Einfluss auf Maler und Bildhauer in ganz Europa, wie die einflussreichen ikonoklastischen Bewegungen des Dadaismus und des Konstruktivismus zeigen. Bildhauer arbeiteten mit Künstlern zusammen, um Kunstwerke zu schaffen, die neue Ikonen wie Maschinen und Mechanismen sowie neue Designideologien (z. B. die Theorien der Designschule Bauhaus) und Formen (z. B. Kurt Schwitters’ unglaublicher Merzbau) widerspiegelten.

In den 1920er Jahren entstand in Paris der Surrealismus, eine sehr einflussreiche Bewegung, die einen neuen „Superrealismus“ in einem Stil anstrebte, der sowohl Abstraktion als auch Naturalismus umfasste. Zu den bedeutenden surrealistischen Künstlern, die mit Volumen arbeiteten, gehören Salvador Dalí (1904-1989), der sein surrealistisches Sofa „Mae West Lips Sofa“ und Lobster Telephone schuf; Meret Oppenheim (1913-1985), die „Furry Breakfast“ schuf; und F. E. McWilliam (19099). E. McWilliam (1909-1992), der „Eyes, Nose and Cheek“ schuf. Andere zeitgenössische Bildhauer wie Jean Arp (1886-1966) sowie Henry Moore (1898-1986) und Barbara Hepworth (1903-1975) - Führer der modernen britischen Bildhauerei - experimentierten mit neuen Formen der biomorphen und organischen Abstraktion, während der Amerikaner Alexander Calder (1898-1976) ein Pionier der beweglichen Skulptur und der kinetischen Kunst war und David Smith (1906-1965) abstrakte Metallskulpturen entwickelte. Viele Bildhauer haben ihren Stil im Laufe des Jahrhunderts weiterentwickelt: Alberto Giacometti (1901-1966) beispielsweise begann in den 1920er und 1930er Jahren im surrealistischen Stil und verfeinerte lange Zeit seine einzigartigen halb-abstrakten figurativen Werke, und der modernistische britisch-amerikanische Künstler Jacob Epstein (1880-1959), dessen kühne figurative Werke sehr umstritten waren.

Nachkriegs-Skulptur (1945-70)

Weder in New York noch in Paris entstand eine Bildhauerei, die mit dem vorherrschenden Stil der Malerei des Abstrakten Expressionismus (1945-62) vergleichbar wäre, obwohl es durchaus Neuerungen gab, vor allem in der Verwendung neuer Materialien und der zunehmenden Tendenz zum Konzeptualismus, einem Stil, der sich auf die Idee hinter einem dreidimensionalen Objekt und nicht auf das Objekt selbst konzentriert, sowie der Verwischung zwischen Malerei und Bildhauerei. Die wichtigsten Neuerungen stammen hauptsächlich von amerikanischen Bildhauern, aber zum Beispiel „Ruined City“ (1953) des russischen Bildhauers Osip Zadkin (1890-1967) - bestehend aus „skulpturalen Wänden“ von Louise Nevelson (1899-1988) - Assemblagen, bestehend aus gefundenen Objekten, meist aus Holz, weiß, schwarz oder goldfarben bemalt und auf Kastenregalen angeordnet, die eine Wand einnehmen; Filzskulpturen von Robert Morris (geb. 1931); Neon- und Fluoreszenzarbeiten von Bruce Nauman (geb. 1941); Werke von Caesar (1921-1998) aus Autoteilen; Skulpturen aus Schrott (z. B. Stapel kaputter Telefone) von Armand Fernandez (geb. 1928); kinetische Kunst von Jean Tinguely (1925-1991); und abstrakte Skulpturen des britischen Künstlers Sir Anthony Caro (1924-2013).

Pop-Art-Skulptur

Chronologisch gesehen war die erste große Nachkriegsbewegung, an der Bildhauer beteiligt waren, die Pop Art der 1960er Jahre, die mit dem bahnbrechenden Werk von Robert Rauschenberg (1925-2008) und Jasper Johns (geb. 1930) in den 1950er Jahren begann. Zu den berühmten Pop-Skulpturen gehören „Japanese God of War“ (1958) des bahnbrechenden Künstlers Eduardo Paolozzi (geb. 1924), „El Kans“ (1964) Jasper Johns, Leinwand, Schaumstoff und Karton - „Paul Burger“ (1962) und „Giant Tips“ (1967) von Claes Oldenburg (b. 1929); die witzigen Sofa Jo (1968) der Italiener Jonathan De Paz (1932-1991), Donato D’Urbino (geb. 1935) und Paolo Lomazzi (geb. 1936) zeigen alle Spuren der frühen surrealistischen Kunst. Pop-Skulptur ist nicht seriös, aber sie macht Spaß.

Minimalistische Bildhauerei

Im Gegensatz zur Pop Art erforschte der Minimalismus der 1960er Jahre die Reinheit der Formen, die bis zur Absurdität vereinfacht wurden. Zu den bemerkenswerten minimalistischen Bildhauern gehören Sol Lewitt (geb. 1928), ein amerikanischer Konzeptkünstler, der für seine skelettartigen, geometrischen, kastenartigen Strukturen bekannt ist, Donald Judd (1928-1994) und seine kompromisslos vereinfachten Formen, der experimentelle Künstler Walter de Maria (geb. 1935) und der in Massachusetts geborene Carl Andre (geb. 1935). Die minimalistische Bildhauerei kann von jedem, der einen Doktortitel in Kunstgeschichte hat, geschätzt werden.

Land Art: Umwelt-Skulptur

In den 1960er Jahren entstand auch eine völlig neue Art von Skulptur, die als Land Art (Earthworks oder Environmental Art) bekannt ist. Wie Kinder, die Sandburgen am Strand bauen, stürmten Künstler in die Wildnis und gruben, gruben und veränderten die natürliche Landschaft, um (wie sie hofften) Kunst zu schaffen. Der bahnbrechende Umweltschützer war der Pessimist Robert Smithson (1938-1973). In jüngerer Zeit ist das Künstlerpaar Christo und Jeanne-Claude Javachev berühmt geworden, indem es Teile der Umwelt in farbige Stoffe hüllte, während Andy Goldsworthy (geb. 1956) sich auf temporäre Umweltskulpturen (z. B. aus Schnee) spezialisiert hat, die sich zersetzen oder verschwinden.

Postmoderne zeitgenössische Skulptur

Um 1970 war ein zunehmender Teil der aktuellen Kunst extrem experimentell geworden - Kunsthistoriker könnten sagen, dass sie seltsam, obskur und kitschig war. Seit den 1970er Jahren wird dieser Trend als „postmoderne Kunst“ bezeichnet. Niemand weiß wirklich, was das Wort bedeutet, und wenn doch, ist es unwahrscheinlich, dass er es erklären kann. Was die postmoderne Bildhauerei betrifft, so kann man bestenfalls sagen, dass sie die Bildhauerei auf die Grenze des dreidimensionalen Ausdrucks reduziert und sich oft mit anderen Kunstformen wie Installation, Assemblagekunst und sogar Theater überschneidet. Einer der bekanntesten Bildhauer der Postmoderne ist der britische Turner-Preisträger Anish Kapoor (geboren 1954).

Damien Hirst

Die Postmoderne wird durch das Werk von Damien Hirst (geb. 1965) veranschaulicht, dem brillanten Marktführer der jungen britischen Künstlerbewegung der 1980er Jahre, der mit seinem Werk „Die physische Unmöglichkeit des Todes im Kopf eines Lebenden“ (1991), einem toten Tigerhai, der in einem Tank mit Formaldehyd mariniert wurde, weltweite Bekanntheit erlangte - ist es eine Skulptur oder eine Installation? Niemand weiß es wirklich. Zu Hirsts weiteren umstrittenen Werken gehören Virgin Mother (2005), ein riesiges Werk, das eine schwangere Frau darstellt, die so geschnitzt ist, dass ein Fötus, Muskelgewebe und ein Schädel zu sehen sind, sowie sein mit Diamanten besetzter Schädel „For the Love of God“ (2007). Kritiker behaupten, Hirst sei kaum mehr als ein innovativer Showman, aber die Sammler scheinen ihn ebenso wie das Publikum zu lieben. Lassen wir die Geschichte das letzte Wort über diesen Multimillionär haben.

Nicht alle modernen Skulpturen sind so umstritten wie Hirsts toter Hai. Im späten 20. Jahrhundert gab es eine Reihe außergewöhnlicher Bildhauer, die in mehr oder weniger traditionellen Stilen arbeiteten, wenn auch mit einem modernistischen Konzept. Zu den bekannten Beispielen der modernen Bildhauerei gehören großformatige Metallskulpturen von Mark Di Suvero (geb. 1933), monumentale öffentliche Formen von Richard Serra (geb. 1939), hyperrealistische Figuren von Duane Hanson (1925-1996) und von John De Andrea (geb. 1941), natürliche Strukturen von Anthony Gormley (geb. 1950), traumhafte realistische Figuren von Rowan Gillespie (geb. 1953), innovative Neo-Pop-Werke von Jeff Koons (geb. 1955) und surrealistische Spinnenskulpturen von Maman Louise Bourgeois (1911-2010).

Berühmte Skulpturen des frühen 21. Jahrhunderts sind unter anderem Werke von Eduardo Chillida (1924-2002) (z. B. Iron Object Berlin, 2000, Bundeskanzleramt, Berlin-Tiergarten); und Werke von Sudobh Gupta (geb. 1964) und Damian Ortega (geb. 1967), neben anderen, die zu zahlreich sind, um sie alle zu erwähnen.

Architektonische Bildhauerei

Obwohl es den Rahmen dieses Artikels sprengen würde, sollten die großen ikonischen Werke der architektonischen Bildhauerei erwähnt werden, darunter: Koloss von Rhodos, Freiheitsstatue, Eiffelturm, Nelsons Säule, Picassos Chicago, und Dublin Spike .