Sol LeWitt:
Minimalistischer Bildhauer, Konzeptkünstler Automatische übersetzen

Einer der Schlüssel Bildhauer des 20. Jahrhunderts der Gegenwart half der Künstler und Schriftsteller Sol LeWitt bei der Etablierung Minimalismus und Konzeptkunst als wichtige Bewegungen der Nachkriegszeit Amerikanische Kunst. Er wurde in den 1960er Jahren mit seinem Zeitgenossen berühmt abstrakte Skulptur insbesondere seine dreidimensionalen "Strukturen", bei denen es sich um geometrische kubische Gitter aus verschiedenen Materialien handelte, insbesondere aus weiß beschichtetem Aluminium. Er ist in einer Vielzahl von Medien, einschließlich Druckgrafik und Malerei, äußerst produktiv und schuf auch eine einzigartige Serie von „Wandzeichnungen“, deren geometrische Muster sich jeweils aus einer Reihe von Anweisungen ableiten. Seine theoretischen Schriften zum Konzeptualismus – Absätze zur Konzeptkunst (1967) und Sätze zur Konzeptkunst (1969) haben als Definitionen der Form Kultstatus erlangt. Er ist einer der beliebtesten Avantgarden Amerikanische Bildhauer und einer der am meisten respektierten postmoderne Künstler seiner Generation. Andere amerikanische minimalistische Bildhauer schließen ein Tony Smith (1912-80), Donald Judd (1928-94), Carl Andre (* 1935), Dan Flavin (1933-96), Robert Morris (b.1931) und Richard Serra (geb. 1939).

Frühe Jahre

LeWitt wurde 1928 in Hartford, Connecticut, geboren. Er studierte Bildende Kunst an der University of Syracuse und später an der University of Illinois. 1949 reiste er nach Europa, wo er die Gelegenheit hatte, Gemälde von der Renaissance bis zu den Impressionisten und Kubisten zu betrachten. Kurz nach seiner Rückkehr in die USA wurde er für den Koreakrieg eingezogen. Während LeWitt in Korea war, besuchte er die alten Tempel und Denkmäler und war beeindruckt von ihren spirituellen und asketischen Eigenschaften.

Er kehrte Anfang der 1950er Jahre nach New York zurück und studierte an der Cartoonisten- und Illustratorenschule. Zwischen 1955 und 1956 arbeitete er als Grafiker in einem Architekturbüro. Er arbeitete auch für das Seventeen Magazine und schuf Paste-Ups, Fotostaten und Mechaniken. In dieser Zeit stieß LeWitt auf die Werke des Fotografen Eadweard Muybridge aus dem 19. Jahrhundert, dessen Studien über Fortbewegung und Sequenzierung (neben Russisch) einen frühen Einfluss hatten Konstruktivismus). Er malte auch. 1960 nahm er einen Einstiegsjob am Museum of Modern Art in New York an. Hier wurde er Teil der künstlerischen Gemeinschaft und knüpfte Kontakte zu vielen Künstlern, darunter zum amerikanischen Minimalisten Dan Flavin, der für seine skulpturalen Objekte und Installationen bekannt ist. Er traf sich auch Eva Hesse Die in Deutschland geborene amerikanische Bildhauerin, die für ihre Pionierarbeit in Materialien wie Fiberglas, Latex und Kunststoff bekannt war. Er freundete sich auch mit der Kuratorin Lucy Lippard an, die sich schon früh für Konzeption und Design einsetzte feministische Kunst in den 1970er Jahren.

"Strukturen"

Zunächst konzentrierte sich LeWitt auf die Malerei, stellte Modelle ein, schöpfte aus dem Leben und kopierte alte Meister. Aber er fühlte sich verloren und berührungslos. Dies änderte sich 1962, als er anfing Skulptur und begann schwarz-weiße Marmorreliefs zu machen. In den frühen 1960er Jahren suchte er nach einer neuen Richtung, die "von den allgegenwärtigen, aber nutzlosen Ideen des Abstrakten Expressionismus wegführt". LeWitt verfasste zwei wegweisende Texte, die den neuen Stil der Konzeptkunst definieren sollten. Dies waren: Absätze zur Konzeptkunst (1967) und Sätze zur Konzeptkunst (1969). Bis 1965 beschäftigte sich LeWitt vor allem mit seinen "Strukturen". Mit abstrakten Elementen vereinfachte er seine Arbeiten zu kasten- oder tischartigen Strukturen. Diese Arbeiten reichen von Installationen im Galeriemaßstab bis hin zu monumentalen Außenarbeiten. Anfänglich waren diese Skulpturen in Schwarz-Weiß-Monochrom gehalten, was ihn zu der Bemerkung veranlasste, dass es nicht so wichtig ist, wie Kunst aussieht. Ab den 1970er Jahren begann er jedoch, seine Strukturen in Primärfarben zu malen.

Konzeptionelle Botschaft

LeWitt reduzierte seins plastische Kunst zu ein paar Grundformen (Dreiecke, Vierecke und Kugel), und verwendet eine begrenzte Farbpalette (schwarz, weiß, gelb, blau und schwarz). Dies galt für seine Strukturen, Gemälde und Zeichnungen. Der Betrachter wurde aufgefordert, über die verschiedenen Muster nachzudenken, um eine gerade oder gekrümmte Linie zu sehen – wenn seine Augen und sein Verstand offen wären, würde seine visuelle Flexibilität getestet. Der Geist könnte wandern, eine Zeichnung erweitern – oder nicht. Die Handlung lag im Ermessen des Zuschauers, was die Schlüsselbotschaft von LeWitts Kunst war. Humor war auch ein grundlegendes Element von LeWitts Arbeit. Begrabener Würfel, der ein bedeutendes, aber wenig wertvolles Objekt enthielt (1968) – war ein Würfel, den er im Garten eines Sammlers vergraben hatte. Es war ein blöder Witz über das Abschiednehmen vom Minimalismus. Er dokumentierte die Skulptur in Fotografien, in der ersten steht er neben dem Würfel; die nächste zeigt eine Schaufel; und der dritte zeigt ihn, wie er ein Loch gräbt.

Hinweis zur Wertschätzung von Skulpturen
Informationen zur Bewertung zeitgenössischer konzeptueller Bildhauer wie Sol LeWitt finden Sie unter: Wie man moderne Skulptur schätzt. Zu früheren Werken siehe: Wie man Skulptur schätzt.

LeWitts Definition der Konzeptkunst

Konzeptkunst ist Kunst, die sich auf Ideen oder Konzepte bezieht. Das traditionelle physische Kunstwerk steht hinter der eigentlichen Idee dahinter. Tatsächlich fallen viele konzeptionelle Stücke unter den Begriff Installationskunst. LeWitt beschrieb die Konzeptkunst als das Entstehen (wann) der Idee oder des Konzepts ist der wichtigste Aspekt der Arbeit. Wenn ein Künstler eine konzeptuelle Kunstform verwendet, bedeutet dies, dass alle Planungen und Entscheidungen im Voraus getroffen werden und die Ausführung eine oberflächliche Angelegenheit ist. Die Idee wird zu einer Maschine, die die Kunst macht.

Wandzeichnungen

LeWitt schuf über 1200 Wandzeichnungen, von denen einige Teams Wochen brauchten, um sie auszuführen. Er gab seinem Team normalerweise die Anweisung, auf bestimmte Weise eine Linie zu ziehen, gab ihnen jedoch charakteristischerweise Spielraum, da er glaubte, dass ihr Input – Langeweile, Freude, Frustration – Teil der Kunst werden sollte. Die Wandzeichnungen waren in der Regel gigantisch und konnten eine ganze Galerie einnehmen, die bunte geometrische Formen widerspiegelte. Seine Beschreibung für die Wandzeichnung Nr. 766 klingt trocken: Einundzwanzig isometrische Würfel unterschiedlicher Größe mit übereinandergelegten Farbtintenwäschen : Aber wenn Sie es sehen, erscheinen die dunklen Farben wie ein Renaissance-Freskengemälde. Sein Loopy Doopy, Rot und Lila war eine 3- Meter-Abstraktion, die aussah wie ein psychedelischer Matisse-Ausschnitt, aber im Maßstab eines Drive-In-Films. Andere Zeichnungen hingegen waren so schwach, dass sie wie subtile Glasradierungen aussahen.

Ausstellungen

LeWitt war seit 1965 weltweit Gegenstand von Hunderten von Einzel – und Gruppenausstellungen. Seine erste große retrospektive Ausstellung fand 1978 im Museum für Moderne Kunst, New York (MoMA) . Die Ausstellung war an verschiedenen Orten zu sehen. 1992 veranstaltete das Gemeentemuseum in Den Haag eine große Ausstellung mit dem Titel Sol LeWitt Drawings 1958-1992. 1996 veranstaltete das Museum of Modern Art eine weitere Ausstellung Sol LeWitt Prints. Eine große LeWitt – Retrospektive wurde im Jahr 2000 vom San Francisco Museum of Modern Art organisiert – sie reiste ins Museum of Contemporary Art, Chicago und in die USA Whitney Museum of American Art in New York.

Erbe

LeWitt widersetzte sich jeglicher Werbung oder Berühmtheit. Ständig lehnte er Auszeichnungen ab und mied die Kamera, um Interviews nach Möglichkeit zu vermeiden. Er starb im Jahr 2007. Seine Werke werden von einigen der beste Kunstmuseen weltweit, darunter: Museum of Fine Arts, Boston; Kunstinstitut von Chicago; Guggenheim Museum, New York City; Metropolitan Museum of Art, New York City; San Francisco Museum für moderne Kunst; Hirshhorn Museum und Skulpturengarten, Washington DC; Guggenheim Bilbao, Spanien und viele andere.