Kunst der Renaissance: Geschichte, Charakteristika Automatische übersetzen
In den zweihundert Jahren zwischen 1400 und 1600 erlebte Europa eine erstaunliche Wiederbelebung von Zeichnung, Malerei, Skulptur und Architektur mit Schwerpunkt auf Italien, das wir heute als Renaissance ( rinascimento ) bezeichnen. Es erhielt diesen Namen (französisch für "Wiedergeburt") als Ergebnis von La Renaissance – einem berühmten Band der Geschichte, der vom Historiker geschrieben wurde Jules Michelet (1798-1874) im Jahr 1855 – und wurde nach der Veröffentlichung des wegweisenden Buches "Die Kultur der Renaissance in Italien" im Jahr 1860 von Jacob Burckhardt (1818-97), Professor für Kunstgeschichte an der Universität Basel.
Was waren die Merkmale der Renaissance?
In sehr einfachen Worten, die Italienische Renaissance Wiedererlangung der westlichen Kunst nach den Prinzipien der Klassik Griechische Kunst , insbesondere Griechische Skulptur und Malerei, die einen großen Teil der Grundlage für die große Tour , und die bis Pablo Picasso und Kubismus unangefochten blieben.
Ab dem frühen 14. Jahrhundert auf der Suche nach einer neuen Reihe von künstlerischen Werten und einer Antwort auf die höfischen Internationale Gotik Stil ließen sich italienische Künstler und Denker von den Ideen und Formen des antiken Griechenlands und Roms inspirieren. Dies entsprach genau ihrem Wunsch, eine universelle, ja edle Form von Kunst das könnte die neue und selbstbewusstere Stimmung der Zeit ausdrücken.
Renaissance-Philosophie des Humanismus
Die Kunst der Renaissance wurde vor allem durch den neuen Begriff "Humanismus" angetrieben, eine Philosophie, die die Grundlage für viele der Errungenschaften (z. B. Demokratie) des heidnischen antiken Griechenlands bildete. Der Humanismus hat das religiöse und das weltliche Dogma heruntergespielt und stattdessen der Würde und dem Wert des Einzelnen die größte Bedeutung beigemessen.
Auswirkung des Humanismus auf die Kunst
Humanismus stand in der bildenden Kunst für (1) das Entstehen der einzelnen Figur anstelle von stereotypen oder symbolischen Figuren. (2) Größerer Realismus und konsequente Aufmerksamkeit für Details, was sich in der Entwicklung der linearen Perspektive und dem zunehmenden Realismus menschlicher Gesichter und Körper widerspiegelt; Dieser neue Ansatz hilft zu erklären, warum die klassische Skulptur so verehrt wurde und warum die byzantinische Kunst aus der Mode kam. (3) Hervorhebung und Förderung tugendhaften Handelns: Ein Ansatz, den der führende Kunsttheoretiker der Renaissance, Leon Battista Alberti (1404-72), wiederholt, als er erklärte: "Glück kann nicht erreicht werden ohne gute Werke und gerechte und aufrichtige Taten."
Die Förderung tugendhaften Handelns spiegelte die wachsende Vorstellung wider, dass der Mensch, nicht das Schicksal oder Gott, das menschliche Schicksal kontrollierte und ein Hauptgrund dafür war, dass die Historienmalerei (dh Bilder mit erhebenden „Botschaften“) als höchste Form der Malerei angesehen wurde. Natürlich beinhaltete die Erforschung der Tugend in der bildenden Kunst auch eine Untersuchung des Laster und des menschlichen Übels.
Ursachen der Renaissance
Was diese Wiedergeburt der bildenden Kunst verursacht hat, ist noch unklar. Obwohl Europa aus dem dunklen Zeitalter unter Karl dem Großen hervorgegangen war (um 800) und das Wiederaufleben der christlichen Kirche im 12./13. Jahrhundert erlebt hatte Gothic Style Das Bauprogramm im 14. Jahrhundert in Europa war Zeuge mehrerer katastrophaler Ernten, des schwarzen Todes (1346) und eines anhaltenden Krieges zwischen England und Frankreich. Kaum ideale Bedingungen für einen kreativen Ausbruch, geschweige denn eine anhaltende Rinascita aus Gemälden, Zeichnungen, Skulpturen und Neubauten. Darüber hinaus war die Kirche – der größte Förderer der Künste – mit Meinungsverschiedenheiten über geistliche und weltliche Themen konfrontiert.
Erhöhter Wohlstand
Es zeigten sich jedoch auch positivere Ströme. In Italien waren Venedig und Genua durch den Handel mit dem Orient reich geworden, während Florenz ein Zentrum von Wolle, Seide und Baumwolle war Schmuckkunst und war die Heimat des sagenhaften Reichtums der Kultur- und Kunstbewussten Medici-Familie .
Wohlstand kam auch nach Nordeuropa, wie die Gründung des Hansebundes der Städte in Deutschland beweist. Dieser wachsende Wohlstand bot die finanzielle Unterstützung für eine wachsende Anzahl von Aufträgen für große öffentliche und private Kunstprojekte, während die Handelswege, auf denen er beruhte, die Verbreitung von Ideen stark unterstützten und so zum Wachstum der Bewegung auf dem gesamten Kontinent beitrugen.
Verbunden mit dieser Verbreitung von Ideen, die sich mit der Erfindung des Drucks im Übrigen erheblich beschleunigten, war das langsame Fortschreiten des Wandels zweifellos ungeduldig. Nach tausend Jahren kulturellen und intellektuellen Hungers war Europa (und insbesondere Italien) besorgt um eine Wiedergeburt.
Schwäche der Kirche
Paradoxerweise gab die schwache Position der Kirche der Renaissance zusätzlichen Schwung. Erstens erlaubte es die Ausbreitung des Humanismus – dem in vergangenen Epochen stark widerstanden worden wäre; zweitens veranlasste es später die Päpste dazu Papst Julius II (1503-13) aufwendig für Architektur, Bildhauerei und Malerei in Rom und im Vatikan auszugeben (vgl. Z Vatikanische Museen , insbesondere die Fresken der Sixtinischen Kapelle ) – um ihren verlorenen Einfluss zurückzugewinnen. Ihre Reaktion auf die Reformation (um 1520) – bekannt als Gegenreformation, ein besonders doktrinärer Typ von Christliche Kunst – setzte diesen Prozess bis zum Ende des 16. Jahrhunderts fort.
Ein Zeitalter der Erforschung
Die Renaissance in der Kunstgeschichte ist eine Parallele zum Beginn des großen westlichen Entdeckungszeitalters, in dem der allgemeine Wunsch aufkam, alle Aspekte der Natur und der Welt zu erforschen. Europäische Marineforscher entdeckten neue Seerouten, neue Kontinente und gründeten neue Kolonien. Ebenso zeigten europäische Architekten, Bildhauer und Maler ihren eigenen Wunsch nach neuen Methoden und Kenntnissen. Dem italienischen Maler, Architekten und Renaissancekommentator Giorgio Vasari (1511-74) zufolge war es nicht nur der wachsende Respekt vor dem Kunst der klassischen Antike das trieb die Renaissance an, aber auch den wachsenden Wunsch, die Natur zu studieren und nachzuahmen.
Warum begann die Renaissance in Italien?
Renaissance-Künstler
Wenn der Rahmen für die Renaissance von wirtschaftlichen, sozialen und politischen Faktoren bestimmt wurde, war es das Talent italienischer Künstler, das sie voranbrachte. Zu den wichtigsten Malern, Bildhauern, Architekten und Designern der italienischen Renaissance des 14., 15. und 16. Jahrhunderts zählen in chronologischer Reihenfolge:
Cimabue (c.1240-1302)
Bekannt für seine Fresken in Assisi.
Giotto di Bondone (1267-1337)
Fresken der Arenakapelle von Scrovegni.
Gentile da Fabriano (1370-1427)
Einflussreicher Maler im gotischen Stil.
Jacopo della Quercia (c.1374-1438)
Einflussreicher Bildhauer aus Siena.
Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
Bildhauer von "Gates of Paradise"
Donatello (1386-1466)
Bester Bildhauer der Frührenaissance
Paolo Uccello (1397-1475)
Berühmt für die Arbeit an Perspektive.
Tommaso Masaccio (1401-1428)
Größter früher Florentiner Maler.
Piero della Francesca (1420-92)
Pionier der linearen Perspektive.
Andrea Mantegna (1430-1506)
Bekannt für illusionistische Verkürzungstechniken.
Donato Bramante (1444-1514)
Top-Architekt der Hochrenaissance.
Alessandro Botticelli (1445-1510)
Berühmt für mythologische Malerei.
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Schöpfer von Mona Lisa, Abendmahl.
Raphael (1483-1520)
Größter Maler der Hochrenaissance.
Michelangelo (1475-1564)
Genie Maler & Bildhauer.
Tizian (1477-1576)
Größter venezianischer Kolorist.
Andrea del Sarto (1486-1530)
Führer der Hochrenaissance in Florenz.
Correggio (1489-1534)
Berühmt für illusionistische Quadratur-Fresken.
Andrea Palladio (1508-80)
Dominiert Venezianische Renaissance-Architektur , später im Palladianismus nachgeahmt.
Tintoretto (1518-1594)
Religiöser Manierist.
Paolo Veronese (1528-1588)
Koloristischer Anhänger von Tizian.
Allgemeine Liste der Renaissance-Maler und Bildhauer
ITALIEN & SPANIEN
c.1280-1400 – Künstler der Protorenaissance
c.1400-1490 – Künstler der Frührenaissance
ca. 1490-1530 – Künstler der Hochrenaissance
c.1530-1600 – Manieristische Künstler
NORDEUROPA
c.1400-1600 – Künstler der nördlichen Renaissance .
SCULPTORS
c.1400-1600 – Renaissance-Bildhauer .
Auswirkungen der Renaissance auf Malerei und Skulptur
Wie oben erwähnt, wurde die italienische Renaissance für vier Dinge vermerkt. (1) Eine ehrfürchtige Wiederbelebung der klassischen griechisch / römischen Kunstformen und -stile; (2) Ein Glaube an den Adel des Menschen (Humanismus); (3) Die Beherrschung illusionistischer Maltechniken unter Maximierung der "Tiefe" eines Bildes, einschließlich: linearer Perspektive , Verkürzung und später Quadratur ; und (4) den naturalistischen Realismus seiner Gesichter und Figuren, der durch Ölmaltechniken wie Sfumato verstärkt wird .
Renaissance-Maltechniken
In Nordeuropa war die Renaissance durch Fortschritte in der Darstellung von Licht durch den Raum und dessen Reflexion von verschiedenen Oberflächen gekennzeichnet. und (am sichtbarsten) in der Erreichung des höchsten Realismus in Staffelei-Porträt und Stillleben. Dies war zum Teil darauf zurückzuführen, dass die meisten Künstler der Renaissance des Nordens zu Beginn des 15. Jahrhunderts Ölfarben verwendeten, die sie bevorzugten Tempera oder Fresko Dies war (aus klimatischen und anderen Gründen) immer noch die bevorzugte Malmethode in Italien. Ölgemälde erlaubt eine sattere Farbe und kann aufgrund der längeren Trocknungszeit für viele Wochen nachbearbeitet werden, was die Erzielung von feineren Details und größerem Realismus ermöglicht. Die Öle breiteten sich schnell nach Italien aus: zuerst nach Venedig, dessen feuchtes Klima weniger für Tempera geeignet war, dann nach Florenz und Rom. (Siehe auch: Kunstbewegungen, Perioden, Schulen , für eine kurze Anleitung zu anderen Stilen.)
Unter anderem bedeutete dies, dass während das Christentum das vorherrschende Thema oder Thema für die meisten visuellen Kunstwerke der Zeit blieb, Evangelisten, Apostel und Mitglieder der Heiligen Familie als reale Menschen in realen Stellungen und Posen dargestellt wurden, die reale Emotionen ausdrückten. Gleichzeitig wurde verstärkt auf Geschichten aus der klassischen Mythologie zurückgegriffen, die beispielsweise Ikonen wie die Liebesgöttin Venus zeigten, um die Botschaft des Humanismus zu veranschaulichen. Weitere Informationen hierzu finden Sie unter: Berühmte Gemälde analysiert .
Was die plastische Kunst betrifft, Italienische Renaissance-Skulptur spiegelte das Primat der menschlichen Figur wider, insbesondere den männlichen Akt. Sowohl Donatello als auch Michelangelo verließen sich stark auf den menschlichen Körper, benutzten ihn jedoch weder als Vehikel für unruhige gotische Energie noch für statischen klassischen Adel, sondern für eine tiefere spirituelle Bedeutung. Zwei der größten Renaissance-Skulpturen waren: David von Donatello (1440-43, Bargello, Florenz) und David von Michelangelo (1501-4, Galerie der Künste, Florenz). Hinweis: Für Künstler und Stile, die von den Künsten der klassischen Antike inspiriert sind, siehe: Klassizismus in der Kunst (Ab 800).
Erhöhter Status von Malern und Bildhauern
Maler und Bildhauer galten bis zur Renaissance, ähnlich wie talentierte Innenarchitekten, nur als Facharbeiter. In Übereinstimmung mit ihrem Ziel, durchdachte klassische Kunst zu schaffen, hat die italienische Renaissance die Berufe der Malerei und Bildhauerei auf ein neues Niveau gehoben. Dabei wurde größter Wert auf disegno "- ein italienisches Wort mit der wörtlichen Bedeutung" Zeichnung "Aber wessen Sinn beinhaltet das" gesamte Design "eines Kunstwerks – anstatt" colorito ’, die Technik des Aufbringens von Buntfarben / Pigmenten. Disegno bildete die intellektuelle Komponente von Malerei und Skulptur, die nun zum Beruf des denkenden Künstlers und nicht des Dekorateurs wurde. Siehe auch: Beste Renaissance-Zeichnungen .
Einfluss auf die westliche Kunst
Die Ideen und Errungenschaften der Künstler der Frührenaissance und der Hochrenaissance hatten einen großen Einfluss auf die Maler und Bildhauer, die im Laufe der Zeit folgten cinquecento und später, beginnend mit dem Fontainebleau Schule (c.1528-1610) in Frankreich. Die Kunsttheorie der Renaissance wurde offiziell von allen offiziellen Kunstakademien in Europa aufgegriffen und (leider zu rigide) verkündet, darunter insbesondere die Accademia di San Luca in Rom, die Accademia del Disegno in Florenz und die französische Académie des Beaux-Arts in Paris und der Royal Academy in London. Dieser theoretische Ansatz, bekannt als akademische Kunst regelte zahlreiche Aspekte der bildenden Kunst. Zum Beispiel kündigte Andre Felibien, Sekretär der Französischen Akademie, 1669 eine Hierarchie von Gemäldegattungen an, die sich an der Philosophie der Renaissance orientierte: (1) Historienmalerei; (2) Porträtkunst; (3) Genre-Malerei; (4) Landschaft; (5) Stillleben.
Kurz gesagt, der Hauptbeitrag der italienischen Renaissance zur Kunstgeschichte , lag in seiner Förderung der klassischen griechischen Werte. Infolgedessen entwickelten sich die westliche Malerei und Skulptur weitgehend nach klassischem Vorbild. Und obwohl moderne Künstler seit Picasso neue Medien und Kunstformen erforscht haben, bleibt das Hauptmodell der westlichen Kunst die griechische Antike, wie sie von der Renaissance interpretiert wird.
Renaissance-Chronologie
Es ist üblich, die italienische Renaissancekunst in verschiedene, sich überschneidende Perioden einzuteilen:
Diese Chronologie folgt weitgehend dem Bericht des Renaissance-Kommentators Giorgio Vasari (1511-74) aus dem maßgeblichen Buch " Vite de ’più eccellenti architetti, pittori et scultori Italiani ".
Geschichte der Renaissancekunst
Die Renaissance oder Rinascimento wurde weitgehend durch das postfeudale Wachstum der unabhängigen Stadt wie in Italien und den südlichen Niederlanden gefördert. Durch Handel und Industrie vermögend geworden, hatten diese Städte in der Regel eine demokratische Organisation von Gilden, obwohl die politische Demokratie in der Regel von einem reichen und mächtigen Individuum oder einer Familie in Schach gehalten wurde. Gute Beispiele sind Florenz aus dem 15. Jahrhundert – der Schwerpunkt der italienischen Renaissancekunst – und Brügge – eines der Zentren von Florenz Flämische Malerei . Sie waren zwei Säulen des europäischen Handels und Finanzwesens. Kunst und damit dekoratives Handwerk blühten auf: in der flämischen Stadt unter der Schirmherrschaft der Herzöge von Burgund, der reichen Kaufmannsklasse und der Kirche; in Florenz unter dem der reichen Medici-Familie.
In dieser kongenialen Atmosphäre interessierten sich die Maler zunehmend für die Darstellung der sichtbaren Welt, anstatt sich auf die ausschließliche Beschäftigung mit der Spiritualität der Religion zu beschränken , die nur durch Symbole und starre Konventionen visuell gestaltet werden konnte. Die Änderung, die durch den Geschmack und die liberale Haltung der Gönner (einschließlich der hoch entwickelten Kirchenmänner) gebilligt wird, zeigt sich bereits in der gotischen Malerei des späteren Mittelalters und gipfelt in dem sogenannten internationalen gotischen Stil des vierzehnten und des beginnenden fünfzehnten Jahrhunderts. In ganz Europa in Frankreich, Flandern, Deutschland, Italien und Spanien zeigten Maler, die von klösterlichen Disziplinen befreit waren, die Hauptmerkmale dieses Stils im stärkeren erzählerischen Interesse ihrer Anhänger religiöse Gemälde , das Bestreben, der Madonna und anderen verehrten Bildern mehr Menschlichkeit und Aussehen zu verleihen, die Porträtmalerei im Allgemeinen individueller zu gestalten und Details der Landschaft, des Tier- und Vogellebens vorzustellen, an die der Malermönch früher gedacht hätte zu weltlich. Man kann sagen, dass dies auch Merkmale der Renaissance-Malerei waren, aber ein wesentlicher Unterschied trat zu Beginn des 15. Jahrhunderts auf. Vertreter der Internationalen Gotik wie Simone Martini (1285-1344) von der Sienesischen Malschule und der in Umbrien geborene Gentile da Fabriano (um 1370-1427) waren noch immer von der Idee einer eleganten Oberflächengestaltung geprägt ein helles, unrealistisches Farbmuster. Das realistische Ziel einer nachfolgenden Generation war der radikale Schritt, durch die Oberfläche zu dringen, um ein neues Raumgefühl, eine Rezession und eine dreidimensionale Form zu erzeugen.
Dieser entscheidende Fortschritt im Realismus trat ungefähr zur gleichen Zeit in Italien und den Niederlanden auf, insbesondere in den Werken von Masaccio (1401-28) in Florenz und von Jan van Eyck (ca. 1390-1441) in Brügge. Masaccio, der von Delacroix die größte Revolution hervorgebracht haben soll, die das Malen je gekannt hatte, gab dem einen neuen Impuls Malerei der Frührenaissance in seinen Fresken in der Brancacci-Kapelle von Santa Maria del Carmine.
Siehe insbesondere: Vertreibung aus dem Garten Eden (1425-6, Brancacci-Kapelle) und Heilige Dreifaltigkeit (1428, Santa Maria Novella).
Die Figuren in diesen narrativen Kompositionen schienen im Umgebungsraum zu stehen und sich zu bewegen; Sie wurden mit dem Gefühl eines Bildhauers für drei Dimensionen modelliert, während Geste und Ausdruck auf eine Weise variiert wurden, die nicht nur die verschiedenen Charaktere der abgebildeten Personen, sondern auch ihre Wechselbeziehung festlegte. Diesbezüglich nahm er die Sonderausbildung von Leonardo in vorweg Das letzte Abendmahl (1495-98, Kloster Santa Maria delle Grazie, Mailand).
Obwohl Van Eyck auch ein neues Gefühl von Raum und Sicht schuf, gibt es einen offensichtlichen Unterschied zwischen seinem Werk und dem von Masaccio, der auch die Unterscheidung zwischen der bemerkenswerten flämischen Schule des fünfzehnten Jahrhunderts und der italienischen Frührenaissance beleuchtet. Beide wurden als gleichermaßen „modern“ angesehen, unterschieden sich jedoch in Medium und Idee. Italien hatte eine lange Tradition von Wandmalerei im Fresko, das an sich für eine gewisse Stilgröße sorgte, während der niederländische Maler in einem Ölmedium weiter arbeitete Tafelbilder von verhältnismäßig geringer Größe, behielt etwas von der Kleinheit des Miniaturmalers bei. Masaccio war in der Tat kein einziger Innovator, sondern einer, der die Freskenerzählungstradition seines großen Vorgängers der Protorenaissance in Florenz, Giotto di Bondone (1267-1337), entwickelte. Siehe zum Beispiel die letzteren Scrovegni-Kapellen-Fresken (c.1303-10, Padua).
Florenz hatte auch als Zentrum des klassischen Lernens und des Philosophierens eine andere Ausrichtung. Die geistige Kraft der Stadt machte sie im 15. Jahrhundert zum wichtigsten Sitz der Renaissance und prägte jede Kunst. Gelehrte, die sich dem Studium und der Übersetzung klassischer lateinischer und griechischer Texte widmeten, waren die Tutoren in wohlhabenden und adeligen Haushalten, die ihre literarische Begeisterung teilten. Dies wiederum weckte den Wunsch nach Bildversionen der alten Geschichte und Legende. Das Themenspektrum des Malers wurde dadurch erheblich erweitert und er hatte nun weitere Repräsentationsprobleme zu lösen.
Auf diese Weise wurde aus einer Nostalgie für die Vergangenheit und einem rückläufigen Schritt in der Kunst ein Schritt nach vorne und ein aufregender Entdeckungsprozess. Der menschliche Körper ist so lange davon ausgeschlossen Malerei der schönen Kunst und mittelalterlich Skulptur durch religiöse Bedenken gewann – außer in der kargsten und unrealistischsten Form – eine neue Bedeutung in der Darstellung der Götter, Göttinnen und Helden des klassischen Mythos. Die Maler mussten sich mit der Anatomie vertraut machen, um das Verhältnis von Knochen und Muskel, die Dynamik der Bewegung zu verstehen. In dem Bild, das jetzt als Bühne statt als flache Ebene betrachtet wird, musste die Wissenschaft der linearen Perspektive erforscht und genutzt werden. Darüber hinaus war das Beispiel der klassischen Skulptur ein Anreiz, Naturalismus mit einem Ideal von vollkommener Proportionalität und körperlicher Schönheit zu verbinden.
Maler und Bildhauer behaupteten auf ihre Weise die Würde des Menschen wie die humanistischen Philosophen und zeigten den gleichen Wissensdurst. Außergewöhnlich ist in der Tat die Liste der großen florentinischen Künstler des 15. Jahrhunderts und nicht zuletzt die Anzahl der Künstler, die mehr als eine Kunst oder Ausdrucksform praktizierten.
In jeder Hinsicht förderte die bemerkenswerte Medici-Familie das intellektuelle Klima und die Entwicklungen in den Künsten, die Florenz zur Triebfeder der Renaissance machten. Das Vermögen des von Giovanni de ’Medici (um 1360-1429) mit 16 Niederlassungen in den europäischen Städten gegründeten Bankhauses wurde für diese Förderung der Kultur aufgewendet, insbesondere von den beiden angesehensten Familienmitgliedern, Cosimo, Giovannis Sohn (1389-1464) und sein Enkel Lorenzo (1448-92), die in ihren eigenen Gaben als Männer der Finanzen, der Politik und der Diplomatie, ihrer Liebe zu Büchern, ihrer großzügigen Bevormundung der Lebenden und ihrer Wertschätzung für Antiquitäten von Viele Arten waren typisch für die Universalität, die so sehr im Geiste der Renaissance lag.
Die Gleichsetzung der Philosophie von Platon und der christlichen Lehre in der von Cosimo de ’Medici eingerichteten Akademie scheint, wie so oft, die Aufteilung des Malerhandelns zwischen dem religiösen und dem heidnischen Subjekt gebilligt zu haben. Die intellektuelle Atmosphäre, die die Medici schufen, war ein belebendes Element, das dazu führte, dass Florenz das benachbarte Siena hinter sich ließ. Obwohl keine andere italienische Stadt des 15. Jahrhunderts eine solche Konstellation von Genialität in der Kunst behaupten konnte, waren die Städte, die Florenz am nächsten kamen, die Städte, die ebenfalls von aufgeklärten Gönnern verwaltet wurden. Ludovico Gonzaga (1414-78) Marquess of Mantua war ein typischer Herrscher der Renaissance in seiner Fähigkeit zu Politik und Diplomatie, in seiner Förderung des humanistischen Lernens und in dem kultivierten Geschmack, der ihn dazu brachte, eine großartige Kunstsammlung aufzubauen und Andrea Mantegna (1431-1506) als Hofmaler.
Von ähnlichem Kaliber war Federigo Montefeltro , Herzog von Urbino. Wie Ludovico Gonzaga war er Schüler des berühmten Humanistenlehrers Vittorino da Feltre gewesen, dessen Schule in Mantua männliche Übungen mit dem Studium griechischer und lateinischer Autoren verband und den humanistischen Glauben an die allseitige Verbesserung des Menschen einprägte. Am Hof von Urbino, der die von Baldassare Castiglione in Il Cortigiano beschriebenen Maßstäbe für gute Manieren und Leistungen setzte, unterhielt der Herzog eine Reihe von Malern, darunter den großen Piero della Francesca (1420-92).
Die Geschichte der Renaissance-Malerei nach Masaccio bringt uns zuerst zu den Frommen Fra Angelico (c.1400-55), früher geboren, aber viel länger lebend. Etwas vom gotischen Stil bleibt in seinem Werk erhalten, aber die konventuelle Unschuld, die vielleicht das erste Mal ins Auge fällt, geht einher mit einer ausgereiften Festigkeit der Linie und einem Gefühl für Struktur. Dies zeigt sich in Gemälden seiner späteren Jahre wie Die Anbetung der Könige im Louvre und in den Fresken, die das Leben des hl. Stephanus und des hl. Laurentius darstellen und Ende der 1440er Jahre für Papst Nikolaus V. im Vatikan gemalt wurden. Sie zeigen ihm, dass er sich der sich verändernden und erweiternden Haltung seiner Zeit bewusst war und sie nutzen konnte. Siehe auch seine Gemäldeserie auf Die Ankündigung (um 1450, San Marco Museum). Sein Schüler Benozzo Gozzoli (um 1421-97) hielt sich dennoch an die farbenfrohe, dekorative und detailgetreue Darstellung des internationalen gotischen Stils, wie beispielsweise die Panorama- Prozession der Könige im Palazzo Riccardi in Florenz, in der er den Pferdesport vorstellte Porträt von Lorenzo de ’Medici.
Fra Angelico war näher als Masaccio Fra Filippo Lippi (c.1406-69), ein Karmelitermönch im frühen Leben und ein Schützling von Cosimo de ’Medici, der die verschiedenen Eskapaden des Künstlers nachsichtig, verliebt und auf andere Weise betrachtete. Fra Filippo zeigt in seinen ausschließlich mit Fresken und Tafeln gemalten religiösen Motiven die Tendenz, den Charme eines idealisierten menschlichen Typs zu zelebrieren, der dem Drang des fünfzehnten Jahrhunderts nach technischer Innovation entgegensteht. Er ist in rein ästhetischer oder intellektueller Qualität weniger ausgeprägt als in seiner Darstellung der Madonna als wesentlich weibliches Wesen. Sein idealisiertes Modell, das eine schlanke Kontur, dunkle Augen und hochgezogene Augenbrauen, eine leicht rückgängig gemachte Nase und einen kleinen Mund hatte, bildete ein ikonografisches Muster für andere. Eine gewisse Wehmut des Ausdrucks wurde vielleicht auf seinen Schüler Sandro Botticelli (1445-1510) übertragen.
In Botticellis Gemälden ist ein Großteil der vorangegangenen Entwicklung der Renaissance zusammengefasst. Er zeichnete sich durch die Anmut an Merkmalen und Formen aus, die Fra Filippo wollte und von denen Botticellis Zeitgenosse Domenico Ghirlandaio (1449-94), hatte auch seine entzückende Version in Fresken und Porträts. Er interpretierte auf einzigartige bildliche Weise den Neuplatonismus der humanistischen Philosophen von Lorenzo de Medici. Das Netzwerk genialer Allegorien, in dem Marsilio Ficino, der Erzieher von Lorenzo di Pierfrancesco de ’Medici (einem Cousin von Lorenzo dem Prächtigen), eine Beziehung zwischen Gnade, Schönheit und Glauben zu demonstrieren suchte, hat eine entsprechende Subtilität La Primavera (c.1482-3, Uffizien) und die Geburt der Venus (c.1484-6, Uffizien) hingerichtet für Lorenzos Villa. Die poetische Annäherung an die Klassiker von Angelo Poliziano, der auch Lehrer der Medici-Familie ist, spiegelt sich in Botticellis Kunst wider. Obwohl sich seine Lebensspanne bis in die Zeit der Hochrenaissance erstreckt, repräsentiert er die Jugend der Bewegung in seiner Freude an klaren Farben und exquisiten natürlichen Details. Vielleicht ist in der wehmütigen Schönheit seiner Aphrodite etwas von der Nostalgie für das Mittelalter zu finden, auf die schließlich der fundamentalistische Mönch zusteuert Savonarola Denunziert die Medici und alle ihre Werke, macht er seine leidenschaftliche Geste der Rückkehr.
Die Nostalgie und die Reinheit von Botticellis geradlinigem Design, die von der Betonung von Licht und Schatten noch nicht beeinflusst wurden, machten ihn im neunzehnten Jahrhundert zum besonderen Gegenstand der Bewunderung der Präraffaeliten. Aber wie in anderen Renaissancekünstlern steckte in ihm eine Energie, die seinen linearen Rhythmen die Fähigkeit zum intensiven emotionalen Ausdruck sowie eine sanfte Verfeinerung verlieh. Die Distanz der Renaissance von der ausdruckslosen Ruhe der klassischen Periode, wie sie durch Statuen der Venus oder des Apollo dargestellt wird, beruht auf diesem Unterschied des Geistes oder der Absicht, auch wenn er unbewusst offenbart wird. Der Ausdruck der physischen Energie, die in Florenz natürlich die Form von Darstellungen von männliche Akte , verleiht der Arbeit des Malers und Bildhauers eine unklassische Gewalt Antonio Pollaiuolo (1426 & ndash; 98). Pollaiuolo war einer der ersten Künstler, der den menschlichen Körper präparierte, um das Spiel von Knochen, Muskeln und Sehnen im lebenden Organismus genau zu verfolgen, mit solchen dynamischen Effekten, wie sie in den Muskelspannungen des Kampfes in seiner Bronze von Herkules und Antäus (Florenz) auftreten, Bargello) und die Bewegungen der Bogenschützen in seinem Gemälde The Martyrdom of St. Sebastian (NG, London). Den gleichen bildhauerischen Akzent setzt auch die weniger bekannte, aber einflussreichere Künstlerin Andrea del Castagno (um 1420-57) in ihren Fresken.
Luca Signorelli (c.1441-1523), obwohl mit der umbrischen Schule als Schüler von Piero della Francesca verbunden, wurde stark von dem Florentiner Pollaiuolo in seiner Behandlung der Figur beeinflusst. Mit weniger anatomischer Subtilität, aber mit größerer Betonung der nach außen gerichteten Ausbuchtungen und Rillen von Muskeln und Sehnen zielte auch er auf dynamische Bewegungseffekte ab, die durch plötzliche Explosionen von Gesten erzielt wurden.
Es war eine Richtung der Anstrengung, die natürlich und unvermeidlich zur Errungenschaft von Michelangelo (1475-1654) zu führen scheint. Obwohl es offensichtliche Unterschiede in der Denkweise und im Stil zwischen seiner letzten Unterbringung in der Sixtinischen Kapelle und Signorellis Version in den Fresken der Kathedrale von Orvieto gibt, haben sie eine gewaltige Energie gemeinsam. Es war eine Eigenschaft, die sie fern vom Gleichgewicht und der Harmonie der klassischen Kunst erscheinen ließ. Raphael (1483-1520) war dem klassischen Geist im Apollo seines Parnass im Vatikan und der Galatea in der Farnesina in Rom viel näher. Einer der auffälligsten regionalen Kontraste der Renaissance ist der zwischen dem grundsätzlich strengen und intellektuellen Charakter der Kunst in der Toskana bei der Wiedergabe der Figur im Vergleich zur sinnlichen Müdigkeit der weibliche Akte gemalt in Venedig von Giorgione (1477-1510) und Tizian (c.1485-1576). (Weitere Informationen finden Sie unter: Venezianische Porträtmalerei c.1400-1600.) Auch in dieser Hinsicht blieb die florentinische Wissenschaft nicht ohne Einfluss. Die sanfte Schattenabstufung, die Leonardo da Vinci entwickelt hatte, um Feinheiten der Modellierung zu vermitteln, wurde von Giorgione und in Parma von Antonio Allegri da Correggio (1489-1534) übernommen, um den üppigen Charme einer Venus, einer Antiope oder eines Io zu verstärken.
Die Meister der Renaissance beschäftigten sich nicht nur speziell mit Anatomie, sondern auch mit Perspektive, mathematischen Proportionen und allgemein mit Raumwissenschaften. Der Wunsch der Wissensperiode mag teilweise für dieses abstrakte Streben verantwortlich sein, hatte aber spezifischere Ursprünge und Gründe. Die lineare Perspektive war zum einen das Studium der Architekten in Zeichnungen und Rekonstruktionen der klassischen Gebäudetypen, die sie wiederbeleben wollten. In dieser Hinsicht war der große Architekt Filippo Brunelleschi (1377-1446) führend in seinen Forschungen in Rom. In Florenz demonstrierte er die Perspektive auf einer Zeichnung der Piazza von San Giovanni, die das Interesse anderer Künstler weckte, insbesondere seines Freundes Masaccio. Der Architekt Leon Battista Alberti (1404-72) war ein weiterer Propagator der wissenschaftlichen Theorie. Maler, die sich mit einem Bild als dreidimensionaler Illusion beschäftigten, erkannten die Bedeutung der Perspektive als Beitrag zur Wirkung des Raums – ein Thema, das Techniken illusionistischer Wandmalerei wie Quadratura betraf, die Mantegna erstmals im Herzogspalast in Mantua praktizierte Camera degli Sposi Fresken (1465-74).
Paolo Uccello (1397-1475) war einer der Förderer der Wissenschaft in Florenz. Sein Gemälde vom Schlacht von San Romano in der National Gallery, London, ist mit seiner malerischen Heraldik eine wunderschön berechnete Reihe von geometrischen Formen und mathematischen Intervallen. Sogar die zerbrochenen Lanzen am Boden scheinen so angeordnet zu sein, dass sie den Blick auf einen Fluchtpunkt lenken. Seine Verkürzung eines am Boden liegenden Ritters war eine Übung des Könnens, die Andrea Mantegna nachahmen sollte. Es war Mantegna, der die neue Kunstwissenschaft nach Venedig brachte.
Im komplexen Austausch von abstrakten und mathematischen Ideen und Einflüssen sticht Piero della Francesca als größte Persönlichkeit heraus. Obwohl er Umbrier ist und in der kleinen Stadt Borgo San Sepolcro geboren wurde, hat er als junger Mann die Atmosphäre der florentinischen und florentinischen Kunst aufgesogen, als er dort mit dem gebürtigen Venezianer arbeitete Domenico Veneziano (c.1410-61). Domenico hatte den toskanischen Stil übernommen und sein eigenes Beispiel für die Perspektive gegeben, wie in der schönen Verkündigung im Fitzwilliam Museum in Cambridge, obwohl Piero seine wissenschaftliche Einstellung zum Design wahrscheinlich von den drei Pionieren der Forschung, Brunelleschi, Alberti und Donatello, erhalten hatte (1386-1466), der größte Bildhauer in quattrocento Florenz.
Piero war klassisch im geordneten Design und in der Grösse der Konzeption, aber ohne den Hauch des Antiquarismus, der in Mantegna zu finden ist, ein Einfluss auf viele Maler. Seine inneren Perspektiven der Renaissance-Architektur, die seinen Figurenkompositionen ein Element geometrischer Abstraktion verliehen, wurden von seinem florentinischen Zeitgenossen gut aufgenommen. Andrea del Castagno (c.1420-57). Eine streng geometrische Umgebung steht im Widerspruch zu der Flexibilität des menschlichen Ausdrucks bei den Aposteln in Andreas Meisterwerk Das Abendmahl im Kloster Sant ’Apollonia in Florenz und unterstreicht diese dennoch. Antonello da Messina (1430-1479), der Venedig mit der flämischen Technik des Ölgemäldes bekannt machte, brachte auch ein von Piero della Francesca abgeleitetes Formgefühl mit, das wiederum in seinem Einfluss stimulierend wirkte Giovanni Bellini (1430-1516), der ihn von einem harten linearen Stil wie dem Mantegnas ablenkt und zu seiner reifen Größe als Anführer von beiträgt Venezianische Malerei und der Lehrer von Giorgione und Tizian.
Leonardo da Vinci und Michelangelo waren die Erben der wunderbaren Entwicklung der italienischen Renaissance im 15. Jahrhundert. Die Universalität des Künstlers war ein entscheidender Aspekt des Jahrhunderts. Zwischen Architekten, Bildhauern, Malern, Handwerkern und Schriftstellern gab es keine starre Unterscheidung. Alberti war Architekt, Bildhauer, Maler, Musiker und Verfasser von Abhandlungen zur Theorie der Künste. Andrea del Verrocchio (1435-88), ein früher Meister von Leonardo, wird als Goldschmied, Maler, Bildhauer und Musiker beschrieben. In der Bildhauerei konnte er mit jedem Meister mithalten. Aber Leonardo und Michelangelo zeigten diese Universalität in höchstem Maße. Leonardo, der Ingenieur, der prophetische Erfinder, der gelehrte Schüler der Natur in jeder Hinsicht, der Maler eindringlicher Meisterwerke, hat es immer wieder geschafft, das Staunen zu erregen. Siehe zum Beispiel seine Jungfrau der Felsen (1483-5, Louvre, Paris) und Dame mit einem Hermelin (1490, Czartoryski Museum, Krakau). Soweit Michelangelo, der Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter. Als Krone der Florentiner Errungenschaft markieren sie auch den Niedergang der Größe der Stadt. Rom, das nach langem Verfall von ehrgeizigen Päpsten wieder in Glanz gebracht wurde, forderte Michelangelo auf, zusammen mit Raffael die monumentalen Vorstellungen von Malerei der Hochrenaissance : zwei absolute Meisterwerke von Michelangelo Genesis Fresko (1508-12, Sixtinische Kapellendecke, Rom), zu der die berühmte Erschaffung Adams (1511-12) und Raffaello Sanzios Sixtinische Madonna (1513-14, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden) gehören. Außerdem wurden beide Künstler zum neuen Architekten ernannt Petersdom in Rom , ein Symbol für den Wandel der Stadt vom Mittelalter zur Renaissance. Leonardo, in seine Forschungen vertieft, wurde schließlich nach Frankreich gelockt. Doch in diesen großen Männern lebte das Genie von Florenz weiter. Für die Geschichte der Spätrenaissance in der Zeit (ca. 1530-1600) – eine Zeit, die die größten umfasst Venezianische Altarbilder sowie Michelangelos prächtiges, aber ahnungsvolles Fresko des Jüngsten Gerichts an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle – siehe: Manieristische Malerei in Italien . Siehe auch: Tizianische und Venezianische Farbmalerei c.1500-76.
Beste Sammlungen der Renaissance-Kunst
In den folgenden italienischen Galerien befinden sich bedeutende Sammlungen von Gemälden oder Skulpturen aus der Renaissance.
Adblock bitte ausschalten!
Wenn Sie einen grammatikalischen oder semantischen Fehler im Text bemerken, geben Sie diesen im Kommentar an. Vielen Dank!
Sie können nicht kommentieren Warum?