Unsicherheit des Dichters, Giorgio de Chirico:
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Beschreibung

Name: Die Unsicherheit des Dichters (1913)
Künstler: Giorgio de Chirico (1888-1978)
Mittel: Ölgemälde auf Leinwand
Genre: Stadtlandschaft mit Stillleben
Bewegung: Metaphysische Malerei
Lage: Tate Collection, London

Für eine Interpretation anderer Bilder aus dem 19. und 20. Jahrhundert siehe: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

KUNST ANERKENNUNG
Zur Analyse von Werken von
moderne Künstler mögen
Giorgio de Chirico, siehe:
Wie man Gemälde schätzt.

Hintergrund

Giorgio de Chirico war ein klassisch ausgebildeter italienischer Maler, Bildhauer und Kunsttheoretiker, der wahrscheinlich am bekanntesten für seine Erfindung (um 1913) der "metaphysischen Malerei" ist – ein Stil, den auch der Futurist praktizierte Carlo Carra (1881-1966) und der Stilllebenfachmann Giorgio Morandi (1890-1964), bis etwa 1920. In genau dem Sinne, in dem die Gemälde der Gruppe als "metaphysisch" angesehen werden könnten, wurde sie nie ausgesprochen, aber die Redewendung ist durch die Verwendung klassischer architektonischer und skulpturaler Bilder sowie ein Gefühl der Unheimlichkeit und Unwirklichkeit gekennzeichnet. Außerdem – beeinflusst durch sein Studium in München und durch die Arbeit von Max Klinger (1857-1920) und Arnold Bocklin (1827-1901) – de Chirico war äußerst angetan von Symbolismus und baute in seine Kompositionen eine Vielzahl symbolischer Objekte ein, oft mit autobiografischen Bedeutungen. Eine sehr einflussreiche Figur in moderne Kunst de Chiricos frühe Gemälde hatten in den 1920er Jahren einen starken Einfluss auf die Entwicklung von Surrealismus in den späten 1920er Jahren (vor allem auf den ruhigen klassischen Bildern von Salvador Dali (1904-89) und Rene Magritte (1898-1967), obwohl sein späteres Werk schwach war.

Die Unsicherheit des Dichters (1913), Lied der Liebe (1914) und Das Geheimnis und die Melancholie einer Straße (1914) gehören zu den großen Gemälden der frühen "metaphysischen" Periode von de Chirico. Seine theoretischen und lyrischen Schriften dieser Jahre zeigen, dass er das, was er Sensationismus nannte, abgelehnt hatte Naturalismus und wollte stattdessen in seinem Werk eine rätselhafte, unveränderliche Vision der Realität zeigen, die in Momenten intensiver Überraschung oder Offenbarung sichtbar wurde. Seine Bilder, sagte er, sollten das gleiche Verhältnis zur Realität haben wie die Bilder, die wir von Menschen in Träumen zu sich selbst haben.

Der Zweck der zahlreichen Anspielungen auf die klassische Welt in de Chiricos Gemälden der damaligen Zeit bestand nicht darin, Aspekte der Vergangenheit zu veranschaulichen, sondern als Zeichen oder Symbole der Vorstellungskraft und des Gedächtnisses zu fungieren. Er begann erst nach seiner Ankunft in Paris im Jahr 1911 mit dem Malen von Szenen italienischer Plätze, die im warmen Sonnenlicht des Mittelmeers erstrahlen, und so beruhte diese ganze Reihe von Werken in gewisser Weise eher auf Phantasie als auf direkter Erfahrung. Es war charakteristisch für seine zweideutige Annäherung an die klassische Welt, dass der Torso in der Ungewissheit des Dichters wahrscheinlich ein moderner Gipsverband war, der auf einem Originalstück von basiert griechisch oder Römische Skulptur. Das Gefühl, dass der Torso mehrmals vom Original entfernt wurde, wird durch die anti-naturalistische Art und Weise, in der er gemalt wird, noch verstärkt: Die schwarzen Umrisse und Bereiche mit groben Schraffuren erinnern bewusst an den akademischen Stil figur zeichnung und Gravur. Tatsächlich machte de Chirico oft klassische Bilder Statuen aus Illustrationen in Handbüchern und Lehrbüchern und betonte dabei die Unwirklichkeit seiner Bilder. Auf diese Weise suggerierten seine Gemälde, dass die Vergangenheit unwiederbringlich verloren gegangen sei und nur durch Kopien und Pasten ersetzt werden könne.

Mit seiner stark zurückweichenden Perspektive, den tiefen Schatten und dem regelmäßigen Muster der Arkade wird dieses Gemälde von Linien und geometrischen Formen dominiert. De Chirico glaubte, dass große Kunst nicht auf dem Kopieren der Natur beruhte, sondern, wie er damals schrieb, auf "Dimensionen, Linien und Formen der Ewigkeit und des Unendlichen"; und diese, behauptete er, waren vor allem in griechisch und Römische Architektur. Was er an klassischen Kolonnaden und Piazzas schätzte, war weniger ihre Ordnung und Rationalität als vielmehr ihre seltsame lyrische Schönheit. Er schrieb in Manuskripten der Zeit:

"Es gibt nichts Besseres als das Rätsel der Arkade – das die Römer erfunden haben. Eine Straße, ein Bogen: Die Sonne sieht anders aus, wenn sie eine römische Mauer ins Licht taucht. Und es gibt etwas Geheimnisvolleres als in der französischen Architektur auch weniger wild. Die römische Passage ist ein Todesfall. Ihre Stimme spricht in Rätseln, die mit einer seltsamen römischen Poesie gefüllt sind, von Schatten auf alten Mauern und einer merkwürdigen Musik. ) Il Meccanismo del Pensiero, Turin, 1985)

Während seines Studiums in München hatte de Chirico Otto Weiningers Schriften zur Philosophie der geometrischen Formen bewundert; und in einem Artikel in Valori Plastici von 1919 zitierte er Weiningers Ansicht, dass der Bogen im Gegensatz zum Kreis unvollständig ist und ein Gefühl der Unsicherheit und Erwartung hervorruft. Wie dies nahelegt, war de Chiricos Besessenheit mit der Linie und Geometrie in seinen Kompositionen in dieser Zeit nicht mathematisch: Die harkenden Perspektiven und zurückgehenden Arkaden waren für ihn die bildlichen Äquivalente einer Projektion des Bewusstseins oder emotionaler Zustände wie Vorfreude und Nostalgie.

Die irrationale Seite von de Chiricos Vision von Klassizismus durchdringt fast alle seine Werke, auch in dieser frühen metaphysischen Periode. Er füllte seine Bilder mit ungeklärten, teilautobiografischen Bezügen. Der ferne Zug in Die Ungewissheit des Dichters zum Beispiel erinnert an den Beruf seines Vaters als Eisenbahningenieur. und tatsächlich verlief eine von einer hohen Mauer umschlossene Eisenbahnlinie durch das Zentrum der griechischen Stadt Volos, in der de Chirico seine Kindheit verbrachte. Der Mast des Schiffs in der Ferne kann als versteckter Hinweis auf die Argonauten angesehen werden, die der Legende nach mit Volos in Verbindung standen und Gegenstand einer privaten Mythologie waren, die er und sein Bruder gemeinsam hatten. Solche verborgenen persönlichen Konnotationen verstärken die Atmosphäre des Mysteriums in de Chiricos Bildern, die sich einer genauen Interpretation widersetzen. Die Bedeutung der tropischen Früchte in diesem Gemälde ist zum Beispiel nicht klar; aber in einem lyrischen Text aus dieser Zeit beschrieb er, was er als "Wollust" und "Glück" von Bananen bezeichnete, und es ist möglich, dass sie hier als Symbole für die sinnlichen Freuden des Lebens dienen und die leblose Besetzung ergänzen (ein Torso der Aphrodite)) und das geistige Erbe der klassischen Welt, das es symbolisierte.

Die zweideutige Qualität von de Chiricos metaphysischen Gemälden mit ihren leicht lesbaren, oft banalen Bildern, die eine raffinierte und intellektuelle Bedeutung haben, sollte enormen Einfluss haben moderne Kunstbewegungen in Italien, Frankreich und anderswo. Guillaume Apollinaire (1880 – 1918), ein einflussreicher Kommentator zu Pariser Avantgarde-Kunst, teilte de Chiricos Interesse an den mehrwertigen und poetischen Bedeutungen gewöhnlicher Dinge und wurde einer seiner Hauptanhänger; und, seinem Beispiel folgend, nahmen die Surrealisten de Chiricos Arbeit dieser Jahre als Vorbild für die Traumbilder, die sie zu kultivieren suchten. (Siehe auch: Automatismus In der Tat kaufte der Dichter Paul Eluard 1922 The Uncertainty of the Poet und verkaufte es 1938 an den britischen surrealistischen Künstler Roland Penrose.