Drei Frauen (Le Grand Dejeuner), Fernand Leger: Analyse 1 307 Automatische übersetzen Die Bearbeitung dieses Abschnitts ist noch nicht abgeschlossen

Beschreibung

Name: Drei Frauen (Le Grand Dejeuner) (1921)
Künstler: Fernand Leger (1881-1955)
Mittel: Ölgemälde auf Leinwand
Genre: Genre-Malerei
Bewegung: Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst
Lage: Mama, New York

Für eine Interpretation anderer Bilder aus dem 19. und 20. Jahrhundert siehe: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

KUNST VERSTEHEN
Zur Analyse von Bildern
durch moderne Künstler mögen
Fernand Leger, siehe:
Wie man Gemälde schätzt .

Hintergrund

In den frühen 1920er Jahren, nach dem Erfolg von Werken wie Nudes in the Forest (1909-10), Contrast of Forms (1913), Soldaten, die an den Karten spielen (1917) und Der Mechaniker (1920) wurde Leger gegründet – mit Picasso (1881-1973), Braque (1882-1963) und andere – als einer der führenden Maler des 20. Jahrhunderts in Paris und ein wichtiger Beitrag zu moderne Kunst in Frankreich. Seit mindestens 1910 war seine Hauptbeschäftigung gewesen abstrakte Kunst – nämlich ein individueller Stil von Kubismus , genannt "Tubismus" für seine Verwendung von zylindrischen Formen – aber sein neuestes Meisterwerk ( The Mechanic ) hatte eine Rückkehr zu klassischen Formen signalisiert, ein Trend, den er in den 1920er Jahren fortsetzte. Aber wie er es mit dem Kubismus tat, schuf er seine eigene Version von Klassizismus kombiniert eine Maschinenästhetik mit einer soliden Form, die sein starkes Vertrauen in die moderne Industrie und seine Vision widerspiegelt, dass Kunst und Maschinenzeit zusammen einen neuen Weg für die Werktätigen in Frankreich beschreiten könnten.

Drei Frauen – eines von Legers bekanntesten Bildern – zeigt ein Trio sitzender und liegender Akte, die in einer modernen Wohnung Tee und Kaffee trinken. Weibliche Akte waren regelmäßig in der Kunst der klassischen Antike und später in beiden neoklassizistische Malerei und neoklassizistische Skulptur Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts, so dass das von Leger gewählte Thema für ein Werk des klassischen Wiederbelebung nicht passender sein könnte. Mit der Ausnahme, dass die Körper dieser besonderen Akte als abgerundete und dislozierte Formen dargestellt werden, wobei die Haut nicht weich, sondern fest, poliert und poliert ist. Ihre maschinenähnlichen Eigenschaften stimmen sowohl mit Legers Wunsch überein, alle Emotionen (im klassischen Stil) aus dem Werk zu entfernen, als auch mit seinem Glauben an die utopischen und rekonstruktivistischen Ideale der 1920er Jahre.

Dieses großartige Meisterwerk wurde zum ersten Mal im ausgestellt Salon d’Automne von 1921. Es wurde von gekauft Leonce Rosenberg (1879-1947), aber er fand es anscheinend zu "streng" und Leger nahm es zurück. Als er selbst unzufrieden war, überarbeitete Leger es 1922 und malte die sitzende Figur rechts in dunklen Fleischtönen über das Original Grisaille und verschiedene andere kleine Anpassungen an Hintergrund und Möbeln vornehmen, die meisten davon in Richtung größerer Vereinfachung. Es blieb bis 1925 unverkauft, eine Quelle für mehrere Gemälde von Leger, darunter Akt vor einem roten Hintergrund (1923, Kunstmuseum, Basel).

Three Women ("Le Grand Dejeuner") ist Legers Äquivalent zu Seurats Sonntagnachmittag auf der Insel der Grande-Jatte (1884-6, Art Institute of Chicago), denn es wurde über einen Zeitraum von zwei Jahren akribisch vorbereitet, während er gleichzeitig arbeitete an verwandten aber unterschiedlichen Kompositionen mit ein oder zwei Aktfiguren. EIN Zeichnung Das 1920 datierte (Kroller-Müller-Landesmuseum, Otterlo) zeigt die gesamte Komposition mehr oder weniger so, wie sie im endgültigen Gemälde erscheinen würde, und es gibt zwei wesentlich kleinere Ölversionen, die beide als "Le Petit Dejeuner" bekannt sind. Es gibt auch separate Zeichnungen und Öle der Teetrinkerin rechts und der beiden Frauen links, alle von 1921. Die Sorgfalt, mit der Leger das riesige Gemälde anfertigte, zeigt, dass er es als „Meisterwerk“ ansah. und dass er es beabsichtigte, eine moderne Salon "Maschine" zu sein. In Übereinstimmung mit dieser Absicht entschloss er sich, es zum ersten Mal in einem Salon und nicht in einer Händlergalerie auszustellen.

In Briefen an Alfred Barr aus den Jahren 1942 und 1943 hatte Barr gerade das Gemälde für das Museum of Modern Art erworben – Leger beschrieb Drei Frauen (Le Grand Dejeuner) als „klassisch“ und betonte sowohl die Universalität des Themas als auch die Abwesenheit der Emotion. Legers Quellen für das Bild liegen in der Tat in der klassischen Tradition von Französische Malerei und er selbst gibt Hinweise darauf, wo wir in dem "Brief" von 1922 nachschauen sollten, den er im April 1924 im Bulletin de l’Effort Moderne veröffentlichte. Dort nennt er seine "künstlerischen Quellen". Renoir (1841-1919), Georges Seurat (1859-91), JAD Ingres (1780-1867) und Jacques-Louis David (1748-1825), und Le Grand Dejeuner ist durchaus mit Renoirs "Large Bathers" (Musee d’Orsay, Paris), Seurats "The Models" (Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania), Ingres "Turkish Bath" (Louvre) und Davids "Porträt von Madame Recamier" (Louvre).

Andere Künstler, die er im selben Text erwähnt, sind Eugene Delacroix (1798-1863), the Brüder Le Nain (17. Jahrhundert), Cezanne (1839-1906), Nicolas Poussin (1594-1665) und Jean Fouquet (1420-81) – und wieder lassen sich ikonografische, kompositorische oder stilistische Parallelen zu bestimmten Werken ziehen, wie zum Beispiel Delacroixs "Women of Algiers" (Louvre), Le Nains "Bauernfamilie im Innern" (Louvre), Cezannes spätes Werk Komponisten, Poussins "Eleazer und Rebecca am Brunnen" (Louvre) und Fouquets "Madonna und Kind mit Engeln" (Musee des Beaux-Arts, Antwerpen). Er erwähnt nicht Edouard Manet (1832-83), aber "Olympia" und " Dejeuner sur l’herbe "(beide Musee d’Orsay) gehören zu den naheliegendsten Präzedenzfällen für das Gemälde.

Le Grand Dejeuner soll jedoch nicht nur eine besondere Verpflichtung gegenüber der Vergangenheit darstellen, sondern auch ein wahrhaft humanistisches Werk sein – ein ideales, symbolisches Bild für universellen Frieden, Harmonie und Schönheit, das Legers Hoffnungen auf die Verbesserung der Menschheit und den Glauben an die Zivilisation zum Ausdruck bringt Mission der Kunst. In dieser Hinsicht muss es im Kontext der bescheideneren "animierten Landschaften" gesehen werden, die er zu genau derselben Zeit malte und die eine ähnliche utopische Botschaft haben.

Doch alles an dem Gemälde ist entschieden modern und zugleich klassisch und zeitlos. Die Odalisken trinken ihren Tee und lesen ihre Bücher in einem Raum, der im hygienischen Stil der Nachkriegszeit eingerichtet ist, wie es von befürwortet wurde Le Corbusier (1887-1965); Sie sehen so aus, als wären sie von einer Maschine aus Standardteilen von der Stange zusammengebaut worden. Wir erkennen die Schuld an den flachen Farben und der Geometrie von synthetischer Kubismus und – in seiner Farbpalette und Linie – spüren wir die Beziehung zum abstrakte Gemälde von Piet Mondrian (1872-1944) – der Erfinder von Neoplastizismus – der damals in Paris lebte. Das Gemälde zeigt auch die Sympathien des Künstlers mit den puristischen Idealen von Amedee Ozenfant (1886-1966) und anderen, die selbst eine Wiederbelebung der Klassik forderten Ästhetik als Symbol für erneute soziale Harmonie. Wo Picasso manchmal vorgibt, ein alter Künstler zu sein und auf die äußere Kleidung modernistischer Stile verzichtet, tut Leger dies nicht. Er weigert sich zu mythologisieren und es gibt keine von Picassos ergreifender und unangenehmer Nostalgie. Es war diese Abwesenheit von moralischen Zweifeln, die Kritiker wie Waldemar George von Legers Kunst als "gesund" und "reinigend" sprechen ließen (Fernand Leger, Paris, 1929). Siehe auch Legers spätklassisches Werk Zwei Schwestern (1935, Gemäldegalerie SMPK, Berlin).

Klassische Wiederbelebung der Nachkriegszeit

Die klassische Aufforderung zur Ordnung, die sich nach dem Waffenstillstand in Frankreich und Italien schnell verbreitete, spiegelte das tief empfundene Bedürfnis wider, sich nach den unaussprechlichen Schrecken des Ersten Weltkriegs wieder mit den zeitlosen Idealen der Antike zu verbinden.

Als Gegengewicht zum Nihilismus von Dada Der Ruf wurde in den frühen 1920er Jahren von einer Vielzahl von Künstlern befolgt, die sich von ihren eher extremistischen Vorkriegsexperimenten mit Form, Raum und Thema zurückzogen und dem klassizistischen Trend folgten. Legers kubistischer Kamerad Picasso war einer dieser Maler. Der bekannteste neoklassizistische Gemälde von Picasso umfassen: Zwei Akte (1906); Sitzende Frau (Picasso) (1920); Großer Badender (1921); Frau in Weiß (1923); und Zwei Frauen laufen am Strand (The Race) (1922).

Für einen weiteren Kontrast siehe die modernistischen klassischen Motive des italienischen Malers Giorgio de Chirico in Arbeiten wie Das Geheimnis und die Melancholie einer Straße (1914, Privatsammlung), Die Unsicherheit des Dichters (1913, Tate Collection, London) und Lied der Liebe (1914, Museum of Modern Art, New York).