Leonardo Da Vinci Automatische übersetzen

Einer der größten Alten Meister der italienischen Renaissance, Leonardo da Vinci zeichnete sich als Maler, Bildhauer, Ingenieur, Architekt und Wissenschaftler aus. Zusammen mit Michelangelo (1475-1564) und Raffael (Raffaello Santi) (1483-1520) gilt er als einer der drei großen Schöpfer der Kunst der Hochrenaissance in Italien (1490-1530). Er ist bekannt als Meister der Ölmalerei, einschließlich der Maltechniken chiaroscuro (die Verwendung von Schatten, um einen dreidimensionalen Effekt zu erzeugen) und sfumato (die Verwendung von Lasuren mit leicht unterschiedlichen Farbtönen, die einen fast unmerklichen Übergang von hell zu dunkel erzeugen), beide Techniken sind in seinem Meisterwerk „Mona Lisa“ zu sehen.

Leonardos kreative Fähigkeiten waren so vielfältig, dass er leider nur wenige Kunstprojekte vollendete. Trotzdem ist er der Autor mehrerer Meisterwerke der Renaissancekunst, darunter Mona Lisa (1503-6, Öl auf Tafel, Louvre), eines der größten Porträtgemälde und wahrscheinlich das berühmteste Gemälde der Welt; Der vitruvianische Mensch (1492), wahrscheinlich das berühmteste Gemälde der Welt; Das letzte Abendmahl (1495-8, Öl- und Temperafresko, Santa Maria delle Grazie, Mailand), eines der berühmtesten biblischen Gemälde aller Zeiten. Leider ist nur ein Bruchteil seines Werks (insgesamt etwa 15 Gemälde) erhalten geblieben, nicht zuletzt wegen seiner (oft zerstörerischen) Experimentierfreudigkeit mit neuen Maltechniken. Diese wenigen Gemälde sowie mehrere Skizzenbücher mit Beispielen von Figurenzeichnungen (darunter einige der besten Zeichnungen der Renaissance), anatomischen Studien, wissenschaftlichen Diagrammen und seinen Ansichten über die Technik und Ästhetik der Malerei stellen jedoch ein Vermächtnis dar, das nur von Michelangelo übertroffen wird. Mit seinem Ruf als einer der besten Porträtmaler, sowie als einer der besten Historienmaler, wird Leonardo von den meisten Kunstexperten als einer der besten Maler aller Zeiten angesehen.

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Frühes Leben und Karriere in Florenz

Leonardo di ser Piero da Vinci wurde in Vinci in der Nähe von Florenz geboren und in der angesehenen Werkstatt des berühmten florentinischen Bildhauers, Malers und Juweliers Andrea del Verrocchio (1435-1488) ausgebildet, wo er die beste Ausbildung erhielt, die einem jungen Künstler während der Renaissance in Florenz zuteil wurde. Die Werkstatt befand sich im Zentrum der intellektuellen Strömungen des Quatrocento und wurde zum Ausgangspunkt für eine Reihe talentierter Künstler, darunter Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Perugino (1450-1523), Botticelli (1445-1510) und Lorenzo di Credi (1458-1537).

In Florenz erwarb Leonardo viele technische Fertigkeiten im Zeichnen (einschließlich der Feinheiten der linearen Perspektive, in denen Verrocchio überragte), Malen, Modellieren und Bildhauen - sowie Schmuck, Metallarbeiten und Gipsguss. Florenz war auch das Zentrum der Frührenaissance, die Heimat so bedeutender Künstler wie Donatello (1386-1466), Paolo Uccello (1397-1475), Piero della Francesca (1415-1492), Filippo Lippi (1406-1469) und Leon Battista Alberti (1404-1472), deren Werke die Stadt schmückten.

Die von Piero della Francesca durchgeführten Studien über Licht und Perspektive und Albertis Abhandlung Della Pittura („Über die Malerei“) hatten einen bedeutenden Einfluss auf Leonardo, ebenso wie Mazaccios (1401-28) Behandlung von Licht und Schatten in den Fresken der Brancacci-Kapelle . Ein weiterer Einfluss war die Ankunft des innovativen Genter Malers Hugo van der Goos (gest. 1482) in Florenz, der aus Nordeuropa eine Reihe neuer Ölmaltechniken mitbrachte.

Als junger Student zeigte Leonardo großes Talent, und es war klar, dass er eine wichtige Rolle in der Malerei der Frührenaissance spielen würde. Nachdem er den linken Engel in der Taufe Christi (1470, Galerie der Uffizien) seines Schülers gesehen hatte, beschloss Verrocchio angeblich, die Malerei ganz aufzugeben und sich auf die Bildhauerei zu konzentrieren. Leonardo blieb bei Verrocchio, bis er 1477 oder 78 seine eigene Werkstatt gründete, obwohl seine Zuneigung zu seinem Lehrer so groß war, dass er auch in den folgenden Jahren mit ihm zusammenarbeitete.

Bis 1478 war Leonardo ein unabhängiger Künstler geworden, obwohl sein ursprünglicher Auftrag für ein Altarbild für die Kapelle des Palazzo Vecchio nie ausgeführt wurde. Weitere Werke aus dieser Zeit sind die Madonna von Benoit (um 1478, Staatliches Eremitage-Museum, St. Petersburg), ein Porträt von Ginerva de Benci (um 1474, National Gallery of Art, Washington) und ein unvollendeter Heiliger Hieronymus (um 1481, Pinakothek, Vatikan).

In Mailand bei Ludovico Sforza

1482 gab Leonardo, rastlos und ehrgeizig, seinen ersten großen Auftrag, „Anbetung der Könige“ (begonnen 1481, Uffizien), auf und trat in den Dienst des Herzogs Ludovico Sforza von Mailand, bei dem er bis zu dessen Sturz im Jahr 1499 blieb. In dieser Zeit erreichte Leonardo den Höhepunkt seiner künstlerischen Laufbahn. Neben der Malerei und Bildhauerei diente er Ludovico Sforza bei zahlreichen militärischen Abenteuern als leitender Ingenieur und war auch als Architekt und Festtagsdekorateur tätig. Er unterstützte auch den italienischen Mathematiker Luca Pacioli bei seinem berühmten Werk „Göttliche Proportion“ (1509).

Nach seiner Übersiedlung nach Mailand herrschte in seiner Werkstatt mehrere Jahre lang rege Betriebsamkeit. Von 1485 bis 1495 fertigt er zahlreiche Studien über Malerei, Architektur, Mechanik und menschliche Anatomie an, die er in einer Reihe von Notizbüchern festhält.

Das breite Spektrum von da Vincis Talenten und Interessen führte zu einer großen Anzahl unvollendeter Kunstprojekte. In den 17 Jahren, die er in Mailand lebte, vollendete er beispielsweise nur sechs Werke, wobei er manchmal jahrelang über einem Gemälde verweilte, bevor er es fertig stellte.

Zu den wichtigsten Gemälden aus Leonardos Mailänder Zeit gehören zwei Versionen „der Madonna in den Felsen“ (1483-85, Louvre; 1490er - 1506-08, National Gallery, London), die er für die Bruderschaft der Unbefleckten Empfängnis in Auftrag gab; Porträt „Die Dame mit dem Hermelin“ (Cecilia Gallerani) (1490, Czartoryi Museum, Krakau); und „Das letzte Abendmahl“ (1495-8), Fresko für das Refektorium des Klosters Santa Maria delle Grazie. Kaum war es fertiggestellt, begann es zu bröckeln, weil Leonardo mit der Verwendung von Öl auf trockenem Gips experimentierte. Sein größtes Auftragswerk war eine kolossale Bronzeskulptur, ein Denkmal für Francesco Sforza, Ludovicos Vater, im Innenhof des Castel Sforzesco. Auch sie wurde nicht fertiggestellt und später zerstört.

Die späten Jahre 1500-19

Nach dem Sturz seines Gönners Ludovico Sforza im Jahr 1499 verbrachte Leonardo da Vinci die ersten anderthalb Jahrzehnte des Cinquecento (16. Jahrhundert) damit, in Italien herumzureisen und für verschiedene Auftraggeber zu arbeiten. Als er im Jahr 1500 nach Florenz zurückkehrte, hielt er sich im Kloster Santissima Annunziata auf, wo er laut Giorgio Vasari (1511-1574) in seinem „Leben der Künstler“ , Leonardo schuf eine Karikatur von „Die Jungfrau mit dem Kind, der heiligen Anna und Johannes dem Täufer“ , ein Werk, das so bewundert wurde, dass große Menschenmengen aus der ganzen Gegend anreisten, um es zu sehen.

1502 trat er in den Dienst von Cesare Borgia, dem Sohn und obersten General von Papst Alexander VI. Im Jahr 1503 wurde er in die Künstlerkommission berufen, die für die Neupositionierung der Marmorstatue des David von Michelangelo (1501-4) verantwortlich war. Im selben Jahr begann er mit dem Entwurf eines dekorativen Freskos für den großen Saal des Palazzo Vecchio in Florenz. Auch dieses Fresko blieb unvollendet, obwohl seine lebensgroße Karikatur des Freskos in Kopien, vor allem von Peter Paul Rubens (um 1615, Louvre), überlebt hat. Zur gleichen Zeit begann er mit der Arbeit an seinem berühmtesten Gemälde, Mona Lisa (1503-6, Öl auf Tafel, Louvre).

1506 wurde Leonardo vom französischen Gouverneur Charles d’Amboise eingeladen, nach Mailand zurückzukehren. Im Jahr 1507 wurde er dann zum Hofmaler von König Ludwig XII. von Frankreich ernannt, der zu dieser Zeit in Mailand residierte. Ironischerweise war sein wichtigster Mailänder Auftrag ein Reiterstandbild von Gian Giacomo Trivulzio, dem französischen General, der Leonardos ursprünglichen Auftraggeber Ludovico Sforza abgesetzt hatte. Auch hier blieb das Projekt unrealisiert, obwohl die Zeichnungen erhalten geblieben sind.

In den folgenden sechs Jahren reist Leonardo zwischen Mailand und Florenz hin und her. Von 1514 bis 1516 lebte Leonardo in Rom, wo er eine Werkstatt unterhielt und verschiedene Entwürfe für den Pontifex, Papst Leo X. (Giovanni de’ Medici), ausführte. Aufgrund seiner notorischen Unfähigkeit, Werke zu vollenden, waren diese päpstlichen Aufträge jedoch nur von geringer Bedeutung. Im Gegensatz zu Raffael und Michelangelo, die das Vertrauen mehrerer Päpste genossen und daher maßgeblich an der Renaissance in Rom beteiligt waren, spielte Leonardo daher eine untergeordnete Rolle in der künstlerischen Entwicklung der italienischen Hauptstadt. Auch an der Renaissance in Venedig nahm er nicht aktiv teil und besuchte diese Stadt nur gelegentlich. Florenz blieb sein wichtigster Stützpunkt in Italien, auch wenn seine Zusammenarbeit mit der Familie Medici in Florenz überraschenderweise sehr begrenzt war.

1516 ernannte ihn Franz I. von Frankreich zum obersten Künstler, Ingenieur und Architekten des Königs und wurde damit Leonardos letzter Gönner. Er erhielt eine großzügige Aufwandsentschädigung und wurde im Schloss von Cloux untergebracht, wo er am 2. Mai 1519 starb. Die Legende besagt, dass König Franz I. Leonardos Kopf im Sterben in seinen Armen hielt.

Leonardo da Vinci als Künstler

Fast fünfhundert Jahre nach seinem Tod beruht der Ruf Leonardo da Vincis als Künstler auf einer Handvoll von Gemälden, die zu den größten Meisterwerken zählen, die die Menschheit je geschaffen hat. Die virtuose Qualität dieser Werke liegt in der Kombination von Ästhetik und Maltechnik, nicht zuletzt in seiner hervorragenden Beherrschung des relativ neuen Mediums Ölfarbe.

Seine einzigartige Zeichenkunst, die durch sein Selbstporträt (um 1510-13, Königliche Bibliothek, Turin) veranschaulicht wird, zeigt sich auch in seiner großen Anzahl von Zeichnungen, die in vielen großen europäischen Kunstsammlungen zu sehen sind, insbesondere in der British Royal Collection of Art auf Schloss Windsor in England. Da leider keines von Leonardos bildhauerischen Projekten vollendet wurde, kann seine dreidimensionale Kunst nur anhand seiner Zeichnungen gewürdigt werden. Dasselbe gilt für seine Architektur, wo seine Beherrschung des Themas anhand seiner architektonischen Entwürfe und Zeichnungen klar ersichtlich ist.

Leonardo verbrachte einen Großteil seines Lebens mit dem Versuch, realistische, wahrheitsgetreue Gemälde zu schaffen, im Gegensatz zu den zuvor stark stilisierten Werken der religiösen Kunst . Indem er seine Madonnen und andere Figuren als reale Personen darstellte, demonstrierte Leonardo seine vollständige Beherrschung der Maltechniken, einschließlich der Perspektive, chiaroscuro und sfumato, die es ihm ermöglichten, äußerst realistische dreidimensionale Effekte zu erzielen. Diese neue Herangehensweise an die wahrheitsgetreue Darstellung des Lebens sowie seine Beherrschung von disegno (Entwurf) und colorito (Farbpigmenten) hatten einen enormen Einfluss auf nachfolgende Künstlergenerationen, darunter der ikonoklastische Caravaggio (1571-1610).

Leonardos Realismus ist zu einem großen Teil auf sein lebenslanges Studium des menschlichen Körpers zurückzuführen. Es begann mit seiner Lehre bei Andrea del Verrocchio und setzte sich mit der Sezierung menschlicher Leichen in den Krankenhäusern von Florenz, Mailand und Rom fort. Später, im Jahr 1510, schrieb er in Zusammenarbeit mit Dr. Marcantonio della Torre ein theoretisches Werk über Anatomie (das schließlich 1680 veröffentlicht wurde), für das Leonardo über 200 Zeichnungen anfertigte. Insgesamt war da Vinci der erste Künstler, der die anatomischen Proportionen von Männern, Frauen und Kindern untersuchte, und er war ein scharfer Beobachter der Auswirkungen von Alter und Emotionen auf die menschliche Physiologie. Er skizzierte auch viele Figuren, die unter Gesichtsdeformationen oder Krankheitsanzeichen litten, und schuf manchmal eine Art karikiertes Porträt seines Subjekts.

Leonardo legte großen Wert auf die intellektuellen Aspekte der Malerei. Dies veranlasste ihn, zusammen mit Michelangelo, die Idee zu vertreten, dass Künstler wahre kreative Denker und nicht nur geschickte Handwerker seien.

Die Malerei Leonardos

Für eine Analyse und Interpretation der Meisterwerke von Leonardo Da Vinci siehe Analyse berühmter Gemälde .

Landschaft mit Blick auf den Arno (1473)

Das erste Werk, das Leonardo da Vinci eindeutig zugeschrieben werden kann, ist die berühmte Landschaftszeichnung in den Uffizien ) Landschaft mit Blick auf den Arno) aus dem Jahr 1473. Vielleicht war noch nie in der Geschichte der Kunst das erste Werk eines genialen Künstlers so individuell, so originell und so komplex wie diese Zeichnung, die den Keim der Geschichte in sich trägt. Diese erste Landschaft deckt sich in ihrer Darstellung der dynamischen Manifestation der Natur mit den theoretischen und stilistischen Konzepten, die später vom reifen Leonardo entwickelt wurden.

Die Vision ist in einem bestimmten dynamischen Moment eingefangen und besteht aus einer Reihe von korrespondierenden perspektivischen Ansichten, von denen jede ihren genauen Fokuspunkt hat; sie weicht damit völlig von der bildlichen Tradition mit ihrem einzigen Fokuspunkt ab. Diese komplexe Struktur offenbart das Wesen der Kunst Leonardos, sein unvergleichliches Gleichgewicht zwischen künstlerischem Willen und poetischer Emotion; seine Ablehnung der starren geometrischen Form der albertinischen Perspektive geht mit einer enormen emotionalen Kraft einher.

Die Taufe Christi (1475-8)

Das schwierigste Problem in Bezug auf die frühen Jahre Leonardo da Vincis ist das Ausmaß seiner Mitarbeit an der berühmten Taufe Christi, die in den Uffizien noch immer Verrocchio zugeschrieben wird, als er noch Mitglied der Werkstatt von Verrocchio war.

Wie bereits erwähnt, arbeitete Botticelli zur gleichen Zeit wie Leonardo im Atelier von Verrocchio, und es wurde nachgewiesen (von C.L. Raggianti), dass das gesamte Gemälde das Werk dieser beiden Künstler ist. Die Tradition hat Leonardo immer den ersten Engel links und die Landschaft im Hintergrund zugeschrieben. Man ist sich einig, dass die Landschaft auf der rechten Seite ebenfalls ein Werk Leonardos ist; die visionäre Intensität, mit der dieser Abschnitt wiedergegeben wird, ist von keinem anderen Künstler erreicht worden.

Bei näherer Betrachtung stellt man fest, dass auch das Gemälde der Christusfigur Spuren dieses neuen, charakteristischen und unverwechselbaren Stils trägt, trotz einer gewissen grafischen Intensität, die darauf hinweisen könnte, dass es zuvor von Botticelli gezeichnet wurde; und die lebendige Behandlung des Wassers, aus dem die Figuren aufsteigen, zeugt ebenfalls von der Hand des jungen Leonardo.

Madonna mit Nelke (1473-8)

Es besteht kein Zweifel, dass in der „Madonna mit Nelke“ in der Alten Pinakothek in München der Einfluss von Verrocchio in hohem Maße offensichtlich ist. Das Neue an diesem Werk ist jedoch die unendliche Fülle von perspektivischen und strukturellen Beziehungen, die in den Figuren der Madonna mit Kind Höhepunkte und Momente der Ruhe, Strudel und dramatische Lichteffekte schaffen, die mit einer verwickelten und komplexen Behandlung der Landschaft in der Tiefe kombiniert werden. Hier erinnert die nordische Vorstellungskraft an die jüngste flämische Invasion in die florentinische Kunst mit Van der Goos in Santa Trinita und Van Eyck im Palazzo Medici; die von diesen flämischen Künstlern erfundene Fabelwelt taucht wieder auf, gekleidet in Leonardos einzigartigen Mystizismus.

Benoit’s Madonna (um 1478)

Die so genannte „Benoit-Madonna“, die sich in der Eremitage in St. Petersburg befindet, stellt einen ähnlichen Fall dar.

Die Verbindung zwischen Bewegung und Emotion (wie zum Beispiel in der Bewegung zwischen der Geste des Kindes und seinem Gesichtsausdruck, als es die Blume betrachtet, die ihm seine Mutter hinhält), führt zu einer lyrischen Kontinuität der Figur der Mutter, einem Typus, der das Modell für die erste Madonna sein sollte, die Raffael als junger Künstler in Florenz malte.

Verkündigung (1475-8)

Das berühmteste und unbestrittene Werk aus Leonardo da Vincis Schaffensperiode ist zweifellos die Verkündigung (1475-8), die für das Kloster San Bartolomeo a Monteoliveto gemalt wurde und sich heute in den Uffizien in Florenz befindet .

Es handelt sich um einen klassischen Kompositionstypus, bei dem die perspektivische Struktur, zumindest was das wichtigste und hervorstechendste Element betrifft, als steuernder Faktor wirkt und die gesamte Komposition durch ein dichtes Netz von Achsen und Koordinaten umschließt - diese laufen in einem kleinen Hügel entlang der Wand auf der rechten Seite des Gemäldes zusammen.

Die erste Abkehr von den bisher als historisch notwendig erachteten Traditionen führt zu einer freien und phantasievollen Komposition, in der ständig unendliche Beziehungen innerhalb des Bildes und zwischen dem Hauptmotiv und dem umgebenden Raum entstehen. Wir sehen auch, dass jede Episode auf der Leinwand in Elementen organisiert ist, von denen jedes eine autonome Existenz hat.

Die Geste der sitzenden Madonna, die von dem vorspringenden Flügel des Gebäudes eingerahmt wird, fällt mit der Reflexion des einfallenden Lichts auf dem Stein zusammen, während das geschlossene perspektivische Netz der Brust, die kontrollierte Bewegung der sich einmischenden losgelösten Geste und das Zurückziehen des Kopfes zu flüchtigen Signalen der Emotion werden. Dieses Werk war in der Lage, der florentinischen Renaissancekunst eine neue Richtung zu geben, nach den sich wiederholenden Dramen der letzten Werke Donatellos und der Hinwendung zu veralteten Formen in der Tradition der Caredi-Künstler, die nach Kontinuität strebten.

Porträt von Ginevra de Benci (1478-79)

Porträt von Ginevra de Benci ist ebenfalls fast vollständig monochrom gemalt. Doch obwohl das Gemälde in diesem Fall fertiggestellt ist, tendieren die Hauttöne zu einer Mondblässe, wie in der unvollendeten, weitgehend monochromen „Anbetung“, und die Beziehung der Figur zum Raum wird durch die Verwendung von symbolischen Dickichten erreicht, die nun dicht sind und unter dem Abendhimmel glitzern, wenn das Licht verblasst und die Welt in fahle Strahlen hüllt - eine Stunde, die von Leonardo als ideal für den Künstler beschrieben wird.

Dieses Porträt wurde wahrscheinlich in den Jahren 1478-79 gemalt und ist möglicherweise das letzte Werk, das Leonardo während seines ersten Aufenthalts in Florenz schuf; er reiste 1478 nach Mailand ab und lehnte die Regeln der Neuplatonischen Akademie ab, die ihn als Analphabeten als Objekt der Verachtung betrachtete.

Anbetung der Könige (ca. 1481)

In der vollendeten „Anbetung der Könige“, ebenfalls in den Uffizien, ist die Vision im Hintergrund rechts der Dreh- und Angelpunkt der gesamten Komposition. Die traditionelle sakrale Szene der florentinischen Ikonographie, die von den größten Künstlern des Quatrocento in leuchtenden Farben dargestellt und von Gozzoli und Botticelli als Mittel zur Verherrlichung des Hauses Medici und seiner Akademie verwendet wurde, erhält bei Leonardo eine völlig andere Dimension.

Um die Gruppe von Mutter und Kind in der Mitte des Gemäldes herum taucht ein Meer von Figuren aus halluzinatorischen Visionen im Hintergrund auf; die Figuren bewegen und winden sich wie mystische Seher in einem Zustand prophetischer Überschwänglichkeit. An den Seiten stehen zwei grüblerische Gestalten regungslos und in ihre Gedanken versunken.

Das Ereignis hat eine geheimnisvolle, fast esoterische Dimension angenommen; die Natur tritt fast an der Schwelle zur Schöpfung in einen göttlichen Akt ein und präsentiert eine Szene der Zerstörung und Vernichtung, durch die die Schreie und Gesten der Menschen zu hören sind, die der Welt die erschreckende Nachricht verkünden. Auch hier, wie in Landschaft und Verkündigung, beherrscht der zentrale Fokus die Perspektive der Komposition und sendet Wellen innerer Bewegung aus.

Hier wurde der Diskurs viel komplexer und strenger; der Verzicht auf Farbe wurde zu einer Angelegenheit, bei der es nicht darum ging, die Wirkung von Skulptur oder Architektur zu imitieren, sondern Atmosphäre und Licht zu vermitteln. Der Effekt der „Unvollständigkeit“ - „non finito „- zufällig oder absichtlich, dient dazu, das Echo der Emotionen, die unendliche Dynamik der Lichttaschen zu maximieren, die hier von jedem episodischen Charakter befreit und mit der menschlichen Handlung identifiziert werden.

Der heilige Hieronymus (1480-2)

Ebenfalls aus dieser Zeit stammt Leonardos Gemälde „Der heilige Hieronymus“, das sich heute im Vatikanischen Museum befindet. Die Figuren sind hier fast emblematische Symbole, und der Raum wird durch Abstufungen der Monochromie vertieft, von den Ockertönen des Vordergrunds über die bläulich-kreidigen Töne der Figur bis hin zu den unmerklich bläulichen Tönen des linken Hintergrunds.

Und wenn, wie einige Kunsthistoriker festgestellt haben, die dramatische Wiederholung der Figuren Anzeichen von Leonardos Lehrzeit im Stil von Pollaiolo erkennen lässt, so ist es doch Leonardos Lösung für Licht und Raum, die das neue Klima in der Kunst kennzeichnet.

Madonna in den Felsen (1483-5)

Um 1483 erhielt Leonardo von der Mailänder Kongregation der Empfängnis den Auftrag für ein Triptychon, das die Madonna, Jesus und zwei Engel darstellte; dies wurde vielleicht das berühmteste Gemälde, das er in Mailand schuf. Es scheint, dass der Herzog von Mailand, Ludovico Sforza, das Gemälde selbst in Besitz nahm und Leonardo verpflichtete, eine Kopie davon anzufertigen. Dies geschah im Jahr 1495. Die erste Version befindet sich im Louvre, die zweite in der National Gallery in London.

In diesem Gemälde hat Leonardos Behandlung des Lichts zweifelsohne seine komplexeste Form erreicht. Zwei Lichtquellen - eine bestimmte im Hintergrund, die andere unbestimmte im Vordergrund - beherrschen die Komposition und tauchen die Formen in einen wässrigen Widerschein, der die Dynamik der Vision ins Unendliche vervielfacht. Die Textur variiert zwischen schnellen Pinselstrichen und der grafischen Definition von komplexem Blattwerk und erzielt einen sehr intensiven atmosphärischen Effekt, wenn zwei Lichtquellen einige Details aus dem gesättigten Schein herausreißen.

Seine lebhafte Vorstellungskraft verwandelte charakteristische Elemente der nordeuropäischen Malerei, die damals in Florenz in Mode war, in Werke von solch poetischer Größe, dass sie die Entwicklung der Kunstform bis in unsere Zeit hinein beeinflusst haben. Für weitere Einzelheiten siehe: „Madonna in den Felsen“ Leonardo .

Dame mit Hermelin (1488-90)

Eines der lyrischsten Werke, die er während seines Aufenthalts am lombardischen Hof malte, war das Porträt von Cecilia Gallerani, der Mätresse von Lodovico il Moro.

Das schöne Porträt, bekannt als Die Dame mit dem Hermelin, befindet sich in Krakau. In ihm scheint der visionäre Impuls der jüngsten florentinischen Werke einer ruhigen Betrachtung einer kontinuierlichen Form gewichen zu sein, über der das gleichmäßige Licht ein Gefühl der Schwerelosigkeit erzeugt, und in der die ganze dramatische Wirkung in der großen, überempfindlichen, fast schmerzhaften Hand liegt, die das symbolische Tier hält. Für eine Analyse siehe: „Die Dame mit dem Hermelin“ Leonardo .

Vitruvianischer Mensch (ca. 1492)

„Vitruvianischer Mensch“ (jetzt in der Galerie der Akademie von Venedig) - ist eine weltberühmte Zeichnung mit begleitenden Notizen, die Leonardo da Vinci um 1492 anfertigte und die in einem seiner Tagebücher festgehalten wurde.

Es zeigt eine nackte männliche Figur in zwei sich überschneidenden Posen mit ausgebreiteten Armen und Beinen innerhalb eines Kreises und eines Quadrats. Manchmal auch Kanon der Proportionen genannt, wurde es als Studie über die vom römischen Architekten Vitruv (ca. 78-10 v. Chr.) beschriebenen Proportionen des (männlichen) menschlichen Körpers geschaffen. Heute ist dieses Bild eines der meistkopierten der Welt.

Letztes Abendmahl (1495-7)

Um 1495 begann Leonardo da Vinci im Refektorium des Klosters Santa Maria delle Grazie in Mailand mit der Arbeit an Das letzte Abendmahl ) Il Cenacolo). (Anmerkung: Für eine Analyse dieses Werks siehe: Leonardos letztes Abendmahl). Für dieses Meisterwerk der christlichen Kunst experimentierte er mit einer Technik, die auf einem Impasto mit Öl und Tempera basierte und auf einer Wand angebracht werden sollte, die mit einer Lackschicht aus einer Gesso-Mischung bedeckt war. Jahrhunderts als völlig ruiniert bezeichnet wurde, und nach zahlreichen Restaurierungsarbeiten, die bis heute andauern, ist das Fresko, das wir heute sehen, nur noch ein Schatten des von Leonardo gemalten Originals.

Unter den bramantischen Gewölben des Raumes spielt sich die Szene in einer klassischen Perspektive mit zentralem Fokus ab. Es entsteht ein illusorischer Effekt der Verlängerung, da der Raum durch die Gewölbe im Hintergrund die Landschaft überblickt. Der große Maßstab der Figuren ist in eine Struktur eingebettet, die nach den Maßstäben der Renaissance an den menschlichen Maßstab angepasst ist; dies erzeugt den Effekt der Monumentalität, der für die Malerei des 16. Alle Hauptfiguren sind sorgfältig so angeordnet, dass sie sich gegenseitig ausgleichen, ebenso wie die Figuren der anderen Gruppen. Dieses kalkulierte Gleichgewicht wird durch das diffuse Licht, das über das gesamte Werk fällt, noch verstärkt, so dass sich die Christusfigur, die sich teilweise gegen das Licht abhebt, von dem leuchtenden Kreidegrund abhebt.

Das Gemälde stellt die Szene des letzten Abendmahls in den letzten Tagen des Lebens Jesu dar, wie sie in Johannes 13,21 beschrieben wird, kurz nachdem Jesus ankündigt, dass einer seiner zwölf Apostel ihn verraten wird. Die Reaktion der einzelnen Jünger auf diese Nachricht ist hier dargestellt. Ein berühmtes Beispiel für Historienmalerei es zeigt die dramatische Bewegung und chiaroscuro (Darstellung von Licht und Schatten), die Leonardos reifen Stil charakterisieren.

Jede der Figuren ist so angeordnet, dass sie einen bestimmten Teil des Raumes einnimmt, der sich von Figur zu Figur kaum verändert (außer im zentralen Teil, wo die Christusfigur herausgehoben ist), was zur Folge hat, dass sich die größte Intensität auf den zentralen Punkt konzentriert, wo der dramatische Moment konzentriert und für immer festgehalten wird. Die Tradition, die Figur des Judas am äußeren Rand des Gemäldes zu isolieren, der Leonardo in seinen vorbereitenden Skizzen für dieses Werk gefolgt war, wurde in der endgültigen Fassung aufgegeben, um eine Fragmentierung und eine daraus resultierende Verringerung der dramatischen Wirkung zu vermeiden.

Das Gemälde enthält mehrere Anspielungen auf die Zahl 3 (möglicherweise auf die Heilige Dreifaltigkeit). Die Jünger sitzen in Dreiergruppen; es gibt drei Fenster; und die Figur Jesu ähnelt einem Dreieck.

Die Berichte über Leonardos sorgfältige Ausführung „des Letzten Abendmahls“ haben viele dazu veranlasst, ihn als Urheber der Idee des Künstlers als kontemplativem und kreativem Denker und nicht als bloßem Handwerker zu betrachten, dessen Aufgabe es ist, so viele Quadratmeter am Tag zu bearbeiten. Diese Vorstellung von der Würde des Künstlers wurde von Michelangelo und anderen Malern des sechzehnten Jahrhunderts aufgegriffen und weiterentwickelt.

Das Letzte Abendmahl ist kein echtes Fresko, da es auf eine trockene Wand und nicht auf nassen Putz gemalt wurde. da Vinci versiegelte die Steinwand mit einer Schicht aus Harz, Gesso und Kitt und übermalte sie dann mit Tempera. Diese Art der Bemalung führte im Laufe der Jahre zu einer deutlichen Verschlechterung.

Das Gemälde war Gegenstand unzähliger Interpretationen (z. B. in dem Roman „The Da Vinci Code“ ), aber die meisten Spekulationen werden von der wissenschaftlichen Forschung nicht unterstützt.

Mona Lisa (ca. 1503-6)

Dieses exquisite Werk der Porträtkunst der Hochrenaissance ist nach seiner Heldin, Lisa del Giocondo, geborene Lisa Gherardini, Frau eines Florentiner Kaufmanns, benannt. In Italien ist sie als La Gioconda bekannt. („Mona“ ist eine Anrede, wie „Mistress“ oder „My Lady“). Zur Interpretation und Analyse siehe: Mona Lisa von Leonardo .

Die Mona Lisa stellt ein revolutionäres Element in der Entwicklung des Porträtkonzepts der Renaissance dar. Mit wenigen Ausnahmen neigten die Porträts der Künstler des späten 15. Jahrhunderts dazu, schematisch zu werden, aber nun hing die Beziehung zwischen Figur und Hintergrund nicht mehr von der üblichen Rücknahme der Ebenen in gleichmäßiger Abstufung ab. Der Effekt, der in Porträt der Ginevra de Benci teilweise vorweggenommen wurde, wird hier voll und ganz erreicht, und die Mona Lisa ist ein Moment der totalen Ausleuchtung, die mit gleicher Intensität durch die Felsen und den Himmel im Hintergrund wiedergegeben wird.

Das berühmte „rätselhafte“ Lächeln wird zu einem subtilen Mittel der Lichtbrechung; es ist, als wären wir bei der Geburt des Lichts anwesend, als könne sich die Pracht dieses Augenblicks nie wiederholen und das Licht werde nie wieder dieselbe Intensität haben. Man beachte die Details im Gesicht, die den subtilen Effekt der Schatten sfumato zeigen, insbesondere in den Schatten um die Augen und den Mund. Seine Technik des sfumato beeinflusste viele Zeitgenossen, darunter Andrea del Sarto (1486-1530), den Führer der Malerei der Hochrenaissance in Florenz nach 1510. Die Mona Lisa war Leonardos Lieblingsbild und begleitete ihn auf allen seinen Reisen.

Die Mona Lisa ist das Herzstück des Louvre-Museums in Paris . Einige Kunstkuratoren schätzen ihren Wert auf etwa 1 Milliarde Dollar. Ihre Schönheit und visuelle Wirkung liegt in der von Leonardo entwickelten Ölmaltechnik (bekannt als sfumato), die es ihm ermöglichte, die Art von subtilen atmosphärischen Schatten zu erzeugen, die mit der von seinen Zeitgenossen verwendeten Temperafarbe nicht möglich war.

Madonna mit Kind, der heiligen Anna und Johannes dem Täufer (1500-8)

Im Jahr 1500 kehrte Leonardo nach Florenz zurück und wohnte bei den Mönchen des Klosters Santissima Annunziata, für die er „Madonna mit Kind und heiliger Anna“ malte (Zeichnung in der National Gallery, London; Gemälde im Louvre). Die ungewöhnlichen räumlichen Beziehungen zwischen den Figuren selbst und zwischen den Figuren und dem Hintergrund waren eine große strukturelle Neuerung, die später von Raffael (1483-1520), Fra Bartolomeo (1472-1517), Andrea del Sarto (1486-1530) und Vertretern des Manierismus übernommen und von Künstlern des gesamten 16. Jahrhunderts imitiert wurde.

Die Bedeutung dieses Werks lässt sich besser verstehen, wenn man bedenkt, dass es zu einer Zeit entstand, die vielleicht den entscheidendsten Moment in der Malerei des fünfzehnten und sechzehnten Jahrhunderts darstellte, als der Einfluss der Lehre der großen florentinischen Meister der vorangegangenen Generation noch andauerte, und jüngere Künstler derselben Generation wie Leonardo (darunter z. B. Botticelli) von den fantastischen Phantasien der flämischen Maler angezogen wurden, die sie durch Piero di Cosimo (1462-1522) erreichten.

Das Werk leitet eine neue Periode in der Kunstgeschichte der Renaissance ein, so wie es „Die Heiligen Familien“ von Raffael und „Doni Tondo“ von Michelangelo der Reihe nach taten. Es handelt sich um eine Periode, die allzu oft mit dem pseudohistorischen Begriff „Klassizismus“ definiert wird. In Wirklichkeit handelt es sich um das Gegenteil: eine revolutionäre Art und Weise, die Beziehung zwischen Mensch und Objekt auszudrücken, mit viel größerer Flexibilität und unbegrenzter Vielfalt, die weit über die figurative Darstellung hinausgeht und einen der entscheidenden Momente in der Geschichte der Kunst kennzeichnet.

Der heilige Johannes der Täufer (1513-16)

Leonardo kehrte nach Mailand zurück, reiste dann nach Rom und floh von dort aus nach Frankreich; in einem ängstlichen und cholerischen Alter schuf er nur ein Gemälde, „Der heilige Johannes der Täufer“, das sich heute im Louvre befindet.

In diesem Gemälde kommen die extremen Konsequenzen von Leonardos Umgang mit dem Licht zum Ausdruck; das Licht wird ständig vom dunklen Hintergrund auf die stärker hervortretenden Flächen im Vordergrund gefiltert und wird selbst zu einem Ausdruck des Raums und der Physiognomie, indem es mit der Figur und dem Gesicht verschmilzt, das sich nach vorne beugt und rätselhaft lächelt, und mit dem symbolischen Erheben des Fingers; es ist nicht mehr "die Stimme eines schreienden Mannes in der Wüste", sondern der Wächter und Zeuge des Geheimnisses der Initiation, ein Mittel zur Verwirklichung des Wesens der Menschheit und somit des kosmischen Wesens. Geachtet und geehrt von seinen Höflingen, getröstet durch die Gesellschaft von Melzi und Salai, fühlte der alte, halb gelähmte Leonardo, dass sich sein Leben dem Ende zuneigte.

Leonardo und der Manierismus
Der Maler, Kunsttheoretiker und Biograf Giorgio Vasari (1511-1574) aus dem 16. Jahrhundert, der für sein Buch „Leben der Künstler“ (1550) berühmt ist, identifiziert die Werke von Leonardo, Raffael (1483-1520) und Michelangelo (1475-1564) als Quelle der manieristischen Malerei.

Die Bildhauerei Leonardos

Aufgrund des völligen Fehlens jeglicher vollendeter Skulpturen haben wir wenig genaue Informationen über Leonardo da Vincis Aktivitäten auf diesem Gebiet; wir wissen aus dokumentarischen Belegen und seinen eigenen Schriften, dass er sich in beiden Künsten für gleich begabt hielt - tatsächlich hielt er sich für besonders geschickt in der schwierigen Aufgabe des Bronzegusses.

Seine jugendliche Tätigkeit in der Werkstatt von Verrocchio, der selbst Bildhauer und nur in viel geringerem Maße Maler war, macht es sehr wahrscheinlich, dass er als Bildhauerlehrling begann, obwohl es eine Tatsache ist, dass alle bildhauerischen Werke, die den frühen Jahren Leonardos zugeschrieben werden, von der Terrakotta Madonna mit Kind im Victoria and Albert Museum bis zum Bildnis einer Dame mit Blumen im Bargello, entweder Verrocchio selbst oder Antonio Rossellino zugeschrieben werden müssen.

Es gibt keine dokumentarischen Belege für die Existenz von Skulpturen, die Leonardo ohne Einschränkung zugeschrieben werden können. Diese Behauptung wird nicht durch das Vorhandensein von Bronze- und Wachsskulpturen widerlegt, die Leonardo mit geringer Berechtigung zugeschrieben werden, von denen einige für die Dekoration des Denkmals von Francesco Sforza, andere für das Denkmal von Trivulzio bestimmt waren. Diese beiden Denkmäler waren große Projekte, die Leonardo viele Jahre lang beschäftigten, aber nie vollendet wurden.

Es wurde bereits erwähnt, dass Ludovico il Moro ein Denkmal zum Gedenken an Francesco Sforza in Auftrag gab und Leonardo nur ein Tonmodell des Pferdes fertigstellte, das später zerstört wurde; einen klaren Eindruck von der Grundidee dieses Denkmals erhält man aus der Serie von Silberstiftzeichnungen auf Schloss Windsor, wo besonders deutlich wird, wie sich Leonardos Einstellung zur Figur des Pferdes von einer Zeichnung zur nächsten entwickelte.

In einer seiner ersten Skizzen stellte er das Pferd als eine sich bewegende Figur dar, die einen Sprung in den Raum macht, was an die Skizzen Leonardos im Stil von Antonio Pollaiuolo erinnert. Später wurde das Pferd in der klassischen Tradition mit allen vier Beinen auf dem Boden dargestellt, und es wurden weitere Änderungen vorgenommen, bevor 1493 die endgültige Version entstand. Etwa zwanzig Jahre später arbeitete Leonardo an einem Entwurf für ein Grabdenkmal für Giangiacomo Trivulzio, einen General im Dienste des Königs von Frankreich. Dieses Denkmal in der Kirche San Celso in Mailand sollte aus einem Sarkophag bestehen, der als Sockel für eine lebensgroße Reiterstatue dienen sollte.

Aus den erhaltenen Skizzen für dieses Werk geht hervor, dass die Idee für die Komposition direkt aus dem endgültigen Plan des Sforza-Denkmals hervorgegangen ist. Die zurückhaltende Dynamik gab der traditionellen Reiterikone, wie sie in der Statue des Marc. Aurelius oder in den Werken von Verrocchio und Donatello.

Leonardos Architektur

Es gibt keine vollendeten Werke, die Leonardo da Vincis Forschungen im Bereich der Architektur belegen. Wir wissen jedoch, dass er viel Zeit damit verbrachte, die Kuppel des Mailänder Doms zu entwerfen, und es gibt unzählige Pläne für Festungsanlagen, die er für die Herzöge von Mailand und Valentino anfertigte.

Aber das interessanteste architektonische Werk, das Leonardo hinterlassen hat, ist sein Projekt Trattato sull’architettura, von dem viele Zeugnisse erhalten geblieben sind. Wir wissen, dass diese Abhandlung in zwei Teilen konzipiert war, der erste eine Darlegung der Lehre von den Ordnungen und architektonischen Formen, der zweite ein Diskurs über Bautechniken. Aus den erhaltenen Fragmenten und zahlreichen Zeichnungen (Prototypen der analytischen Architekturzeichnung) geht hervor, dass die große Bedeutung der Theorien Leonardos darin liegt, dass sie eine Verbindung zwischen den Theorien des 15. Jahrhunderts - nicht nur denen von Filippo Brunelleschi und Leon Battista Alberti, sondern auch denen von Filarete und Francesco di Giorgio - und den klassischen Architekturtheorien des reifen Donato Bramante herstellen. Sie wurden später zum Vorbild für Serlios Abhandlung über architektonische Ordnungen.

In dieser ständigen Beschäftigung mit der theoretischen Forschung, die zu einem architektonischen Ideal führte, das mehr als abstrakte Theorie denn als praktische Umsetzung begründet war, müssen wir den Grund sehen, warum Leonardo seine zahllosen Ideen nicht verwirklichen konnte.

Theoretische Werke: Ideen über die schönen Künste

Leonardo füllte unzählige Notizbücher mit einer großen Anzahl von Skizzen, Entwürfen und anderen künstlerischen Ideen. Diese wissenschaftlichen und künstlerischen Tagebücher, darunter seine Abhandlung über die Malerei (1651), die schließlich insgesamt etwa 13 000 Seiten mit Notizen und Zeichnungen umfasste, wurden von bedeutenden Institutionen wie der Royal Library auf Schloss Windsor, dem Victoria and Albert Museum, der British Library in London, dem Louvre in Paris, der spanischen Nationalbibliothek und der Biblioteca Ambrosiana in Mailand erworben, die den zwölfbändigen Codex Atlanticus besitzt. Der Codex Leicester (Codex Hammer) Leonardo wurde von Bill Gates von Microsoft erworben und wird jährlich in verschiedenen Städten der Welt ausgestellt.

Sein wichtigstes theoretisches Werk ist zweifellos „Abhandlung über die Malerei“, auch wenn es leider nur bruchstückhaft (nicht vollständig) überliefert ist. Diese Abhandlung ist zweifellos der größte Beitrag zur Theorie der Malerei, der in der Renaissance geleistet wurde. In ihm werden alle Themen behandelt, die damals diskutiert wurden. An erster Stelle steht der Streit um den Vorrang der Künste, den Leonardo natürlich zugunsten der Malerei entscheidet, die er aufgrund ihrer wissenschaftlichen und mathematischen Grundlagen als Naturwissenschaft einstuft. Er hält sich an die von den ersten florentinischen Autoren aufgestellten Theorien zur Kunsttheorie, verfolgt aber eine originelle Entwicklungslinie mit dem Konzept der "durch Erfahrung gewonnenen Erkenntnis" im Gegensatz zu dem, was er für die "irrigen Geisteswissenschaften" der platonischen und aristotelischen Tradition hält.

Und in diesem Sinne erlangt die Malerei ihren höchsten Wert und wird zu einer Wissenschaft, ja sogar zu einem philosophischen System. Die allgemein akzeptierte Vorstellung vom Primat der Malerei unter den Künsten hat eine ganze kulturelle Tradition hervorgebracht, die sich bis ins 16. Jahrhundert fortsetzte, selbst dort, wo Leonardos Gedanken nicht eindringen konnten. Leonardos Auffassung von der Überlegenheit der Malerei als kombinierte Kunst und Wissenschaft, die in der Lage ist, eine Synthese aller Ausdrucksformen darzustellen, ist jedoch absolut originell.

Leonardo glaubte, dass das Wesen der Malerei im Relief liegt, in der strengen Modellierung durch Licht und Schatten; der zweite wichtige Faktor in der Malerei ist der psychologische Ausdruck, der sich hauptsächlich durch „Bewegung“, Gesichtszüge und Gesten manifestiert. Ein weiterer wichtiger Teil des Trattato ist der Proportionslehre gewidmet, die das Gesetz der Perspektive einschließt; dies war die Formulierung dessen, was man als „die Entdeckung“ Leonardos bezeichnen kann, denn obwohl die Theorie aus dem für die florentinische Kunst traditionellen System der Perspektive abgeleitet wurde, wird sie von ihm unter dem Gesichtspunkt der Veränderung der tatsächlichen Proportionen unter dem Einfluss der Bewegung betrachtet. Der letzte Teil „des Trattato“ ist einer Analyse der Struktur der Muskeln gewidmet.

Leonardo da Vinci: Gemälde

Leonardos Gemälde und Zeichnungen sind in einigen der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, darunter eine vollständige Galerie seiner Werke auf der Website Gallerix, hier: Leonardo da Vinci: Gemälde .

Landschaft mit Blick auf den Arno (ca. 1473) Zeichnung, Uffizien, Florenz.
Verkündigung (ca. 1475-8) Öl auf Tafel, Uffizien, Florenz.
Madonna mit Nelke (ca. 1473-8) Öl auf Tafel, Alte Pinakothek, München.
Madonna von Benoit (um 1478) Öl auf Leinwand, Eremitage-Museum, St. Petersburg.
Porträt von Ginevra de Bensi (ca. 1474-79) National Gallery, Washington.
Der heilige Hieronymus in der Wüste (ca. 1480-2) Tempera/Öl auf Tafel, Vatikan.
Anbetung der Könige (ca. 1481) Untermalung auf Tafel, Uffizien, Florenz.
Madonna in den Felsen (ca. 1483-5) Öl auf Tafel (auf Leinwand übertragen) Louvre.
Dame mit Hermelin (1488-90) Öl auf Holztafel, Czartoryski, Krakau.
Das letzte Abendmahl (1495-8) Tempera auf Gesso, Santa Maria delle Grazie.
Madonna in den Felsen (1495-1508) Öl auf Tafel, National Gallery, London.
Deckenfresken der Sala delle Asse (ca. 1498-1499) Castel Sforzesco, Mailand.
Jungfrau und Kind mit der heiligen Anna und dem heiligen Johannes (ca. 1500-8) Zeichnung, London.
Mona Lisa (ca. 1503-1506) Öl auf Pappelholz, Louvre, Paris.
Jungfrau mit Kind und Heilige Anna (ca. 1510) Öl auf Tafel, Louvre, Paris.
Der heilige Johannes der Täufer (1513-1516) Öl auf Nussbaumholz, Louvre, Paris.