Albrecht Durer:
Deutscher Renaissance-Maler, Grafiker Automatische übersetzen

Der führende Künstler der deutschen Renaissance, Albrecht Dürer, ist zusammen mit Jan van Eyck (ca. 1395-1441) und Rogier van der Weyden (1400-1464) einer der größten Künstler der nördlichen Renaissance . Er war einer der Pioniere mehrerer Kunstformen, darunter die Zeichnung . Außerdem gilt er neben Rembrandt und Goya als der höchste Meister des Kupferstichs, verehrt für seine Holzschnitte, insbesondere die Apokalypse Serie (1498), Passionszyklus (ca. 1497-1500) und Leben der Jungfrau (1500), sowie zahlreiche Kupferstiche, insbesondere Ritter, Tod und Detail (1513), Der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer (1514) und Melancholia (1514).

Zu seinen Gemälden gehören religiöse Kunst, hauptsächlich Altarbilder, Porträts und Selbstporträts, sowie wissenschaftliche Abhandlungen und theologische Werke. Dürers Hauptbeitrag zur Kunst bestand darin, eine Synthese zwischen der Ästhetik der italienischen Renaissance und der Ästhetik der nördlichen Renaissance zu schaffen. Er war der letzte Vertreter der deutschen Gotik, und der erste moderne Künstler nördlich der Alpen.

Jugend und Ausbildung

Die Familie Dürer stammte aus Ungarn, wo Albrechts Großvater und später sein Vater im Juweliergeschäft tätig waren ; nach einem Aufenthalt in den Niederlanden ließ sich sein Vater 1455 in Nürnberg nieder.

Dürer wuchs in einer Familie mit 14 bis 17 Geschwistern auf. Sein Patenonkel, Anton Koberger, war ein bekannter Verleger, der 24 Druckereien besaß und Niederlassungen im In- und Ausland unterhielt. Seine berühmteste Zeitschrift war die „Nürnberger Chronik“, die 1493 erschien und Hunderte von Holzschnittillustrationen enthielt. Es wird angenommen, dass einige dieser Stiche von seinem Patensohn geschaffen wurden. Der junge Dürer erhielt seine erste Ausbildung wahrscheinlich in der Werkstatt seines Juweliervaters. Wenn dem so ist, war dies eine ausgezeichnete Lehre für seine spätere Entwicklung als Zeichner und Kupferstecher. Es waren eher seine grafischen Arbeiten (insbesondere Figurenzeichnungen und Skizzen von Tieren und Landschaften) als seine Gemälde, die ihm zu Lebzeiten internationalen Ruhm einbrachten.

Im sechzehnten Jahrhundert werden seine zahlreichen Zeichnungen und Stiche in ganz Europa kopiert. Seine früheste erhaltene Zeichnung ist Selbstbildnis, ausgeführt in Silberstift (1484, Albertina), die deutlich sein technisches Können demonstriert und zweifellos seine Entscheidung beeinflusste, 1486 Schüler des Nürnberger Malers Michael Wohlgemuth (1434-1519) zu werden, einem Schüler des Künstlers Hans Pleidenwurf, der maßgeblich an der Verbreitung des Stils der niederländischen Renaissance in Deutschland beteiligt war. Wohlgemuth besaß eine große Werkstatt, in der vor allem Holzschnitte für Bücher hergestellt wurden, und in diesem Bereich wurde Dürer ausgebildet. In den Werken, die der junge Dürer in dieser Zeit schuf, ist der Einfluss des monumentalen Stils seines Lehrers spürbar, auch wenn sie eher dekorativ sind ) St. John’s Cemetery, Aquarell und Gouache, 1489, Museum Bremen).

Gemälde von Albrecht Dürer

Frühe Kunst

Zu Beginn des Jahres 1490, als seine Lehrzeit endete, verließ Dürer Nürnberg, um seine Erfahrungen zu erweitern. Er war vier Jahre lang unterwegs, aber in Ermangelung verlässlicher Fakten können wir nur spekulieren, wie die Etappen seiner Reise aussahen. Es wird vermutet, dass er Colmar besucht haben könnte, das als Haus von Martin Schongauer (gest. 1491) bekannt ist, und das Gebiet von Frankfurt am Main, wo der geheimnisvolle, aber nicht weniger berühmte „Meister des Hausbuchs“ gearbeitet zu haben scheint. Eine Untersuchung der Dokumente und des Stils der Werke aus dieser Zeit, in denen der Einfluss niederländischer Künstler wie Gertgen tot Sint Jans (ca. 1465-95) und Dirk Botes (1415-1475) erkennbar ist, legt jedoch nahe, dass Dürer in die Niederlande gereist sein muss, wo er Werke in der Tradition von Jan van Eyck (1390-1441) und Rogier van der Weyden (1400-1464) studierte.

Im März 1492 folgte Dürer seinen Spuren und besuchte Colmar. Martin Schongauer war im Jahr zuvor gestorben, aber seine drei Brüder hatten Dürer kennengelernt und ihn mit seinem vierten Bruder Georg bekannt gemacht, der in Basel lebte. Dort, durch seine Bekanntschaft mit dem berühmten Verleger Anton Koberger, Dürer erhalten Zugang zu humanistischen Kreisen, wo er willkommen war, und befreundet Johann Amerbach.

In diesen Jahren konzentrierte sich Dürer vor allem auf Grafiken : Zeichnungen und Pläne für Holzschnitte, wobei er den Einfluss Schongauers und die schöpferische Freiheit des Meisters des Hausbuchs verband. Die Buchillustration mit dem Titel „Der heilige Hieronymus pflegt einen Löwen“ (1492), die in einer Ausgabe der Briefe des heiligen Hieronymus erschien, ist der einzige dokumentierte Druck aus dieser Zeit, Dürer ist jedoch als Illustrator mehrerer anderer Werke anerkannt, wie z. B. „Das Narrenschiff“ von Bergmann von Olpe, und es ist bekannt, dass er Entwürfe für eine Ausgabe der Werke von Terentius von Amerbach geschaffen hat, obwohl nur wenige tatsächlich verwendet wurden. In diese Zeit fällt auch Dürers erstes gemaltes „Selbstbildnis“ (1492, Louvre, Paris), ein Meisterwerk der Introspektion.

Die norddeutsche Malerei des späten 15. Jahrhunderts wird durch das Werk der Kölner Schule veranschaulicht, die um die Jahrhundertmitte unter Stephan Lochner (um 1410-51) ihren Höhepunkt erreicht.

Besuch in Venedig

Im Jahr 1493 war Dürer in Straßburg. In 1494 kehrte er wieder nach Nürnberg, wo er heiratete Agnes, Tochter des Adligen Hans Frey. Möglicherweise war es eine Vernunftehe, denn seinen Porträts fehlt es an Wärme, und sie hatten keine Kinder. Kurz nach der Hochzeit reiste Dürer nach Venedig, und diese Reise hatte einen ganz besonderen Einfluss auf den jungen Mann.

Für die meisten Zeitgenossen Dürers galten Antwerpen, Brügge und Gent noch als die lebendigen Quellen der Kunst, und die Renaissance wurde als eine ausschließlich italienische Bewegung angesehen, die den deutschen Künstlern nur eine Auswahl dekorativer Motive aus der Antike bot. Doch Dürer sah in Italien eine echte Erneuerung der Ästhetik und des schöpferischen Denkens, und er machte sich mit Begeisterung daran, die venezianische Malerei zu studieren, Kopieren Andrea Mantegna (1430-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonio Pollaiuolo (1432-1498), Lorenzo di Credi (1458-1537) und Vittore Carpaccio (ca. 1465-1525 /6), wobei sie sich allmählich die neue Sprache der Renaissance aneignen, insbesondere im Bereich der linearen Perspektive und der Behandlung der weiblichen Akte.

Während sein Interesse an der Kunsttheorie wuchs, entwickelte er auch eine starke Neugierde an der Natur, die viele seiner Werke beeinflusste. So schuf er während seiner Rückkehr nach Deutschland mehrere Beispiele von Landschaftsmalerei, die Ansichten der Landschaften wiedergeben, durch die er reiste, wie Wehlschpirg (1495, Oxford, Ashmolean Museum), Teich im Wald (1495, British Museum) und Ansicht von Arco (1495, Louvre). (Anmerkung: siehe auch Donauschule der Landschaftsmalerei, von der Dürer gewusst haben muss und die gerade (um 1490) im Donautal in Süddeutschland entstand). Dieses Aquarell, das durch seine Modernität, Konsequenz und ausdrucksstarke Farbgebung besticht, steht im Gegensatz zu seiner eher traditionellen Herangehensweise an die Natur, die sich in Studien wie „Krabbe“ (c. 1495, Rotterdam, B.V.B.), Junger Hase (1502, Albertina, Wien) und Großes Rasenstück (1503, Albertina, Wien).

Dürers Kupferstiche

Ausgereifte Gemälde und Stiche

1495 war Dürer nach Nürnberg zurückgekehrt und dank der finanziellen Unterstützung Friedrichs des Weisen begann eine Zeit intensiver Tätigkeit. Im Alter von 30 Jahren (1501) hatte Dürer die meisten seiner drei berühmtesten Holzschnitte ) Apokalypse, Passionszyklus und Leben der Jungfrau) vollendet und beherrschte den Umgang mit dem Meißel zur Herstellung von Stichen, und schuf so bemerkenswerte Werke wie Nemesis (1502), Sea Monster (1498) und St Eustace (1501).

Auf stilistischer Ebene gelang es ihm, die in Italien erlernten Lektionen mit denen der deutsch-flämischen Tradition zu verschmelzen. Darüber hinaus zeigt er in der Ikonographie einen kirchlichen Geschmack und schafft humanistische Porträts und Werke zu zahlreichen biblischen Themen sowie philosophische Allegorien, Genreszenen und Naturdarstellungen.

Neben einer herausragenden Serie von Stichen, darunter der Zyklus „Apokalypse“, der zu den bemerkenswerten Schöpfungen der deutschen Kunst gehört, schuf er um 1500 ein Dutzend Gemälde. Ein Polyptychon eines von Friedrich dem Weisen in Auftrag gegebenen Altarbildes wurde von Dürer konzipiert, aber tatsächlich von seinen Assistenten ausgeführt („Die sieben Schmerzen“, 1496, Dresden, und „Mutter Dolorosa“, 1496, Alte Pinakothek, München); das zweite, das heute als „Wittenberger Altarbild“ (1496-7, Dresden) bekannt ist, war sein ganz eigenes Werk.

Für Die das Kind anbetende Jungfrau nahm Dürer Anleihen bei flämischen Naturen, während die Präzision der Modellierung, das Stillleben im Vordergrund und die vereinfachte architektonische Perspektive des Hintergrunds auf Francesco Squarcione oder Mantegna hinweisen. Die gesamte Komposition mit ihrer präzisen Zeichnung und den gedämpften Tönen hat eine Atmosphäre feierlicher Frömmigkeit, die der Pietà von Giovanni Bellini nahe kommt. Die Seitentafeln ) St. Antonius und St. Sebastian), die später (um 1504) gemalt wurden, sind stilistisch offener, und ihr Realismus und die Fleischlichkeit der Putten kontrastieren mit der Spiritualität der zentralen Tafel.

Neben diesen Altarbildern malte Dürer „Friedrich den Weisen“ (1496, Berlin-Dahlem). In diesem Werk werden alle dekorativen Elemente zugunsten einer psychologischen Fokussierung aufgegeben, wobei die formale Leere die einzige Möglichkeit ist, die innere Spannung des Dargestellten auszudrücken. Im Vergleich zu diesem virtuosen Werk zeigt das spätere „Bildnis des Oswald Krell“ (1499, Alte Pinakothek, München) einige Rückschritte. Zur gleichen Zeit malte Dürer mehrere andere Porträts (u. a. Katharina Furlegerin und seinen Vater), die uns nur aus Kopien bekannt sind, sowie „Madonna von Ailer“ (um 1497, National Gallery of Art, Washington) in der Art von Giovanni Bellinis „Madonna“.

Fünf Jahre nach seinem Selbstbildnis im Louvre kehrte er mit dem Selbstbildnis (1498), das heute im Prado hängt, zu diesem Genre zurück, und in der hochmütigen Haltung und der sorgfältigen Organisation von Pose und Dekoration kann man den Weg erkennen, den der junge Zeichner zurückgelegt hatte, der bereits im Alter von 27 Jahren begann, als der größte Künstler seiner Generation bezeichnet zu werden.

Das Selbstbildnis mit Pelzkragen, das zwei Jahre später entstand (1500, Alte Pinakothek, München), ist noch viel beunruhigender. Hier stellt sich Dürer als eine Art Christus dar, der aus der Dunkelheit aufsteigt, mit langem, goldenem Haar, das in Venedig Sarkasmus hervorrief, das symmetrisch über seine Schultern fällt. Assoziierte er sein künstlerisches Genie mit dem göttlichen Schöpfergenie, war es eine Glaubensbekundung an die Monumentalität der Renaissance oder eine Behauptung seiner eigenen Herrlichkeit? Das Problem bleibt ungelöst.

Das letzte Werk der triumphalen Jugendzeit ist „Die Klage“ (1500, Alte Pinakothek, München). Dieses Werk, das sich durch den strengen Ernst seines ehemaligen Lehrers Michael Wolgemuth auszeichnet, überwindet archaische Elemente und zeigt über dem Körper des toten Christus und anderen Figuren eine ideale Ansicht von Jerusalem.

Zweiter Besuch in Italien

In dieser Zeit und besonders nach 1500 wuchs Dürers Interesse an der wissenschaftlichen Kunsttheorie. Sein erster Besuch in Italien hatte ihm gezeigt, dass wahre Kunst war unmöglich, ohne theoretische Kenntnisse; seine Begegnung mit Jacopo de Barbari (aktiv 1497-1516) und seine Entdeckung von Leonardo’s Zeichnungen in 1503 weiter bestätigt. In dieser Geisteshaltung malte er das berühmte Paumgartner-Altarbild (1502-4, Alte Pinakothek, München). Die Mitteltafel stellt die Geburt Christi dar, die im traditionellen gotischen Stil ausgeführt ist, doch führte Dürer zum ersten Mal ein strenges perspektivisches Schema ein. Dementsprechend sind die strengen Seitentafeln, die Porträts von Lucas und Stephan Paumgarmer als St. Georg und St. Eustachius, das Ergebnis einer sorgfältigen Studie der Proportionen.

Noch bemerkenswerter ist die Anbetung der Heiligen Drei Könige (1504, Uffizien, Florenz), deren Perspektive und Proportionen mit tadelloser Präzision ausgeführt sind, und deren Flugrichtung diagonal angesetzt ist, was die spätere Barockkunst vorwegnimmt . Durch eine raffinierte Anordnung der Kontraste und einen natürlichen Dialog zwischen den Figuren und ihrer Umgebung geht Dürer über die mystische Wärme hinaus, von der die „Klagelieder 1500“ und der Paumgartner Altar durchdrungen sind, und gelangt zu einer Synthese von überzeugender Klarheit, die an Leonardo da Vinci (1452-1519) erinnert.

Im Herbst 1505 kehrte Dürer nach Venedig zurück, zum Teil, um der in Nürnberg ausgebrochenen Pest zu entgehen, aber auch, weil er das dringende Bedürfnis verspürte, seine Technik der Arbeit mit Farbe in der größten Stadt der schönen Künste, oder, wie die Venezianer es nannten, colorito zu verbessern. Sein Ruhm als Meister der Zeichnung und des Kupferstichs eilte ihm voraus, und er wurde sowohl in kulturellen als auch in politischen Kreisen mit Ehren empfangen. Die Künstler der Stadt - mit Ausnahme des großen Giovanni Bellini - betrachteten ihn jedoch mit ausgeprägtem Neid und sogar Feindseligkeit.

Die Jahre 1506-1510 waren für Dürer eine Zeit der intensiven Konzentration auf die bildende Kunst . Zunächst stürzte er sich kopfüber in seinen ersten venezianischen Auftrag: „Rosenkranzfest“ („Fest der Rosengirlanden“) (1506, Volksgalerie, Prag) für die Kirche des Deutschen Viertels, ein Werk, das zweifellos ein Meilenstein in seiner Karriere ist. Die gesamte Komposition geht auf den traditionellen Typus „des Heiligen Gesprächs“ zurück, der von Bellini bevorzugt wurde, doch anstelle der feierlichen und meditativen Aspekte ersetzte Dürer sie durch eine Atmosphäre des Überschwangs, die sich um eine zentrale Pyramide - die Jungfrau, den Papst und den Kaiser - gruppiert und durch die zarte Landschaft, die sich im Hintergrund auftut, vorzüglich ausgeglichen wird. Es ist nicht so sehr die Struktur, sondern die Farbe, die dem Gemälde seinen überragenden Sinn für Ordnung verleiht. Mit subtilen, leuchtenden Strichen gelingt es ihr, den tiefen Geist und die Farbe der venezianischen Renaissance mit der Lyrik der internationalen Gotik der deutschen Maler des 15. Jahrhunderts zu verbinden.

Neben diesem Meisterwerk verdienen auch andere Werke Aufmerksamkeit: „Unsere Liebe Frau mit dem Zeisig“ (1506, Berlin-Dahlem), das zeigt, welche Bedeutung Dürer dem Problem der Farbe beimaß; „Christus unter Ärzten“ (1506, Lugano, Sammlung Thyssen), ein Kontrast zwischen der jugendlichen Schönheit Christi und dem senilen Charakter der Ärzte; die unvollendete „Junge Venezianerin“ (1505, K. M. Wien), das in seiner Zartheit und tonalen Wärme an Carpaccio erinnert; und schließlich Weibliches Porträt (um 1507, Berlin-Dahlem), zart modelliert vor blauem Hintergrund.

Sowohl technisch als auch ästhetisch war Dürers zweiter Aufenthalt in Venedig von großer Bedeutung. Nachdem er die unabhängige Kraft der Farbe und seine eigene Ausdruckskraft entdeckt hatte, versuchte Dürer, die Farbtheorie in die Praxis umzusetzen und gleichzeitig mit Hilfe von Euklid, Vitruv und zahlreichen Studien der menschlichen Anatomie sein wissenschaftliches und mathematisches Verständnis der italienischen Renaissancekunst zu verbessern. Seine Studien gipfelten in dem Gemälde „Adam und Eva“ (1507, Prado, Madrid), das in seiner höchsten Harmonie als Dürers Synthese der idealen Schönheit gelten kann.

Spätwerke (Altarbilder, Holzschnitte) (1508-26)

Nach seiner Rückkehr nach Nürnberg schuf Dürer das als „Martyrium der Zehntausend“ bekannte Altarbild (1508, Kunsthistorisches Museum, Wien), danach malte er Anbetung der Heiligen Dreifaltigkeit (1511, K. M. Wien). Beide Werke basieren auf der Vervielfältigung von Figuren und, besonders in Die Heilige Dreifaltigkeit, auf der sphärischen kopernikanischen Raumvorstellung, die ihnen einen gewissen visionären Charakter verleiht, Albrecht Altdorfer (1480-1538), Jacopo Tintoretto (1518-1594), Pieter Bruegel der Ältere (1525-1569) und die nachfolgenden Meister der Barockmalerei vorwegnehmen. Sie stellen jedoch keine nennenswerte Etappe in Dürers Entwicklung dar.

Sobald er das einflussreiche Klima Venedigs hinter sich gelassen hatte, zeigte er die Tendenz, zum grafischen Stil seiner frühen Karriere zurückzukehren, und seine Farben verloren etwas von ihrer Helligkeit und Subtilität. Wie dem auch sei, nach 1510 konzentrierte er sich auf Holzschnitte und Drucke und beklagte sich, dass die Gemälde nicht genug Geld einbrachten, um den Zeitaufwand zu rechtfertigen. Es ist unwahrscheinlich, dass Dürer die Holzblöcke für seine Stiche selbst herstellte, wahrscheinlich wurde ein erfahrener Schreiner damit betraut. Dürer zeichnete seine Skizze entweder direkt auf den Block oder klebte eine Papierzeichnung darauf, die der Schreiner dann verwenden konnte. In der Radierung schuf er Versionen von Passion, Leben der Jungfrau, und dann seine Meisterwerke: Ritter, Tod und Detail (1513), Der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer (1514) und Melancholie (1514).

Im Jahr 1512 hatte Dürer einen neuen Gönner, den Heiligen Römischen Kaiser Maximilian I., der ihn zum offiziellen Hofmaler ernannte, und der Rat von Nürnberg betraute ihn mit häufigen diplomatischen Missionen. Im Jahr 1518 nahm er am Augsburger Reichstag teil, wo er eine Reihe von Porträts wie Maximilian I. (1519, C.M. Wien) anfertigte. Religiöse Malerei „St. Anna, die Jungfrau und das Kind“ (1519, Metropolitan Museum of Art, New York) ist das herausragende Werk dieser Periode, in der nur wenige Gemälde entstanden sind. Es zeichnet sich durch eine zarte Komposition in sanften Weißtönen aus und weist auf eine weitere Bewegung in Richtung Manierismus hin, die bereits im dekorativen Stil „von St. Philip und St. James“ (1516, Uffizien, Florenz) deutlich wird.

1520, nach dem Tod seines Gönners, reiste Dürer an den Hof von Karl V., Maximilians Nachfolger als Kaiser, um sich dort niederzulassen. Er nahm einen großen Vorrat an Stichen mit und führte genau Buch darüber, an wen und für wie viel er sie verkaufte. Er blieb fast ein Jahr lang in den Niederlanden und lernte Erasmus (1469-1536), den größten Gelehrten der nördlichen Renaissance, sowie die Künstler Quentin Massis (1466-1530), Joachim Patenier (gest. 1524), Lucas van Leyden und Van Orly kennen. Er studierte auch die Werke mehrerer flämischer Meister, wie Van Eyck in Gent und Hugo van der Goes in Brüssel. Seine schöpferische Tätigkeit erlahmt jedoch allmählich. Im Juli 1521 kehrte er nach Hause zurück, nachdem er sich eine nicht näher bezeichnete Krankheit zugezogen hatte, die ihn und das Tempo seiner Arbeit für den Rest seines Lebens beeinträchtigen sollte.

In seiner „Vision eines Traums“ (1525, Aquarell, Kunsthistorisches Museum, Wien) wird das Menschengeschlecht als von einer zweiten Sintflut zerstört dargestellt. Sein letztes monumentales Werk, „Die vier Apostel“ (1526, München), das er für das Nürnberger Rathaus in Auftrag gab, ist eine Art Testament. Die vier Figuren stellen einen Menschen, sein Alter und seine Stimmung dar: auf dem linken Fensterladen der junge, sanguinische Johannes und der phlegmatische, vom Alter gezeichnete Petrus; auf dem rechten Fensterladen der feurige Markus und der unerschütterliche Paulus.

Werke

Um 1512-13 begann Dürer mit der Arbeit an einer Reihe von theoretischen Abhandlungen, die er in den letzten Jahren seines Lebens fertigstellte. Dazu gehören Abhandlung über die Messung (1525), Abhandlung über die Befestigung (1527), und vier Bücher über Proportionen des menschlichen Körpers, veröffentlicht sechs Monate nach seinem Tod. Diese Bücher, die in ihrer Bedeutung mit Luthers Bibel vergleichbar sind, waren als Teil einer Enzyklopädie der Kunst gedacht, die „Nahrung für Künstlerlehrlinge“ heißen sollte.

Dürer, einer der berühmtesten deutschen Künstler, starb 1528 in Nürnberg im relativ jungen Alter von 56 Jahren. Er hinterließ vor allem Kupferstiche und inspirierte andere Künstler auf diesem Gebiet, wie seinen Schüler Hans Baldung Grin (1484-1545), sowie Tizian (1477-1576), Albrecht Altdorfer (1480-1538) und Parmigianino (1503-1540).

Viele von Dürers Werken sind in der Alten Pinakothek in München und in den besten Kunstmuseen der Welt zu sehen.