Schmuckkunst: Geschichte, Techniken der Goldschmiedekunst 1 773 Automatische übersetzen Originaltextautor - Neil Cоllins

Inhalt

Die Goldschmiedekunst
Ein Metallarbeiter, der sich spezialisiert hat
in der Herstellung von Gold und Edel
Metalle ist als Goldschmied bekannt.
Traditionell haben Goldschmiede
arbeitete auch mit Silber, Platin,
Legierungen wie Bronze, Kupfer, Blei,
und Eisen sowie Edelsteine.
Goldschmieden beinhaltet Ablage,
Löten, Sägen, Gießen,
Schmelzen, Polieren einer Reihe von
Edelmetalle, Fähigkeiten, die
früher erworben durch
Lehrlingsausbildung in Werkstätten
geführt von praktizierenden Goldschmieden.
Heute trainieren viele Studenten in
Jewellery Arts Schools gewidmet
zum Goldschmieden und kostbar
Metal Arts Herstellung. Andere
führende Kunsthochschulen wie die
L’Ecole des Arts Decoratifs in
Paris spielt auch eine wichtige Rolle
pädagogische Rolle. Berühmt
Goldschmiede sind: Lorenzo
Ghiberti, Sandro Botticelli,
Luca Della Robbia, Antonio
Pollaiuolo, Del Verrocchio,
Benvenuto Cellini, Posier,
Nicholas Hilliard, René Lalique,
Gustav und Peter Carl Fabergé.

Einführung

In Erwägung gezogen um dekorative Kunst Schmuck ist eine der ältesten Kategorien von Edelsteinen Metallarbeiten . Es gibt viele verschiedene Arten von Schmuck, darunter: Kronen, Diademe, Halsketten, Ohrringe, Amulette, Armbänder, Ringe, Nieten, Broschen, Taschenlampen, Ketten, Krawattennadeln, Hutnadeln, Haarnadeln, Gürtel- und Schuhschnallen, Fußkettchen und Zehenringe. Schmuck wird von Goldschmieden sowie von anderen Meistern wie Silberschmieden, Gemmologen, Diamantschleifern und Lapidaren hergestellt Ästhetik und den Wert seiner Bestandteile, zu denen normalerweise Gold oder Silber sowie eine Vielzahl von Edelsteinen und Halbedelsteinen gehören. Solche dekorativen Verzierungen wurden zum ersten Mal in prähistorischer Zeit angefertigt – wie Höhlenmalereien belegen, in denen Figuren mit Halsketten und Armbändern dargestellt sind – und sind seitdem zu einem festen Bestandteil der meisten Kulturen im Laufe der Jahrhunderte geworden. Eine wichtige Art von Ägyptische Kunst sowie die mehr nomadischen Keltische Kultur , Schmuck war ein Merkmal der byzantinischen Kunst im mittelalterlichen Kiew, Afrikanische Kunst auf dem ganzen dunklen Kontinent, Ozeanische Kunst über den Pazifik und sowohl die aztekische als auch die Inkakultur in Amerika. In der Tat, wie Schmuck Körperbemalung und gesichtsmalerei – war ein grundlegendes Element von Stammeskunst seit Jahrtausenden. Juwelen wurden auch verwendet, um Waffen sowie zeremonielle und religiöse Gegenstände zu schmücken. In der Ära der modernen Kunst mögen Bewegungen Jugendstil und das spätere Art Deco inspirierte neue Sortimente dekorativer Juwelen, während sich eine Reihe berühmter Künstler mit Schmuck beschäftigten Design darunter Picasso, der Bildhauer Alexander Calder, die Surrealisten Meret Oppenheim und Salvador Dali sowie die Assemblage-Künstlerin Louise Nevelson. Zu den bekanntesten Schmuckherstellern zählen Fabergé aus Russland, Tiffany & Co aus New York sowie René Lalique und Cartier aus Paris.

Schmuckmaterialien

Eines der teuersten Arten von Kunst Zu den Grundbestandteilen von Schmuck gehören Metallblech, Metallguss in einer Form und Draht. Das am häufigsten verwendete Metall ist Gold aufgrund seiner Formbarkeit, Duktilität, Farbe und seines Werts. Goldbleche können geprägt oder zu dekorativen Formen gepresst oder durchbohrt werden, während Golddraht häufig zum Verbinden von Juwelen oder zur Herstellung von Ketten verwendet wird. Zu den kostengünstigeren Edelmetallen für die Schmuckherstellung zählen Silber und Platin sowie Legierungen wie Bronze und Nichtedelmetalle wie Kupfer und Stahl.

Andere in der Schmuckherstellung verwendete Materialien sind neben Metallen auch Edelsteine ​​und Halbedelsteine. Diamanten sind traditionell die begehrtesten Edelsteine ​​und variieren in ihrer Farbe von gelb bis bläulich weiß. Weitere Edelsteine ​​sind Rubine (rot), Smaragde (grün) und Saphire (blau) sowie kostengünstiger Chrysoberyl (gelb / grün) Topas (gelb / blau) und Zirkon (braun / durchscheinend). Perlen, die eher tierischen als mineralischen Ursprungs sind, gelten ebenfalls als Edelsteine. Beliebte Halbedelsteine, die von Schmuckdesignern verwendet werden, sind: Amethyst (violett / lila), Granat (tiefrot), Opal (milchig weiß), Aquamarin (bläulich / grün), Jade (grün), Lapislazuli (blau), Malachit (hellgrün). Ein weiteres wichtiges Material zur Herstellung von Beschichtungen ist geschmolzenes Glas oder Email.

Alle diese Komponenten werden mithilfe von Techniken, die mit Hilfe von Werkzeugen ausgeführt werden, in die gewünschte Form gebracht.

Schmucktechniken

Die häufigsten Metallbearbeitungstechniken, die von Goldschmieden, Silberschmieden und Lapidaren zur Herstellung von Schmuck verwendet werden, umfassen Gießen, Schneiden, Schweißen oder Löten und Kaltfügen (die Verwendung von Klammern und Nieten zum Zusammenfügen von Teilen). Fortgeschrittenere dekorative Techniken umfassen Prägen, Repoussieren, Gravieren, Emailarbeiten (Typen umfassen Champlevé, Cloisonné, Basse Taille, Plique-à-Jour), Granulieren und filigrane Dekoration. Wenn es um das Steinschneiden geht, können Edelsteine ​​geschnitten werden, um selbst eingeschnittene / gravierte Motive auf den Steinen zu erzeugen, oder sie können geschnitten werden (aus bunten Steinen wie Onyx oder Achat), um Kameen herzustellen.

Prägung

Dies ist ein Prozess, der verwendet wird, um erhabene oder versunkene Designs in einem Metallblech zu erstellen. Eine beliebte Art der Prägung ist Repoussé – eine Technik, bei der ein formbares Metallblech durch Hämmern von der Rückseite geformt wird, um ein Design mit niedrigem Relief zu erzeugen. Eine andere verwandte Prägetechnik ist als Chasing bekannt. Dies ist die entgegengesetzte Technik zum Repousse, da beim Repousse auf der Rückseite des Metallblechs ein erhabenes Muster auf der Vorderseite erzeugt wird, beim Chasing auf der Vorderseite des Blechs Muster erzeugt werden, indem die Oberfläche des Metalls abgesenkt wird.

Emaillieren

Die traditionelle Goldschmiedetechnik von emaillieren Das aus der spätrömischen und frühbyzantinischen Kunst stammende Metall wird mit Glasemail (Porzellanemail) beschichtet, einem Material aus geschmolzenem Glas, das zu einer glatten, dauerhaften Beschichtung aushärtet. Emaille kann transparent, undurchsichtig oder durchscheinend sein, während dem geschmolzenen Glas eine breite Palette verschiedener Farben und Farbtöne zugesetzt werden kann, indem es mit verschiedenen Mineralien wie den Metalloxiden Kobalt, Eisen, Neodym, Praseodym und anderen vermischt wird.

Champlevé

Benannt nach dem französischen Wort für "Raised Field", Champlevé-Emaillierung ist eine alte Technik, die entwickelt wurde, um Metallschmuck Farbe und Glanz zu verleihen. Dabei werden Tröge in die Oberfläche eines Metallgegenstandes eingelassen, mit Emaille gefüllt und gebrannt. Beim Abkühlen wird die Oberfläche des Objekts poliert, um zusätzlichen Glanz zu erzeugen. Die Methode wurde zuerst von romanischen Goldschmieden für die Verzierung von Tafeln, Schatullen und Gefäßen genutzt, wie das Stavelot-Triptychon zeigt.

Cloisonné

Schwieriger als Champlevé, Cloisonné ist eine andere Art von Emaillierungsprozess. Während Champlevé versunkene Fächer aus dekorativen Emailarbeiten erzeugt, löten Cloisonné-Emailleure flache Metallstreifen (oder Silber- / Golddrähte) auf die Oberfläche des Metallobjekts, wodurch Mini-Wandfächer (auf Französisch Cloisons) erzeugt wurden, die dann mit Email gefüllt und gebrannt wurden.

Basse-Taille

Eine weitere Methode der Emaille-Arbeit ist Cloisonné ähnlich, mit der Ausnahme, dass die Böden der "Fächer" mit einem Flachreliefmuster graviert sind. Die Fächer werden dann mit durchscheinender Emaille gefüllt, damit das Design durch sie hindurch gesehen werden kann. Ein hervorragendes Beispiel für diese Technik ist der französische Royal Gold Cup (14. Jahrhundert) aus der Zeit von Internationale gotische Kunst .

Plique-à-jour

Diese Technik der Goldschmiedekunst ähnelt auch der Cloisonné-Technik, jedoch haben die entstandenen Fächer keinen Hintergrund. (Nach dem Abkühlen des Emails nach dem Brennen wird ein vorübergehender Träger entfernt.) Dadurch kann Licht in der Art von durchsichtigen Emails durch die verwendeten Emails scheinen Glasmalerei . Plique-à-Jour ist eine notorisch schwierige und zeitaufwändige Technik mit einer hohen Ausfallrate.

Niello

Von den Ägyptern erfunden und von den Römern verwendet, ist Niello eine dekorative Technik für Goldschmiede und Silberschmiede, bei der eine schwarze Mischung aus Schwefel, Kupfer, Silber oder Blei als Einlage für auf der Oberfläche eines Metallgegenstands eingravierte Designs dient (typisch) Silber). Objekte, die auf diese Weise dekoriert wurden, werden als Nielli bezeichnet. Die Technik erreichte ihren Höhepunkt in Kunst der Frührenaissance , von dem Florentiner Goldschmied Maso Finiguerra (1426-64).

Geschichte der Schmuckherstellung
Siehe auch Kunstgeschichte

Frühe Geschichte

Obwohl Schmuck während entstanden ist Altsteinzeit Kultur Die ältesten erhaltenen Beispiele sind jene, die aus dem Königsgrab der Königin Pu-abi in Ur in Sumeria aus dem dritten Jahrtausend vor Christus ausgegraben wurden. (Siehe auch: Mesopotamische Kunst und Mesopotamische Skulptur .)

Andere frühe Stücke schließen jene ein, die vom Grab von König Tutankhamun (c.1320 BCE) genommen sind. Juwelen waren ein wichtiges Element in Minoische Kultur und später Griechische Kunst , deren Einfluss und Stile das gesamte östliche Mittelmeer durchdrangen – insbesondere in der Ära von Hellenistische Kultur – inspirierendes Schmuckdesign in Etruskische Kunst (Italienisches Festland) sowie die Schwarzmeerregion. Hellenistische Künstler, die Miniaturentwürfe vollständig beherrschten, wurden wiederum von beeinflusst Alte persische Kunst , nach der Niederlage von Kaiser Darius durch Alexander den Großen.

Als die politische Macht Griechenlands nachließ (300-200 v. Chr.), La Tene keltische Kultur – insbesondere persönliche Schmuckstücke – drangen von Mitteleuropa nach Frankreich, Italien und in die Ukraine vor. Während der Pax Romana verbreitete sich die Verwendung von Juwelen, da Rom ein Zentrum für Goldschmiedewerkstätten wurde. In den römischen Provinzen Westeuropas fand eine Renaissance des keltischen Handwerks statt, beispielhaft dargestellt durch die Petrie Crown – Nach der Repoussé-Methode in der Zeit von 200 bis 100 v Broighter Goldkragen (torc), entstanden im 1. Jahrhundert v.

Keltische Kunst bezieht sich im Allgemeinen auf Werke der alten Kelten, die während der Hallstatt-Kultur (ca. 800–450 v. Chr.) oder der La Tene-Kultur (ca. 450–50 v. Chr.) entstanden sind: später Keltische Metallkunst , einschließlich der schönen Tara-Brosche (Silber vergoldet mit einem gestrickten Silberdraht, verziert mit filigraner keltischer Verflechtung), wird als "Insular Art" aus dem frühen Mittelalter Großbritanniens und Irlands eingestuft. Andere Schmuckstücke aus dieser hiberno-sächsischen Zeit sind die kirchlichen illuminierte Manuskripte und Schätze wie die Sutton Hoo-Gürtelschnalle aus dem 7. Jahrhundert, die für ihre Verbundenheit mit keltischem Schmuck und Mustern bekannt ist. (Siehe auch: Keltische Schmuckkunst .) Für andere Beispiele von Mittelalterliche Handschriftenbeleuchtung Schmuckstücke erfordern, siehe: Romanisch beleuchtete Handschriften (1000-1150) und Gotische Bilderhandschriften (1150-1350).

Während des dunklen Zeitalters in Europa wurde nur sehr wenig Schmuck hergestellt, mit Ausnahme der Gegenstände, die in der Ära von hergestellt wurden Byzantinische Kunst (c.500-1450), zentriert in Konstantinopel. Im Gegensatz zu den Römern und Stämmen wie den Kelten und Franken verwendeten die byzantinischen Designer eher Blattgold als massives Gold und legten größeren Wert auf Steine ​​und Edelsteine. In Kiew erlebten die byzantinischen Goldschmiede in der Zeit von ca. 950 bis 1237 einen Aufschwung in der Schmuckherstellung im Allgemeinen und in der Kunst des Cloisonné und des Niello im Besonderen. Eine große Sammlung von Schmuck und anderen wertvollen Gegenständen ist im Ukrainischen Museum für historische Schätze in Kiew zu sehen.

Eine weitere einflussreiche regionale Schule für romanische Metallarbeiten war die Schule von Mosanische Kunst das im Tal der Maas in Belgien im 11., 12. und 13. Jahrhundert aufgewachsen ist. Im Zentrum des Bistums Lüttich stehen mosanische Goldschmiede Nikolaus von Verdun (c.1156–1232) und Godefroid de Claire (c.1100-73) zeigten eine absolute Beherrschung der Emaillierung, einschließlich Champlevé und Cloisonné .

Zur Zeit der italienischen Renaissance hatte die Schmuckherstellung in Europa den Status eines Kunst .

Die Renaissance (um 1400-1600)

Italien

Der Reichtum an Inspiration welche Renaissance-Kunst die nach dem quattrocento (15. jahrhundert) und anfang des cinquecento (16. jahrhundert) nach europa gebracht wurden, hatten einen tiefgreifenden einfluss auf die kunst des juweliers. Die neue Ästhetik kam aus Italien, der wahren Heimat der Liebe zur Antike. Dies spiegelt sich treu in den Juwelen der Zeit wider; und wenn man sich erinnert, dass die Werkstätten der Goldschmiede die Schulen waren, in denen einige der größten Praktiker der Renaissance-Kunst ihre Ausbildung erhalten haben, ist es leicht, die Schönheit und Qualität der produzierten Juwelen zu erklären.

Lorenzo Ghiberti (1380-1455) hatte seine Karriere als Goldschmied vor dem Ende des 14. Jahrhunderts begonnen; nach ihm kam Sandro Botticelli (1445-1510) Antonio Pollaiuolo (1432-98) Luca Della Robbia (1400-1482) und Andrea del Verrocchio (1435-1488), alle als Goldschmiede ausgebildet. In Deutschland war Albrecht Dürer (1471–1528) der Sohn eines Goldschmieds. So ist es das in der Porträtkunst Juwelen werden heutzutage mit größter Sorgfalt, Zuneigung und Verständnis dargestellt.

Die Mode verbreitete sich von Italien über Europa mit großer Geschwindigkeit, und innerhalb weniger Jahre hatten sich die Hauptthemen der Dekoration vollständig geändert. Nymphen, Satyrn und olympische Göttinnen drangen mit ihrer heidnischen Verführung in Höfe und große Fürstenhäuser ein.

Eingravierte Plaketten nehmen inmitten dieser üppigen Tätigkeit eine herausragende Stellung ein. Ein Maler wie Hans Holbein (1497-1543) und ein Architekt des Kalibers von Jacques Androuet du Cerceau, nicht zu verachten, um Entwürfe für Juwelen zu schaffen; und andere Ornamentkünstler, einige von ihnen auch Goldschmiede, folgten diesem Beispiel. Die Zeichnungen von Virgil Solis (um 1540) aus Nürnberg, von Hans Mielich (um 1570) aus München, von Etienne Delaune (um 1560) aus Frankreich, von Erasmus Hornick (1562) aus Nürnberg zeugen von dessen Existenz könnte man einen internationalen Stil nennen, und tatsächlich gibt es so starke Ähnlichkeiten zwischen Juwelen dieser Zeit, dass es manchmal fast unmöglich ist, ihre Herkunft genau anzugeben. Das Problem wird noch schwieriger, wenn es darum geht, den Goldschmied zu identifizieren, der sie hergestellt hat. In zeitgenössischen Dokumenten werden viele Goldschmiede erwähnt, aber zum größten Teil sind dies für uns nur Namen. In diesem Zusammenhang ist anzumerken, dass kein einziges Juwel eindeutig als das Werk von identifiziert werden kann Benvenuto Cellini (1500-71), gilt heute als der berühmteste Künstler seiner Zeit auf diesem speziellen Gebiet. Wir besitzen nur die Beschreibungen, die der Meister in seinen Schriften und in seiner Autobiografie hinterlassen hat. Diese zeigen, dass Cellini seiner Lavori di Minuteria für Altäre oder fürstliche Tafeln in Gold viel mehr Bedeutung beimaß als Juwelen im eigentlichen Sinne.

Ein Punkt, der in den uns überlieferten Stücken deutlich zum Ausdruck kommt, ist, dass Edelsteine ​​bei der Verwendung von emailliertem Gold eine zusätzliche Rolle spielten. Ansonsten zeigen die Steine ​​nur eine geringe Schnittvielfalt; Farbige Steine ​​werden häufig am Tisch, flach, en cabochon , gerundet, ohne Facetten geschnitten und poliert. Diamanten wurden in der Regel als Pyramiden in Spitzen- , Flachschliff- oder gerundete Dos d’ane (Eselsrücken) geschnitten. Auf diese Weise geschnitten konnten sie kaum das Feuer zeigen, für das sie berühmt sind.

Unter den aus dieser Zeit erhaltenen Schmuckstücken sind die Enseignes , eine Art Medaillon, das von Männern auf dem Hut getragen wird, und die Anhänger, die auf der Brust oder als zentrales Ornament von Ketten und Halsketten getragen wurden, am zahlreichsten. Das Porträt einer unbekannten Frau des großen venezianischen Malers Tintoretto (1518-94) gibt uns eine Vorstellung davon, wie sie getragen wurden.

Der Enseigne, der traditionell von Ghiberti für Cosimo de ’Medici gejagt wurde, scheint später zu sein (Anmerkung: "Chasing" ist eine Art von Emaillierung); Das Interesse an dem Stück besteht hauptsächlich in der sehr skulpturalen Natur des Medaillonzentrums, das Johannes in der Wüste darstellt. Diese Tendenz zeigt sich auch im Bild des hl. Johannes des Evangelisten, in dem die Komposition angesichts der geringen Maße des Stückes im großen Stil ist. Ein anderer Herrscher ist nichts weniger als ein winziges goldenes Basrelief; Die Kampfszene wird mit Geschick und Virtuosität gehandhabt. In einigen anderen Werken nimmt das Email einen größeren Platz ein und bedeckt zum Teil Motive und Figuren, was ein attraktives Farbelement mit sich bringt, aber die feine Qualität der Verfolgung minimiert. Dies ist der Fall bei dem König, von dem behauptet wird, er gehöre Don John von Österreich, der die Bekehrung des hl. Paulus darstellt. Die Fülle der Figuren und die Auswirkungen der Perspektive zeugen von einer gewissen Ungeschicklichkeit des Designs.

Allein schon aufgrund ihrer Form neigen die Herren zur Eintönigkeit, aber die Anhänger zeugen von einem charmanten Erfindungsreichtum. Auf der Rückseite sind Apollo und Daphne inmitten einer Fülle von ineinander verschlungenen Blättern zu sehen, unter denen Sirenen, Jungen und Krieger tanzen und sich umdrehen. Die vielfarbige Kombination verschiedener Emails verleiht dem Stück Fröhlichkeit und auffällige Wirkung. Schmuckdesigner und Goldschmiede erhielten vom Altertum eine Inspirationsquelle, von der beide stark profitierten, aber Juwelen aus der griechischen oder römischen Zeit waren im 16. Jahrhundert praktisch unbekannt und konnten mit Ausnahme von nicht als Vorbild dienen Einige antike, im Mittelalter geschätzte Kameen, die nicht nur mit Eifer gesammelt, sondern auch nachgeahmt wurden.

Die Mode für Cameo-Porträts verbreitete sich schnell. Darüber hinaus boten die Goldschmiede Fürsten und gekrönten Köpfen Darstellungen an, die nicht wie die Kameen graviert worden waren; ein enseigne mit charles v. aus dem jahr 1520, emailliert auf gold, ist ein stück virtuoser technik. Häufiger ist das Profil, wie es auf Medaillen zu finden ist, in Gold auf einem Boden aus hartem Stein ruht; Das von Karl V., das von einer Medaille von Leoni kopiert wurde, hebt sich von einer Blutsteinplatte in einer Hülle aus Lapislazuli ab.

Für unsere modernen Augen erscheinen diese Stücke eher als Sammlerobjekte – und tatsächlich als solche – als Schmuckstücke, die zum Tragen gemacht wurden. Trotzdem fügten sie sich im 16. Jahrhundert perfekt in die prächtige Mode der italienischen Höfe ein.

Das Porträt von Eleanor von Toledo, Gemahlin von Cosimo de ’Medici, von Agnolo Bronzino (1503-72) offenbart einen Geschmack, der, obwohl er zu seiner Zeit streng war, jetzt elegant wirkt. Auf dem prächtigen Brokat des Kleides besteht die Parure [Anmerkung: Eine Parure ist eine Reihe von Juwelen, die zusammen getragen werden sollen] fast ausschließlich aus Perlen, wobei der transparente Schleier über den Schultern eingefasst ist, während zwei Ketten aus sehr großen Perlen den Hals und umschließen über das Mieder fallen. Diese raffinierte, aber kostspielige Einfachheit scheint nicht weit verbreitet gewesen zu sein.

Unter den Anhängern finden sich die verschiedensten und einfallsreichsten Formen. Man sieht oft Anhänger, die Schiffe darstellen, und gegen Ende des 15. Jahrhunderts entwickelte sich ein Geschmack für Anhänger in Form von Buchstaben des Alphabets, im Allgemeinen der Initialen ihres Besitzers. Die Mode erreichte ihren Höhepunkt im 16. Jahrhundert. Die Liste der französischen Kronjuwelen, die während der Zeit von Franz I. erstellt wurde, bezieht sich auf eine Liste in der Form eines „lateinischen A“, das ohne Zweifel Anne von der Bretagne gehört. Heinrich VIII. Besaß auch einige Anhänger dieser Art, auf denen seine Initialen mit denen der jeweiligen Frau des Augenblicks verbunden waren. Diese Stücke sind wahrscheinlich aufgrund ihres sehr persönlichen Charakters größtenteils verschwunden, aber zwei für Anne von Sachsen geschaffene Stücke überleben.

Frankreich

In Frankreich schuf Franz I. 1530 formell die Kronjuwelen durch ein Briefpatent, um einen unveräußerlichen Schatz zu bilden, den jeder König seinen Nachfolgern unversehrt oder vermehrt übergeben musste. Bis zur Revolution wurde das Gesetz mit wenigen Ausnahmen eingehalten. Die im Auftrag von Franz I. erstellte Liste zeigt eine Sammlung, die sich noch im embryonalen Stadium befindet. Die schönsten Stücke stammten von der ersten Frau des Königs, Claude de France, die sie von ihrer Mutter, Anne von der Bretagne, erhalten hatte. Einige wichtige Steine ​​sind besonders hervorzuheben, darunter ein großer Rubin namens Cote de Bretagne, das einzige Stück, das möglicherweise heute im Louvre gefunden wird, obwohl es im 18. Jahrhundert in Form eines Drachen nachgeschnitten wurde.

In der Institution der Kronjuwelen als juristische Person war Franz I. vielleicht von dem Wunsch motiviert, ein sagenhaftes Erbe zu bewahren, aber der wirtschaftliche Faktor kann nicht leichtfertig abgetan werden. Während der Regierungszeit seiner Nachfolger, insbesondere im Hinblick auf die Kosten der Religionskriege, dienten einige Steine ​​als Garantie für Auslandsdarlehen, insbesondere aus Italien. Die Korrespondenz von Catherine de Medicis ermöglicht es uns, die Reisen einiger der schönsten Schätze zu verfolgen, die manchmal für längere Zeit als Sicherheit für florentinische oder venezianische Bankiers hinterlassen wurden. Diese finanziellen Schwierigkeiten wurden durch den Luxusparoxysmus der letzten Valois kaum gemildert. Anlässlich ihrer Hochzeit erhielt die Braut Karls IX., Elisabeth von Österreich, nicht weniger als fünf vollständige Paruren aus Diamanten, Smaragden, Perlen und Rubinen. Clouets Porträt der Königin gibt einen sehr genauen Überblick über ihre Zusammensetzung und die Art und Weise, wie sie getragen wurden. Sie trägt eine Bordüre um ihr angezogenes Haar, um ihren Hals liegt ein Kragen (mit Juwelen besetzter Kragen), und auf den Schultern ruht ein Kragen. Vorne ist der Kragen mit einem Anhänger in der Mitte der Brust eingehakt. Oft war der Gürtel mit Juwelen angereichert und endete in einer langen Kette, die vor dem Rock herunterhing. Die Kette endete normalerweise in einem Juwel, das in den alten Inventaren entweder als Patenotre oder als Bague bezeichnet wurde , ein Wort, das wir als Fingerring ansehen , das aber im 16. Jahrhundert jedes Juwel bedeutete.

Eines der wenigen Juwelen, das in seiner ursprünglichen Fassung erhalten geblieben ist, von dem man mit Sicherheit sagen kann, dass es Franz I. gehörte, ist ein Medaillon, das Leda und den Schwan zeigt. Auf der Rückseite befindet sich die königliche Chiffre FF und das Zeichen eines Salamanders.

Franz I. hatte auch Matteo del Nassarro aus Italien mitgebracht, einen Schnitzer aus feinem Stein, der mehrere Kameen machte, die das Profil des Königs zeigten. Ein großer ovaler Sardonyx von Diane de Poitiers zeigt den Grad an Perfektion, den französische Handwerker auf diesem Gebiet erreicht hatten, obwohl der Autor des Werks unbekannt ist.

England

In England war der Hof Heinrichs VIII. Nicht minder luxuriös als der von Franz I., denn die Konfiszierung der Klöster versorgte ihn mit enormen Gütern, Grundstücken und einer großen Menge Gold und Edelsteinen. Allein aus dem Heiligtum von St. Thomas Becket kamen zwei Kisten voller Schätze, die sechs oder acht Männer kaum tragen konnten.

In den meisten seiner Porträts, zum Beispiel von Hans Holbein, trägt der König ein prächtiges Halsband aus Schmiedegold, das mit Perlen und Rubinen verziert ist – oval und quadratisch abwechselnd -, die zu ihrer Zeit berühmt waren. Sein Hut, seine Ärmel und die Vorderseite seines durchgestrichenen Wamses sind mit riesigen Rubinen verziert, die ähnlich gesetzt sind. Die schönsten Steine ​​der königlichen Sammlungen scheinen für ihn aufbewahrt worden zu sein, trotz der Tatsache, dass seine aufeinanderfolgenden Ehefrauen prächtige Paruren erhielten. Diese Pracht ist verschwunden; Einige einfachere Juwelen seiner Zeit, die noch erhalten sind, weisen jedoch eine beträchtliche Vielfalt im Design auf. Ein Beispiel hierfür sind Pomander, die in der Taille getragen wurden und Aromastoffe enthalten sollen. Nach dem Inventar der um 1500 erbauten Kronjuwelen waren diese Moschusbällchen in Frankreich ebenfalls in Mode. Nicht weniger als fünfundvierzig sind aufgeführt.

Außerdem bestanden einige Paruren fast ausschließlich aus ausgehöhlten Kugeln, die entweder Parfüm in Pastenform oder Ambergris enthielten; Diese parfümierten Ornamente waren in Frankreich sehr beliebt, scheinen jedoch im Mittelalter entstanden zu sein. Sie zeugen von einer Epoche, in der die elementarsten Hygieneregeln im Allgemeinen vernachlässigt wurden.

Buchumschläge wurden seit byzantinischen Zeiten in Gold oder Silber hergestellt Anfertigung von Bilderhandschriften – aber ab der Renaissance sieht man sie in der Taille hängen; einer von ihnen zeigt mit leicht abgenutzter Kunst auf der einen Seite die eherne Schlange und auf der anderen das Urteil Salomos. Biblische Fächer wurden in England sehr geschätzt, obwohl sie nicht auf dieses Land beschränkt waren.

Ein Porträt von Lady Frances Sidney, das in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts gemalt wurde, zeigt, inwieweit man sich mit der Erforschung von Kostümen befassen kann; Die Figur hält einen Zobel, dessen Kopf mit Schmuck gearbeitet ist. Erasmus Hornick von Nürnberg veröffentlichte 1562 einige Muster für Juwelen dieser Art und einige für Fächergriffe, alle reich verziert.

Gegen Anfang des 16. Jahrhunderts wurden die ersten tragbaren Uhren hergestellt; nach den damaligen porträts wurden sie dann meist hängend an der taille getragen. Zuerst nahmen sie nicht die sehr logische runde Form an, die später kam, sondern nahmen eher die Form des Kreuzes, der Miniaturmedaillons oder der Reliquien an; andere wirkten wie ein Memento Mori und beeinflussten die Form eines Todeskopfes. Diese Totenköpfe, gekreuzten Knochen, Liebesknoten, Tränen und andere Verfeinerungen, wie Brantome sie nannte, wurden gleichermaßen für Trauerjuwelen geschätzt. Es gibt einige Stücke, meist englischen Ursprungs, die in Form eines Sarges hergestellt wurden, der sich öffnet und ein in emailliertem Gold gearbeitetes Skelett zeigt. Diese stammen in der Regel aus dem Anfang des 17. Jahrhunderts.

Elizabeth I. von England erscheint in ihren zahlreichen Porträts eher wie ein weit entferntes und kostbares Idol, das mit der doppelten Aura des Zölibats und der Macht verbunden ist. Diese Ähnlichkeiten geben uns eine ziemlich genaue Vorstellung von ihren Kleidern und ihrem Schmuck, auch wenn sie den exquisiten Charme, von dem ihre Zeitgenossen sprachen, nicht überzeugender wiedergeben können, als wenn sie sich auf ihre gepriesene Schönheit bezogen. Hier findet man den Cotiere , die Kette, den Anhänger und zunächst den Carcanet, der in den letzten Jahren des 16. und den ersten Jahren des folgenden Jahrhunderts den riesigen flanschartigen Kragen Platz machte. Von ihrem Vater hatte sie prächtige Rubine und einen großen Saphir geerbt, die sie, wie das Porträt in der Nationalgalerie zeigt, in der Umgebung der Tudor Rose aufbewahrt hatte. Der Stoff des Kleides ist mit Perlen übersät, aber da eine alte Rechnung von 1569 eine Lieferung von fünfhundertzwanzig Perlen an die Königin für einen Penny erwähnt, wissen wir, dass nicht alle königlichen Perlen echt waren. Es scheint ein fester Brauch geworden zu sein, der Königin an jedem Neujahrstag Schmuckgeschenke zu überreichen, und die Höflinge haben diese kostspielige Verpflichtung, die wahrscheinlich eine sinnvolle Investition war, nicht missachtet.

Nicholas Hilliard (1547-1619), der große Meister von Miniatur-Porträtmalerei , war von Elizabeth an ihren Hof angeschlossen worden. Er war ein versierter Goldschmied und ein Enkel der Goldschmiede, und es gehörte zu seiner Pflicht, bei der Durchführung der für den Souverän bestimmten oder von ihr gegebenen Pfarreien zu helfen. Das Heneage-Juwel ist ein Beispiel. Dies wurde Sir Thomas Heneage, dem Schatzmeister im Krieg, als Dankeschön für seine Bemühungen verliehen, Armeen zu erheben, um der Armada zu widerstehen. Auf einem Grund aus durchscheinend blauem Email zeigt die Vorderseite des Schmuckstücks das königliche Profil. Die Rückseite zeigt eine sturmgeworfene Arche mit passenden Inschriften; Wenn das Juwel geöffnet wird, zeigt es eine Miniatur der Königin von Hilliard aus dem Jahr 1580. Die natürliche Neigung besteht darin, anzunehmen, dass das gesamte Juwel die Arbeit von Hilliard ist, und dasselbe von dem Medaillon anzunehmen, das Sir Francis Drake, einem Cameo von a, verliehen wurde Negerkopf mit einer Miniatur der Königin von Hilliard auf der Rückseite.

Zu den kostbarsten Errungenschaften von Elisabeth I. gehörten die Perlen Mariens, der Königin der Schotten, die nach deren Tod billig erworben wurden. Dies ist auf dem Porträt von Elisabeth von Isaac Oliver, einem weiteren der besten Engländer, zu sehen Miniaturmaler .

Kaiser Karl V.

Die Sonne ging niemals unter auf die Gebiete von Karl V., Kaiser von Deutschland, Erzherzog von Österreich, König von Spanien und all seinen Kolonien; Diese Länder profitierten vom Reichtum der Neuen Welt, von den Gold- und Silberlieferungen aus Indien, die Europa gierig verschlang. Die großen deutschen Städte wie Augsburg und gegen Ende des Jahrhunderts Prag hatten einen guten Ruf als Goldschmied, wie man aus der Liste der Juwelen von Claude, der Frau von Franz I., ersehen kann, wo es Erwähnung gibt eines goldenen patenotre "der deutschen Kunstfertigkeit". Trotzdem gehört der Stil dieser Stücke zu den Werkstätten von Florenz und Venedig.

Die von dem niederländischen Goldschmied Jan Vermeyen in Prag gefertigte Kaiserkrone ist vielleicht der Höhepunkt der mitteleuropäischen Goldschmiedearbeit. Es wurde 1602 für Rudolf II. Angefertigt und gehört stilistisch zur Spätrenaissance. Die Pracht des Stückes wird durch die Bedeutung der Steine ​​unterstrichen, mit denen es verziert ist und die eine Vorstellung von den Paruren vermitteln, die jetzt verschwunden sind, aber einst von den prunkvollen Herrschern der Zeit befohlen wurden. Die Krone ist von einem Saphir überragt, und in der Mitte des Stirnbandes befindet sich ein großer roter Stein, der eher granatrot als rubinrot zu sein scheint.

Deutlich unterscheidbare Merkmale lassen sich einer ganzen Gruppe von Juwelen aus der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts zuordnen; Die Seeungeheuer, Drachen und Sirenen, ausgeführt mit großen Barockperlen, die in emailliertem Gold gefasst sind, wiederholen die Zeichnung von Erasmus Hornick, der 1562 erschien. Das Thema hatte großen Erfolg; Sie sind nicht alle von deutscher Handwerkskunst, aber das berühmteste von ihnen, das Canning Juwel, ist es. Der geschnitzte Rubin auf dem Körper und der Rubin auf dem Anhänger müssen hinzugefügt worden sein, während sich das Juwel in Indien befand, von wo Lord Canning es zurückbrachte.

Anhänger in Form von Vögeln fallen ebenfalls in diese Kategorie; einige wurden in Deutschland hergestellt, von denen einer im Stil von Corvinianus Sauer, einem bayerischen Goldschmied am Hofe von Christian IV. von Dänemark, rückseitig emailliert ist, und einige in Spanien aus dem ersten Viertel des 17. Jahrhunderts.

Spanien war im 16. Jahrhundert ein wichtiges Zentrum für Goldschmiede, da es durch die Entdeckung Amerikas mehr als andere Länder bereichert wurde. Ein Medaillon, das einer spanischen Werkstatt zugeschrieben werden kann, zeigt St. George und den Drachen; es soll traditionell Heinrich VIII. gehört haben und gehört zu einer Gruppe von Stücken mit denselben Merkmalen. Die Komposition befindet sich in einem schweren Relief, das mit lebhafter Farbe emailliert ist und mit geriffeltem Gold ringsum ist. Obwohl die Strenge des Kostüms eine Erweiterung der Unabhängigkeit des spanischen Charakters darstellte, hinderte dies die Prinzessinnen des Hofes nicht daran, gewisse französische Moden in Bezug auf Juwelen zu befolgen; Ein Porträt von Elisabeth von Valois, der Frau Philipps II., das um 1560 von Alonzo Sanchez Coello gemalt wurde, zeigt die Königin, die mit einem Karaffe , einem Cotiere , einem Kopfschmuck und einem Gürtel geschmückt ist, der denen ihrer Schwägerin ähnelt Elizabeth, Frau von Charles IX.

Ära des Königs Ludwig XIV. (Regiert 1643-1715)

Renaissance-Goldschmiede waren in erster Linie Jäger und Emailleure; Sogar in den prächtigsten Juwelen sind die Steine ​​von Goldfassungen eingefasst und isoliert, die dazu neigten, einen hohen Stellenwert einzunehmen. Zwischen 1610 und 1620 änderte sich die Herangehensweise an das Juwel, und der Stein wurde zunehmend für seine eigene Schönheit geschätzt. Beim Schneiden waren erhebliche Fortschritte zu verzeichnen, insbesondere bei Diamanten. Aus den letzten Jahren des 16. Jahrhunderts wird in den Inventaren zum ersten Mal erwähnt, dass Facetten geschliffen wurden, das heißt, en rose ; dann hören wir um 1640 vom Schneiden mit sechzehn Flächen. Die Goldschmiedekunst gab dem des Juweliers nach; emaillierte Fassungen wurden auf ein Minimum reduziert, und in den meisten Fällen gerieten Steine ​​mit echtem Wert aus der Mode, obwohl die Rückseite der Juwelen immer noch mit Emaillierung verziert wurde.

Weitere Formen der dekorativen Kunst in Frankreich während der Regierungszeit von Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) und Louis Seize (XVI): Französische Kunstgewerbe (1640–1792), Französische Möbel (1640-1792) und Französische Designer .

Berquen hat in seinem Vorwort zu Les Merveilles des Indes Orientates et Occidentales (1661) die Änderung kommentiert. Der Autor war selbst ein Goldschmied aus Brüssel, der in Madrid gearbeitet hatte und später in Paris berühmt wurde. Er schrieb:

Vor allem sollte vor dem Emaillieren darauf geachtet werden, dass die Farben der Emaille die Steine ​​verbessern und mit ihnen in Einklang bringen können. Diamanten brauchen Schwarz, farbige Steine ​​brauchen Weiß und die Vielfalt der Farben.

Die Kunst des Emaillierens wurde durch die neue, gestiegene Bedeutung der Steine ​​nicht gänzlich abgelöst und erreichte einen bisher unerreichten Grad an Perfektion. Die Emaillierung von Jean Toutin von Chateaudun und Jean Petitot, einem Schweizer, der sowohl in England als auch in Frankreich gearbeitet hat, zeigt eine bemerkenswerte Finesse, insbesondere in den Porträts. Die Champleve-Technik (Emaillieren mit glasartigen Pulvern in in eine Metallbasis geschnittenen Kanälen) erwies sich ebenfalls als erfolgreich. Die äußerst schwierige Technik des E-Mail-Versands scheint nur zwischen 1619 und 1624 von einem oder zwei Handwerkern beschäftigt worden zu sein; es besteht darin, ein Medaillon aus Glas (normalerweise dunkelblau oder grün) zu nehmen und das Muster in niedrige Stiche zu schneiden, um die Dekoration zu formen, floral oder andere; Die Vertiefungen werden dann mit sehr dünner Goldfolie gefüllt, und über diese wird mit verschiedenen Farben Emaille eingelegt, wobei darauf zu achten ist, dass es bei einer Temperatur unter der Glasplatte, die den Träger bildet, verglast wird.

Email überlebte als Schmuck für die Rückseite von Juwelen, und außerdem errang es auf zwei Gebieten, die zum ersten Mal im 16. Jahrhundert auftauchten, einen Siegeszug – Uhren und Miniaturgehäuse. Bei einer französischen Uhr bildet ein großer Cabochonsaphir die Rückseite. Der Deckel besteht aus einem weiteren Saphir, der von kleineren Steinen umgeben ist. Beim Anheben wird ein Innenraum sichtbar, der mit Blumen, verschlungenen Blättern und Vögeln geschmückt ist. Es hat eine duftende Zartheit der Komposition.

Der Blumenschmuck wurde immer naturalistischer und löste die stilisierten Arabesken und Figuren der Renaissance ab. Die Gründung des Botanischen Gartens in Frankreich durch Heinrich IV. Wurde zur Quelle neuer Inspiration für die Künstler dieser Zeit. Unter den zahlreichen Kupferstichsammlungen schlugen das Livre des Fleurs von François Le Febvre und das Livre des Fleurs von Jean Vauquer (um 1680) unzählige Entwürfe zu diesem Thema vor. Die Erbsenschotenform war eines der ersten verwendeten Motive und ist auf der Fassung und Rückseite einer Miniatur zu sehen, die Ludwig XIII. Als Kind zeigt.

Sustermans Porträt von Claudia de ’Medici (1625) zeigt eine Parure, die stark von der Laubmode beeinflusst ist, und zeugt von der Tendenz zum Naturalismus, die sich auf Werke aus reinem Schmuck auswirkte. Das Porträt hat auch insofern ein besonderes Interesse für uns, als es die Fortdauer der Tradition der hohen Sparmaßnahmen zeigt, die von den österreichischen und spanischen Habsburgern initiiert wurde und die den italienischen Hof zu diesem späten Zeitpunkt immer noch betrifft.

Diese Tradition setzte sich auch im 17. Jahrhundert in Madrid fort. Velazquez Gemalte Königin Maria Anna, die Nichte und Frau von Philipp IV., um 1650, eingehüllt in die riesigen, noch immer modischen Röcke, obwohl sie in Frankreich und England etwa zwanzig Jahre zuvor veraltet waren. Ihre Juwelen sind wenige, aber massiv und sehr groß; Sie passen perfekt zu ihrem schwarzen Kleid und ihrer vollen, straffen Frisur, so dass man den Eindruck hat, dass Kleid, Frisur und Juwelen zusammen entworfen wurden, um einen Eindruck von majestätischer Strenge und nüchterner, großartiger Eleganz zu vermitteln.

In England ließ König Karl I. die kostbaren Juwelen seiner Vorgänger im Stich. Die Porträts von Anthony Van Dyck Zeigen Sie ihm, wie er nur eine einzige große, birnenförmige Perle im Ohr trägt, die er der Überlieferung nach auf dem Gerüst trug. Maria II. Schenkte es anschließend dem ersten Earl of Portland, dessen Nachkommen das Juwel noch besitzen.

Der Ring von Henrietta Maria ist ein weiteres Andenken an die Stuarts; es ist mit einem großen Diamanten verziert, der mit ihren Armen und ihrer Chiffre geschnitzt ist. Die Königin besaß auch den Spiegel von Großbritannien, der angeblich Karl dem Kühnen gehörte, der von Nicholas de Sancy gekauft worden war. Nachdem er es Heinrich IV. Erfolglos angeboten hatte, verkaufte de Sancy es schließlich an James I. von England für die gewaltige Summe von 600.000 Ecu.

Henrietta Maria war bald gezwungen, ihre Juwelen zu verpfänden, als sie ihr Königreich verließ, und der Sancy-Diamant war einer der ersten, die gingen. 1647 gehörte es dem Herzog von Epernon und wurde zehn Jahre später schließlich an Kardinal Mazarin verkauft. Ein Brief an ihren damals noch in England lebenden Ehemann zeugt von den Schwierigkeiten, mit denen die Königin konfrontiert war:“Mit größter Schwierigkeit haben wir hier Geld gesammelt; Die Händler sind immer noch nervös. Aus London ist die Nachricht eingegangen, dass ich die Steine ​​heimlich gegen Ihren Willen weggetragen habe und dass es keine angemessene Sicherheit geben würde, wenn man mir Geld leihen würde. Es blieb nichts anderes übrig, als die von Ihnen unterzeichnete Vollmacht vorzuzeigen. „

Mazarin, der allmächtige Kardinal, war ein begeisterter Sammler von Malerei der schönen Kunst kleinformatig Bronzeskulptur , größerer Maßstab Marmorskulptur , Objets d’art , und Juwelen. Er hatte eine bemerkenswerte Reihe von Diamanten zusammengestellt, von denen einige früher der schwedischen Königin Christina gehörten. er erwarb das Set, indem er sie in aufeinanderfolgenden Geschäften erwarb und dabei Mittel einsammelte, die oft kaum ehrlich waren. Auf seinem Sterbebett bat der Kardinal seinen Beichtvater, ihm zu raten, wie er sein Testament erstellen solle, und ihm wurde gesagt, er solle alles, was ihm gehörte, an den König weitergeben, aber zwischen dem, was der König ihm gegeben und dem, was er genommen hatte, unterscheiden für ihn selbst; Der Sterbende antwortete: "In diesem Fall ist es notwendig, alles dem König zu überlassen." Tatsächlich lehnte der König es ab, den gesamten Reichtum Mazarins anzunehmen, aber zu seinem Teil gehörte das Mazarin-Set aus achtzehn Diamanten, das zu einem Teil der Kronjuwelen wurde.

Während des größten Teils seiner Regierungszeit leitete Ludwig XIV. Das, was man am besten als Prestigepolitik bezeichnen kann, und die Wirkung von Edelsteinen lag dem Menschen am Herzen, der gern mit der Sonne verglichen wurde. Die Kronjuwelen, die er im Vertrauen seiner Ahnen erhalten hatte, nahmen jetzt zu; Der König erwarb nacheinander den Guise-Diamanten und den prächtigen blauen Diamanten namens Hope, der von Tavernier aus Indien zurückgebracht worden war. Später, als es während der Revolution gestohlen wurde, erlangte es einen bösartigen Ruf, da alle nachfolgenden Besitzer, einschließlich Hope, tragische Todesfälle erleiden mussten. Der König kaufte auch einen großen Saphir von 132 Karat im Musee d’Histoire Naturelle und der Hortensia-Diamant mit über 20 Karat befindet sich jetzt im Louvre. Der König besaß nicht weniger als vier vollständige Paruren, von denen zwei aus Diamanten bestanden, eine aus Perlen und Diamanten, und eine, die tagsüber getragen wurde, aus Steinen vieler Farben bestand. Zu den wichtigsten gehörten einhundertdreiundzwanzig Knöpfe, dreihundert Knopflöcher, neunzehn Blumenornamente für das Justaucorps, achtundvierzig Knöpfe und sechsundneunzig Knopflöcher für die Weste, zu denen natürlich noch etwas hinzuzufügen ist Hut, Strumpfbänder, Schuhschnallen, Kreuzgürtel, Schwert und das Kreuz des Heiligen Geistes.

Die Königin Marie Therese, die anscheinend kein großes Interesse an Schmuck hatte, und die Prinzessinnen, insbesondere die Kronprinzessin von Bayern und die Herzoginnen von Burgund und Beeren, trugen bei großen Anlässen Steine ​​aus den speziell für die Gelegenheit. Die Herzogin von Burgund wurde von Dangeau anlässlich der Hochzeit des Herzogs von Orleans (1698) wie folgt beschrieben: „Ein Kleid aus silbernem Gewebe mit goldenen Blumen, gemischt mit Farben von Flamme und Grün. Die Parure des Kopfes und der Kleidung bestand aus Diamanten, ebenso wie ihre Halskette, die das schönste der Kronjuwelen enthielt. ’ Dieselbe Prinzessin, die vor dem König Athalie gespielt hatte, musste sich ins Bett legen, weil die Kleider, die sie am Abend zuvor getragen hatte, zu schwer mit Edelsteinen beladen waren.

Der König kaufte weiterhin Juwelen für seine Familie, insbesondere für die Hochzeiten der Prinzessinnen des Blutes. Madame de Montespan erhielt von ihrem königlichen Liebhaber einige großartige Geschenke, darunter eine prächtige Reihe von einundzwanzig Perlen, die vom Marechale d’Estrees gekauft wurden und laut Saint-Simon einen Wert von 500.000 Livres hatten. Als Montespan in Ungnade fiel, gab sie das Juwel dem König zurück, der es der Herzogin von Burgund schenkte, half dem Ex-Favoriten jedoch dabei, Land in Oiron zu erwerben.

Diese Pracht war offensichtlich Anlass für Nachahmung bei den Höflingen, die ihre Paruren ständig der Mode entsprechend wechselten. Das Mercure galant bekräftigt: "Menschen mit Qualität wechseln alle zwei oder drei Jahre die Einstellungen ihrer Juwelen." Porträts zeigen, dass männliche Kleidung so üppig wie weiblich war. Für Männer bestanden die Hauptornamente aus Edelsteinen, die in langen, übertriebenen Knopflöchern mit Brandebourgs oder Fröschen angeordnet waren.

Es dauerte nicht lange, bis sich die Frösche aus Diamanten in weiblicher Kleidung verbreiteten, und der Brandebourg zierte das Oberteil prächtig als Ergänzung zu den Broschen an den Ärmeln und am Rock, zu den Ohrringen und der einzelnen Perlenkette um den Hals groß, dass es den Anschein hat, als hätten die Maler ihre Größe verbindlich übertrieben.

Unter den Entwürfen von Legare findet man Girandolenohrringe, manchmal mit drei oder sogar fünf Tropfen, und Broschen in Schleifenform, die später als Sevignes bekannt wurden, dann aber als Stomachers bezeichnet wurden. Die Assoziation von Bändern und Schleifen mit Juwelen sollte im 18. und sogar im 19. Jahrhundert immer wieder auftauchen. Gelegentlich gruppieren sich diese Bögen zu Colliers en lacs – eine Mode, die bis ins 18. Jahrhundert in England und Spanien sowie in Frankreich populär blieb.

Der Glanz von Versailles breitete sich in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts in ganz Europa aus, mit Ausnahme von Madrid und Wien, die ihre eigenen dominierenden Traditionen strikt beibehalten.

Karl II. Und Jakob II. Nahmen viel mehr französische Mode an als ihr Vater. Die Aufhebung des Edikts von Nantes machte Frankreich für die Protestanten nicht mehr sicher, und London profitierte vom Zustrom hugenottischer Goldschmiede, die dorthin flohen, um Zuflucht zu suchen.

Die Darstellung der Grabfigur von Frances Stuart, Herzogin von Richmond, ist in Wirklichkeit Bergkristall, vermittelt jedoch einen Eindruck von den großartigen Juwelen, die Karl II. Seinen Favoriten schenkte. In einem ausgesprochen ähnlichen Stil haben wir den englischen oder holländischen Anhänger in Bergkristall montiert, mit einer Miniatur von Wilhelm von Oranien auf der Rückseite, die in Emaille in einer Blumenfassung gearbeitet ist und sich auf einem weißen Sockel emailliertes Laub verflochten.

Der königliche Reif von Maria von Modena, der Frau von Jakob II., Wurde von Maria II., Königin Anne, Königin Charlotte, der Frau von Georg III., Und schließlich von Königin Adelaide (1831) für aufeinanderfolgende Krönungen verwendet. Bei jeder Gelegenheit wurde es mit eigens für die Zeremonie geliehenen Steinen wieder montiert, die schließlich wie 1831 aufbewahrt wurden. Die Befestigung scheint jedoch nicht wesentlich verändert worden zu sein und zeigt die Eleganz des 17. Jahrhunderts in ihrer Reinheit der Verarbeitung.

Schmuck aus dem 18. Jahrhundert

Ab dem Beginn des 18. Jahrhunderts wird die Geschichte der Juwelen hauptsächlich zur Geschichte der Edelsteine, deren Schönheit sich aus ihrer Auswahl, ihrem Schliff und der Anordnung der Steine ​​ergibt, aus denen das Juwel besteht. Sie verlieren ihren objektiven Charakter, der im 16. Jahrhundert und etwas weniger im 17. Jahrhundert deutlich wird, und werden zu Schmuckstücken im modernen Sinne, die unbedingt zum Anziehen notwendig sind und den Veränderungen in der Mode stark ausgesetzt sind. und darüber hinaus gibt es eine Unterscheidung zwischen Juwelen für Tages- und Abendkleidung. Diese Idee wurde in den letzten Jahren des 17. Jahrhunderts in den Versammlungen Ludwigs XIV. Verwurzelt. Die tagsüber meist mit farbigen Steinen besetzten Juwelen waren Diamanten und Perlen, die an den mit Kronleuchtern beleuchteten Bällen am besten zur Geltung kamen.

Die Ausbeutung der Minen von Golconda, Indien, begann im 17. Jahrhundert und später der brasilianischen Minen, die schöner, größer, zahlreicher und billiger Diamanten auf den Markt brachten. Der venezianische Peruzzi hatte um 1700 den brillanten Schliff erfunden und diese Entwicklung trug zu den Fortschritten bei, die bereits mit Rosenschliffsteinen erzielt wurden. Von nun an der Juwelier Kunst bestand darin, Edelsteine ​​so zu setzen, dass sie die maximale Wirkung entfalten.

Jean Bourget gibt in seinem Designbuch (1712) nur sehr wenige Designs für Juwelen an, weil er sagt: „Es ist meiner Meinung nach nutzlos, weil sich die Moden ständig ändern und die Designs eher von der Menge und der Größe der Steine ​​abhängen mit denen muss man arbeiten. ’ Auf diesem Gebiet hat Paris mehr denn je die Mode angeführt. Mit der Thronbesteigung der Bourbonen begann auch der spanische Hof, der den Einzelheiten eines durch Etikette festgelegten Kostüms so lange treu blieb, wohl oder übel die französische Toilette zu übernehmen.

Französische Juweliere statteten eine Reihe ausländischer Hauptstädte aus und ließen sich dort manchmal nieder, und im Europa der Aufklärung wurde die französische Mode noch einflussreicher.

Der Lauf des Jahrhunderts sollte verhältnismäßig wenig Variationen in der Mode aufweisen und sehr leichte Montierungen erfordern; Die beliebtesten Motive, die unzähligen Variationen unterliegen, sind der Bogen und die Blumen. Bis zur Mitte des Jahrhunderts wurden solche Entwürfe vom Kunststil des Rokoko beeinflusst , obwohl Juweliere eine eher nüchterne Form des Stils entwickelten und, mit Ausnahme von Italien, Spanien und Portugal, im Allgemeinen dazu neigten, symmetrische Muster beizubehalten.

Die Kronjuwelen Frankreichs stellten die wunderbarste Sammlung der gesamten westlichen Welt dar, zu der der Erwerb des Regenten im Jahre 1717 eine höchste Weihe brachte. Der fragliche Stein mit einem Gewicht von 136 Karat galt damals als der beste bekannte, der in Golconda in der Nähe von Hyderabad in Indien entdeckt und betrügerisch herausgeschmuggelt wurde. Thomas Pitt hatte es 1701 gekauft; es war in London geschnitten und Louis XIV angeboten worden, der es für zu teuer hielt, es zu kaufen. In seinen Memoires rühmt sich Saint-Simon, dass er den Regenten Philippe von Orleans überredet hat, es zu kaufen. In jedem Fall wurde die Angelegenheit nach einigen Verhandlungen mit zwei Millionen Livres geklärt, die in mehreren Raten zu zahlen waren. Der Diamant wurde als Regent-Diamant bekannt, und Ludwig XV. Trug ihn am 21. März 1721 zum ersten Mal.anlässlich des Empfangs der türkischen Botschafter. Es war in einen Bogen aus Perlen und Diamanten gefasst, der an der Schulter seines flammenden Mantels befestigt war, und in seinem Hut trug er den Sancy-Diamanten. Diese beiden Juwelen befinden sich wieder vor und auf dem Gipfel der Krone, die Ronde 1722 zur Krönung des jungen Königs anfertigte. Die Krone wurde erhalten und mit Nachahmungsjuwelen der damaligen Zeit zurückgesetzt; es galt damals als der Höhepunkt der Juwelierkunst, einer der ersten mit offenen Fassungen, die den Steinen volle Transparenz verleihen und so ihre Leuchtkraft betonen. Es zeugt von dem kurzlebigen Geschmack, farbige Steine ​​miteinander zu mischen, bis hin zu der für das 18. Jahrhundert charakteristischen Vermischung feiner Steine ​​mit Halbedelsteinen.Es war in einen Bogen aus Perlen und Diamanten gefasst, der an der Schulter seines flammenden Mantels befestigt war, und in seinem Hut trug er den Sancy-Diamanten. Diese beiden Juwelen befinden sich wieder vor und auf dem Gipfel der Krone, die Ronde 1722 zur Krönung des jungen Königs anfertigte. Die Krone wurde erhalten und mit Nachahmungsjuwelen der damaligen Zeit zurückgesetzt; es galt damals als der Höhepunkt der Juwelierkunst, einer der ersten mit offenen Fassungen, die den Steinen volle Transparenz verleihen und so ihre Leuchtkraft betonen. Es zeugt von dem kurzlebigen Geschmack, farbige Steine ​​miteinander zu mischen, bis hin zu der für das 18. Jahrhundert charakteristischen Vermischung feiner Steine ​​mit Halbedelsteinen.Es war in einen Bogen aus Perlen und Diamanten gefasst, der an der Schulter seines flammenden Mantels befestigt war, und in seinem Hut trug er den Sancy-Diamanten. Diese beiden Juwelen befinden sich wieder vor und auf dem Gipfel der Krone, die Ronde 1722 zur Krönung des jungen Königs anfertigte. Die Krone wurde erhalten und mit Nachahmungsjuwelen der damaligen Zeit zurückgesetzt; es galt damals als der Höhepunkt der Juwelierkunst, einer der ersten mit offenen Fassungen, die den Steinen volle Transparenz verleihen und so ihre Leuchtkraft betonen. Es zeugt von dem kurzlebigen Geschmack, farbige Steine ​​miteinander zu mischen, bis hin zu der für das 18. Jahrhundert charakteristischen Vermischung feiner Steine ​​mit Halbedelsteinen.und auf dem Gipfel der Krone, die Ronde 1722 zur Krönung des jungen Königs errichtete. Die Krone wurde erhalten und mit Nachahmungsjuwelen der damaligen Zeit zurückgesetzt; es galt damals als der Höhepunkt der Juwelierkunst, einer der ersten mit offenen Fassungen, die den Steinen volle Transparenz verleihen und so ihre Leuchtkraft betonen. Es zeugt von dem kurzlebigen Geschmack, farbige Steine ​​miteinander zu mischen, bis hin zu der für das 18. Jahrhundert charakteristischen Vermischung feiner Steine ​​mit Halbedelsteinen.und auf dem Gipfel der Krone, die Ronde 1722 zur Krönung des jungen Königs errichtete. Die Krone wurde erhalten und mit Nachahmungsjuwelen der damaligen Zeit zurückgesetzt; es galt damals als der Höhepunkt der Juwelierkunst, einer der ersten mit offenen Fassungen, die den Steinen volle Transparenz verleihen und so ihre Leuchtkraft betonen. Es zeugt von dem kurzlebigen Geschmack, farbige Steine ​​miteinander zu mischen, bis hin zu der für das 18. Jahrhundert charakteristischen Vermischung feiner Steine ​​mit Halbedelsteinen.Es zeugt von dem kurzlebigen Geschmack, farbige Steine ​​miteinander zu mischen, bis hin zu der für das 18. Jahrhundert charakteristischen Vermischung feiner Steine ​​mit Halbedelsteinen.Es zeugt von dem kurzlebigen Geschmack, farbige Steine ​​miteinander zu mischen, bis hin zu der für das 18. Jahrhundert charakteristischen Vermischung feiner Steine ​​mit Halbedelsteinen.

Das Goldene Vlies, das 1749 für Ludwig XV. Hergestellt wurde, ist ein weiteres luxuriöses Beispiel für diese kühne Vermischung von Farben. Es sollte die farbigen Steine ​​vervollständigen, die der König von Ludwig XIV. Geerbt hatte. heute ist das stück zerbrochen und nur aus der gravur bekannt. Es bestand aus dem Rubin der Côte de Bretagne, der von Guay zu diesem Anlass in Form eines Drachen nachgeschnitten wurde, und dem großen blauen Diamanten, der seitdem kleiner geschnitten wurde und heute als Hope-Diamant bekannt ist. Die beiden sehr großen Steine ​​waren von farbigen Diamanten und Topasen umgeben. In diesem Sinne auch das Medaillon des Heiligen Geistes, das Jacquemin 1757 für den König fertigte. Guay zersägte einen großen Rubin, das Ei von Neapel, in mehrere kleine Stücke und gab ihnen die Form einer von Flammen umgebenen Taube; Dies wurde in Diamanten gesetzt, Einige davon wurden mit getönter Folie eingefärbt, die in die Fassung hinter der Rückseite des Steins eingesetzt wurde. Diese Methode war nicht ungewöhnlich: Im Inventar von Madame de Pompadour werden auch „grün getönte Diamanten“ und „gelbe Diamanten mit Farbunterstützung“ aufgeführt.

Zur Zeit der Hochzeit Ludwigs XV. Wurden die schönsten Diamanten in den Kronjuwelen für Maria Leczinska wieder montiert; Porträts der jungen Königin geben uns einen Eindruck von der Pracht ihrer Paruren. Im Allgemeinen trug sie die Sancy und die Regentin entweder im Haar oder mit Diamanten besetzt in einer Kette, die von einem Band aus schwarzem Samt am Hals festgehalten wurde.

Der Schmuck der großen Angewohnheit umfasste auch Ohrringe, Bauchnabel, die die Vorderseite des Körpers bedeckten, geformt als umgekehrte Dreiecke, vierteilige Gürtel, Schulterknoten, Mantelschlitze, Haken und Augen an den Ärmeln, Armbänder in Paaren, Trousse-Cotes und Die Trousse-Schlange , die die Seiten heraussucht , und der Rockzug , der von den Koffern gehalten wird.

Der Name Marie Antoinette ist für immer mit der Affäre der "Königin" verbunden, einer Kette, die sie eigentlich nie besaß. Es bestand aus sehr großen Steinen, die in Büscheln angeordnet waren und auf deren Brust Girlanden hingen. Die Juweliere Baszanger und Bohmer erhielten den ursprünglichen Befehl, ihn für Madame du Barry auszuführen, aber er war noch nicht abgeschlossen, als Ludwig XV starb. Es wurde daher Marie Antoinette angeboten, die es ablehnte, weil Ludwig XVI es für zu teuer hielt.

In diesem Stadium des Verfahrens betritt ein Intrigant die Szene, die Comtesse de La Motte. Sie gab Kardinal de Rohan, der damals bei der Königin (1784) in Ungnade gefallen war, vor, die Königin wolle sich mit ihm versöhnen und ihm die Verantwortung übertragen, das ihr unbekannte Juwel zu beschaffen. Der Kardinal überreichte die Kette einem Komplizen der Abenteurerin und glaubte, der Mann sei ein besonderer Gesandter von Marie Antoinette. Dieser Mann verschwand mit den Steinen. Natürlich wurde die ganze Angelegenheit offengelegt, und Rohan, der nichts anderes als unglaubliche Naivität zur Last legte, wurde verhaftet, vom Parlament freigesprochen, aber aus dem Gericht verbannt. Die Comtesse de La Motte wurde ausgepeitscht, mit einem glühenden Eisen gebrandmarkt und in das Gefängnis von Salpetriere geworfen, aus dem sie jedoch entkommen konnte.Obwohl ziemlich unschuldig, kam die Königin sehr schlecht aus dem Skandal heraus, und Goethe bezog sich auf die Episode als das Eröffnungskapitel der Französischen Revolution.

Es gibt viele Juwelen, die angeblich Marie Antoinette gehörten, und das, was am ehesten als ihr Eigentum erscheint, ist die Diamantkette, die die Königin 1791 nach Brüssel schickte und die 1798 von der Herzogin von Angouleme wiedergewonnen wurde gehörte dem Grafen von Chambord und Prinzessin Massimo. Es wurde 1937 in London verkauft und nach Indien gebracht, wo es aufgelöst wurde.

Unter den ersten Königen der hannoverschen Dynastie glänzte der englische Hof viel weniger brillant als Versailles. Während des gesamten 18. Jahrhunderts war es üblich, die Steine ​​für Krönungsfeste zu mieten, und sobald die Zeremonie vorüber war, gingen sie zurück zu dem Geschäft, von dem sie nur für einen Moment abgewichen waren. Sie wurden jedoch in großer Zahl angeheuert, wenn man die von Horace Walpole hinterlassene Beschreibung der Krönung Georgs II. Und der Königin Caroline (1727) glauben soll. Ihr Kleid war so mit Juwelen besetzt, so schwer und steif, dass sie nicht mehr niederknien konnte, und ein ganzes System von Riemenscheiben musste den unteren Teil des Rocks hochziehen wie der Vorhang in einem Theater.

Königin Charlotte, die Frau von George III, besaß zahlreiche Juwelen, von denen einige die schönsten waren, die der Nabob von Arcot geschenkt hatte. Ein Porträt von ihr, das um 1762 gemalt wurde, zeigt sie mit einer Halskette aus sehr großen Diamanten und einem vollständig aus Diamanten zusammengesetzten Magen sowie Perlenketten mit Schleifen an der Taille und Schultern und Perlenarmbändern. Diese erfreuten sich großer Beliebtheit und sind auf zahlreichen Porträts zu sehen. Normalerweise werden sie mit Verschlüssen verschlossen, die diamantbesetzte Miniaturen tragen.

Madame de Pompadour besaß Verschlüsse dieses Typs, die Guay auf Sardonyx mit den Profilen Heinrichs IV. Und Ludw