Wie man Skulptur schätzt Automatische übersetzen
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Dieser Essay über Skulptur
Wertschätzung, geschrieben von
unser Herausgeber Neil Collins ist
für Studenten konzipiert
und Kunstschulen als Teil
unserer laufenden Reihe auf
bildende Kunst.
Kunst Wertschätzung
Wie beim Malen, Skulptur ist in erster Linie ein Visuelle Kunst Je mehr wir sehen, desto besser werden unsere Augen mit dem Medium vertraut und desto schneller wird unsere Wertschätzung. Damit Sie lernen (oder den Schülern beibringen), wie Sie das Wunderbare zu schätzen wissen plastische Kunst Auf dieser Website finden Sie Erklärungen zu den meisten wichtigen Schulen von der Steinzeit bis zur Gegenwart. Es enthält Verweise auf die Ästhetik über die Bewegung und wichtige Bildhauer und ihre Werke, gegebenenfalls mit individuellen Erklärungen. Kein pädagogischer Artikel kann sich jedoch mit einem Besuch in einer Skulpturengalerie, einem Garten oder einem Museum vergleichen, in dem Sie durch die Exponate gehen und sie aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten können. Schauen Sie sich also unsere Liste der beste Kunstmuseen . Denn Skulptur ist im Gegensatz zur Malerei eine dreidimensionale Kunst und kann nur im Fleisch richtig wahrgenommen werden.
Wie man Steinzeitskulpturen schätzt
Prähistorische Skulptur taucht erstmals in der Altsteinzeit (bis 10.000 v. Chr.) in Form von zwei primitiven Bildnissen auf: der Basaltfigur, der sogenannten Venus von Berekhat Ram und die Quarzit – Figur, die wir als Venus von Tan-Tan . Beide wurden auf 200.000 v.Chr. Oder früher datiert. Leider sieht keiner sehr naturgetreu aus.
Gleichzeitig mit dem Ersatz des Neandertalers durch anatomisch moderne Menschen wie den Cro-Magnon-Mann blühen ab 40.000 v. Chr. Europaweit Kunstblüten. Die frühesten lebensechten Skulpturen sind die Altsteinzeit Elfenbeinschnitzereien des Schwäbischen Jura – mit Vögeln, Tieren und Menschen, die in den Höhlen von Hohle Fels, Vogelherd und Hohlenstein-Stadel entdeckt wurden. Diese einfachen, aber schönen Werke stammen von 35.000 bis 30.000 v.
Zur gleichen Zeit, eine vielfältige Auswahl an kleinen, fettleibigen, weiblich geformten Skulpturen, bekannt als " Venusfiguren "werden hergestellt, die Archäologen an steinzeitlichen Siedlungsorten in ganz Europa entdeckt haben, von Russland bis Gibraltar. Sie sollen als Fruchtbarkeitssymbole verwendet und aus einer Vielzahl von Materialien wie Mammutknochen, Knochenasche, keramischem Ton und Oolithen geschnitzt worden sein Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art… = 157 & lang = en Diese Venusfiguren aus Kalkstein, Speckstein, Serpentin oder Vulkangestein wurden an Orten in ganz Europa gefunden, von Russland bis Spanien Venus von Hohle Fels [38-33.000 v.Chr.] Ist das früheste Elfenbein schnitzen und die älteste bekannte figurative Skulptur, während die außergewöhnliche Venus von Dolni Vestonice [26.000 v. Chr.] Ist die älteste bekannte Tonskulptur der Welt. Das Außergewöhnlichste ist die relative Ähnlichkeit dieser Figuren.
Aus der Zeit von Neolithische Kunst Das außergewöhnlichste Stück 3D-Kunst ist der Rumäne Terrakotta-Skulptur bekannt als Denker von Cernavoda (ca. 5.000 v. Chr.), eine kleine Figur, die tief in Gedanken versunken ist. Höhepunkte aus der Jungsteinzeit sind der Maikop Goldbulle (ca. 2500 v. Chr.), Eine wunderbare Goldskulptur, die im Nordkaukasus im Wachsausschmelzverfahren hergestellt wurde. und das schillernde tanzende Mädchen von Mohenjo-Daro (ca. 2500 v. Chr.), ein Meisterwerk der frühen Zeit Indische Skulptur aus der harappanischen Kultur der Indus Valley Zivilisation (3.300-1300 v. Chr.).
Hinweis: Techniken von Ägyptische Skulptur waren für viele griechische Bildhauer der Antike und auch später sehr einflussreich Afrikanische Skulptur aus Afrika südlich der Sahara.
Studienfragen / Probleme
Wie man griechische Skulptur schätzt
Griechische Skulptur leicht gemacht umfasst die archaische Periode (ca. 750-500 v. Chr.), die klassische Periode (ca. 5300-323 v. Chr.) und die hellenistische Periode (ca. 323-100 v. Chr.). Zu erklären, wie man die griechische Skulptur bewertet, würde eine ganze Website in Anspruch nehmen. Hier sind einige ausgewählte Kommentare dazu, wie sich diese einzigartige Kunstform entwickelt hat und worauf man daher achten sollte.
Griechische Bildhauer lernten viele der Grundlagen während der geometrischen Ära, obwohl ihre figurativen Statuen ziemlich starr blieben. Figuren wurden typischerweise nackt (der männliche Kouros ) oder halb bekleidet (der weibliche Kore ) dargestellt. Während der Ära von Archaische Skulptur Als sich das Land Einflüssen aus dem Schwarzen Meer, der Levante und Ägypten öffnete, lernten sie, wie sie ihre menschlichen Figuren mit mehr Flüssigkeit und mehr Lebensgefühl versorgen konnten. Darüber hinaus begannen sie, das "archaische Lächeln" zusammen mit einer realistischeren Artikulation des Körpers zu entwickeln. Dann kam ein wirklich außergewöhnlicher Höhepunkt.
Während der Ära von Griechische Klassische Skulptur Vor allem im fünften Jahrhundert v. Chr. erlebte die griechische Skulptur einen beispiellosen kreativen Aufschwung Parthenon (447-422 v. Chr.). Diese klassischen Innovationen prägten die stilistische Entwicklung der Skulptur für die kommenden Jahrtausende. Die Haltung der stehenden Figur wurde subtiler, naturgetreuer und insgesamt viel naturalistischer. Andere Merkmale der klassischen griechischen Statuen sind ein Hauch von höchster Gelassenheit, gepaart mit einem spürbaren dynamischen Gleichgewicht der Bewegung, das ein großes Gefühl von Harmonie und Proportionen erzeugt. Die führenden klassischen Bildhauer des antiken Griechenlands eingeschlossen Polykleitos (5. Jahrhundert v. Chr.), Phidias (488-431) und Myron (Aktiv 480-444).
Während des vierten Jahrhunderts v. Chr., Dem zweiten Teil der klassischen Ära, mögen Bildhauer Praxiteles und Lysippos erweichte die menschliche Form, während er sie mit einer Aura nonchalanter Anmut erfüllte. Die griechischen Götter der Mythologie wurden humanisiert und ihre Bewegungen und Ausdrucksformen eleganter gestaltet. Komposition und Layout wurden komplexer: Gliedmaßen ragen in den Raum des Betrachters hinein, skulpturale Gruppen werden dynamischer angeordnet, Zuschauer können um sie herumgehen und eine Vielzahl von Ansichten erhalten.
In der hellenistischen Ära entwickelten sich zwei grundlegende Stile: der "strenge" Stil, der durch die Venus de Milo (um 100 v.Chr.) oder der dramatischere "Barock" – Stil am Beispiel der Pergamon-Zeus-Altar (c.166-56 v. Chr.) und Laokoon und seine Söhne (150-50 v. Chr.). Weitere Informationen finden Sie in der Pergamene Schule der hellenistischen Skulptur (241-133 v. Chr.). In den meisten Fällen wurden Details mit extremem Realismus wiedergegeben. Bildhauer aus der Hochrenaissance (Michelangelo) und der Barockzeit (Bernini) würden stark beeinflusst Hellenistische griechische Skulptur ebenso wie neoklassizistische Kunstkritiker wie der deutsche Historiker Johann Joachim Winckelmann (1717 & ndash; 68).
Für mehr über professionelle Kritiker wie John Ruskin und andere, siehe: Kunstkritiker: Kritik der bildenden Kunst (Seit 1750).
Griechische Skulpturen zu bewerten
Wie man römische Skulpturen schätzt (ca. 200 v. Chr. – ca. 200 n. Chr.)
Die römischen Künstler ließen sich von ihren griechischen Kollegen sehr einschüchtern und versuchten, sie bei jeder Gelegenheit nachzuahmen. Griechische Meister wurden ermutigt, Griechenland zu verlassen und in Rom zu arbeiten. Sogar so, Römische Skulptur hat seine eigenen Ausdrucksweisen entwickelt. In der Zeit zwischen 200 und 50 v. Chr., Als die republikanische Regierung die Herrschaft ausübte, entwickelten die Künstler in ihren Statuen und Figuren ein besonders "römisches" Aussehen Porträtbüsten – ein Blick von großem moralischen Charakter, begleitet von einem Gefühl der Weisheit und Entschlossenheit. Während der Regierungszeit von Augustus (31 v. Chr. Bis 14 n. Chr.) Trat in der römischen Kunst eine neue Form der Idealisierung auf, die sich in den harmonischen Proportionen der Marmorreliefskulpturen auf dem Dom widerspiegelte Ara Pacis Augustae . Die Marmorstatue des Augustus – die Augustus Prima Porta – ist ein weiteres Beispiel dafür: Die stehende Figur hat die griechische Contrapposto – Haltung (Gewichtsverlagerung) und jugendlichen Idealismus, aber der gepanzerte Brustpanzer und die Umhangdrapierung zeigen einen streng römischen Realismus. In der Tat waren die Bildhauer für die Zeit des Römischen Reiches zwischen Idealismus und Realismus hin und her gerissen, was nach Ansicht vieler Kunsthistoriker der entscheidende ästhetische Kampf der Zeit war. Es sei jedoch darauf hingewiesen, dass der Großteil aller im antiken Rom hergestellten Skulpturen Porträtbüsten des Kaisers waren und dass das Hauptprinzip für fast alle Kunst darin bestand, die Majestät Roms zu preisen. Idealismus mag also eine wichtige theoretische Option gewesen sein, aber in der Praxis herrschte Realismus sowohl in Bezug auf das Motiv als auch in Bezug auf das Medium.
Der vielleicht größte Einzelbeitrag der römischen Bildhauer zur Bildhauerkunst und sicherlich zum Medium des öffentlichen Denkmals war das historische Relief. Trajansäule Nördlich des Forum Romanum gelegen, ist es beispielsweise bekannt für seinen prächtigen, detaillierten Spiralboden Reliefskulptur , der sich 23 Mal um den Schacht des Denkmals windet und den Sieg von Kaiser Trajan in den Dacian-Kriegen erzählt. Der Schacht selbst ist 30 Meter hoch und 4 Meter breit und besteht aus 20 massiven Carrara-Marmorblöcken mit einem Gewicht von jeweils 40 Tonnen. Der Titusbogen ist ein weiteres wunderbares Beispiel für das historische Reliefgenre.
Schließlich wäre keine Anerkennung der römischen Skulptur vollständig, ohne die Rolle der römischen Künstler bei der Replikation der griechischen Originalstatuen zu erwähnen, von denen die meisten verschwunden sind. Ohne diese Kopien Griechische Kunst hätte kaum die gebührende Wertschätzung erhalten, und die italienische Renaissance (und damit auch die Geschichte der westlichen Kunst) wäre ganz anders verlaufen.
Römische Skulpturen zu bewerten
Wie man gotische Skulpturen schätzt (ca. 1150-1300) (bis ca. 1500 Deutschland)
Gotische Kunst war der erste Stil, der die Künste der Skulptur, der Glasmalerei und der Architektur in Einklang brachte – insbesondere in den großen Kathedralen von Chartres, Amiens, Reims und Notre Dame de Paris. Die Solidität der Vorgänger Romanische Kunst wurde durch einen neuen Fokus auf die Linie ersetzt, und Gotics hoch aufragende Bögen und Strebepfeiler ermöglichten die Öffnung von Wänden für beispiellose riesige Fenster mit wunderschön durchscheinenden Bildern, die alles bisher Gesehene weit übertrafen. Und in der Tat die Entwicklung von Gotischer Bruch war untrennbar mit dem Aufkommen neuer Formen verbunden die Architektur . Die Behörden der christlichen Kirche bauten viele Gotische Kathedralen , die alle mit entsprechenden dekoriert werden mussten Christliche Kunst . Äußerlich handelte es sich dabei um skulpturale Reliefs und Säulenstatuen; intern bedeutete es geschnitzte Schriften, Kanzeln, Statuen, Reliefskulpturen). An den Toren und Toren meißelten Bildhauer gemeinsam mit Mitgliedern der Heiligen Familie Gruppen von Aposteln, Propheten und Heiligen. Stilistisch war die figurative gotische Skulptur weicher, realistischer und insgesamt menschlicher als die steife Romanische Skulptur . Zum Beispiel ist der Leib Christi über dem Haupteingang der Kathedrale von Chartres unglaublich geschmeidig und real, was ihn sensibel und verzeihend erscheinen lässt.
Das Hoch Gothic Style Die Bildhauerei begann auch in Frankreich, von wo aus sie nach Italien, Deutschland, in die Niederlande und anderswo ausstrahlte. Die meisten spätgotischen Bildhauer verwendeten einen floriden Stil und widmeten sich nicht architektonischen Skulpturen, sondern privaten Gräbern und Denkmälern. Sehen Sie sich zum Beispiel die Grabskulpturen in der Westminster Abbey an, wo Denkmäler (in Purbeck, Bronze, Alabaster und Freestone) durch Fußböden und Gräber ergänzt werden, die von italienischen Mosaikhandwerkern ausgeführt wurden, die von König Heinrich III. Rekrutiert wurden. Das spätgotische Idiom erhielt einen klassischen Schwerpunkt in Italien, wo Bildhauer griechisch / römische Modelle verwendeten, und einen emotionaleren Schwerpunkt in Deutschland, wo Bildhauer mögen Veit Stoss und Tilman Riemenschneider konzentrierte sich eher auf das Leiden Christi als auf Konventionen der Form (siehe zum Beispiel Rottgen Pieta , 1300, Rheinisches Landesmuseum, Bonn). Bemerkenswert ist auch, dass es den Bildhauern in der Gotik gelungen ist, eine individuelle Anerkennung zu erlangen.
Wichtige gotische Skulptur kann an gesehen werden Kathedrale von Chartres (1194-1250); Kathedrale Notre-Dame von Paris (1163 & ndash; 1345); Kathedrale von Reims (1211-1275); Kathedrale von Amiens (1220-1270); Kathedrale von Burgos, Spanien, begonnen um 1221; Kölner Dom begonnen im Jahr 1248, aber erst 1880 abgeschlossen; sowie die Kathedralen in Santiago de Compostela, Magdeburg, Trier, Straßburg, Freiburg, Naumburg, Canterbury, Salisbury, Exeter, Winchester und Westminster Abbey, unter vielen anderen.
Gotische Skulpturen zu bewerten
Zusätzlich zum Studium der riesigen Menge an architektonischer Domskulptur können auch die folgenden Gegenstände geschätzt werden.
Berühmte gotische Bildhauer
Nicola Pisano (c.1206-1278); Giovanni Pisano (c.1250-1314); Arnolfo di Cambio (c.1240-1310); Giovanni di Balduccio (um 1290–1339); Andrea Pisano (1295–1348); Filippo Calendario (vor 1315-1355); Andre Beauneveu (um 1335-1400); Claus Sluter (c.1340-1406); Veit Stoss (c.1447-1533); Tilman Riemenschneider (1460-1531). Biografien bedeutender gotischer Bildhauer finden Sie unter: Größte Bildhauer .
Wie man die Renaissance-Skulptur schätzt (c.1400-1600)
Renaissance-Kunst insbesondere die Bildhauerei beruhte auf einem neuen Anstieg des Respekts vor der griechischen Kunst. Obwohl überwiegend aus religiösen Werken bestehend, Renaissance-Bildhauer waren stark von einem starken Glauben an den Humanismus und den Adel des Menschen inspiriert. So ist die menschliche Form, insbesondere die Männlicher Akt war ein beliebtes Thema. Um am besten zu schätzen Italienische Renaissance-Skulptur Man sollte sich jedoch bewusst sein, dass viele italienische Künstler stark von der Handwerkskunst, dem Realismus und dem Emotionalismus gotischer Werke beeinflusst waren. Trotzdem erzielten die Bildhauer der Frührenaissance bemerkenswerte Verbesserungen: So versahen sie ihre Statuen mit tieferen Gefühlen (siehe David von Donatello, 1440-3, Museo Nazionale del Bargello, Florenz) und versahen sie mit neuer Energie und neuen Gedanken. Sie waren die Ersten, die das neu einführten Reiterstandbild . Die fünf besten Bildhauer der Frührenaissance, die es zu studieren gilt, sind Jacopo della Quercia (c.1374-1438), Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466), Antonio Pollaiuolo (1432-98) und Andrea del Verrocchio (1435 & ndash; 88). Achten Sie insbesondere auf die Kräftigkeit – auch der Brutalität – von Donatellos Figuren, die ebenfalls ziemlich rau und unrund sind. Aber siehe auch: David von Donatello . Siehe auch Verrocchios Reiterstatue von Bartolomeo Colleoni (1495, Campo di Santi Giovanni und Paolo, Venedig). Der Goldschmied Pollaiuolo war der Erbe von Donatellos drahtigem Expressionismus: siehe zum Beispiel Herakles und Antäus (1470, Museo Nazionale del Bargello, Florenz).
Skulptur während der Hohe Renaissance wurde dominiert und personifiziert von Michelangelo (1475 & ndash; 1564). Nach Ansicht des gelehrten Kunsthistorikers Anthony Blunt sind Michelangelos figurative Werke wie Pieta (1497-9, Petersdom , Rom), David (1501-4, Galleria dell’Accademia, Florenz) und der sterbende Sklave (1513-16, Louvre) besaßen nicht nur eine "übermenschliche Qualität", sondern auch ein "Gefühl der düsteren Unruhe… Tragödie des menschlichen Schicksals. " Michelangelos Marmorstatuen haben eine makellose Schönheit, die seine absolute technische Meisterschaft widerspiegelt. Im Medium des heroischen Männerakts bleibt er der ultimative Künstler. Es ist erwähnenswert, dass er mit 29 Jahren bereits zwei der größten Werke der Welt geschaffen hat Geschichte der Skulptur . Weitere bedeutende Steinmetze der Hochrenaissance sind der Venezianer Jacopo Sansovino (1486-1570) und der Florentiner Baccio Bandinelli (1493-1560). Nördlich der Alpen bedeutende Bildhauer: Hans Multscher (um 1400-67); Giorgio da Sebenico (1410–73); Michel Colombe (um 1430-1512); Gregor Erhart (um 1460-1540) sowie Stoss und Riemenschneider, auf die oben Bezug genommen wurde. Biografien bedeutender Renaissance-Bildhauer finden Sie unter: Größte Bildhauer .
Andere zu bewertende Renaissance-Skulpturen
Wie man manieristische Skulpturen schätzt (1530-1600)
Verglichen mit der Harmonie und Ausgewogenheit der Werke der Hochrenaissance war die manieristische Skulptur viel übertriebener und ausdrucksvoller, was in gewissem Maße die Unsicherheit eines von religiösen Spaltungen geprägten Europas widerspiegelte. Die unterschiedlichen künstlerischen Impulse von Manierismus werden am besten veranschaulicht durch Giambologna (1529-1608), dessen unsterbliches Werk Die Vergewaltigung der Sabinerinnen (1581-3, Piazza della Signora, Florenz) hat eine wirklich beeindruckende Ausdruckskraft; und von Benvenuto Cellini (1500-71) – siehe zum Beispiel seinen Perseus (1545-54, Piazza della Signora, Florenz). Vergleichen Sie jedoch die leise Ausdruckskraft der liegenden Heiligen Cäcilie (1600, Trastevere, Rom) mit Stefano Maderno (1576 & ndash; 1636). Andere manieristische Bildhauer sind es wert, studiert zu werden Juan de Juni (1507-1577) und Alonso Berruguete (c.1486-1561), die Ideen der Renaissance und des Manierismus in Spanien einführten, und Francesco Primaticcio (1504-1570), der dies auch für Frankreich am Fontainebleau Schule gegründet unter Franz I. Für die besten französischen Bildhauer der Zeit siehe: Jean Goujon (um 1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prieur (1536-1611) und Adriaen de Vries (1560-1626). Biografien wichtiger manieristischer Bildhauer: Größte Bildhauer .
Wie man Barockskulpturen schätzt (c.1600-1700)
Die Barockzeit war geprägt von religiöse Kunst . Teil der Propagandakampagne der katholischen Gegenreformation, Barocke Skulptur wurde entworfen, um die Betrachter mit Illustrationen aus der katholischen Liturgie zu inspirieren und so die Anbeter zu ermutigen, zur einen wahren Kirche zurückzukehren. Am besten zu schätzen Barocke Kunst , werfen Sie einen genauen Blick auf die Arbeit von Bernini (1598-1680), der größte Exponent seiner Zeit. Zu seinen schönsten Werken zählen The Ekstase der hl. Teresa (1647–52, Capella Cornaro, Rom); Pluto und Proserpina (1621-2, Galleria Borghese, Rom); Apollo und Daphne (1622-5) Galleria Borghese, Rom; und Tod der Seligen Ludovica Albertoni (1671-74, San Francesco a Ripa, Rom). Beachten Sie, wie Berninis Figuren und Gewänder in der Luft zu schweben scheinen und wie er die unnachgiebigen Materialien der Skulptur so behandelt, als wären sie vollständig verformbar. Weitere wichtige Barockbildhauer Umso zurückhaltender Alessandro Algardi (1598-1654), Favorit von Papst Innozenz X. und flämischer Bildhauer Francois Duquesnoy (1594-1643), deren klassische Werke den vollständigen Gegensatz zu Berninis dynamischer Intensität bildeten. In Frankreich war die Redewendung durch die Algardi-artigen gut vertreten Francois Girardon (1628-1715), desto rieselfähiger Antoine Coysevox (1640-1720), und die weniger konsistent, aber gelegentlich brillanter Pierre Puget (1620 & ndash; 94). Zu den studienwürdigen Bildhauern in Spanien zählen Juan Martines Montanes (1568-1649) und Alonso Cano (Granada, 1601-67) werfen Sie in Deutschland einen Blick auf Werke von Andreas Schlüter (1664 & ndash; 1714).
Barocke Skulpturen zum Auswerten
Wunderliche Rokokoskulptur (c.1700-1789) kam und ging, am Beispiel von Guillaume Coustou (1677–1746), Jean-Baptiste Pigalle (1714-85), ein Favorit von Madame de Pompadour und sein Hauptkonkurrent Etienne-Maurice Falconet (1716-91), der sich auf erotische Figuren mit einem etwas falschen Bezug zur hellenistischen griechischen Skulptur spezialisierte. Die deutsche Rokokoskulptur wurde vom Dresdner Bildhauer verkörpert Balthazar Permoser (1651 & ndash; 1732). In den späten 1780er Jahren wurde das dekadente Rokoko von den Idealen der Französischen Revolution mitgerissen, die die Grundlage für den ernsthafteren und strengeren Stil des Neoklassizismus bildeten.
Wie man neoklassische Skulpturen schätzt (blühte um 1790-1830)
Neoklassizistische Skulptur betonte erneut die Tugenden von Heldentum, Pflicht und Schwere . Um den Neoklassizismus am besten zu würdigen, sei darauf hingewiesen, dass der bedeutende deutsche Kunsthistoriker Johann Winckelmann (1717-68) erklärte, er habe extreme Leidenschaften und Ausdruckskraft gemieden und sei stattdessen ein Modell edler Zurückhaltung. Zweifellos war der größte und einflussreichste neoklassizistische Bildhauer Antonio Canova (1757-1822), zu deren Klienten Napoleon Bonaparte, Katharina die Große und der österreichische Kaiser Franz II. Gehörten. Seine berühmteste Skulptur war wahrscheinlich seine monumentale Aktstatue von Napoleon (1802-6) – siehe entweder den Originalmarmor (Wellington Museum, London) oder die Bronzekopie in der Brera, Mailand. Schauen Sie sich auch Theseus und den Minotaurus (1781-3, Victoria & Albert Museum, London) und sein Porträt Pauline Napoleon / Borghese als Venus (1807, Galleria Borghese, Rom) genau an.
Andere Neoklassizistische Bildhauer Wert zu bewerten, gehören: die österreichische Porträtistin Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), bekannt für seine als "Character Heads" bezeichneten Karikaturbüsten; der französische Realist Jean-Antoine Houdon (1741 & ndash; 1828); der unbeschwerte französische Kleinbildhauer Clodion (1738-1814); sowie die wichtigen englischen Künstler Joseph Nollekens (1737-1823) John Flaxman (1755-1826) und Sir Richard Westmacott (1775-1856). Gegen Ende des 18. Jahrhunderts wurde der dänische Bildhauer Bertel Thorwaldsen (1770-1844) zeigte sich als würdiger Nachfolger Canovas in seiner Ehrfurcht vor griechischen Formen. Zu den Bewegungen der 3D-Kunst in Irland siehe: Irische Skulptur: Geschichte, Bildhauer .
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