Wie man Skulptur schätzt Automatische übersetzen

Wie die Malerei ist auch die Bildhauerei – in erster Linie bildende Kunst, und je mehr wir sehen, desto vertrauter werden unsere Augen mit dem Medium und desto schneller nehmen wir es wahr. Um Ihnen zu helfen, die schöne plastische Kunst der Bildhauerei schätzen zu lernen, enthält diese Webseite Erklärungen zu den meisten der wichtigsten Schulen, von der Steinzeit bis heute. Sie enthält Hinweise auf die Ästhetik des Mechanismus sowie auf berühmte Bildhauer und ihre Werke, gegebenenfalls mit individuellen Erläuterungen. Kein akademischer Artikel kann jedoch mit einem Besuch in einer Skulpturengalerie, einem Garten oder einem Museum verglichen werden, wo man die Exponate besichtigen und aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten kann. Sehen Sie sich also unsere Liste der besten Kunstmuseen an. Schließlich ist die Bildhauerei im Gegensatz zur Malerei eine dreidimensionale Kunst und kann nur in natura richtig wahrgenommen werden.

Wie man steinzeitliche Skulpturen versteht

Die prähistorische Bildhauerei taucht erstmals in der Altsteinzeit (vor 10 000 v. Chr.) in Form von zwei primitiven Bildern auf: einer Basaltstatuette, die als Venus Berehat-Ram bekannt ist, und einer Quarzitfigur, die wir als Venus Tan-Tan kennen. Beide wurden mit Kohlenstoff auf etwa 200.000 v. Chr. oder früher datiert. Leider sieht keine der beiden Figuren sehr realistisch aus.

Gleichzeitig mit der Ersetzung des Neandertalers durch anatomisch moderne Menschen wie Cro-Magnon blühte ab 40.000 v. Chr. in ganz Europa die Kunst auf. Die frühesten realistischen Skulpturen – sind die paläolithischen geschnitzten Elfenbeinfiguren der Schwäbischen Alb, die Vögel, Tiere und therianthropische Figuren darstellen und in den Höhlen von Hohle-Fels, Vogelherd und Hochlenstein-Stadel gefunden wurden. Diese einfachen, aber schönen Werke stammen aus der Zeit von 35.000 bis 30.000 v. Chr.

Zur gleichen Zeit entsteht ein vielfältiges Sortiment an kleinen, dicken, weiblichen Skulpturen, die als „Venus-Statuetten“ bekannt sind und die Archäologen inzwischen in steinzeitlichen Siedlungen in ganz Europa, von Russland bis Gibraltar, ausgegraben haben. Man nimmt an, dass diese Figuren als Fruchtbarkeitssymbole dienten und aus einer Vielzahl von Materialien wie Mammutknochen, Knochenasche, Keramik, oolithischem Kalkstein, Steatit, Serpentin oder vulkanischem Gestein geschnitzt wurden. Neben dem extrem hohen Alter dieser Artefakte ) Venus aus Hole Fels, datiert auf 38-33000 v. Chr., ist die früheste Elfenbeinschnitzerei und älteste bekannte figürliche Skulptur, und die ungewöhnliche Venus aus Dolni Vestonice 26000 v. Chr. – die älteste bekannte Tonskulptur der Welt), was überraschend ist, ist die relative Ähnlichkeit dieser Figuren.

Das ungewöhnlichste Stück dreidimensionaler Kunst aus dem Neolithikum ist eine rumänische Terrakotta-Skulptur, bekannt als der „Blackwater Thinker“ (ca. 5000 v. Chr.), eine kleine, in Gedanken versunkene Figur. Zu den neolithischen Höhepunkten gehören der Goldene Stier von Maikop (ca. 2500 v. Chr.) – eine bemerkenswerte Goldskulptur, die in der Nordkaukasusregion im Feingussverfahren geschaffen wurde, und das schillernde tanzende Mädchen von Mohenjo-Daro (ca. 2500 v. Chr.). AD), ein Meisterwerk der frühen indischen Bildhauerei aus der Harappan- Kultur der Indus-Tal-Zivilisation (3300-1300 v. Chr.).

Anmerkung: Die Methoden der ägyptischen Bildhauerei hatten einen großen Einfluss auf viele griechische Bildhauer der Antike sowie auf die spätere afrikanische Bildhauerei südlich der Sahara.

Studienfragen und Probleme

Warum entstand die Bildhauerei in der Steinzeit? Antwort: Kombination von Faktoren, z. B.: soziale Organisation; bessere Sicherheit (mehr Höhlen vorhanden); Klima; größere Nachfrage nach symbolischen, rituellen Objekten.
Warum kam die Bronzeskulptur in der Jungsteinzeit auf? Antwort: Sicherere Siedlungen ermöglichten die Verhüttung und Metallurgie; größere Nachfrage nach persönlichem Schmuck sowie nach größeren Schmuckstücken. Verfolgen Sie während dieser prähistorischen Periode den allmählichen Übergang von funktionalen Artefakten zu „Kunst um der Kunst willen“.

Wie man die griechische Skulptur bewertet

Die griechische Bildhauerei umfasst, vereinfacht dargestellt, die archaische Periode (ca. 750-500 v. Chr.), die klassische Periode (ca. 500-323 v. Chr.) und die hellenistische Periode (ca. 323-100 v. Chr.). Um zu erklären, wie die griechische Bildhauerei zu bewerten ist, würde man eine ganze Website benötigen. Daher hier einige ausgewählte Kommentare dazu, wie sich diese einzigartige Kunstform entwickelt hat und worauf man daher achten sollte.

Die griechischen Bildhauer lernten viele der Grundlagen während der geometrischen Ära, obwohl ihre figürlichen Statuen ziemlich starr blieben. Die Figuren wurden gewöhnlich nackt (männlicher kouros) oder halbnackt (weiblicher kouros) dargestellt. Im Zeitalter der archaischen Bildhauerei, als sich das Land den Einflüssen des Schwarzen Meeres, der Levante und Ägyptens öffnete, lernten sie, ihren menschlichen Figuren mehr Flüssigkeit und Leben zu verleihen. Sie begannen auch, das archaische Lächeln „zu entwickeln“ und eine realistischere Artikulation des Körpers zu erreichen. Dann kam der wirklich außergewöhnliche Höhepunkt dieser Kunstform.

Während der Ära der klassischen griechischen Bildhauerei, insbesondere im fünften Jahrhundert v. Chr., erlebte die Bildhauerei einen beispiellosen Kreativitätsschub, der durch die Arbeiten am Parthenon (447-422 v. Chr.) veranschaulicht wurde. Diese klassischen Innovationen prägten die stilistische Entwicklung der Bildhauerei für die kommenden Jahrtausende. Die Pose der stehenden Figur wurde raffinierter, realistischer und allgemein natürlicher. Zu den weiteren Merkmalen der klassischen griechischen Statuen gehört ein Hauch erhabener Ruhe in Verbindung mit einem ausgeprägten dynamischen Bewegungsgleichgewicht, das ein Gefühl von Harmonie und Proportion vermittelt. Zu den führenden griechischen Bildhauern der Antike gehörten Polykletus (5. Jahrhundert v. Chr.), Phidias (488-431) und Myron. (tätig 480-444).

Im vierten Jahrhundert v. Chr., in der zweiten Hälfte der klassischen Epoche, milderten Bildhauer wie Praxiteles und Lysippos die menschliche Gestalt ab und verliehen ihr eine Aura von unbeschwerter Anmut. Die griechischen Götter der Mythologie wurden vermenschlicht und ihre Bewegungen und Gesichtsausdrücke wurden eleganter. Komposition und Posen wurden komplexer: Gliedmaßen ragten in den Raum des Betrachters hinein, Skulpturengruppen wurden dynamischer angeordnet, und der Betrachter konnte um sie herumgehen, um einen abwechslungsreichen Blick zu erhalten.

In der hellenistischen Epoche entwickelten sich zwei Hauptstile: der „strenge“ Stil, der durch die Venus von Milos (ca. 100 v. Chr.), oder der dramatischere „barocke“ Stil, der durch den Pergamonaltar des Zeus (ca. 166-166 v. Chr.) und Laokoon und seine Söhne (150-50 v. Chr.) veranschaulicht wird. Weitere Informationen finden Sie unter Pergamonschule der hellenistischen Bildhauerei (241-133 v. Chr.). In den meisten Fällen wurden die Details mit größtmöglichem Realismus wiedergegeben. Die Bildhauer der Hochrenaissance (Michelangelo) und des Barock (Bernini) waren stark von der hellenistischen griechischen Skulptur beeinflusst, ebenso wie neoklassische Kunsthistoriker wie der deutsche Historiker Johann Joachim Winckelmann (1717-1768).

Für weitere Informationen über professionelle Kritiker wie John Ruskin und andere, siehe: Kritiker der visuellen Kunst und Kritik (1750-heute).

Griechische Skulpturen, die es wert sind, geschätzt zu werden

Discobolus (~450 v. Chr.), Myron, Römisches Nationalmuseum, Rom.
Pharnesischer Herakles (5. Jahrhundert), Archäologisches Nationalmuseum Neapel.
Im Archäologischen Nationalmuseum, Zeus oder Poseidon (ca. 460 v. Chr.), Athen.
Verwundete Amazone (440-30 v. Chr.), Kapitolinisches Museum, Rom. Von Polykletus.
Nationales Archäologisches Museum - Jugend von Antikythera (4. Jahrhundert), Athen.
Apollo Sauroctonos (4. Jahrhundert), Museo Pio Clementino. Autor Praxiteles.
Kapitolinische Venussäule (350-40 v. Chr.), Kapitolinisches Museum, Rom. Autor Praxiteles.
Faunus Barberini (ca. 220 v. Chr.), Marmor, Glyptothek, München.
Sterbender Gallier (ca. 240 v. Chr.). Marmorkopie, Kapitolinisches Museum, Rom.
Nika von Samothrake (ca. 190 v. Chr.), Marmor, Louvre, Paris.
Laokoon und seine Söhne (150-50 v. Chr.) Hagesandrus / Athenodoros / Polydorus.
Pharnesischer Stier (150 v. Chr.) Apollonius von Thrall.
Marmorkopie „der Drei Grazien“ (2. Jahrhundert v. Chr.), Louvre von Paris.
Venus von Milos (Aphrodite von Melos) (ca. 100 v. Chr.). Autor Alexandros von Antiochien.

Wie man die römische Skulptur schätzt (ca. 200 v. Chr. – ca. 200 n. Chr.)

Römische Künstler verehrten ihre griechischen Vorbilder sehr und versuchten, ihnen bei jeder Gelegenheit nachzueifern. Griechische Meister wurden ermutigt, Griechenland zu verlassen und in Rom zu arbeiten. Trotzdem entwickelte die römische Bildhauerei ihre eigenen Ausdrucksformen. In der Zeit zwischen 200 und 50 v. Chr., als die republikanische Regierung an der Macht war, entwickelten die Künstler ein unverwechselbares „römisches“ Aussehen für ihre Statuen und Porträtbüsten – ein Aussehen von hohem moralischem Charakter, begleitet von einem Gefühl der Weisheit und Entschlossenheit. Während der Regierungszeit des Augustus (31 v. Chr. – 14 n. Chr.) trat in der römischen Kunst eine neue Form der Idealisierung auf, die durch die harmonischen Proportionen der Marmorreliefs auf der Ara Pacis Augusta (Frieden der Augusta) veranschaulicht wird. Die Marmorstatue des Augustus – Porta Augusta Prima – ist ein weiteres Beispiel: Die stehende Figur hat eine contraposto (gewichtsverlagernde) Pose im griechischen Stil und einen jugendlichen Idealismus, aber der gepanzerte Brustpanzer und der drapierte Mantel zeigen einen streng römischen Realismus. In der Tat waren die Bildhauer im gesamten Römischen Reich zwischen Idealismus und Realismus hin- und hergerissen, was nach Ansicht vieler Kunsthistoriker ein entscheidender ästhetischer Kampf jener Zeit war. Dennoch sollte man bedenken, dass ein Großteil aller im alten Rom geschaffenen Skulpturen Porträtbüsten des Kaisers waren und dass das Grundmotiv fast aller Kunstwerke die Verherrlichung der Größe Roms war. Der Idealismus mag also eine wichtige theoretische Option gewesen sein, aber in der Praxis herrschte der Realismus vor, sowohl was das Motiv als auch was die Mittel betrifft.

Der vielleicht größte Beitrag der römischen Bildhauer zur Kunst, und sicherlich das Mittel zur Schaffung eines öffentlichen Denkmals, waren historische Reliefs. Die Trajanssäule im Norden des Forum Romanum zum Beispiel ist berühmt für ihr großartiges, detailliertes Spiralrelief , das sich 23 Mal um den Schaft des Monuments windet und vom Sieg Kaiser Trajans in seinen Kriegen gegen die Daker berichtet. Der Schaft selbst ist 30 Meter hoch und 4 Meter breit und besteht aus 20 massiven Blöcken aus Carrara-Marmor, die jeweils 40 Tonnen wiegen. Der Titusbogen ist ein weiteres schönes Beispiel für ein historisches Relief.

Schließlich ist es unmöglich, die römische Bildhauerei zu würdigen, ohne die Rolle der römischen Künstler bei der Reproduktion der griechischen Originalstatuen zu erwähnen, von denen die meisten verschwunden sind. Ohne diese Kopien hätte die griechische Kunst kaum die Wertschätzung erhalten, die sie verdient, und die italienische Renaissance (und damit die Geschichte der westlichen Kunst) wäre ganz anders verlaufen.

Römische Skulpturen, die es wert sind, geschätzt zu werden

Augustus Prima Porta (50 v. Chr.), Marmor, Vatikanische Museen.
Marmor Altar des Friedens (Ara Pacis) (9 v. Chr.), Museo Ara Pacis, Rom.
Kaiser Claudius als Jupiter (41-54 n. Chr.), Marmor, Museo Pio Clementino.
Marmor Tiber (90-140 n. Chr.), Louvre, Paris.
Marmor Trajanssäule (113 n. Chr.), Rom.
Marmor Lansdowne Hercules (ca. 125 n. Chr.), J. Paul Getty Museum, Kalifornien, USA.
Kentaur auf Amors Rad (ca. 150 n. Chr.) in Marmor, Louvre.
Marmor „Borghese Tänzerinnen“ (2. Jahrhundert n. Chr.), Louvre.
Atalanta (2. Jh. n. Chr.), Marmor, Louvre.
Ludovisi-Schlachtsarkophag (251 n. Chr.) Nationalmuseum von Rom.
Basilika von San Marco (300 n. Chr.) Venedig.
Kolossaler Kopf von Kaiser Konstantin dem Großen (324 n. Chr.) Kapitolinisches Museum.

Wie man die gotische Skulptur schätzt (ca. 1150-1300, ab 1500 in Deutschland)

Die gotische Kunst war der erste Stil, der die Künste der Bildhauerei, der Glasmalerei und der Architektur miteinander verband, insbesondere in den großen Kathedralen von Chartres, Amiens, Reims und Notre-Dame-de-Paris. Die Solidität der früheren romanischen Kunst wurde durch eine neue Ausrichtung der Linien ersetzt, und die hohen Bögen und Strebepfeiler des gotischen Stils ermöglichten es, die Wände für beispiellos große Fenster zu öffnen, die mit wunderschönen lichtdurchlässigen Gemälden gefüllt waren, die alles bisher Dagewesene weit übertrafen. In der Tat war die Entwicklung der gotischen Skulptur untrennbar mit der Entstehung neuer Formen in der Architektur verbunden. Die Autoritäten der christlichen Kirche bauten viele gotische Kathedralen, von denen jede mit angemessener christlicher Kunst geschmückt werden musste. . Äußerlich waren dies plastische Reliefs und Statuen in Säulen; im Inneren – geschnitzte Taufbecken, Kanzeln, Statuen, Reliefs. Um die Portale und Türöffnungen herum schnitzten Bildhauer Gruppen von Aposteln, Propheten und Heiligen zusammen mit Mitgliedern der Heiligen Familie. Stilistisch war die figurative gotische Bildhauerei weicher, realistischer und im Allgemeinen menschlicher als die starre romanische Bildhauerei . So ist beispielsweise der Körper Christi über dem Haupteingang der Kathedrale von Chartres unglaublich beweglich und realistisch, was ihn einfühlsam und verständlich macht.

Der hochgotische Stil der Bildhauerei hat seinen Ursprung ebenfalls in Frankreich, von wo aus er sich nach Italien, Deutschland, in die Niederlande und anderswo ausbreitete. Die meisten spätgotischen Bildhauer verwendeten einen kunstvolleren Stil und widmeten sich eher privaten Grabmälern und Denkmälern als der Bauplastik. Ein Beispiel dafür ist die Reihe der Grabplastiken in der Westminster Abbey, wo die Monumente (aus Purpur, Bronze, Alabaster und Fresko) mit Fußböden und Grabmälern geschmückt sind, die von italienischen Mosaikmeistern im Auftrag von König Heinrich III. angefertigt wurden. Die Spätgotik erhielt einen klassischen Schwerpunkt in Italien, wo die Bildhauer griechische und römische Vorbilder verwendeten, und einen eher emotionalen Schwerpunkt in Deutschland, wo Bildhauer wie Veit Stoss und Tilman Riemenschneider sich eher auf das Leiden Christi als auf Formkonventionen konzentrierten (siehe z. B. Pieta Rottgen, 1300, Rheinisches Museum, Bonn). Auch in der Gotik konnten die Bildhauer individuelle Anerkennung erlangen.

Bedeutende gotische Skulpturen sind zu sehen in der Kathedrale von Chartres (1194-1250); der Kathedrale Unserer Lieben Frau von Paris (1163-1345); der Kathedrale von Reims (1211-1275); der Kathedrale von Amiens (1220-1270); der Kathedrale von Burgos in Spanien, deren Bau um 1221 begann; der Kölner Dom, der 1248 erbaut, aber erst 1880 fertiggestellt wurde, sowie die Kathedralen von Santiago de Compostela, Magdeburg, Trier, Straßburg, Freiburg, Naumburg, Canterbury, Salisbury, Exeter, Winchester und Westminster Abbey, neben vielen anderen.

Gotische Skulpturen zum Ansehen

Neben dem Studium der zahlreichen architektonischen Skulpturen in der Kathedrale können auch die folgenden Gegenstände bewertet werden.

Das Jüngste Gericht (um 1210) Südtrans, Notre Dame (Paris).
Westfassade der Kathedrale von Wells (um 1230) Wells, UK.
Strahl der Herrlichkeit (nach 1242) Haus St. Stephan und St. Sixtus, Halberstadt.
Westportal der Jube (ca. 1250) Naumburger Dom, Naumburg.
Marmorkanzel (1265-8) Dom, Siena. Nicola Pisano.
Triptychon der glorreichen Jungfrau (ca. 1290), Museum des Mittelalters, Paris.
Jungfrau von Jeanne d’Evreux (1324-39) Silber, Emaille, Gold und Perlen, Louvre.
Marienaltar (1477-89) Marienkirche, Kraków, Polen. Autor Stoss.
Heilig-Blut-Altar (1504) Kirche St. Jakob, Rothenburg. Verfasser Riemenschneider.

Berühmte gotische Bildhauer

Nicola Pisano (ca. 1206-1278); Giovanni Pisano (1250-1314); Arnolfo di Cambio (ca. 1240-1310); Giovanni di Balduccio (1290-1339).); Andrea Pisano (1295-1348); Filippo Calendario (vor 1315-1355); André Boneveu (1335-1400); Klaus Sluter (ca. 1340-1406); Veit Stoss (ca. 1447-1533); Tilman Riemenschneider (1460-1531). Für Biographien prominenter gotischer Bildhauer, siehe: Die größten Bildhauer .

Wie man die Skulptur der Renaissance (ca. 1400-1600) schätzt

Die Kunst der Renaissance, insbesondere die Bildhauerei, basierte auf einer neuen Welle des Respekts für die griechische Kunst. Die Bildhauer der Renaissance waren, obwohl sie sich hauptsächlich mit religiösen Werken beschäftigten, stark von einem starken Glauben an den Humanismus und den Adel des Menschen inspiriert. Daher war die menschliche Gestalt, insbesondere der männliche Akt, ein beliebtes Motiv. Um jedoch die italienische Renaissance-Skulptur richtig einschätzen zu können, muss man wissen, dass viele italienische Künstler stark von der Kunstfertigkeit, dem Realismus und der Emotionalität der gotischen Werke beeinflusst waren. Trotzdem erzielten die Bildhauer der Frührenaissance deutliche Verbesserungen: Sie verliehen ihren Statuen zum Beispiel eine tiefere Emotionalität (siehe „ David Donatello“), 1440-3, Bargello, Florenz) und verliehen ihnen neue Energie und Bedeutung. Sie waren die ersten, die das Reiterstandbild wieder einführten . Die fünf besten Bildhauer der Frührenaissance, die man studieren sollte – sind Jacopo della Quercia (ca. 1374-1438), Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466), Antonio Pollaiuolo (1432-1498), und Andrea del Verrocchio (1435-1488). Man beachte vor allem den kraftvollen und sogar brutalen Charakter der Figuren Donatellos, die ebenfalls eher grob und roh sind. Aber siehe. Auch: Donatellos David . Siehe auch Vertrocchios Reiterstandbild des Bartolomeo Colleoni (1495, Campo di Santi Giovanni e Paolo, Venedig). Der gelernte Goldschmied Pollaiuolo war der Erbe des drahtigen Expressionismus von Donatello: siehe zum Beispiel Herkules und Antäus (1470, Museo Nazionale del Bargello, Florenz).

Die Bildhauerei der Hochrenaissance wurde von Michelangelos Vollkommenheit (1475-1564) beherrscht und verkörpert. Dem gelehrten Kunsthistoriker Anthony Blunt zufolge sind Michelangelos figurative Werke wie Pietà (1497-9, Petersdom, Rom), David (1501-4, Galleria dell’Accademia, Florenz) und Der sterbende Sklave (1513-16, Louvre) besaßen nicht nur „übermenschliche Qualitäten“, sondern auch „einen Sinn für düstere Beklemmung, der die Tragik des menschlichen Schicksals widerspiegelt“. Michelangelos Marmorstatuen von makelloser Schönheit spiegeln seine absolute technische Meisterschaft wider. Im heroischen männlichen Akt bleibt er der vollendete Künstler. An seinem 29. Geburtstag hatte er bereits zwei der größten Werke in der Geschichte der Bildhauerei geschaffen . Weitere bedeutende Steinbildhauer der Hochrenaissance sind der Venezianer Jacopo Sansovino (1486-1570) und der Florentiner Baccio Bandinelli (1493-1560). Nördlich der Alpen waren die berühmten Bildhauer Hans Mulcher (ca. 1400-1467), Giorgio da Sebenico (1410-73), Michel Colomb (1430-1512), Gregor Ehrhart (ca. 1460-1540) sowie die oben erwähnten Stoss und Riemenschneider vertreten. Für Biographien bedeutender Bildhauer der Renaissance siehe: Die größten Bildhauer .

Andere sehenswerte Skulpturen der Renaissance

St. Markus (1411) Orsanmichele, Florenz. Donatello.
Abbacum (1426), Opernmuseum des Doms, Florenz. Donatello.
Himmelstor (1425-52) Baptisterium von Florenz. Von Lorenzo Ghiberti.
Reiterstandbild von Gattamelata (1444-53) Siena. Donatello.
Maria Magadalina (ca. 1455) Museo Nazionale del Bargello. Donatello.
Die Beweinung des toten Christus (1463) Bologna. Niccolò dell’Arca.
Herkules und Antaeus (1470) Museo Nazionale del Bargello. Antonio Pollaiuolo.
David (ca. 1475) Museo Nazionale del Bargello. Andrea del Verrocchio.
Der Unglaube des Heiligen Thomas (ca. 1483) Orsanmichele. Andrea del Verrocchio.
Venus und Amor (ca. 1550), Getty Museum, Kalifornien. Von Jacopo Sansovino.

Wie man die manieristische Skulptur (1530-1600) schätzt

Im Vergleich zur Harmonie und Ausgewogenheit der Werke der Hochrenaissance war die manieristische Bildhauerei viel übertriebener und expressiver und spiegelte in gewissem Maße die Unsicherheit eines von religiöser Spaltung geprägten Europas wider. Die verschiedenen künstlerischen Impulse des Manierismus werden am besten veranschaulicht durch Giambologna (1529-1608), dessen unsterbliches Werk Die Entführung der Sabinerinnen (1581-153, Piazza della Signora, Florenz) eine wahrhaft atemberaubende Ausdruckskraft besitzt; und Benvenuto Cellini (1500-1571) – siehe z. B. sein Die Entführung der Sabinerinnen (1581-153, Piazza della Signora, Florenz), z. B. sein Perseus (1545-54, Piazza della Signora, Florenz). Vergleichen Sie dies jedoch mit der ruhigen Ausdruckskraft von Stefano Madernos liegender Heiligen Cäcilie (1600, Trastevere, Rom) (1576-1636). Andere studierenswerte manieristische Bildhauer – sind Juan de Juni (1507-1577) und Alonso Berruguete (ca. 1486-1561), die die Ideen der Renaissance und des Manierismus in Spanien einführten, und Francesco Primaticcio (1504-1570), der dasselbe für Frankreich in der Schule von Fontainebleau tat, die unter Franz I. gegründet wurde. Zu den besten französischen Bildhauern dieser Zeit siehe: Jean Goujon (um 1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prier (1536-1611) und Adrien de Vries (1560-1626).

Weitere sehenswerte manieristische Skulpturen:
Begräbnis (1541-44), Skulpturenmuseum, Valladolid. Juan de Juni.
Salzkeller von Franz I. (1543), Museum für Kunst und Geschichte. Benvenuto Cellini.
Saal der Duchesse d’Etamp (1544) Schloss Fontainebleau. Primaticcio
Neptunbrunnen (1559-75) Pizza Signora. Bartolomeo Ammanati.
Merkur (1564-80) Museo Nazionale del Bargello, Florenz. Giambologna.
Jungfrau Maria in Kummer und Leid (1585) Louvre, Paris. Germain Pilon.
Merkur und Psyche (1593) Louvre, Paris. Adrien de Fries
Steigendes Pferd (1615) Getty Museum, Kalifornien. Adrian de Fries.

Wie man barocke Skulpturen schätzt (ca. 1600-1700)

Die Barockzeit wurde von der religiösen Kunst dominiert . Die barocke Bildhauerei, die Teil der Propagandakampagne der katholischen Gegenreformation war, sollte die Betrachter mit Illustrationen der katholischen Liturgie inspirieren und so die Gläubigen zur Rückkehr zur einzig wahren Kirche ermutigen. Um die Kunst des Barock am besten zu würdigen, sollten Sie sich die Werke von Bernini (1598-1680), dem größten Künstler seiner Zeit, genau ansehen. Zu seinen besten Werken gehören – Ekstase der Heiligen Teresa (1647-52, Capella Cornaro, Rom); Pluto und Proserpina (1621-1616, Galleria Borghese, Rom); Apollo und Daphne (1622-1655) Galleria Borghese, Rom; und Tod der seligen Ludovica Albertoni (1671-4, San Francesco-a-Ripa, Rom). Man beachte, wie Berninis Figuren und Draperien in der Luft zu schweben scheinen und wie er die harten Materialien der Bildhauerei behandelt, als wären sie absolut plastisch. Andere wichtige Bildhauer der Barockzeit waren der eher zurückhaltende Alessandro Algardi (1598-1654), ein Liebling von Papst Innozenz X., und der flämische Bildhauer François Duquesnoy (1594-1643), dessen klassische Werke das genaue Gegenteil von Berninis dynamischer Spannung waren. In Frankreich war das Idiom durch den Algardi-ähnlichen François Girardon (1628-1715), den freieren Antoine Coysevox (1640-1720) und den weniger konsequenten, aber manchmal brillanteren Pierre Puget (1620-94) gut vertreten. In Spanien sind die Bildhauer Juan Martinez Montanez (1568-1649) und Alonso Cano (Granada, 1601-1667) erwähnenswert, und in Deutschland das Werk von Andreas Schlüter (1664-1714).

Barocke Skulpturen zum Ansehen

St. Sebastian (1600) San Salvatore, Venedig. Alessandro Vittoria.
Engelsbotschaft (1608) Orvieto. Francesco Mochi
Altar der Jungfrau Maria (1616) Kirche von Uberlingen, Deutschland. Jörg Zurn .
Heilige Susanna (1633) Santa Maria di Loreto, Rom. François Ducnois.
Grabdenkmal für Papst Leo XI. (1634-44), Petersdom, Rom. Algardi.
Ekstase des Heiligen Philipp Neri (1638), Santa Maria in Vallicella. Algardi.
Papst Leo vertreibt Attila aus den Toren Roms (1653), Petersdom. Algardi.
Büßende Maria Magdalena (1664) Valladolid, Spanien. Pedro de Mena.
Apollo wird von den Nymphen der Fetida umworben (1666-72) Versailles. François Girardon.
Apollo-Brunnen (1671), Schloss von Versailles. Jean Baptiste Touby.
Milon von Croton (1671-1682), Louvre, Paris. Pierre Puget.
Reiterstandbild Friedrichs des Großen (1708) von Andreas Schlüter.
Pluto, der Proserpina entführt (1710), Getty Museum, Kalifornien. François Girardon.

Bizarre Rokoko-Skulpturen (um 1700-1789. Guillaume Coustou (1677-1746), Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785), ein Günstling von Madame de Pompadour, und sein Hauptkonkurrent Etienne-Maurice Falcone (1716-1791), der sich auf erotische Figuren mit einer etwas falschen Verbindung zur hellenistischen griechischen Bildhauerei spezialisiert hatte, sind Beispiele dafür. Die deutsche Rokoko-Skulptur wurde von dem Dresdner Bildhauer Balthasar Permoser (1651-1732) verkörpert. In den späten 1780er Jahren wurde das dekadente Rokoko von den Idealen der Französischen Revolution hinweggefegt, die den Grundstein für den ernsteren und strengeren Stil des Neoklassizismus legte.

Wie man die neoklassizistische Bildhauerei schätzt (Blütezeit um 1790-1830)

Die neoklassizistische Bildhauerei betonte erneut die Tugenden des Heldentums, der Pflicht und der Ernsthaftigkeit . Um den Neoklassizismus besser zu verstehen, sei darauf hingewiesen, dass der bedeutende deutsche Kunsthistoriker Johann Winkelmann (1717-1768) feststellte, dass er extreme Leidenschaft und Ausdruckskraft vermied und stattdessen ein Vorbild für edle Zurückhaltung war. Der größte und einflussreichste Bildhauer des Neoklassizismus war zweifellos Antonio Canova (1757-1822), zu dessen Kunden Napoleon Bonaparte, Katharina die Große und der österreichische Kaiser Franz II. zählten. Seine berühmteste Skulptur war wahrscheinlich die monumentale Aktstatue von Napoleon (1802-1886) – siehe entweder das Original aus Marmor (Wellington Museum, London) oder die Bronzekopie in der Pinacoteca di Brera, Mailand. Sehen Sie sich auch „Theseus und der Minotaurus“ (1781-1781, Victoria and Albert Museum, London) und das Porträt von Pauline Napoleon-Borgese als Venus (1807, Galleria Borgese, Rom) genauer an.

Unter den anderen neoklassizistischen Bildhauern sind zu erwähnen: der österreichische Porträtist Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), bekannt für seine karikaturistischen Büsten, die als „Charakterköpfe“ bekannt sind; der französische Realist Jean-Antoine Oudon (1741-1828); der unbekümmerte französische Kleinplastiker Clodion (1738-1814); und die berühmten englischen Künstler Joseph Nollekens (1737-1823), John Flaxman (1755-1826) und Sir Richard Westmacott (1775-1856). Gegen Ende des 18. Jahrhunderts erwies sich der dänische Bildhauer Bertel Thorvaldsen (1770-1844) in seiner Verehrung der griechischen Formen als würdiger Nachfolger Canovas. Zur Entwicklung der volumetrischen Kunst in Irland, siehe: Irische Bildhauerei: Geschichte, Bildhauer .

Andere neoklassizistische Skulpturen zur Bewertung

Venus (1773), Getty Museum, Los Angeles. Joseph Nollekens.
Porträt von Voltaire (1781) Comédie-Française. Jean-Antoine Houdon.
Apollo, der sich krönt (1781), Getty Museum, Kalifornien. Antonio Canova.
Der Gehängte (1770-83) Wien. Franz Xaver Messerschmidt.
Der Zorn des Atham (1790) Ickworth, UK. John Flaxman.
Psyche von Eros erweckt (1787-93) Louvre, Paris. Antonio Canova.
Büßende Magdalena (1796) Palazzo Bianco, Genua. Antonio Canova.
Perseus und das Haupt der Medusa (1797-1801) Vatikanische Museen. Canova.
Reiterstandbild von Joseph II. (1795-1806) Franz Anton von Sauner.
Alexander der Große betritt Babylon (1812) Bertel Thorvaldsen.
Jason mit dem Goldenen Vlies (1828) Kopenhagen. Bertel Thorvaldsen.
Christus und die zwölf Apostel (1838) Kopenhagen. Bertel Thorvaldsen.

Zusätzliche Quellen

Wie man moderne Skulpturen schätzt
Kunst schätzen: Wie man Kunst schätzt
Die größten Skulpturen aller Zeiten .

TYPEN DER SKULPTUR
Über Bronze – Statuen und Reliefs siehe: Bronzeskulptur .
Zu den Formen der Steinbildhauerei siehe: Steinbildhauerei .
Zu Pentelian-, Carrara- und Parian-Steinen siehe: Marmorskulptur: Marmorskulptur .
Über Skulpturen aus Holz: Holzschnitzerei .

BEDEUTUNG DER KUNST
Zu den verschiedenen Arten und Stilen der traditionellen Kunst siehe : Definition von Kunst .