Russische Malerei, 18. Jahrhundert Automatische übersetzen

Nach dem Tod von Peter dem Großen im Alter von 52 Jahren trat die russische Kunst in eine Phase großer Unsicherheit ein. Die Herrschercliquen von Katharina I. (1725-7), Peter II. (1727-30) und Zarin Anna (1730-40) lösten einander ab, und dann wurde die Tochter Peters I., Elisabeth (1741-61), Kaiserin. Damit begann eine weitere Blütezeit der russischen Kultur, die unter Elisabeths Nachfolgerin, Katharina der Großen (1762-1796), fortgesetzt wurde.

Die Malerei des achtzehnten Jahrhunderts in Russland wurde von dekorativen Werken beherrscht, insbesondere von Fresken und Porträts . Architekturporträts und topografische Landschaften erschienen später als zu Beginn des Jahrhunderts, ebenso wie frühe Formen der eigentlichen Landschaft und Stadtansichten. Von einigen bemerkenswerten und wichtigen Ausnahmen abgesehen, blieben die russischen Künstler im achtzehnten Jahrhundert ein wenig hinter ihren westlichen Kollegen zurück. Trotzdem wurden enorme künstlerische Fortschritte erzielt, die unmittelbar zu den großartigen Errungenschaften der russischen Malerei des neunzehnten Jahrhunderts führten.

Zu früheren Entwicklungen siehe Russische Malerei des Mittelalters (ca. 950-1100) und Nowgoroder Schule der Ikonographie (1100-1500).

Russische Kunst des achtzehnten Jahrhunderts unter Elisabeth Petrowna (1741-61)

Während der Herrschaft von Elisabeth Petrowna erfüllten die Malerei und die Bildhauerei mit Ausnahme der Porträts weiterhin die Funktion der Ergänzung der Architektur und der Innendekoration. Tatsächlich waren die meisten Gemälde dieser Zeit eine Art von dekorativer Kunst, die dazu bestimmt war, Decken und Wände zu schmücken, und die Skulpturen waren hauptsächlich dazu bestimmt, Gärten und Parks zu schmücken.

Die weltlichen Werke wurden stark von Beispielen der christlichen Kunst dominiert, was der neuen Stimmung der wissenschaftlichen und philosophischen Forschung entsprach. Die meisten dekorativen Gemälde, die für die Kaiserin ausgeführt wurden, stammen von Italienern wie Valeriani, Perezinotti, Borozzi und Torelli. Die Rolle der russischen Künstler beschränkte sich im Allgemeinen auf die Assistenz der Auftraggeber. Selbst die berühmtesten von ihnen, wie die Brüder Alexej (1720-1796), Efim (1730-1778) und Iwan (1732-1784) Bielsky sowie Johannes und Iwan Firsow (um 1740-1750), arbeiteten nach den Vorgaben der Italiener.

Darüber hinaus wurden die Deckendekorationen in der Regel auf Leinwand ausgeführt, und diese Praxis ermöglichte es der Kaiserin, der Gewohnheit Peters des Großen zu folgen, Gemälde bei bedeutenden westlichen Künstlern in Auftrag zu geben, die die Arbeiten zu Hause ausführten, ohne Russland zu besuchen. Das Deckengemälde von Tiepolo für den Palast in Oranienbaum war das beste dieser Importe; dem Zeitgeschmack entsprechend war sein Thema allegorisch. Wie das Schloss wurde es Berichten zufolge von den deutschen Truppen vor ihrem Rückzug im Jahr 1943 zerstört.

Zu Beginn des Jahrhunderts waren Szenen, die Götter und Göttinnen darstellten und die gesamte Decke einnahmen, in Mode, aber gegen Mitte des Jahrhunderts kamen abstraktere dekorative Ornamente in Mode, die sowohl importiert als auch vor Ort hergestellt wurden.

Die Gemälde an den Wänden, über den Türen und zwischen den Fenstern wurden in der Regel von dem Künstler ausgeführt, der für die Decke zuständig war, und ihre Themen ergänzten das Gesamtbild der Decke. Wo die Räume lange, fließende Suiten bildeten, war die perspektivische Malerei besonders nützlich, da sie dazu beitrug, den Blick von Tafel zu Tafel und von Raum zu Raum zu lenken. Die Tafeln wiederum spiegelten sich in den damals beliebten Schaugläsern wider, und auf diese Weise wurden die Ausblicke endlos erweitert und vervielfältigt. Viele Werke dieser Art wurden von Carlo Bibiena Galli im Stil seines berühmten Großvaters Ferdinando Bibiena Galli ausgeführt.

Wie die dekorative Malerei wurden auch die Porträts häufig an ausländische Künstler vergeben; die wichtigsten Vertreter waren Groot, Lagrene der Ältere und Torelli. Im Laufe des Jahrhunderts entwickelte sich jedoch die Nachfrage nach Porträts, und die Zahl der russischen Porträtisten wuchs. Die meisten von ihnen malten jedoch weiterhin in einem halbikonischen Stil, der mehr an die Moskauer Schule des 17. Jahrhunderts als an den neuen Stil von Matwejew erinnerte, und wurden daher von den Ausländern verdrängt. Dennoch setzten vier russische Künstler die Linie von Matwejew und Nikitin fort, indem sie Realismus und Naturalismus anstrebten, und es gelang ihnen, Werke von gewisser Qualität zu schaffen.

Der älteste der vier, Wischnjakow, schuf seine bedeutendsten Werke zwischen 1730 und 1740. Als Schüler von Caravaggio konnte er sich jedoch nicht vollständig von der ikonografischen Tradition lösen.

Sein Schüler Alexej Antropow (1716-1795) hatte anfangs die gleichen Schwierigkeiten, entwickelte sich aber später zu einem wirklich begabten Porträtisten mit einem klaren und eindeutigen eigenen Stil. Seine Direktheit machte ihn jedoch bei Hofe unbeliebt, so dass er sich eine Zeit lang in Kiew als Dekorateur verdingen musste.

Mehrere frühe Porträts von ihm, die dort entstanden, sind erhalten geblieben. Sie sind eher naiv, die etwas groben Farben erinnern an die Volkskunst, aber die Ähnlichkeit ist frappierend, und da die meisten Menschen, die ihm Modell saßen, Geistliche waren, war sein eher ikonischer Stil nicht ganz unpassend für sein Thema.

Antropov zog später nach St. Petersburg, wo er einen feineren Sinn für Farben entwickelte . Die zarten Pastellfarben dieser Werke zeugen von großen Fortschritten, aber den Gemälden fehlt es an Tiefe, da Antropov sich mit der physischen Ähnlichkeit zufrieden gab, ohne zu versuchen, den Charakter und den Geist des Dargestellten zu vermitteln. Obwohl dies bei einem größeren Künstler ein Makel gewesen wäre, weisen Antropovs Werke eine gewisse schlichte Ehrlichkeit auf, die ihren Wert im Vergleich zu den geschickteren und raffinierteren, aber weniger aufrichtigen und ernsten Gemälden westlicher Porträtisten, die in Russland tätig waren, erhöht.

Das Porträt Peters III. (1762), in dem die Entartung des Zaren unabhängig von seinen kaiserlichen Attributen gezeigt wird, ist ein weitaus interessanteres und aufschlussreicheres Dokument als die üblichen Porträts, die von den unterwürfigeren, wenn auch geschickteren Ausländern gemalt wurden. Es überrascht jedoch nicht, dass seine Offenheit nicht dazu beitrug, Antropovs Gunst beim Zaren zurückzugewinnen.

Iwan Argunow (ca. 1727-1797)

Iwan Argunow, der Bruder des Architekten und ebenfalls Leibeigener, war zunächst ebenfalls der ikonografischen Tradition verhaftet , befreite sich jedoch schnell davon und machte als Maler durch seine Fähigkeit, die Textur von Stoffen zu vermitteln, auf sich aufmerksam. Er war besonders detailverliebt und schenkte der Zeichnung der Hände große Aufmerksamkeit, verstand es aber auch, einen realistischen, offenen und aufrichtigen Eindruck von seinen Dargestellten zu vermitteln.

Losenkos Porträt eines Schauspielers ist ein Werk von Leben und Originalität; es ist die erste Charakterskizze in der russischen Kunst. Es war vielleicht unglücklich, dass Losenko ein Stipendium erhielt, um nach Frankreich zu gehen, denn in Paris verlor er das Interesse an der Porträtmalerei, in der er sich durchaus hätte auszeichnen können, und wandte sich der Historienmalerei zu. In diesem Genre nahm er einen formalen, scheinheldenhaften Stil an, der ihm und der russischen Kunst fremd war. Sein Einfluss auf die jungen Maler der Katharinenzeit war, wie wir noch sehen werden, beträchtlich.

Die russische Kunst des achtzehnten Jahrhunderts unter Katharina II. (1762-96)

In der zweiten Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts erweiterten die russischen Maler ihre Palette und fügten den Porträts von Menschen Ansichten von Häusern und Landschaften hinzu. Sie experimentierten auch mit Genremalerei und zusätzlichen Formen der Historienmalerei. Gleichzeitig widmeten sie der Porträtmalerei und der Innendekoration immer mehr Aufmerksamkeit und erzielten damit große Erfolge, vielleicht weil dies die beiden Kunstzweige waren, mit denen sie im letzten Jahrhundert am meisten vertraut geworden waren.

In der Porträtmalerei waren ihre Leistungen so groß, dass einige ihrer besten Bilder mit den Werken von Joshua Reynolds (1723-1792) und Thomas Gainsborough (1727-1788) verglichen werden können. Dieser Vergleich ist nicht zufällig, denn der Geist der russischen Werke scheint dem der englischen figurativen Malerei des 18. Jahrhunderts sehr nahe zu sein. Diese Ähnlichkeit muss jedoch zufällig sein und darf nicht auf Kontakte zurückzuführen sein, da die meisten Russen des 18. Jahrhunderts mit der zeitgenössischen englischen Malerei überhaupt nicht vertraut waren. Jahrhunderts die zeitgenössische englische Malerei überhaupt nicht kannten. Daher ist die Ähnlichkeit durch die Ähnlichkeit der Anschauung und des Lebensstils des Adels beider Länder sowie durch den Einfluss derselben Vorbilder auf die Kunst beider Länder zu erklären.

Englische Künstler in Russland

Neben Alexander Cozens (ca. 1717-86) arbeiteten im achtzehnten Jahrhundert vier englische Maler in Russland. Von diesen war Richard Brompton (1734-1782) ein Schüler des bedeutenden Richard Wilson (1713-1782) und Anton Raphael Mengs (1728-1779), obwohl er in der Art von Reynolds malte. Er mag die spätere Entwicklung der russischen Malerei beeinflusst haben, aber seine Werke waren von so geringer Qualität, dass sie in Russland nicht geschätzt wurden, obwohl er dort von 1778 bis zu seinem Tod arbeitete.

Von den anderen Künstlern war John Augustus Atkinson (1770-1831), der im Alter von vierzehn Jahren James Walker, seinen späteren angesehenen Schwiegervater, nach Russland begleitete, ein topografischer Aquarellist; wenn er einen Einfluss hatte, dann nur auf diesem Gebiet.

John Walker, der Sohn eines Kupferstechers, war um 1800 in Russland tätig und wurde vor allem in St. Petersburg für seine üppigen Landschaften und seine etwas glanzlosen historischen Gemälde geschätzt. Edward Miles schließlich, der 1797 nach Russland ging, um Bilder der kaiserlichen Familie zu malen, schuf nur indifferente Werke und hatte keinen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Malerei.

Trotz dieser spärlichen Kommunikation und des scheinbar fehlenden Einflusses haben die besten russischen Porträts des mittleren und späten 18. Jahrhunderts die gleiche Anmut, die gleiche Ruhe und Zuversicht, die gleiche Frische und Direktheit wie ihre besten englischen Zeitgenossen. Sie haben auch etwas von der Eleganz Frankreichs, doch fehlt ihnen die für diese Schule charakteristische Auffälligkeit. Vor allem aber zeichnen sie sich durch eine ureigene russische Aufrichtigkeit und die Vitalität aus, die so oft in der jungen Malerschule zu finden ist.

Fjodor Rokotow (1735-1808)

Fyodor Rokotov war ein herausragender Maler seiner Zeit. Er studierte bei Claude Lorrain und Rotary und bewunderte Toquet sehr. Schon in jungen Jahren zeigte er sich nicht nur als Kolorist und Techniker, sondern auch als Beobachter von Figuren. So ist sein erstes Hauptwerk, ein Gemälde des jungen Großherzogs Paul in Silbergrau, nicht nur elegant und vital, sondern auch als Porträt interessant und überzeugend.

Katharina II. war von ihm so beeindruckt, dass sie beschloss, sich persönlich mit Rokotov zusammenzusetzen, obwohl sie noch nie einem Künstler diese Ehre zuteil werden ließ. Ihr Porträt, datiert 1763, ist eine Dreiviertelkomposition, die sie im Profil zeigt. Trotz des herrischen Kopfes und des Zepters in ihrer Hand ist dieses Porträt weniger förmlich und individueller, als es in den königlichen Porträts jener Zeit üblich war, und die von Rokotov eingeführten kräftigen roten und grünen Farben betonen eher Katharinas Vitalität als ihre Souveränität.

Der Kaiserin gefiel das Porträt, und wenn Rokotov gewollt hätte, hätte er eine Karriere als Hofmaler machen können, aber mit seiner charakteristischen Ehrlichkeit beschloss er, St. Petersburg zu verlassen und nach Moskau zu gehen, wo er ohne die Zwänge der Etikette arbeiten konnte. Dort entwickelte er einen grundlegend psychologischen Ansatz und konzentrierte sich hauptsächlich auf Frauenporträts. Seine Skizze „Dame in Rosa“ ist ein typisches Werk, das in seinem Oeuvre voll ausgebildet ist; es ist sowohl eine Ehre für seinen Pinsel als auch eine Hommage an das russische Mädchen.

So wie Puschkin in seiner „Tatjana“ , Tolstoi in der bezaubernden „Natascha“ die russische Weiblichkeit besang, so bemühte sich Rokotov, das Ideal der Debütantin zu verewigen. Er zeigt sie als vertrauensvoll und gleichzeitig abenteuerlustig, nachgiebig und entschlossen, ein Mädchen, das Jane Austen sicherlich als Heldin gewählt hätte.

Bei einem weniger aufrichtigen Künstler hätten die Zerbrechlichkeit ihres Gesichts, die Verlängerung ihrer Augen und ihr rätselhaftes Lächeln durchaus in Affektiertheit umschlagen können. Das Gemälde, das vom persönlichen Leben des Mädchens, ihrer Neugier, ihrem Vertrauen in die Zukunft und ihrer naiven Koketterie durchdrungen ist, zeigt das Verständnis und die Anmut, mit der sich Rokotov seinen Modellen näherte.

Dmitrij Lewizkij (1735-1822)

Rokotovs Zeitgenosse, Dmitri Levitsky, war ebenfalls ein Künstler von europäischem Format, und in Russland überragte sein Genie seine Zeitgenossen. Seinen ersten Unterricht erhielt er von seinem Vater, einem Kupferstecher des Pechersk-Klosters in Kiew, und als Antropow 1752 Kiew besuchte, nahm der junge Lewizkij noch einige Stunden bei ihm.

Später zog er nach Sankt Petersburg, wo er zwei Jahre lang (1758-1760) bei Lagrenais, Valeriani und Antropov studierte. Dies änderte jedoch nichts an seiner sehr individuellen Herangehensweise und an seiner persönlichen Auffassung von den Aufgaben des Porträtisten; er war weitgehend selbstbestimmt, und sein Stil blieb ausgesprochen realistisch und rein russisch.

Im Gegensatz zu vielen seiner Landsleute hatte Levitsky ein heiteres Gemüt, und sein Sinn für Humor grenzte manchmal an Spott. Levitskys Witz wurde jedoch stets durch Freundlichkeit und Heiterkeit gemildert, und seine Gutmütigkeit verlieh selbst den formellsten Porträts einen gewinnenden Humanismus. Vielleicht war er aus diesem Grund scharfsinniger, vielseitiger und versierter als Rokotov und konnte mehr oder weniger unabhängig von seinen Porträtierten erfolgreiche Ergebnisse erzielen, während Rokotov mehr von deren persönlicher Attraktivität abhängig war.

Levitskys Sensibilität ermöglichte es ihm, seine Porträtierten auch dann zu verstehen, wenn ihr Aussehen oder ihr Charakter ihm unsympathisch waren. Infolgedessen wagte er sich nicht nur an Dinge heran, vor denen viele Künstler zurückschrecken würden, sondern hatte im Allgemeinen auch großen Erfolg. Diese Fähigkeit wurde in einer Reihe von Porträts von Schülerinnen des Smolny-Instituts, Katharinas Saint-Cyr, die er für die Kaiserin malte, anschaulich demonstriert. In diesen Gemälden bringt Levitsky auf wunderbare Weise den Charme und die Albernheit, das Kindliche und die beginnende Reife der Mädchen zum Ausdruck. Ob schön oder einfach, die Mädchen sind alle lebendig, und in allen Gemälden kann man eine tiefe Wertschätzung des Charakters erkennen. Alle Mädchen sind in voller Länge und in Lebensgröße gemalt und posieren entweder vor einem Vorhang oder einer Landschaft. Die Jüngeren sind tanzend oder spielend dargestellt, die Älteren lesend oder ein Musikinstrument spielend. Die Freude des Künstlers über ihre überschwängliche Fröhlichkeit hat ihn nicht über ihre Unreife hinwegtäuschen können; die sorgfältige Studie konnte ihre Individualität nicht vor ihm verbergen.

Ähnlich aufschlussreich ist Levitskys „Porträt des Grafen V. Demidov“. Dies ist eine herrlich leichte und eindringliche Studie. Der Großmagnat steht vor zwei Säulen und zeigt zufrieden auf zwei eher mittelmäßige Pflanzen, die er wohl selbst gezogen hat, denn er stützt sich auf eine Gießkanne.

Die Höhe der Säulen und die Größe des in der Ferne zu sehenden Herrenhauses schmälern den Eindruck dieser gärtnerischen Leistung erheblich, aber da Demidovs Kleidung seinem Beruf ebenso wenig angemessen ist wie die von Mr. und Mrs. Andrews Gainsborough, die zwischen dem Getreide spazieren gehen, ist Demidovs Rustikalität ebenso wenig ernst zu nehmen wie die der beiden. Sein abschätziges Lächeln zeigt, dass er sich in dieser Hinsicht nicht täuscht.

Levitskys Porträt von Diderot , das 1773 in Genf gemalt wurde, zeigt ihn in einer ernsthafteren Art und Weise. Der sinnliche Mund und der durchdringende Blick des großen Denkers sind besonders ausdrucksstark und vermitteln ein tieferes Verständnis seines Charakters als in anderen Porträts. Diderot wusste dies wahrscheinlich, denn in seinem Testament vermachte er dieses Gemälde ausdrücklich seiner Tochter. Heute hängt es in einem Museum in Genf. Viele von Levitskys anderen Porträts, wie die seines Vaters und des Architekten Kokorinov, stehen dem hohen Standard, den er bei Diderot erreichte, in nichts nach.

Lewizkij war vielleicht der erste russische Maler, der von seinen Landsleuten als gleichwertig mit ausländischen Künstlern angesehen wurde. Aber sie hielten ihn lediglich für einen modischen Maler und erkannten nicht, dass sein Humanismus, seine Heiterkeit und sein instinktiver Blick für das Wesentliche seinem Werk eine breitere und dauerhaftere Bedeutung verliehen. Diese Eigenschaften kamen auch dann zum Tragen, wenn sein Werk eindeutig durch die Konvention vorgegeben war, wie zum Beispiel beim ersten Porträt der Kaiserin. So ist Katharinas Gesichtsausdruck zwar unnahbar, aber sie erscheint ohne kaiserliche Insignien, und ihre Weiblichkeit wird durch den antiken Morgenmantel betont, der sich ihrer Figur anpasst, anstatt lose von ihren Schultern zu fallen. In der Tat gleicht sie eher einer Königinmutter als einer souveränen Ahnherrin.

Vladimir Borovikovsky (1757-1825)

Diese Vorstellung von Katharina wurde von Wladimir Borowikowski weitergeführt, der sie in ganzer Länge als ruhige alte Frau malte, die mit ihrem Hund im Park spazieren geht. Der Künstler scheint mehr an der Stattlichkeit ihres Gefolges und dem Obelisken interessiert zu sein, den die Kaiserin als Zeichen des Respekts für Rasumowski errichtete, als an ihrem Rang.

So wie Königin Victoria achtzig Jahre später als süße alte Dame angesehen werden wollte, erscheint Katharina hier als solche, aber eher im Sinne eines romantischen Künstlers als eines sentimentalen, dem bürgerlichen Anstand verpflichteten Künstlers. Das frühere Porträt Katharinas ist Borovikovskys erster Versuch, an der Staffelei zu malen, und zeugt von seinen außergewöhnlichen Fähigkeiten.

Borovikovskys Geschichte ist kurios. Er wurde in der charmanten Stadt Mirgorod in eine Familie von Ikonenmalern hineingeboren, und wie sein Vater, sein Onkel und seine drei jüngeren Brüder begann auch er in dieser Richtung zu arbeiten. Als Katharina 1787 quer durch Russland reiste, um die Krim zu besuchen, organisierte Potemkin den Bau von besonderen Häusern, von denen die meisten provisorisch waren und einige einfach als Tarnhäuser dienten, entlang Katharinas Route. Die Häuser, in denen sie übernachtete, waren aufwändig dekoriert.

Wladimir Borowikowski wurde beauftragt, die Fresken in dem Gebäude zu malen, in dem Katharina in Krementschug übernachtete. In einem der Räume malte Borovikovsky ein Fresko, das Peter den Großen beim Pflügen und Katharina beim Säen zeigt, während zwei geflügelte Dschinns, ihre Neffen Alexander und Konstantin, am Himmel schweben.

Die Allegorie bezauberte Katharina so sehr, dass sie Borovikovsky einlud, nach St. Petersburg zu kommen, um seine Malerei durch ein Studium an der Akademie zu verbessern und Porträtmaler zu werden. Borovikovsky war auf diesem Gebiet erfolgreich. Sein Petersburger Werk ist von einer romantischen Weltanschauung durchdrungen, die sich in der Faszination für Gefühle, dem Interesse für das Allgemeine und das Private manifestiert. Er leitete damit eine neue Richtung in der russischen Malerei ein, die sich bis dahin erst am Realismus und dann am Charakter orientiert hatte.

Die meisten Gemälde Borovikovskys stellen Frauen dar. Da Frauen beeinflussbarer sind als Männer, ist es nur natürlich, dass Borovikovsky als echter Romantiker sie als Darsteller bevorzugte. Seine Romantik zeigt sich deutlich in „Porträt der Fürstin Lopuchina“, einem seiner schönsten Werke. Vergleicht man es mit einem Smolny-Schulmädchen von Levitsky, so wird sofort klar, dass Borovikovsky zwar immer die Ähnlichkeit einfing, aber eher die aktuellen Gefühle als die wirkliche Lebenseinstellung der Person wiedergab.

So ist Borowikowskis Fürstin Lopuchina sicherlich eine junge Dame des 19. Jahrhunderts, ausgestattet mit der Verträumtheit und Sensibilität ihrer Zeit, aber ohne individuelle Züge. Lewizkij hätte sie niemals als Abbild dieser Epoche darstellen können, und auch Borowikowskij hätte sie nicht von ihrer Zeit und dem Umfeld, in dem sie lebt, trennen können. Dennoch ist sie mehr als ein Stereotyp, und ihr unbändiges Lächeln, ihre sanfte Koketterie sind ihr eigen, auch wenn die Pose, die Borovikovsky für sie wählte, und die Empfindungen, die er betonen wollte, eher für ihre Zeit als für sie selbst charakteristisch sind.

Es wurde bereits auf Antony Losenkos frühes Werk als Porträtist verwiesen. Er war jedoch auch ein bedeutender Autor historischer Gemälde mit Themen aus der russischen Vergangenheit und klassischen Themen aus dem antiken Griechenland. Diese Werke erregten zu gegebener Zeit große Aufmerksamkeit in St. Petersburg, und Losenko kann als der erste russische Akademiker angesehen werden, der über historische Themen schrieb.

Die russischen Maler des späten 18. Jahrhunderts, Pjotr Sokolow (1752-1791), Iwan Akimow (1754-1814) und Grigori Ugrjumow (1764-1823), folgten Losenko und trugen dazu bei, den von ihm entwickelten Stil zu etablieren. Wie Losenko schrieben sie in einer Art und Weise, die sich nur wenig von der Arbeit anspruchsloser Akademiker westlicher Herkunft unterschied. Eine ganze Gruppe von Nachfolgern arbeitete in demselben Stil.

Losenko war auch für seine Bleistiftzeichnungen von Genreszenen bekannt, die sowohl hinsichtlich ihres Einflusses auf die Zukunft der russischen Kunst wichtiger als auch an sich wertvoller waren. Leider hat er nur sehr wenige von ihnen geschaffen. Sie zeichnen sich durch eine Aufrichtigkeit aus, die in seinen historischen Rekonstruktionen fehlt, und sind technisch perfekter, da Losenkos schnelle Beobachtung es ihm ermöglichte, das, was er sah, mit einer seltenen Sparsamkeit der Linien zu skizzieren, und seine Bleistiftstriche sowohl die charakteristischen Merkmale der Personen als auch die Textur ihrer Kostüme lebhaft wiedergaben.

Seine Skizze einer Gruppe von Touristen, die dem Bericht eines Reiseführers über Rom in verschiedenen Stadien höflicher Langeweile und Ermüdung folgen, ist unübertroffen, und seine russischen Skizzen in der gleichen Art verbinden ihn in der Malerei mit Graf Fjodor Tolstoi und in der Literatur mit A.P. Tschechow.

Iwan Firsow

Ein weiterer berühmter Maler war Iwan Firsow, von dem man annimmt, dass er von 1748 bis 1756 in Paris studierte. Derzeit ist nur ein einziges Werk von ihm bekannt, das Losenko zugeschrieben wurde, bis eine kürzliche Bereinigung Firsovs Signatur zutage brachte. Der Stil lässt vermuten, dass Firsov stark von Losenkos Genreskizzen beeinflusst wurde oder dass beide Künstler während ihres Aufenthalts in Frankreich unter demselben Einfluss standen.

Unabhängig von der Inspirationsquelle ist dieses Gemälde, auf dem wir einen jungen Künstler sehen, der in das Porträt eines kleinen Mädchens vertieft ist, das erste wirklich intime Gemälde in der russischen Kunst, und es dauerte mehr als hundert Jahre, bis Valentin Serov (1865-1911) erneut einen solchen Erfolg erzielte .

Makhaev war zunächst Schüler von Valeriani und dann von zwei russischen Meistern der Gravur, Ivan Sokolov und Kachalov . Obwohl sowohl er als auch Zubov in ihren Gemälden menschliche Figuren Punkt für Punkt darstellten, sollten sie in erster Linie als Topographen betrachtet werden. Die jüngere Generation von Malern, die ihnen folgte, sollte jedoch nicht nur als Topographen betrachtet werden, denn sie zeichneten nicht nur den Grundriss der Stadt auf, sondern malten auch Porträts ihrer Umgebung mit Seele und Lebendigkeit.

Landschaften

Die frühen Künstler dieser Gruppe hatten eine besondere Vorliebe für Parks, die späteren für bestimmte Paläste und Häuser. Beide fanden zunächst ihre Hauptanwendung in der Innendekoration, denn in den 1770er Jahren begannen architektonische Szenen, die klassischen Gottheiten von gemalten Wänden und Türen zu verdrängen. Diese Kompositionen wurden nach den Vorgaben Panninis geschaffen, und Ruinengruppen mit Säulenstümpfen spielten in solchen Wandmalereien eine wichtige Rolle.

In ihrer Malerei taten sich Perezinotti und Alexei Belsky hervor, und sie besaßen viele solcher Dekorationen in den kaiserlichen Residenzen in und um St. Petersburg. Allmählich führte das Problem, solche Ruinen in einer geeigneten und natürlichen Landschaft zu platzieren, zur Wertschätzung der Landschaft an sich, und sehr bald wurden Landschaften so wichtig wie Säulen, Häuser so wesentlich wie Ruinen, und mit ihnen wuchs das Interesse an der russischen Landschaft im Gegensatz zur ursprünglichen italienischen oder ägäischen Landschaft.

Über die größten Landschaftsmaler siehe: Die besten Landschaftsmaler .

Simon Schtschedrin (1745-1804)

Zu dieser Zeit wurde Landschaftsmalerei noch nicht an der St. Petersburger Kunstakademie gelehrt. Wäre dies der Fall gewesen, hätte die Landschaftsmalerei in Russland wahrscheinlich sofort den Naturalismus angenommen, der sie in Europa kennzeichnete, anstatt sich allmählich auf dem Weg des Formalismus zu entwickeln. So war der erste russische Landschaftsmaler, Simon Schtschedrin, im Wesentlichen ein primitiver Landschaftsporträtist mit dem ganzen Formalismus des frühen Holbein.

Shchedrin verdankte seine Erfahrung als Landschaftsmaler zum Teil seinen Studien im Ausland, zum Teil war er Autodidakt. Später wurde er der erste Lehrer für Landschaftsmalerei an der St. Petersburger Akademie. Zuvor war er Hofmaler von Paulus gewesen. Ein großer Teil seiner Arbeiten aus dieser Zeit diente der Ausschmückung der Paläste von Gatschina und Pawlowsk, wobei er die ihm zugewiesenen Räume über den Türen und zwischen den Fenstern mit besonderem Erfolg ausfüllte.

Diese Gemälde, die in erster Linie zum Vergnügen von Pauls Frau geschaffen wurden, stellten Ansichten der Außenbereiche der Paläste und der Lieblingsspaziergänge der Kaiserin in den englischen Parks dar, die um sie herum gerade erblühten. Die Tafeln spiegeln eine friedliche, verträumte Atmosphäre wider, die besondere Sympathie und Bewunderung hervorruft.

Den Traditionen der Dekorationsmaler gehorchend, wurden die Paläste oft perspektivisch dargestellt, manchmal mit Menschen, die sich halb umdrehen und dem Betrachter den Rücken zuwenden, aber die Qualität der Arbeit, die sensible Wiedergabe der Natur in ihren verschiedenen Stimmungen gehörten zur geschickten Malerei, und diese Szenen waren nicht nur erstklassige Dekoration, sondern auch schöne Bilder, die in jeder Galerie einen würdigen Platz einnehmen konnten. In der Tat war Shchedrin für Landschaften ebenso sensibel wie Levitsky für Menschen, und er sollte mit Levitsky zu den hervorragendsten russischen Malern des 18. Jahrhunderts gezählt werden.

Andere russische Landschaftsmaler des achtzehnten Jahrhunderts

Shchedrins Zeitgenosse, Michail Iwanow (1748-1823), beendete seine Karriere als Landschaftsmaler, obwohl er als Kriegsmaler begann. In den 1780er Jahren schickte ihn der Zufall im Gefolge einer Armee auf die Krim, um die Schlachten zu dokumentieren, die die Russen gegen die Türken führten. Dort war er offenbar vom Anblick der schönsten Landschaften der Welt überwältigt und widmete sich in der Folge vor allem der Darstellung der Natur. Dabei verzichtete Iwanow auf Formalismus, architektonische Anhängsel und dekorative Verzierungen und konzentrierte sich auf die Natur in ihrer natürlichsten Erscheinungsform, wobei er sich als wahrer Schüler Rousseaus erwies, obwohl er sich ihm zweifellos ganz unabhängig davon zuwandte.

Der Architekt Andrej Woronichin (1759-1814) war auch ein bedeutender Maler. Seine Gemälde stehen auf halbem Weg zwischen denen von Shchedrin und Ivanov. Im Gegensatz zu den meisten seiner Zeitgenossen, die wie Iwanow zum Naturalismus neigten, bevorzugte Woronichin von Menschenhand geschaffene Landschaften, und - vielleicht aufgrund seines Berufs als Architekt - gefiel es ihm besser, wenn ein Haus darin zu sehen war, vor allem ein von ihm selbst gebautes! Ein reizvolles Beispiel für sein Werk ist ein Ölgemälde, das eine Villa zeigt, die er für den Grafen Stroganoff an der großen Newa in St. Petersburg (1795-1796) gebaut hat.

Fyodor Matveev (1758-1826) und Fyodor Alekseev (1753-1824) waren ebenfalls feine Landschaftsmaler, die eine größere Opulenz erreichten als Shchedrin oder Voronikhin. Matveevs Romantik war von seiner Bewunderung für Nicolas Poussin beeinflusst, und er stellte immer ein interessantes Objekt wie einen Wasserfall oder eine antike Ruine in den Mittelpunkt eines Bildes. Doch seine Malerei des Himmels, der Luft und der Vegetation ist transparent, direkt und wahrhaft poetisch.

Fyodor Alekseev (1753-1824)

Alekseev war weniger dramatisch und eher bereit, sich auf weniger spektakuläre Landschaften einzulassen. In der Tat war er eindeutig mehr von der subtilen Sensibilität von Canaletto, dessen Werk er sehr bewunderte, als von Poussin beeinflusst. Er verbrachte mehrere Jahre in Venedig, einer Stadt, die St. Petersburg sehr ähnlich war, und der Einfluss dieser Stadt, verbunden mit einer angeborenen Ästhetik der dekorativen Künste, hatte einen großen Einfluss auf die Entwicklung seines Stils. Er wurde zum „Dekorateur“ der kaiserlichen Theater in St. Petersburg ernannt.

In dieser Position malte er seine schönsten Landschaften, oder besser gesagt Stadtansichten, denn ihr Thema ist St. Petersburg. Wie Puschkin war Alexejew besessen von der Schönheit St. Petersburgs, dem majestätischen Lauf der Newa, den prächtigen Straßen und Plätzen, den prächtigen Gebäuden, den stillen Kanälen, der transparenten Atmosphäre und der wogenden Transparenz des Nebels. Er malte die Stadt mit der gleichen Bewunderung wie Alexandre Benois (1870-1960) zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts, und die Werke beider sind gleichermaßen hervorragend.

Die Ansichten von St. Petersburg waren so erfolgreich, dass Alexejew 1802 nach Moskau geschickt wurde, um die malerischeren Aspekte dieser Stadt festzuhalten, deren Interesse um die Jahrhundertwende wieder auflebte. Da er dort in der Doppelfunktion als Topograph und Maler arbeiten musste und seinen Wünschen nicht ganz folgen konnte, ist diese Serie von Gemälden genauer und detaillierter, weniger poetisch als die Petersburger Serie. In beiden Serien erscheint Alekseev jedoch als Realist, wenn auch als Romantiker, und gab den Ton für eine Reihe späterer Künstler an, von denen die wichtigsten Ivan Shishkin (1832-1898), Arkhip Kuindzhi (1842-1910) und Vasily Polenov (1844-1927) waren. Ihre Werke waren präzise und genau, es fehlte ihnen nicht an Sensibilität, aber es fehlte ihnen die weiße Hitze der echten Inspiration. Ihre Gemälde dienten jedoch als Sprungbrett für die Entwicklung der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts, die von so großartigen Künstlern wie Isaac Levitan (1860-1900) und Valentin Serov (1865-1911) verkörpert wurde. Siehe auch: Berühmte Landschaftsgemälde .

Werke der russischen Malerei des achtzehnten Jahrhunderts sind in den besten Kunstmuseen Russlands zu sehen, darunter die Eremitage (St. Petersburg), das Staatliche Puschkin-Museum für Schöne Künste (Moskau), die Tretjakow-Galerie (Moskau) und viele andere.

Kunst unter Zar Peter dem Großen
Zur Geschichte und den Merkmalen der Bildhauerei und Malerei während der Herrschaft Peters des Großen (1686-1725) siehe Petrinische Kunst . Dieser Artikel befasst sich auch mit der russischen Architektur unter Peter und seinen unmittelbaren Nachfolgern (ca. 1686-1760).

ENTWICKLUNG DER KUNST
Zu den Merkmalen der künstlerischen
Bewegungen, siehe: Geschichte der Kunst .
Für Informationen in chronologischer Reihenfolge, siehe:
Chronologie der Kunstgeschichte .