Kunst der Protorenaissance: Definition, Charakteristika, Geschichte Automatische übersetzen

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff „Proto-Renaissance“ auf die Zeit vor der Renaissance (ca. 1300-1400) in Italien und die Aktivitäten fortschrittlicher Künstler wie Giotto (1267-1337), der eine neue Form des figurativen „Realismus“ einführte, die von Künstlern während der eigentlichen Renaissance voll entwickelt wurde. Giottos innovative Kunst entsprach jedoch nicht dem europäischen oder gar italienischen Mainstream. Abgeleitet von den Traditionen der christlichen byzantinischen Kunst - die ihrerseits die Fresken der romanischen Malerei beeinflusste - ist - war der als gotische Kunst bekannte Stil, der in Italien unter anderem in der Stadt Siena auftrat, immer noch der vorherrschende Stil in der Malerei und Bildhauerei.

Tatsächlich überlebte der gotische Stil bis zum 15. Jahrhundert in Form einer Bewegung, die als Internationale Gotik bekannt ist und an vielen Königshöfen in Europa, insbesondere in Frankreich, Spanien, Böhmen und England, populär wurde. Die eigentliche Renaissance begann um 1400 in Florenz, aber ihre Ideale und Methoden wurden erst in der Mitte des 15. Jahrhunderts zu einer dominierenden Kraft in der europäischen Kunst. Die wichtigsten Künste der Proto-Renaissance waren die Wandfresken, die Temperamalerei, die Buchmalerei, die Reliefplastik, die Goldschmiedekunst und andere Metallarbeiten. Die meisten künstlerischen Errungenschaften des Trecento Proto-Renaissance hatten einen direkten Einfluss auf die Frührenaissance Malerei (ca. 1400-90) Quattrocento .

Kirche des Heiligen Franziskus

Die Nähe zu Rom und der Einfluss der Kirche auf alle Aspekte der italienischen Kultur bedeuteten, dass ein Großteil der Kunst (Malerei und Skulptur) religiöse Kunst war. Es ist daher nicht überraschend, dass zwei Kirchen das Tor zur Renaissance bilden. Die erste war die Klosterkirche des Heiligen Franziskus in Assisi . In den letzten Jahrzehnten des dreizehnten Jahrhunderts wurde sie vollständig mit Fresken geschmückt , die von Cimabue (Cenni di Peppi), einem der berühmtesten Maler der Zeit, ausgeführt wurden. Sein Assistent war ein junger Mann namens Giotto di Bondone (1267-1337), den er einstellte, nachdem er gesehen hatte, wie ein junger Mann die Schafe seines Vaters bemalte. Die mit Fresken geschmückten Szenen aus dem Leben des heiligen Franziskus wurden viel realistischer dargestellt als die zeitgenössischen Stile der byzantinischen Kunst .

Die Kapelle von Scrovegni

Die zweite Kirche war die Capella Scrovegni (auch Arenakapelle genannt), die in den 1300er Jahren von Enrico degli Scrovegni in Padua errichtet wurde. Auch sie wurde mit Fresken geschmückt, nur diesmal vollständig von Giotto. Er stellte die gesamte biblische Geschichte der drei Generationen der Heiligen Familie dar: die Eltern der Jungfrau, die Jungfrau selbst und Jesus. Die Erzählung wird mit großer Dramatik in Form von Comicstrips auf Holztafeln dargestellt, die in drei Reihen an den Wänden angeordnet sind. Im Gegensatz zu früheren Traditionen haben diese religiösen Gemälde eine dreidimensionale Qualität, ein Gefühl von Tiefe und Raum, das durch Giottos beispiellosen Einsatz von Modellierung, Schatten und linearer Perspektive erreicht wird. Seine Figuren sehen nicht nur echt aus, sie besitzen auch eine heroische Ruhe, ein Attribut, das zu einem wichtigen Unterscheidungsmerkmal der christlichen Kunst während der italienischen Renaissance wird.

Giotto - „Vater der Malerei“

Giotto di Bondone (ca. 1266-1337) öffnete das Tor zu einer völlig neuen Welt der Malerei, wie Giorgio Vasari in seinem Buch „Leben der Künstler“ (1550) als Erster erkannte, als er Giotto die Wiederbelebung der wahren Malerei, die Einführung der Naturzeichnung und die Rückkehr der italienischen Kunst zu ihrer alten Größe und ihrem alten Prestige zuschrieb. Infolgedessen nannte er den Künstler „den Vater der Malerei“. Unter Giotto wurde die italienische Malerei bis zum siebzehnten Jahrhundert zum führenden europäischen Kunststil.

Als Schüler des Malers Cimabue malte Giotto zunächst in der Oberkirche von San Francesco in Assisi. Dann malte er zwischen 1304 und 1310 einen großen Zyklus biblischer Werke in der Capella degli Scrovegni in Padua (Arena-Kapelle). Siehe zum Beispiel seine Fresken zu „Der Verrat Christi (Der Kuss des Judas)“ (1305) und „Die Beweinung Christi“ (1305).

Nach 1311, abgesehen von einem längeren Aufenthalt in Mailand und Neapel, sind Spuren von ihm in Florenz zu finden. Weitere bedeutende Werke sind teilweise in den Fresken der Bardi- und Peruzzi-Kapellen (entstanden nach 1320) in der Franziskanerkirche Santa Croce in Florenz erhalten. Giotto war auch als Altarbildmaler und Architekt (Campanile des Doms von Florenz) tätig. Mehr über die Florentiner Renaissance und den berühmten Dom, siehe: Der Dom von Florenz, Brunelleschi und die Renaissance (1420-36).

Von Giottos Zeitgenossen bemerkten die Dichter Dante und Petrarca, dass er der erste war, der die Realität in die bildende Kunst einführte. Er füllte den verständlichen Bildraum mit realistischen Gesichtern mit naturalistisch abgerundeten Formen, im Gegensatz zu den flach konzipierten und linearisierten Bildern der byzantinischen Madonnen oder sogar den Madonnen seines Lehrers Cimbue. Kurz gesagt, Giotto unterläuft die unrealistische mittelalterliche religiöse Bildsprache und ermöglicht es dem Betrachter, sich mit der Frau auf dem Thron zu identifizieren, eine Malweise, die die religiöse Kunst in ihren Grundfesten erschüttert.

Darüber hinaus war Giotto in seiner religiösen Historienmalerei in der Lage, gleichzeitig eine Abfolge von Zeitmomenten darzustellen und damit die zeitgenössische Praxis des bildlichen Erzählens erheblich zu erweitern. Er ordnete in einem Bildrahmen Szenen an, die im biblischen Text tatsächlich nacheinander stattfanden.

Gegen Ende von Giottos Leben (1267-1337) vollenden die florentinischen Behörden den Bau der Piazza della Signoria, die zum Zentrum der Stadt wird. Mit ihrem romanischen Rathaus, dem Palazzo Vecchio, und zahlreichen Statuen wurde sie zum künstlerischen und bürgerlichen Zentrum von Florenz.

Die wichtigsten Schüler Giottos sind Maso di Banco (tätig um 1330-1350), der einen besonderen Sinn für abstrakte Oberflächeneffekte entwickelte (Kapelle Bar di Vernio, Santa Croce, Florenz. um 1330-1340), und Taddeo Gaddi (um 1300-1366), der experimentelle Lichteffekte in die Freskomalerei einführte. Giotto hatte auch einen bedeutenden Einfluss auf die konservativere sienesische Schule der Malerei in Siena, dem erbitterten Rivalen von Florenz.

Darüber hinaus waren alle nachfolgenden Alten Meister der Renaissance, darunter die Italiener Mazaccio, Mantegna, Leonardo da Vinci, Raffael, Michelangelo und Tizian sowie die niederländischen und deutschen Maler Roger van der Weyden, Van Eyck, Hieronymus Bosch und Albrecht Dürer, mit Giottos Werk vertraut und erkannten seinen Beitrag zur Kunstgeschichte an.

Die Fresken von Neresi

Die kleine byzantinische Klosterkirche St. Panteleimon in Gorno Nerezi, Republik Mazedonien, wurde 1164 erbaut, und ihre Fresken sind berühmte Beispiele der byzantinischen Kunst der komnenischen Epoche, die die Passion Christi und verschiedene andere hagiografische Darstellungen zeigen. Ähnliche Beispiele mittelalterlicher mazedonischer Wandmalereien wurden im Latomou-Kloster in Thessaloniki gefunden.

Vor allem zeigen diese Fresken, dass die byzantinische Malerei (und ihr berühmtester Abkömmling, die Gotik) nicht die statische Kunstform war, für die einige Renaissance-Gelehrte sie hielten. In dem Maße, in dem dies die Möglichkeit aufwirft, dass sich der byzantinische oder gotische Stil unabhängig zu so etwas wie „dem Renaissancestil“ entwickelt haben könnte ) es gibt Zweifel daran), relativiert es Giottos enormen Beitrag zur Entwicklung der westlichen Malerei.

Die sienesische Schule: Duccio de Buoninsegna

In Siena dauerte es länger, bis sich die religiöse Malerei von der byzantinischen Tradition löste (siehe Romanische Malerei in Italien). - Eine Entwicklung, die Giotto mit einem Schlag vollzog. Infolgedessen stand die sienesische Malerei des frühen dreizehnten Jahrhunderts viele Jahre lang zu Unrecht im Schatten Giottos und seiner Schule. Wo Giotto seine figürliche Malerei durch blockartige Volumina aufwertete, blieb die Linie alles für den sienesischen Führer Duccio de Buoninsegna (1255-1318).

Doch sowohl in der Schönheit der Linie und der graphischen Entwicklung als auch im Reichtum der Materialien und Farben steht Duccio Giotto in nichts nach, und in der Bildsprache der Erzählung, in der Zeichnung, in den sensiblen Abstufungen der Farben und den überraschend tiefen Bild- und Landschaftsräumen, übertreffen den Florentiner Maler sogar, wie man in „Duccios Szenen aus dem Leben Christi“ auf der Rückseite des Maestina-Altars (1308, Museo dell’Opera Metropolitana, Siena), einem gigantischen ehemaligen Altarbild des Doms von Siena, sehen kann. Auf der Vorderseite sitzt Maria inmitten eines Kreises von Heiligen, in einer frühen Interpretation „des heiligen Gesprächs“, eines Bildthemas, das später im Florentiner Quatrocento populär wurde.

Wie Giotto erforschte auch Duccio verschiedene, aber harmonische Wege, wie die Kunst auf die Erfahrungen des Betrachters in der Alltagswelt Bezug nehmen konnte, ohne dabei den Sinn für das Heilige zu verlieren. Giotto - zunächst in Assisi in den 1290er Jahren und dann in der Arenakapelle in Padua (um 1305) - bevölkerte aufwendige Räume mit dreidimensionalen Figuren in bedeutungsvollen Posen. Duccio hingegen zog es vor, Farbe, dekorative Effekte und fein artikulierte Figuren zu betonen, um eine lyrischere, aber nicht weniger menschliche Wirkung zu erzielen. Siehe auch: Verkleinerte Duccio’s Stroganoff Madonna (1300). (Siehe auch: Die besten Zeichnungen der Renaissance .)

Schule von Siena: Simone Martini

Simone Martini (1284-1344), ein Schüler von Duccio , repräsentiert eine noch größere Bandbreite an Themen und Stilen. Auch er begann in Siena und malte „Maesta“ (1315) als Fresko für den Palazzo Público, eine höfische Variation des Themas von Duccios Altarbild in der Kathedrale. Sein Meisterwerk ist jedoch das exquisite Triptychon der Verkündigung (1333), das für den Dom von Siena gemalt wurde. Martinis weitere Arbeiten in Italien lassen zunehmend den Einfluss der spätfranzösischen gotischen Buchmalerei erkennen, wie in den Fresken der Martinskapelle in der Unterkirche von San Francesco in Assisi, und der Künstler wurde 1317 sogar Hofmaler in Neapel unter Robert I. von Anjou.

Von Martini erfahren wir viel mehr über das höfische Leben des Trecento als von Giotto, der sich um ewig klassische religiöse Bilder bemühte, die abseits des täglichen Lebens existierten. Martini arbeitet sich allmählich bis nach Avignon vor, obwohl sein Werk dort nicht erhalten geblieben ist.

Die Sieneser Schule: Ambrogio und Pietro Lorenzetti

Zwei weitere bemerkenswerte Künstler aus Siena waren die Brüder Ambrogio Lorenzetti (ca. 1290-1352) und Pietro Lorenzetti (ca. 1280-1348) - höchstwahrscheinlich Schüler von Duccio. Ihre Altarbilder und Fresken, die auch einen gewissen Einfluss von Giotto aufweisen, sind emotionaler und lebendiger als die ihrer sienesischen Zeitgenossen. Ambrogio Lorenzettis größtes Meisterwerk, die monumentale „Allegorie der guten und schlechten Regierung“ (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena), ist nicht nur das erste Landschafts- und Stadtbild in der europäischen Kunst, sondern offenbart auch ein Verständnis der städtischen Regierung von Siena in ihren unzähligen Details.

Avignon: Französische Buchmalerei

Im Jahr 1309 führte die Anarchie in Rom zur Verlegung des päpstlichen Hofes in die alte südfranzösische Stadt Avignon. Das Vorhandensein einer so reichen Quelle von Mäzenatentum zog viele Künstler an, darunter Simone Martini und, wie man munkelt, auch Giotto. In der Folge blühte Avignon als künstlerisches Zentrum auf und wurde zum Ausgangspunkt für die Ausbreitung der italienischen Kunst nach Norden in das Burgund, nach Zentralfrankreich und in die Niederlande.

Am Hof von Avignon verband sich die spätgotische Naturbetrachtung, die Poesie, die mystische Theologie , die devotio moderna mit der italienischen Schönheit der Linie. Die Buchmalerei wird zum Kunstmedium der Zeit: Luxuriös, leicht zu verpacken und zu transportieren, werden die illuminierten Bücher zu Sammlerstücken. Sie dienten sowohl der Ehre von Höflingen und Fürsten, wie dem Duc de Berry in Bourges (Bruder von Philipp II. dem Kühnen von Burgund), als auch der privaten Verehrung.

Unter den zahlreichen hochwertigen Miniaturen dominiert in der ersten Hälfte des vierzehnten Jahrhunderts das Werk des Pariser Meisters Jean Pucel (ca. 1290-1334) und später der Brüder Van Limburg (ca. 1380-1416). Im Auftrag des Duc de Berry fertigten sie mehrere illuminierte Manuskripte oder „Stundenbücher“ an, darunter Meisterwerke wie „Les Belles Heures“ (1408, Metropolitan Museum of Art, The Cloisters, New York) und das prächtige Uhrenbuch des Herzogs von Berry (1413-16, Musée de Condé, Chantilly) „, das nach Ansicht des Historikers Johan Huizinga das zarteste und schönste Werk der Miniaturkunst“ ist. Diese Stundenbücher aus dem frühen fünfzehnten Jahrhundert mit ihren detaillierten Illustrationen des Jahreszyklus der Natur stellen die erste Serie von Genrebildern in der Geschichte der Malerei dar. Sie nahmen die spätere religiöse Bildkunst vorweg, und ihre tief eingerahmten Innenräume ebneten den Weg für die Kunst von Jan Van Eyck „in Miniatur“.

Tafelbilder und Fresken zeigen ein entsprechend weniger eigenständiges Profil, mit Ausnahme der Werke verschiedener regionaler Schulen, wie etwa der Schule der Provence um 1400. Jean Fouquet (ca. 1420-1481) ist als Miniaturist und Pannost ebenfalls eine Ausnahme und hat die französische Malerei wesentlich begründet: siehe sein herausragendes Diptychon von Melun (1450-55).

Die internationale Bewegung der gotischen Kunst

Zwischen etwa 1370 und 1430 tritt in der europäischen Malerei ein ähnliches Phänomen auf, das von England über Frankreich, Burgund, Nord- und Mitteldeutschland, Böhmen, Österreich bis nach Italien reicht. Züge des internationalen gotischen Stils zeigen sich in den Skulpturen „der Schönen Madonnen“, in den Tafelbildern, Fresken und der Buchmalerei der Epoche sowie im Schmuck.

Skulpturen, illuminierte Manuskripte und Andachtsbilder dienten als Mittel der Diplomatie und als Geschenke zwischen Höfen und Regierungen. Die raffinierte Hofkultur, deren Stil zunächst am böhmischen Hof des Habsburger Kaisers Karl IV. und dann an den Höfen der Herzöge von Burgund europäische Maßstäbe setzte, machte sich in der Malerei in Form von schimmernden Goldhintergründen, zart changierenden Farben, subtil bewegten Gewändern, erlesenen Gesten und vieldeutig lächelnden Gesichtern von Heiligen und Engeln bemerkbar. Die Privatkapellen Kaiser Karls aus der Frühzeit sind umfassende Kunstwerke, die Edelsteine mit Tafelmalerei, Fresken und liturgischen Ausstattungen verbinden.

In Italien entstand der späte gotico internationale zur gleichen Zeit wie die Frührenaissance und erfreute sich bei seinen Zeitgenossen gleicher Beliebtheit. Der Einfluss der Werke von Lorenzo Monaco (ca. 1370-1425), Gentile da Fabriano (ca. 1365-1427) und Masolino (1383-1440) ist noch nach 1498 in den späten religiösen Werken von Botticelli zu erkennen.

In Burgund war der flämische Erneuerer Melchior Broderlam (ca. 1350-1411) wegweisend für die Kunst von Robert Kampen und Jan van Eyck, während in Deutschland die Künstler der Kölner Schule, vor allem Stephan Lochner (ca. 1405-1451), und im Norden die Meister Bertram (ca. 1340-1415) und Franke (ca. 1380-1430), die Linearität der böhmischen Hofkunst mit dem Detailreichtum der französischen Buchmalerei und der frühen niederländischen Meister verbanden.

Hinweis: Werke, die den Malerei- und Illuminationsstil der Proto-Renaissance widerspiegeln, sind in einigen der schönsten Kunstmuseen der Welt zu sehen.