Nowgoroder Schule für Ikonenmalerei Automatische übersetzen

Als herausragendes Zentrum der christlichen Kunst produzierte die Nowgoroder Schule zwischen dem zwölften und sechzehnten Jahrhundert so viele Tafeln von sehr hoher Qualität, dass ihre Produktion den Titel der besten und wichtigsten in der Geschichte der Ikonographie verdient. Sicherlich übertreffen einige byzantinische Ikonen, wie die Jungfrau Maria von Wladimir (um 1131), alles, was von der Nowgoroder Schule geschaffen wurde; aber es gibt viele einzelne Meisterwerke der russischen Kunst, während nicht genügend byzantinische Ikonen existieren, um uns eine Vorstellung von dem allgemeinen Standard zu geben, den die byzantinischen Künstler zu einer bestimmten Zeit erreicht haben. Bis mehr byzantinische Kunst entdeckt wird, muss die Nowgoroder Schule der Ikonographie als die reichste und produktivste akzeptiert werden. (Siehe auch: Christliche Kunst, byzantinische Periode .)

Viele Nowgoroder Werke stehen in einer Reihe mit den besten Beispielen der mittelalterlichen Malerei der italienischen Primitiven des vierzehnten Jahrhunderts - wie der sienesischen Malschule, oder den perfekten Beispielen der biblischen flämischen Malerei .

Ikonenmalerei 1300-1400: ein spiritueller Ansatz

Der grundlegende Ansatz des Ikonographen unterscheidet sich jedoch von dem, was wir im Westen sehen, und eine Novgoroder Ikone aus dem frühen vierzehnten Jahrhundert, die den Propheten Elias darstellt, zeigt deutlich die Einstellung der mittelalterlichen russischen Künstler zur religiösen Malerei. Die Nowgoroder Maler versuchten, den Glauben im Menschen zu wecken, indem sie seine Augen als Weg zu seinem Geist und seiner Seele nutzten. Der Prophet wird daher als ein Mann dargestellt, der sich ganz auf das Spirituelle konzentriert, und die Ikone ist absichtlich frei von Verzierungen und Raffinessen, die sie attraktiv gemacht hätten. Stattdessen ist ihre Intensität überwältigend. Ein großer Teil ihrer Kraft ist dem vollkommen einfachen, flachen, leuchtend roten Hintergrund zu verdanken, der irgendwie die Grobheit vermeidet und sich sogar dadurch auszeichnet, dass er als Spiegelung des heftigen Lichts erscheint, das die unnachgiebigen Augen des Propheten beleuchtet.

Ikonographie 1400-1500: Zunehmende Verwendung von Linie und Farbe

Im fünfzehnten Jahrhundert blieb die Spiritualität dieses Ansatzes so rein und inspiriert wie im vierzehnten Jahrhundert, aber sie fand ihren Ausdruck in einer feineren Komposition, in einem sanften linearen Rhythmus, in der großartigen Ausgewogenheit neuer Proportionen und in der unübertroffenen Schönheit und Sicherheit der Farbe siehe zum Beispiel die Fresken Melchisedek (1378) von Theophanes dem Griechen in der Kathedrale der Verklärung in Nowgorod.

Diese Charakterisierungen scheinen heute die besten Errungenschaften der Schule zu sein. Sie sind deutlich in der Ikone „Kreuzabnahme“ (um 1430) zu sehen, die sich früher in der Ostrukhov-Sammlung und heute in der Tretjakov-Galerie befindet. Die Nowgoroder Malerei zeichnet sich durch eine starke Dehnung der Figuren aus. In dieser Ikone zeigt sich dies in der großartigen Linienführung der gebeugten Figuren und der Anmut der Kurve des leblosen Körpers Christi. Diese Formen werden durch den klaren, geradlinigen Umriss des großen Kreuzes hervorgehoben, das das Auge durch seine Größe anzieht, aber den Geist frei lässt, um auf die rhythmische Konzeption der Szene zu reagieren.

Der streng symmetrische Hintergrund wirkt der Geschmeidigkeit der geschwungenen Linie entgegen, ebenso wie die ausdruckslosen Gesichter der Trauernden das zentrale Objekt auf eine ganz eigene Ebene stellen. Als Gefährten Christi sind sich die Trauernden ihrer besonderen Stellung bewusst und üben trotz ihrer allzu menschlichen Neigung zur Trauer eine strengere Selbstbeherrschung aus, als es für normale Menschen typisch ist. Obwohl sie also wie jeder andere Mensch auch Schmerz empfinden, wird ihr Leiden abstrakt dargestellt und eher durch eine vorgeschriebene Gruppierung und Körperhaltung und eine rhythmische, lineare Wirkung ausgedrückt als durch individuelle, von Trauer geprägte Gesten.

Rhythmus schaffen

Der für die Malerei von Nowgorod so charakteristische Sinn für Rhythmus war bereits in der religiösen Kunst des zwölften Jahrhunderts in Russland vorhanden. In Nowgorod wurde er jedoch erheblich weiterentwickelt und wird von da an zu einem grundlegenden Element der russischen Malerei. Besonders deutlich wird dies in einer besonders interessanten Ikone, die die Schlacht zwischen den Nowgoroder und den Susdalern im Jahr 1170 darstellt.

Das Gemälde stammt aus der ersten Hälfte des fünfzehnten Jahrhunderts und wird im Nowgoroder Museum aufbewahrt. Die Ikone ist horizontal in drei Teile gegliedert, von denen der unterste einen Zusammenstoß zwischen zwei Gruppen von Rittern zeigt. Hier treten Realismus und historische Authentizität zum ersten Mal in der Ikonographie in Erscheinung, aber sie bleiben Gegenstand einer strengen Stilisierung. So sind die Ritter zwar echte Männer im Kampf, aber keine Individuen, und die Kampfszene ist völlig unrealistisch - und daher ohne jede lineare Perspektive oder naturalistische Verkürzung -, vor allem, weil sie dem gotischen Stil des fünfzehnten Jahrhunderts entspricht, der auf Rhythmus und dekorativer Symmetrie besteht.

In dieser Ikone ergibt sich der Rhythmus aus den Kurven der wehenden Wimpel, den gewölbten Hälsen der Wagenlenker, den geneigten Köpfen und den bauchigen Helmen der Reiter und ihren abgerundeten Schilden, die im Kontrast zu den geraden Lanzen, den erhobenen Armen und den spitzen Pfeilen stehen.

Diese Tempera- Ikone ist praktisch das einzige erhaltene Beispiel für eine mittelalterliche russische dekorative im Gegensatz zu einer traditionellen byzantinischen Komposition, aber sie ist ein so perfektes Werk, dass es schwer zu glauben ist, dass sie zu ihrer Zeit nicht ebenso einzigartig war wie heute. Es ist interessant, es mit einem fast zeitgenössischen Werk der frühen Renaissance zu vergleichen, der „Schlacht von San Romano“ (1438-55) von Paolo Uccello.

Während Uccello versuchte, die Bewegung durch individuelle Gesten und Handlungen zu vermitteln, versuchte der Ikonograph, sie durch rhythmische Komposition und Gruppierung auszudrücken. Während der Italiener das Porträt anstrebte, betrachtete der russische Meister, der in der byzantinischen Tradition arbeitete, die menschliche Gestalt als ein Symbol für Ritterlichkeit und Rechtschaffenheit. Obwohl beide Künstler von so unterschiedlichen Gesichtspunkten ausgingen, erzielten sie doch sehr ähnliche Ergebnisse, denn beide vermitteln einen ebenso klaren und eindeutigen Eindruck vom Spektakel des mittelalterlichen Rittertums und der Kriegsführung, und beide liefern durch die Unterordnung des Realismus unter das Malerische einen wertvollen Beweis für die Bedeutung, die das Europa des fünfzehnten Jahrhunderts, ob katholisch oder orthodox, westlich oder östlich, den dekorativen Künsten beimaß . Eine Bedeutung, die im Falle Westeuropas die Beliebtheit des internationalen gotischen Stils erklärt.

Pskow und Twer

Dieses dekorative Element und der ausgeprägte Sinn für Rhythmus sind auch in der Malerei der Nowgoroder Satellitenstadt Pskow und ihrer Außenposten wie Twer zu finden. Diese Städte teilten Nowgorods Gespür für Farben und waren fast ebenso erfolgreich wie Nowgorod, wenn es darum ging, unerwartete Farbtöne in harmonische und ausgefallene Kompositionen zu mischen.

In den religiösen Gemälden von Nowgorod sind die Wahl und die Kombination der Farben so kühn und die Qualität so strahlend, dass man sie sehen muss, um sie sich vorstellen zu können. Eine schwarz-weiße Reproduktion kann zum Beispiel keine Vorstellung von ihrer Vielfalt und ihren Variationen geben; sie kann nur einen Eindruck von der festen, aber gewundenen Zeichnung, dem subtilen Geist, der religiösen Inbrunst und dem etwas naiven Naturalismus des Werks vermitteln. Die Tatsache, dass diese Reproduktionen so gut gelungen sind, zeugt von der ausgezeichneten Qualität der Gemälde; dennoch ist das Novgoroder Gemälde ohne Farbe gesehen kaum besser als eine üppige Sommerlandschaft, die nur im Mondlicht zu sehen ist.

Nereditskaya-Gemälde

Novgorod Wandmalerei ist von demselben Geist durchdrungen und von denselben Merkmalen geprägt wie die Ikonen. Zahlreiche schöne Beispiele haben bis zum Zweiten Weltkrieg überlebt, wie in der Mariä-Entschlafenskirche in Bolotowo (1362), in der Theodore-Stratelitsa-Kirche (1370) in Nowgorod oder in der Hauptfriedhofskirche von Nowgorod (1390). Diese wunderbare Blüte der Wandmalerei wurde am Ende des zwölften Jahrhunderts durch eine Reihe von Fresken in der Kirche des Erlösers in Nereditsa repräsentiert, die sowohl wegen ihres frühen Datums als auch wegen ihrer hohen Qualität bemerkenswert sind.

Die Fresken wurden innerhalb weniger Jahre nach dem Bau der Kirche im Jahr 1199 fertiggestellt, und ihre Zerstörung während des letzten Krieges war ein schwerer Verlust. Die Gemälde nahmen die gesamte Wandfläche des Innenraums ein, mit Ausnahme eines breiten Streifens auf Bodenhöhe, der in der Farbe des Marmorfurniers bemalt war.

Der für die Fresken vorgesehene Raum war so viel größer als üblich, dass die beauftragten Künstler sich neue Szenen und Zyklen ausdenken mussten, um ihn zu füllen. Das Ergebnis war eine Kirche, die sowohl ikonographisch interessant als auch ästhetisch aufregend war.

Die traditionellen Szenen nahmen die von der byzantinischen Tradition vorgeschriebenen Plätze ein. So erschien der Pantokrator in der Kuppel, die Jungfrau von Oran und die Kommunion der Apostel an der Ostwand und das Jüngste Gericht an der Westwand. Auch ein Porträt des Stifters, Fürst Jaroslaw Wladimirowitsch, wurde angebracht, wie es manchmal in Konstantinopel und häufig in Serbien, Bulgarien und Zypern der Fall war, auch wenn die Beispiele in diesen Gebieten meist späteren Datums sind. Die ikonografischen Merkmale der Freskenmalerei von Nereditsa sind sehr wichtig, aber da ikonografische Details eher für Gelehrte als für Kunstliebhaber von Interesse sind, werden hier nur vier Beispiele angeführt.

So wird erstens die Jungfrau mit einem Medaillon Christi auf der Brust dargestellt. Das früheste bisher bekannte Beispiel dieses Typs ist das von Bethlehem aus dem Jahr 1169; in Russland wurde es laut Mjasoedow, dem Restaurator dieser Bilder, erst im vierzehnten und fünfzehnten Jahrhundert üblich. Zweitens folgt die Szene, in der der Prophet Elias von Raben gefüttert wird, einer Variante, die für die serbische Kunst des vierzehnten Jahrhunderts typisch wurde. Drittens ist die Szene, in der die Erde ihre Toten freigibt, hier in das Jüngste Gericht integriert. Schließlich tauchen die russischen Volksheiligen Boris und Gleb zum ersten Mal auf.

Myasoedov hat sieben Hauptstile in diesen Gemälden ausgemacht. Der vorherrschende Stil, ähnlich wie bei den schönen Fresken im alten Ladoga, war der volkstümliche Stil. Ein anderer, von Myasoedov als archaisch bezeichneter Stil ähnelt mit seinen gröberen Farben und geschwungenen Linien den Ikonen des neunten und zehnten Jahrhunderts auf dem Sinai; ein dritter, in dem modellierende Effekte erzeugt wurden, ähnelt den Mosaiken der Heiligen Sophia in Thessaloniki.

Werke im rein konstantinopolitanischen Stil erscheinen neben einem schwereren orientalischen Stil, der an die Fresken in der Kirche des Heiligen Georg in Ani erinnert. Ein noch stärkerer syrischer Stil war ebenfalls vertreten, und der westliche Einfluss war offensichtlich, insbesondere in der Behandlung einiger Draperien und in einigen Gesichtern, die einigen Fresken in Santa Croce in Jerusalemma in Rom ähnelten; andere Gesichter ähneln denen in den Gemälden der Kirche der Quattro Coronati, ebenfalls in Rom. Abgesehen von dem vorherrschenden novgorodischen Einfluss - und es sei darauf hingewiesen, dass bis auf einen Fall alle Inschriften auf diesen Fresken in slawischer Sprache waren - hat der Restaurator also nur wenige Spuren konstantinopolitanischen Einflusses gefunden, dafür aber viel aus Syrien, Kleinasien und dem Westen.

Es ist nicht mehr verwunderlich, wenn wir uns daran erinnern, dass einerseits der Herrscher von Nowgorod, Fürst Jaroslavs Frau Maria, kaukasischer Abstammung war und andererseits Jaroslav 1199, also im selben Jahr, in dem die Kirche datiert ist, den ersten Freundschaftsvertrag Russlands mit Deutschland unterzeichnete. Eine solche Vermischung ausländischer und nationaler Elemente entsprach durchaus der russischen Praxis, aber trotz der Fülle an Stilen, die in Nereditsa zu finden sind, stellen die Fresken definitiv ein einziges, rein russisches Ganzes dar.

Fresken im Mizhor-Kloster

Die etwas älteren Fresken in der Erlöserkirche im Mizhor-Kloster in Pskow (1156) waren weniger kosmopolitisch. Bis vor kurzem war man der Meinung, dass Pskow nur eine Untergruppe der Nowgoroder Malerschule darstellt. Neuere Entdeckungen haben jedoch erhebliche Unterschiede zwischen den beiden Schulen aufgezeigt.

Wie es bei einer Provinzstadt oft der Fall ist, war Pskow viel weniger entwickelt als Nowgorod, und obwohl sie praktisch die gleichen Zutaten verwendete, mischte sie sie unterschiedlich, und der Einfluss der Lokalität neigte dazu, sich durchzusetzen. Infolgedessen sind die lokalen Tendenzen in Pskow deutlicher zu erkennen, und der spirituelle Ansatz ist rein russisch. Er beruht auf der Überzeugung, dass Heilige und heilige Menschen, obwohl sie den weltlichen Menschen überlegen sind, im Wesentlichen menschlich sind. Als solche erleiden sie Schmerz und Glück genau wie ihre Mitmenschen und unterscheiden sich von ihnen nur durch ihre Reaktionen.

Dieses Konzept durchdringt die Pskower Malerei und verleiht ihr eine ansprechende Intimität und Aufrichtigkeit. Im fünfzehnten Jahrhundert wurde es mit großem technischen Geschick zum Ausdruck gebracht. Der neue lineare Rhythmus verstärkte den spirituellen Ernst und erzwang eine strenge Beherrschung von Pose und Gestik. Dennoch wird in Pskow, vielleicht mehr als anderswo in Russland, die byzantinische Strenge durch jenen Humanismus gemildert, den wir als charakteristisch für Russland betrachten, obwohl er in der byzantinischen Ikone der Madonna von Wladimir .

Die prächtigen Farbschemata von Nowgorod trugen vielleicht mehr als alles andere zur Einheit und Schönheit der Fresken von Nereditsa bei. Pskow teilte diese Farbwahrnehmung, drückte sie aber etwas anders aus. Mizhorskys Gesichter waren beispielsweise stark mit tiefen, intensiven Farbpigmenten modelliert, es herrschte Olivgrün vor, die Lichter reichten von Ocker bis Weiß, und die Augen, die Nase und die Hände waren rotbraun umrandet.

Während Novgorod seine Figuren vor einem hellen Hintergrund, vorzugsweise weiß oder blass ockerfarben, platzierte, bevorzugte Pskov sie vor einem tiefen, leuchtenden blauen Hintergrund und mochte es, wenn die Umrisse der Landschaft in der Ferne schwach grün oder blass gelb waren. Helle Vorhänge, wie z. B. weiß oder grün mit Schatten, überlagert von blassblau oder zwei Grüntönen, oder weiß mit gelben Schatten, waren eine beliebte Ergänzung zu solchen Hintergründen.

Fresken des Klosters Snetogorsk

Eine emotionalere Herangehensweise kennzeichnet die schönen Wandmalereien im Snetogorsk-Kloster bei Pskov aus dem Jahr 1312. Er wird durch die große Vielfalt an Gesten und Körperhaltungen und durch die wechselnden Winkel, in denen die Köpfe der Heiligen geneigt waren, vermittelt. Ihre Gesichter waren langgezogen, und ihre Augen, die in tiefen Vertiefungen lagen, blickten mit einer solchen Intensität, dass die Fresken eine eigene Spiritualität bekamen. Die Gewänder waren aufwändiger drapiert als in der russischen Kunst üblich; die Farbenvielfalt wurde durch eine Vielfalt von Schattierungen ersetzt, z. B. von Rosa über Hellrot bis Gelb.

Grau-, Violett- und Blautöne kamen dagegen nur selten vor, und in den Szenen, die vor dem letzten Krieg gesäubert und restauriert wurden, gab es keine Spur von Grün. Die den Russen eigene Liebe zum Kontrast wurde durch die Betonung von Licht- und Schatteneffekten befriedigt, was dazu führte, dass fast alle roten Farben weiße Flecken aufwiesen und die Fleischtöne entweder sehr dunkel, rot oder violett oder fast weiß waren.

Die größten Vertreter der Nowgoroder Schule der Ikonenmalerei

Der Reichtum und die Vielfalt der Nowgoroder Malerei ist unendlich, aber praktisch alle Schöpfer dieser zahlreichen Meisterwerke sind unbekannt geblieben, und die Namen von nur drei der größten alten Meister sind unter den Liebhabern der russischen Kunst als Schimpfwörter bekannt.

In Russland, wie auch im Westen, waren praktisch alle Vertreter der mittelalterlichen christlichen Kunst Mönche, die zur Ehre Gottes und ihres Klosters und nicht für persönlichen Ruhm arbeiteten. Diese mittelalterlichen Künstler signierten ihre Tafeln selten, und die drei Männer, deren Namen in ganz Russland bekannt sind, bildeten keine Ausnahme von dieser Praxis, aber sie waren Künstler von so herausragendem Wert, dass ihr Genie ihnen in ihrer eigenen Zeit Ruhm und in unserer Ruhm einbrachte.

Theophanes der Grieche (ca. 1340-1410)
Russischer El Greco. Nur Fragmente seiner religiösen Wandmalereien und einige Ikonen sind erhalten geblieben. Sein Ansatz mag einen Hauch von konstantinopolitanischer Raffinesse haben, aber sein Können ist sicherlich das eines großen Meisters, und sein Geist ist ausschließlich russisch. Theophanes schenkte Russland nicht nur einige seiner schönsten Gemälde, sondern nimmt auch als Meister von Andrej Rublew einen wichtigen Platz in der Geschichte der russischen Kunst ein.

Andrej Rublew (ca. 1360-1430)
Der größte russische Ikonograph, dessen Werk das Beste der mittelalterlichen Malerei des 14. Jahrhunderts verkörpert. Jahrhunderts verkörpert. Er wird oft als Meister der Wladimir-Suzdal-Schule oder der frühen Moskauer Schule bezeichnet, doch sein Stil ist in der Nowgoroder Tradition verwurzelt. Er ist bekannt für seine biblische Ikonentafel „Ikone der Heiligen Dreifaltigkeit“ (1411), gemalt für die Dreifaltigkeits-Sergius-Lawra (in der Stadt Sergiev Posad).

Dionisius (ca. 1440-1502)
Während Rublev sich mit der alten ikonographischen Tradition begnügte, war Dionisius in seiner Komposition viel experimenteller. Die Ankunft einer Gruppe italienischer Frührenaissance-Künstler in Moskau hatte einen großen Einfluss auf seine Wandgemälde und Tafeln. Seine besten Fresken befinden sich im Ferapontov-Kloster, seine besten Ikonen im Volokolamsk-Kloster. Seine Kunst legte den Grundstein für die kommende Moskauer Schule der Malerei .

Werke, die den Stil der Nowgoroder Malerschule widerspiegeln, sind in einigen der besten Kunstmuseen Russlands zu sehen, darunter das Wladimir-Suzdal-Museum, das Nowgoroder Museum, das Museum für westliche und östliche Kunst in Kiew (auch bekannt als Bogdan- und Varvara-Khanenko-Museum für Kunst) und die Tretjakow-Galerie.

ENTWICKLUNG DER VISUELLEN KUNST
Mehr über Trends und Stile in der Kunst siehe: Geschichte der Kunst . Für die Chronologie, siehe: Chronologie der Kunstgeschichte . Für einen kurzen Leitfaden zu bestimmten Stilen siehe: Künstlerische Strömungen .

BILDKUNST IN SAINT PETERSBURG
Die Stadt St. Petersburg wurde von Zar Peter dem Großen während der Ära der Petrinischen Kunst gegründet, die Architektur, Bildhauerei, Malerei, Gravur und Buchillustration sowie viele andere Kunstformen umfasst. Siehe auch: Russische Malerei des achtzehnten Jahrhunderts .

MODERNE KUNST IN RUSSLAND
Zur modernistischen Malerei siehe: Russische Malerei des neunzehnten Jahrhunderts .

RÖMISCHE KUNST IN EUROPA
Für allgemeine Informationen siehe Romanische Kunst (ca. 1000-1200). Zu den religiösen Fresken hier: Romanische Malerei .