Gotische Kunst: Merkmale, Geschichte Automatische übersetzen

Zusammenfassung – Eigenschaften

Der Begriff " Gothic Style "bezieht sich auf den Stil der europäischen Architektur, Bildhauerei (und der kleinen Künste), der das Mittelalter miteinander verband Romanische Kunst mit dem Frühe Renaissance . Die Periode ist unterteilt in Frühgotik (1150-1250), Hochgotik (1250-1375) und Internationale Gotik (1375-1450). In erster Linie eine öffentliche Form von Christliche Kunst In der Zeit von 1150 bis 1250 blühte es zunächst auf der Ile de France und in der umliegenden Region und verbreitete sich dann in ganz Nordeuropa.

Ihre Hauptausdrucksform war die Architektur - Am Beispiel der Großen Gotische Kathedralen von Nordfrankreich. Die beiden Hauptdekorstile finden Sie unter Rayonnant gotische Architektur (c.1200-1350) und das spätere Extravagante gotische Architektur (1375-1500). Die besten Beispiele für gotisches Design sind: Kathedrale von Chartres (1194-1250); Kathedrale Notre Dame (1163 & ndash; 1345); Sainte Chapelle (1241 & ndash; 48); und Kölner Dom (ab 1248); sowie die Kathedralen von Canterbury, Winchester, Westminster Abbey und Santiago de Compostela. Im gotischen Design wurden die planaren Formen der vorherigen romanischen Redewendung durch einen neuen Linienfokus ersetzt. Und seine hoch aufragenden Bögen und Strebepfeiler ermöglichten das Öffnen von Wänden für beispiellose riesige Fenster Glasmalerei gefüllt mit wunderschön inspirierenden durchscheinenden Bildern von Biblische Kunst , weit über alles, was Wandmalerei oder Mosaikkunst zu bieten hatte. All dies erzeugte eine evokative humanistische Atmosphäre, die sich von der romanischen Periode deutlich unterschied. (Im späten 14. Jahrhundert entstand ein säkularer gotischer Stil, bekannt als Internationale Gotik , die sich über Burgund, Böhmen und Norditalien ausbreiten.)

Gotische Kunst, ausschließlich religiöse Kunst verlieh der wachsenden Macht der Kirche in Rom ein gewaltiges greifbares Gewicht. Dies begeisterte nicht nur die Öffentlichkeit und ihre weltlichen Führer, sondern stellte auch die Verbindung zwischen Religion und Kunst fest, die eine der Grundlagen der Kunst war Italienische Renaissance (1400-1530). Unter berühmten mittelalterliche Künstler im gotischen Stil waren Giovanni Pisano und Simone Martini von der Sienesische Malschule .

Gotische Skulpturen

Frühgotische Skulptur

Wie in der Romanik wurden die besten gotischen Bildhauer für die architektonische Dekoration eingesetzt. Die wichtigsten Beispiele von Steinskulptur zu überleben sind auf Portalen, wie in der Kirche von Saint-Denis, deren Westportale (erbaut 1137-40) Merkmale kombinierten, die während der gesamten Gotik üblich blieben: ein geschnitztes Tympanon; geschnitzte Figuren, die in den Voussoirs oder keilförmigen Stücken des Bogens angeordnet sind; und figürlichere Schnitzereien an den Seiten des Portals. Saint-Denis ist nach wie vor ziemlich enttäuschend. die nebenfiguren sind verloren gegangen und der rest stark restauriert.

Trend zu mehr Realismus

Die allgemeine Wirkung wird jetzt an der Westfront der Kathedrale von Chartres besser gewürdigt, deren Portale die Entwicklung des gotischen Stils veranschaulichen. Vergleicht man die Portale von Chartres (um 1140-50) mit denen von Reims aus dem 13. Jahrhundert, so zeigt sich, dass die Entwicklung der Skulptur in dieser frühen Periode der gotischen Kunst in Richtung eines gesteigerten Realismus geht und sich von der eher hölzernen Atmosphäre abhebt Romanische Skulptur . Dies geschah sozusagen nicht durch kontinuierliche Weiterentwicklung, sondern durch eine Reihe von stilistischen Impulsen. Der erste dieser Impulse ist in der Skulptur an der Westfront von Chartres zu sehen. Die Figuren sind mit ihren stilisierten Gesten und fein plissierten Kleidungsstücken kaum "real" und ihre Formen sind eng mit der architektonischen Komposition abgestimmt. Ähnliche Beispiele sind in den Kathedralen von Angers, Le Mans, Bourges und Senlis zu sehen. Der zweite schöpferische Impuls (1181-1210) stammte von der Schule von Mosanische Kunst , in dem Metallarbeiten des Goldschmieds Nikolaus von Verdun (und sein älterer Zeitgenosse Godefroid de Claire ), geprägt von anmutigen, geschwungenen Figuren und weichen, griechisch anmutenden Kamm- und Muldengewändern (Muldenstil). Eine zurückhaltende Version dieses Stils schmückte die Hauptportale der Querschiffe von Chartres (um 1200 bis 10) und ist auch in der Kathedrale von Reims zu sehen. Ein dritter Impuls zum Realismus in der gotischen Skulptur, der auf byzantinischen Prototypen aus dem 10. Jahrhundert basiert, scheint an der Kathedrale Notre-Dame in Paris (um 1200) entstanden zu sein. Anstelle von wirbelnden Gewändern und geschwungenen Figuren zeichnet sich dieser Stil durch Figuren mit quadratischem, aufrechtem Erscheinungsbild aus, die in ihren Gesten zurückhaltend sind. Ein gutes Beispiel für diesen Stil ist die Westfront der Kathedrale von Amiens (um 1220-30). Ein vierter Stil des Realismus entstand in Reims mit einem Handwerker, der nach seiner berühmtesten Figur, dem Joseph-Meister, benannt wurde. Er ignorierte sowohl die gestische Zurückhaltung von Amiens als auch das Gewand des Muldenstils und produzierte (um 1240) Figuren mit Merkmalen, die für die nächsten 150 Jahre Bestand hatten: zierliche Posen und Gesichter und dicke Gewänder, die in langen, V-förmigen Falten hingen die Figur. Die gotische Domskulptur hatte einen weitreichenden Einfluss auf spätgotische Maler und Illuminatoren, darunter den großen provenzalischen Künstler Enguerrand de Charenton (Quarton) (c.1410-1466), Schöpfer von The Avignon Pieta (1454-6, Louvre, Paris).

In Deutschland ist die Geschichte ziemlich ähnlich, abgesehen davon Deutsche gotische Skulptur tendenziell emotionaler – siehe Straßburger und Magdeburger Kathedralen. Ein dramatisches Beispiel für diese Emotionalität findet sich im Westchor (um 1250) des Naumburger Doms. Siehe auch Deutsche Gotik (c.1200-1450).

Hochgotische Skulptur

Im Allgemeinen war in dieser Zeit ein Rückgang der architektonischen Skulptur zu verzeichnen. Dies ist nicht verwunderlich, da der Schwerpunkt auf geometrischen Mustern der Rayonnant-Gotik liegt. Einige Portale, wie die an der Westfront der Kathedrale von Bourges, wurden fertiggestellt, haben aber ein begrenztes Interesse. Im Gegensatz dazu war die Art der Skulptur, die sich mit großer Geschwindigkeit ausbreitete, die privatere, die durch Gräber und andere Grabdenkmäler veranschaulicht wurde. Darunter befand sich auch die Grabkiste, die normalerweise mit kleinen Figuren in Nischen geschmückt war – so genannten Weinen, da sie normalerweise Familienmitglieder darstellten, die trauerten. Später, im frühen 14. Jahrhundert, erschienen Darstellungen von stark getarnten professionellen Trauernden.

Dieser skulpturale Trend wurde von Ludwig IX. In seinen Denkmälern für seine Ahnen und Angehörigen initiiert, die sich größtenteils in Saint-Denis (1260-70) befanden, obwohl sie während der Französischen Revolution schwer beschädigt wurden. Frühere Präzedenzfälle könnten gefunden werden, und Louis IX. Bemühte sich sehr, die Idee des dynastischen Mausoleums bekannt zu machen, und zahlreiche andere wichtige Personen folgten diesem Beispiel.

In England wie in Frankreich wurde der größte Teil der Virtuosität beim Schnitzen in private Gräber und Denkmäler gepflügt. Das am besten erhaltene gotische Mausoleum ist die Westminster Abbey, in der Denkmäler aus verschiedenen Materialien (insbesondere Purbeck, Bronze, Alabaster und Freestone) durch die Böden und Gräber der italienischen Mosaikarbeiter Heinrichs III. Das Grab von Edward II. (Ca. 1330-35) in der Kathedrale von Exeter, das für seinen kunstvollen mittelalterlichen Baldachin bekannt ist, ist ein weiteres schönes Beispiel der englischen Gotik.

Beispiele für die deutsche Hochgotik sind die elegant drapierten Figuren um den Kölner Dom (geweiht 1322) und die eindrucksvollen Figuren an der Westfront des Straßburger Doms (geschnitzt nach 1277), die stark vom Joseph beeinflusst zu sein scheinen Meister von Reims. Wie üblich ist die deutsche Bildhauerei weitaus ausdrucksvoller als ähnliche französische Arbeiten.

In Italien gehörten die wichtigsten Bildhauer des 13. Jahrhunderts dazu Nicola Pisano (1206-78) und sein Sohn Giovanni Pisano (1250 & ndash; 1314). Beide arbeiteten größtenteils in der Toskana und führten Kanzeln aus, die als ihre wichtigsten vollendeten Werke gelten: Nicola wurde für Skulpturen im Baptisterium von Pisa (1259-60) und in der Kathedrale von Siena (1265-68) erwähnt, während Giovannis Kanzel in S. Andrea Pistoia (commpleted (1301) ist zwar technisch weniger raffiniert, aber emotional viel dramatischer.

In Mailand wurde ein Schrein für die Leiche des heiligen Peter Märtyrers von geschnitzt Giovanni di Balduccio (c.1290-1349) in einem Stil aus dem Pisano-Studio. Weitere berühmte Anhänger von Pisano sind Arnolfo di Cambio (1240–1300/10) und Tino di Camaino, der am neapolitanischen Hof arbeitete (um 1323–37). Die Skulptur von Arnolfo di Cambio ist solide und teilnahmslos. Er zeichnete sich durch formale Kompositionen wie die Grabkapelle und das Grab von Papst Bonifatius VIII aus. Er war auch der erste Architekt der Kathedrale von Florenz (gegründet 1296). Tino di Camaino wurde als Grabmaler berühmt, und die größte Sammlung seiner Werke befindet sich in Neapel. Weitere Informationen finden Sie unter: Florence Cathedral, Brunelleschi und die Renaissance (1420 & ndash; 36).

Ein anderer bekannter italienischer gotischer Bildhauer war Andrea Pisano (1295-1348) (auch bekannt als Andrea da Pontedera). Seine berühmtesten Skulpturen wurden in Florenz ausgeführt, die wichtigsten davon waren seine drei Bronzetüren für das Baptisterium der Kathedrale von Florenz (1336 fertiggestellt). Er war stark beeinflusst von der Skulptur von Giovanni Pisano sowie dem Gemälde des Künstlers Giotto aus der Protorenaissance, was dazu führte, dass Andrea seine Figuren eher gedrungen und solide machte.

Gotische Malerei

Trotz der Gründung von Romanische Malerei Auf Kirchenmauern und in Evangelienmanuskripten war Europa noch nicht bereit Gemälde als eine große öffentliche Kunstform. Tapisserie-Kunst war immer noch beliebt (und wärmer) als dekorative Wandverkleidung, während die meisten gotischen Kathedralen mit ihrem Mangel an Wandfläche weniger Bedarf hatten als romanische Kirchen für Wandmalereien. Stattdessen setzten die gotischen Architekten bei Farbeffekten auf Buntglasfenster, die jetzt viel größer waren als in der romanischen Zeit. In anderen Malerei-Genres wirkte sich der neue Stil maßgeblich aus: Altarbild Kunst und illuminierte Manuskripte wurden alle von der gotischen Sprache wiederbelebt.

HINWEIS: Weitere wichtige historische Stilrichtungen wie Gothic finden Sie unter Kunstbewegungen, Perioden, Schulen (ab ca. 100 v. Chr.).

Gotische Malerei in Frankreich

Die frühgotische Malerei entfernte sich von Byzantinische Kunst in Richtung eines größeren Naturalismus, der die Form eines weicheren, realistischeren Stils annimmt, dessen allgemeine Merkmale bis zur Mitte des 13. Jahrhunderts anhielten. In Frankreich macht sich die Redewendung besonders in einer Reihe von großartigen Bibeln bemerkbar, die Moralisees – biblische Manuskripte mit Auszügen aus der Bibel, begleitet von moralischen Interpretationen und Illustrationen, die wie Buntglasfenster angeordnet sind – für den französischen Königshof um 1930-40 fertiggestellt haben. In England ist der Stil in zahlreichen Manuskripten zu sehen; zum Beispiel der Amesbury Psalter (um 1240; All Souls College, Oxford). In Deutschland vermieden gotische Künstler diesen anmutigen Stil und bevorzugten einen verdrehten, eckigen Stil, den Zackenstil . Zum Beispiel im Soester Altar (1230-40, Gemäldegalerie SMPK, Berlin ), die Drapierung ist abrupt kantig dargestellt und fällt oft an einer scharfen Stelle ab, die einem Eiszapfen ähnelt. Gotische Bilderhandschriften waren auch maßgeblich an der Entwicklung von Tafelbildern und Wandgemälden in Nordeuropa beteiligt.

Gotische Buchmalerei
Gothic zu schätzen wissen Buchillustration man muss die illuminierten Manuskripte studieren, die aus den scriptoria der verschiedenen Klöster vom Anfang des dreizehnten Jahrhunderts ausgegossen wurden: Stundenbücher, Messbücher, Apokalypsen, Psalter und Bibeln. Siehe zum Beispiel die Belleville Breviary (1326) und der Stunden von Jeanne d’Evreux (1328) von Jean Pucelle (1290-1334). In diesen Meisterwerken kann der gotische Künstler, der nicht mehr nur zum architektonischen Ensemble beiträgt, seine Phantasie entfesseln und all seinen Launen frönen. Die Figuren sind manchmal bis zum Rand verlängert Karikatur , wie die Modezeichnungen von heute (siehe den zweiten Teil des Arundel Psalters im Britisches Museum ). Groteske Kreaturen sowie humorvolle oder makabere Berührungen sind im Überfluss vorhanden. Wenn sich der Typ entwickelt, wird er unruhiger. Das Auge hat keinen Augenblick Ruhe. Aufwändige dekorative Hintergründe, Ränder aus Efeublättern, die noch stacheliger als die Natur sind, hatten sie später als Landschaftshintergründe (etwa Mitte des 15. Jahrhunderts) mit Klumpen kunstvoller Blumen im Vordergrund, Szenen aus dem zeitgenössischen Leben, Sport und Zeitvertreib gestaltet, Schlemmen, Reisen, Kochen (der Luttrell-Psalter von 1340 im British Museum ist mit solchen Miniaturen überfüllt) sind überall zu finden. Man könnte meinen, dass das Leben in Nordwesteuropa im 14. Jahrhundert eine große Verwirrung von schwulen, entzückenden Details war, ein Kindergarten voller lebender Spielsachen. Siehe auch: Geschichte der Bilderhandschriften .

Die hochgotische Malerei wurde stark von der zeitgenössischen Skulptur beeinflusst. Dies wurde erstmals in Paris deutlich, wo Louis IX. Ein führender Mäzen war. In einem Evangelium (einem Manuskript, das die vier Evangelien enthält) in der Palastkapelle von Ludwig IX. In Sainte Chapelle (1241-48) ist der frühgotische Stil zu sehen, der ganz plötzlich von einem Gewandstil verdrängt wird, in den die großen, eckigen Falten des Joseph-Meisters eingearbeitet sind (Bibliotheque Nationale). Gleichzeitig wuchs der Fokus auf Details, fast als Selbstzweck. So wurden zum Beispiel gerade Gesichter zu Übungen virtuoser Schreibkunst.

Wenn bestimmte bildliche Details wie Gesichter und Hände weiterhin hauptsächlich durch Linien dargestellt wurden, wurden Vorhänge und andere Formen in Bezug auf Licht und Schatten modelliert. Diese "Entdeckung des Lichts" begann um 1270-80, ist aber insbesondere mit dem berühmten Pariser Illuminator verbunden, der als Meister Honore bekannt ist und zwischen 1288 und 1300 aktiv war. Es ist auch möglich, dass es durch Entwicklungen in der italienischen Malerei angeregt wurde.

Der französische Stil wurde schnell in England eingeführt. Obwohl Heinrich III. Kein Bücherwurm war, enthalten eine Reihe von für seine Familie angefertigten Manuskripten Illustrationen im gleichen zierlichen und winzigen Stil wie die Künstler Ludwigs IX. Ebenso sind in der Westminster Abbey einige großformatige Gemälde erhalten, insbesondere das "Westminster Retable". Spätere Änderungen in der englischen Malerei, beispielhaft dargestellt in Werken wie der Queen Mary Psalter (um 1330, British Museum), beinhalteten immer aufwendigere Randverzierungen. Siehe auch: Anfertigung von Bilderhandschriften .

Einzelheiten zum 14./15. Jahrhundert Internationale gotische Illuminationen , sehen: Jean Pucelle (1290-1334), the Brüder Limburg (d.1416: siehe ihre Tres Riches Heures du Duc de Berry ) und Jean Fouquet (1420-81: siehe sein außergewöhnliches Melun Diptychon ).

Italienische Gotik

Während des 13. Jahrhunderts hatten sowohl Rom als auch die Toskana florierende Bildtraditionen, und beide waren stark von den mittelalterliche Kunst hergestellt im byzantinischen Reich. Da später ein Großteil der römischen Werke zerstört wurde, muss leider außerhalb der Stadt nach Beweisen gesucht werden, was in der Hauptstadt vor sich ging – insbesondere in Assisi, wo die Oberkirche des Hl. Franziskus zwischen 1280 von in Rom ausgebildeten Freskenmalern geschmückt wurde und 1300, insbesondere Cimabue (Cenni di Peppi) (1240 & ndash; 1302).

Wie bei allen gotischen Dekorationskunstwerken gingen die stilistischen Veränderungen in Italien in Richtung eines größeren Realismus. Gegen Ende des 13. Jahrhunderts begannen italienische Maler, mit Licht ihre Figuren zu modellieren. Sie machten auch plötzliche Fortschritte bei der Manipulation von Geradlinige Perspektive Raumgestaltung in ihrer Malerei zu optimieren. Darüber hinaus entwickelten die besten Künstler eine ausgeprägte Fähigkeit, Figuren zu erschaffen, die wirklich miteinander zu kommunizieren schienen, durch Gesten oder Ausdruck. Ein gutes Beispiel dafür ist die Arbeit des Isaac-Meisters in der Oberkirche von Assisi.

Italien hat im Gegensatz zu Nordeuropa eine starke Tradition des Großhandels Wandbilder , normalerweise ausgeführt mit dem " Freskenmalerei "Technik" – eine Methode, bei der Pigmente auf frischen Kalkputz aufgetragen und von diesem absorbiert werden. Zu den Themen der Freskenmalerei gehörten biblische oder hagiografische Erzählungen, und der größte Vertreter der Gotik war der Maler Giotto di Bondone (1267-1337), dessen klassisches Werk das war Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua: siehe zum Beispiel die berühmten Verrat Christi (Judas Kuss) (1305) und Beweinung Christi (1305). Trotz des stark gesteigerten Realismus von Giottos Werk konnte er sich jedoch nicht der Anziehungskraft seiner byzantinischen Vorgänger entziehen, deren Einfluss in der gesamten Komposition deutlich sichtbar ist.

In der Toskana lässt sich die Entwicklung des gotischen Stils am besten veranschaulichen Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319), der berühmteste Maler der Sieneser Schule von Kunst der Protorenaissance und Schöpfer der Maesta-Altarbild (1308-11), ehemals Hochaltar der Kathedrale von Siena, und der Stroganoff Madonna (1300). Letzterer war einer der großen Gotik Tafelbilder ausgeführt mit Tempera auf Holz. Duccios Fähigkeit, realistischen Raum zu schaffen, war jedoch viel schwächer als die von Giotto, und es fehlt ihm an der gleichen dramatischen Wirkung.

Von den späteren florentinischen und sienesischen Malern Simone Martini (1285-1344), der am päpstlichen Hof in Avignon arbeitete, ist wahrscheinlich der berühmteste. Siehe zum Beispiel seine Verkündigungs-Triptychon (1333) für die Kathedrale von Siena. Weitere bedeutende Künstler waren die Brüder Pietro und Ambrogio Lorenzetti. Siehe die letzteren Allegorie der guten und schlechten Regierung (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena.

Um 1350 hatten italienische Maler eine europaweit einzigartige Stellung erlangt. Ihre einzigartige Marke von Malerei vor der Renaissance – mit ihren Fortschritten in der Kunst der narrativen Komposition – heben sie sich von den Malern im übrigen Europa ab. Ihre Verbesserungen in der Darstellung der Realität ließen sich nicht so leicht ignorieren, und die Maler des Nordens unternahmen große Anstrengungen, um den italienischen Naturalismus an die nördlichen Zwecke anzupassen. Mit dem Aufkommen der Ölfarbe holten die flämischen und niederländischen Schulen bald ihre südlichen Kollegen ein und übertrafen sie zeitweise sogar. Aber das ist eine andere Geschichte.

Liste der gotischen Künstler

Führende Vertreter des gotischen Kunststils sind:

Bildhauer
Nikolaus von Verdun (Fl.1181-1210)
Nicola Pisano (1206-78)
Der Joseph Meister von Reims (fl.1240-77) – Giovanni Pisano (1250-1314)
Giovanni di Balduccio (um 1290-1349) – Arnolfo di Cambio (1240–1300 / 10)
Andrea Pisano (1295-1348)
Tino di Camaino (Fl.1323-37)
Filippo Calendario (vor 1315-1355)

Spätgotische Bildhauer
Veit Stoss (c.1447-1533)
Adam Kraft (c.1455-1509)
Tilman Riemenschneider (c.1460-1531)
Gregor Erhart (c.1460-1540)

Maler
Meister Honore (fl.1288-1300)
Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319)
Giotto di Bondone (1267-1337)
Simone Martini (1285-1344)
Pietro Lorenzetti (Fl.1320-45)
Ambrogio Lorenzetti (Fl.1319-48)