Gotische Kunst: Merkmale, Geschichte Automatische übersetzen

Der Begriff „Gotik“ bezeichnet den Stil der europäischen Architektur, Skulptur (und Kleinkunst), der die mittelalterliche Romanik mit der Frührenaissance verbindet. Diese Periode wird unterteilt in Frühgotik (1150-1250), Hochgotik (1250-1375) und Internationale Gotik (1375-1450). Die Gotik, die in erster Linie eine öffentliche Form der christlichen Kunst war, erlebte ihre Blütezeit zwischen 1150 und 1250 zunächst in der Ile-de-France und der umliegenden Region und verbreitete sich dann in ganz Nordeuropa.

Ihre wichtigste Ausdrucksform war die Architektur - die großen gotischen Kathedralen Nordfrankreichs waren ein Beispiel dafür. Zu den beiden wichtigsten dekorativen Stilen siehe „Strahlende gotische Architektur“ (ca. 1200-1350) und die spätere „Flammende gotische Architektur“ (1375-1500). Zu den schönsten Beispielen gotischer Baukunst gehören die Kathedrale von Chartres (1194-1250); die Kathedrale von Notre Dame (1163-1345); St. Chapel (1241-48); und der Kölner Dom (ab 1248); sowie die Kathedralen von Canterbury, Winchester, Westminster Abbey und Santiago de Compostela.

In der Gotik wurden die flächigen Formen der früheren romanischen Bauweise durch eine neue Betonung der Linie ersetzt. Hoch aufragende Bögen und Strebepfeiler ermöglichten die Öffnung der Wände für beispiellos große Fenster aus Glasmalerei, die mit wunderbar inspirierenden durchscheinenden Bildern biblischer Kunst gefüllt waren und alles übertrafen, was Wandmalerei oder Mosaikkunst zu bieten hatten. All dies schuf eine stimmungsvolle humanistische Atmosphäre, die sich von derjenigen der Romanik deutlich unterschied. (Am Ende des vierzehnten Jahrhunderts entstand ein eher weltlicher gotischer Stil, der als Internationale Gotik bekannt wurde und sich in Burgund, Böhmen und Norditalien ausbreitete).

Die gotische Kunst, die ausschließlich religiöse Kunst war, verlieh der wachsenden Macht der Kirche in Rom ein starkes materielles Gewicht. Sie inspirierte nicht nur die Öffentlichkeit und ihre weltlichen Führer, sondern stellte auch eine feste Verbindung zwischen Religion und Kunst her, die zu einer der Grundlagen der italienischen Renaissance (1400-1530) wurde. Zu den berühmten mittelalterlichen Malern des gotischen Stils gehörten Giovanni Pisano und Simone Martini von der sienesischen Malerschule .

Gotische Bildhauerei

Frühgotische Bildhauerei

Wie in der Romanik arbeiteten die besten gotischen Bildhauer an Architekturdekorationen. Die wichtigsten Beispiele für Steinbildhauerei sind an Portalen erhalten, wie in der Kirche Saint-Denis, deren Westportal (erbaut 1137-40) Merkmale aufweist, die während der gesamten Gotik üblich blieben: ein geschnitztes Tympanon, geschnitzte Figuren, die in Voussoirs oder keilförmigen Teilen des Bogens angeordnet sind, und weitere figürliche Schnitzereien an den Seiten des Portals. Das erhaltene St. Denis ist eher enttäuschend; die seitlichen Figuren sind verloren gegangen, und der Rest wurde stark restauriert.

Die Tendenz zu mehr Realismus

Die allgemeine Wirkung ist heute besser an der Westfassade der Kathedrale von Chartres zu erkennen, deren Portale die Entwicklung des gotischen Stils veranschaulichen. Vergleicht man die Portale von Chartres (um 1140-50) mit denen von Reims im dreizehnten Jahrhundert, so wird deutlich, dass die Entwicklung der Bildhauerei in dieser frühen Periode der gotischen Kunst in Richtung eines zunehmenden Realismus und einer Abkehr von der Holzigkeit der romanischen Skulptur ging. Dies geschah nicht durch eine kontinuierliche Entwicklung, sondern durch eine Reihe von stilistischen Impulsen.

Der erste dieser Impulse ist in der Skulptur der Westfassade von Chartres zu erkennen. Die Figuren mit ihren stilisierten Gesten und den feinen Falten ihrer Kleidung sind kaum „real“, und ihre Formen stehen in enger Beziehung zur architektonischen Komposition. Ähnliche Beispiele finden sich in den Kathedralen von Angers, Le Mans, Bourges und Senlis. Ein zweiter kreativer Impuls kam (1181-1210) aus der Schule der Mosaikkunst, in den Metallarbeiten des Juweliers Nikolaus von Verdun (und seines älteren Zeitgenossen Godefroy de Clair), die durch anmutige, geschwungene Figuren und weiche griechische Wappen- und Prägedraperien (Maldenstyle) gekennzeichnet sind.

Eine zurückhaltende Version dieses Stils schmückte die Hauptportale der Querschiffe von Chartres (um 1200-10); sie ist auch in der Kathedrale von Reims zu sehen. Ein dritter Impuls in Richtung Realismus in der gotischen Bildhauerei, der sich auf byzantinische Vorbilder aus dem zehnten Jahrhundert stützt, hat seinen Ursprung in der Kathedrale Notre Dame in Paris (um 1200). Anstelle von verschlungenen Faltenwürfen und geschwungenen Figuren zeichnet sich dieser Stil durch quadratische, geradlinige Figuren aus, die in ihren Gesten recht zurückhaltend sind. Die Westfassade der Kathedrale von Amiens (um 1220-30) ist ein gutes Beispiel für diesen Stil.

Der vierte Stil des Realismus hat seinen Ursprung in Reims bei einem Meister, der nach seiner berühmtesten Figur, Meister Joseph, benannt ist. In Abkehr von der gestischen Zurückhaltung von Amiens oder den Draperien von Mouldenstiel schuf er (um 1240) Figuren mit Merkmalen, die sich in den folgenden 150 Jahren fortsetzten: anmutige Posen und Gesichter und dichte Draperien, die in langen V-förmigen Falten die Figur umhüllen. Die gotische Kathedralskulptur hatte einen großen Einfluss auf die spätgotischen Maler und Buchmaler, darunter der große provenzalische Maler Engerrand de Charenton (Cuarton) (ca. 1410-1466), Schöpfer der Pietà von Avignon (1454-6, Louvre, Paris).

In Deutschland verhält es sich ähnlich, außer dass die deutsche gotische Skulptur zu mehr Emotionalität neigt - siehe Straßburger und Magdeburger Dom. Ein dramatisches Beispiel für diese Emotionalität findet sich im Westchor (um 1250) des Naumburger Doms. Siehe auch Deutsche Gotik (ca. 1200-1450).

Hochgotische Bildhauerei

In dieser Periode kam es zu einem allgemeinen Rückgang der Bauplastik. Angesichts der Konzentration auf geometrische Muster in der frühgotischen Architektur ist dies nicht überraschend. Es wurden zwar einige Portale fertiggestellt, wie zum Beispiel an der Westfassade der Kathedrale von Bourges, aber sie sind nur von begrenztem Interesse. Im Gegensatz dazu entwickelte sich die Bildhauerei mit großer Geschwindigkeit im privaten Bereich, zum Beispiel in Form von Grabmälern und anderen Grabdenkmälern. Dazu gehörten Gräber, die in der Regel mit kleinen Figuren in Nischen geschmückt waren, den so genannten Trauernden, die meist trauernde Familienangehörige darstellten. Später, im frühen vierzehnten Jahrhundert, tauchten Bilder von professionellen Trauernden in schweren Gewändern auf.

Der Beginn dieser Entwicklung in der Bildhauerei wurde von Ludwig IX. mit seinen Denkmälern für seine Vorfahren und seine engste Familie eingeleitet, die sich hauptsächlich in Saint-Denis (1260-70) befanden, jedoch während der Französischen Revolution stark beschädigt wurden. Es gibt auch frühere Vorläufer: Die Bemühungen Ludwigs IX. trugen dazu bei, die Idee eines dynastischen Mausoleums zu verbreiten, und viele andere bedeutende Persönlichkeiten folgten seinem Beispiel.

In England, wie auch in Frankreich, wurde ein Großteil der virtuosen Schnitzkunst in private Gräber und Denkmäler investiert. Das am besten erhaltene gotische Mausoleum ist die Westminster Abbey, wo die aus verschiedenen Materialien (insbesondere Purbeck, Bronze, Alabaster und Stein) geschnitzten Denkmäler durch Fußböden und Grabmäler ergänzt werden, die von italienischen Mosaizisten im Auftrag Heinrichs III. gefertigt wurden. Das Grabmal Edwards II. (um 1330-35) in der Kathedrale von Exeter, das durch seinen kunstvollen mittelalterlichen Baldachin auffällt, ist ein weiteres schönes Beispiel der englischen Gotik.

Beispiele für die deutsche Hochgotik sind die eleganten drapierten Figuren um den Chor des Kölner Doms (geweiht 1322) und die beeindruckenden Figuren an der Westfassade des Straßburger Münsters (geschnitzt nach 1277), die offenbar stark von dem Meister Joseph von Reims beeinflusst wurden. Wie üblich ist die deutsche Bildhauerei in der Regel viel ausdrucksstärker als ähnliche französische Werke.

In Italien waren die wichtigsten Bildhauer des dreizehnten Jahrhunderts Nicola Pisano (1206-1278) und sein Sohn Giovanni Pisano (1250-1314). Beide arbeiteten hauptsächlich in der Toskana, und beide schufen Kanzeln, die als ihre wichtigsten vollendeten Werke gelten: Nicola ist für die Skulpturen im Baptisterium von Pisa (1259-60) und im Dom von Siena (1265-68) bekannt, während Giovannis Kanzel in San Andrea Pistoia (1301 vollendet) zwar technisch weniger raffiniert, aber emotional viel dramatischer ist.

In Mailand wurde das Heiligtum für den Leichnam des heiligen Märtyrers Petrus von Giovanni di Balduccio (ca. 1290-1349) in einem Stil geschnitzt , der der Werkstatt von Pisano entlehnt ist. Zu den bekannteren Nachfolgern Pisanos gehören Arnolfo di Cambio (1240-1300/10) und Tino di Camaino, der am neapolitanischen Hof arbeitete (ca. 1323-37). Die Skulpturen von Arnolfo di Cambio zeichnen sich durch ihre Massivität und Unbeweglichkeit aus. Er zeichnete sich durch formale Kompositionen wie die Grabkapelle und das Grabmal von Papst Bonifatius VIII. aus. Er war auch der erste Architekt des Doms von Florenz (gegründet 1296). Tino di Camaino erlangte Berühmtheit als Bildhauer von Grabmälern, und die größte Sammlung seiner Werke befindet sich in Neapel. Für weitere Informationen siehe: Der Dom von Florenz, Brunelleschi und die Renaissance (1420-36).

Ein weiterer berühmter italienischer Bildhauer der Gotik war Andrea Pisano (1295-1348) (auch bekannt als Andrea da Pontedera). Seine berühmtesten Skulpturen entstanden in Florenz, darunter die drei Bronzetüren für das Baptisterium der Kathedrale von Florenz (1336 vollendet). Er wurde stark von der Bildhauerei Giovanni Pisanos und der Malerei des Proto-Renaissance-Malers Giotto beeinflusst, was Andrea dazu veranlasste, seine Figuren eher stämmig und massiv zu gestalten.

Die gotische Malerei

Trotz der Entstehung der romanischen Malerei an Kirchenwänden und in Evangelienhandschriften war Europa noch nicht bereit für die Malerei als eine wichtige Form der öffentlichen Kunst. Wandteppiche waren als dekorative Wandverkleidungen immer noch beliebt (und wärmer), während die meisten gotischen Kathedralen aufgrund ihres Mangels an Wandfläche weniger Bedarf an Wandmalereien hatten als romanische Kirchen. Stattdessen verließen sich die gotischen Architekten auf die Glasfenster, die nun viel größer waren als in der Romanik, um Farbeffekte zu erzielen.

Auch auf andere Gattungen der Malerei hatte der neue Stil einen bedeutenden Einfluss: So wurden die Altarkunst und die illuminierten Handschriften durch die gotische Sprache belebt.

Für andere wichtige historische stilistische Bewegungen, die der Gotik ähnlich sind, siehe Künstlerische Bewegungen, Perioden, Schulen (ab etwa 100 v. Chr.).

Gotische Malerei in Frankreich

Die frühgotische Malerei entfernte sich von der byzantinischen Kunst und entwickelte einen weicheren, realistischeren Stil, dessen allgemeine Merkmale bis Mitte des 13. In Frankreich ist dieser Stil besonders auffällig in einer Reihe von prächtigen Moralisy-Bibeln, Bibelmanuskripten, die Passagen aus der Bibel mit moralischen Interpretationen und Illustrationen enthalten, die wie Glasfenster angeordnet sind und 1230-40 für den französischen Königshof ausgeführt wurden

In England lässt sich dieser Stil in zahlreichen Manuskripten nachweisen, wie dem Amesbury Psalter (um 1240; All Souls College, Oxford). In Deutschland vermieden die gotischen Künstler diesen anmutigen Stil und bevorzugten einen verdrehten, kantigen Stil, der Sackenstiel genannt wird. Auf dem Soester Altarbild (1230-40, Gemäldegalerie SMPK, Berlin) zum Beispiel sind die Faltenwürfe in scharfen, kantigen Formen dargestellt und fallen oft auf eine Spitze, die einem Eiszapfen ähnelt. Die gotischen Bilderhandschriften beeinflussten auch die Entwicklung der Tafelmalerei und der Fresken in Nordeuropa.

Gotische Buchillustration

Um die gotische Buchmalerei zu verstehen, muss man die illuminierten Handschriften studieren, die seit dem frühen dreizehnten Jahrhundert aus den scriptoria verschiedener Klöster hervorsprudelten: die Stundenbücher, die Requisitionen, die Apokalypsen, die Psalter und die Bibeln. Siehe zum Beispiel das Brevier von Belleville (1326) und das Stundenbuch der Jeanne d’Evreux (1328) von Jean Pucel (1290-1334).

In diesen Meisterwerken kann der gotische Künstler, der nicht mehr nur ein Teil des architektonischen Ensembles ist, seiner Fantasie freien Lauf lassen und sich allen seinen Launen hingeben. Die Figuren sind manchmal bis an den Rand der Karikatur gedehnt, wie die modischen Zeichnungen unserer Tage (siehe den zweiten Teil des Arundel-Psalters im British Museum). Groteske Kreaturen und humoristische oder makabre Anspielungen sind allgegenwärtig. Mit der Entwicklung der Schrift wird sie immer unruhiger. Dem Auge wird keine Ruhepause gegönnt. Komplizierte dekorative Hintergründe, Efeubordüren, die noch stacheliger gestaltet sind, als es die Natur vorgesehen hat, spätere Landschaftshintergründe (um die Mitte des 15. Jahrhunderts), mit Haufen kunstvoller Blumen im Vordergrund, Szenen des modernen Lebens, Sport und Vergnügen, Feste, Reisen, Kochkunst (der Luttrell-Psalter von 1340 im Britischen Museum ist voll von solchen Miniaturen).

Man könnte meinen, dass das Leben im vierzehnten Jahrhundert in Nordwesteuropa ein einziges großes Durcheinander von reizvollen Details war, ein Kinderzimmer voller lebendiger Spielzeuge. Siehe auch: Geschichte der illuminierten Handschriften .

Die hochgotische Malerei wurde stark von der modernen Bildhauerei beeinflusst. Dies wurde zuerst in Paris deutlich, wo Ludwig IX. einer der wichtigsten Mäzene war. Auf dem Evangelarium (einer Handschrift mit den vier Evangelien) aus der Palastkapelle St. Chapelle (1241-48) von Ludwig IX. kann man sehen, wie der frühgotische Stil abrupt durch einen Stil der Draperie ersetzt wird, der die großen, eckigen Falten des Meisters Joseph aufnimmt (Bibliotheque Nationale). Gleichzeitig wächst die Liebe zum Detail, fast als Selbstzweck. So wurden vor allem die Gesichter zu Übungen in virtuoser Schreibkunst.

Während einige figürliche Details, wie Gesichter und Hände, noch immer hauptsächlich mit Linien dargestellt wurden, wurden Draperien und andere Formen im Allgemeinen mit Licht und Schatten modelliert. Diese „Entdeckung des Lichts“ begann um 1270-80, wird aber insbesondere mit dem berühmten Pariser Buchmaler Meister Honoré in Verbindung gebracht, der um 1288-1300 tätig war. Sie könnte auch durch die Entwicklungen in der italienischen Malerei angeregt worden sein.

Der französische Stil verbreitete sich rasch in England. Obwohl Heinrich III. kein Bücherwurm war, enthält eine Reihe von Manuskripten, die für seine Familie angefertigt wurden, Illustrationen in demselben anmutigen und delikaten Stil der Künstler Ludwigs IX. Auch in der Westminster Abbey sind einige großformatige Gemälde erhalten, insbesondere das „Westminster Retablo“. Spätere Entwicklungen in der englischen Malerei, die durch Werke wie Queen Mary’s Psalter (um 1330, British Museum) veranschaulicht werden, umfassten zunehmend üppigere Randverzierungen. Siehe auch: Die Herstellung von illuminierten Handschriften .

Zur internationalen gotischen Buchmalerei des 14./15. Jahrhunderts siehe: Jean Pucelle (1290-1334), die Brüder Van Limburg (gest. 1416: vgl. ihr Prächtiges Stundenbuch des Herzogs von Berry) und Jean Fouquet (1420-81: siehe sein außergewöhnliches Melen-Diptychon).

Italienische gotische Malerei

Im dreizehnten Jahrhundert hatten sowohl Rom als auch die Toskana blühende Bildtraditionen, und beide waren stark beeinflusst von der mittelalterlichen Kunst, die im byzantinischen Reich entstand. Da ein Großteil der römischen Werke später zerstört wurde, muss man leider außerhalb der Stadt nach Beweisen für das Geschehen in der Hauptstadt suchen - vor allem in Assisi, wo die Oberkirche von St. Franziskus zwischen 1280 und 1300 von in Rom ausgebildeten Freskenmalern, insbesondere Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302), verziert wurde.

Wie in der gesamten gotischen dekorativen Kunst vollzog sich auch in Italien ein stilistischer Wandel in Richtung eines größeren Realismus. Gegen Ende des dreizehnten Jahrhunderts begannen die italienischen Künstler, das Licht zur Modellierung von Figuren zu nutzen. Sie machten auch unerwartete Fortschritte bei der Manipulation der linearen Perspektive, um die räumliche Gestaltung ihrer Gemälde zu optimieren. Darüber hinaus entwickelten die besten Künstler die Fähigkeit, Figuren zu schaffen, die tatsächlich miteinander zu kommunizieren schienen, sei es durch Gestik oder Mimik. Ein gutes Beispiel dafür ist das Werk von Meister Isaak in der Oberkirche von Assisi.

Im Gegensatz zu Nordeuropa bewahrte Italien eine starke Tradition großformatiger Fresken, die gewöhnlich in der Technik „der Freskomalerei“ ausgeführt wurden, einer Methode, bei der Pigmente auf frischen Kalkputz aufgetragen werden und in diesen einziehen. Zu den Themen der Freskenmalerei gehörten biblische oder hagiografische Erzählungen, und der größte Vertreter der gotischen Malerei war der Maler Giotto di Bondone (1267-1337), dessen klassisches Werk die Fresken der Scrovegni-Kapelle in Padua sind: Berühmt sind zum Beispiel Der Verrat Christi (Kuss des Judas) (1305) und Die Beweinung Christi (1305). Doch trotz des stark gesteigerten Realismus in Giottos Werk konnte er sich dem Einfluss seiner byzantinischen Vorgänger nicht entziehen, dessen Einfluss in der gesamten Komposition deutlich sichtbar ist.

In der Toskana wird die Entwicklung des gotischen Stils am besten veranschaulicht durch Duccio di Buoninsegna (ca. 1255-1319), den berühmtesten Maler der sienesischen Schule der Proto-Renaissance, den Schöpfer des Maesta-Altars (1308-11), ehemals Hauptaltar des Doms von Siena, und der Stroganoff-Madonna (1300). Letztere ist eines der großen gotischen Tafelbilder, das mit Tempera auf Holz gemalt wurde. Duccios Fähigkeit, einen realistischen Raum zu schaffen, war jedoch viel schwächer als die Giottos, und sein Werk hat nicht die gleiche dramatische Wirkung.

Von den späteren florentinischen und sienesischen Malern ist Simone Martini (1285-1344), der am päpstlichen Hof in Avignon arbeitete, wahrscheinlich der bekannteste. Zum Beispiel sein Triptychon der Verkündigung (1333) für den Dom von Siena. Weitere wichtige Künstler waren die Brüder Pietro und Ambrogio Lorenzetti. Siehe das Werk des letzteren „Allegorie der guten und schlechten Regierung“ (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena.

Um 1350 hatten die italienischen Künstler eine einzigartige Stellung in Europa erreicht. Ihre einzigartige Art der Vorrenaissance-Malerei - mit ihren Fortschritten in der Kunst der narrativen Komposition - hob sie von den Künstlern im übrigen Europa ab. Ihre Verbesserungen in der Darstellung der Wirklichkeit waren nicht zu übersehen, und die Künstler des Nordens bemühten sich, den italienischen Naturalismus für die Zwecke des Nordens anzupassen. Mit dem Aufkommen der Ölfarbe holten die flämischen und holländischen Schulen ihre südlichen Pendants bald ein und übertrafen sie manchmal sogar. Aber das ist eine andere Geschichte.

Liste der gotischen Maler

Zu den führenden Vertretern des gotischen Kunststils gehören:

Bildhauer
- Nikolaus von Verdun (ca. 1181-1210)
- Nicola Pisano (1206-1278)
- Joseph der Meister von Reims (ca. 1240-77) - Giovanni Pisano (1250-1314)
- Giovanni di Balduccio (ca. 1290-1349)
- Arnolfo di Balduccio (ca. 1290-1349)
- Arnolfo di Cambio (1240-1300/10)
- Andrea Pisano (1295-1348)
- Tino di Camaino (ca. 1323-37)
- Filippo Calendario (vor 1315-1355)

Spätgotische Bildhauer
- Veit Stoss (ca.1447-1533)
- Adam Kraft (ca.1455-1509)
- Tilman Riemenschneider (ca.1460-1531)
- Gregor Erhart (ca.1460-1540)

Künstler
- Meister Honoré (ca.1288-1300)
c.1288-1300)
- Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
- Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319)
- Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)
- Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319).)
- Giotto di Bondone (1267-1337)
- Simone Martini (1285-1344)
- Pietro Lorenzetti (ca. 1320-45)
- Ambrogio Lorenzetti (ca. 1319-48)