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Nach der romanischen Kunst wurde der zweite große Stil der mittelalterlichen Kunst von den Italienern spöttisch als „ stile Gotico “ bezeichnet, ein Stil, der von den Goten, Barbaren aus dem dunklen Norden, eingeführt wurde und dem Gleichgewicht und der Harmonie der etablierten Architekturformen fremd war. Der Aufwärtsdrang dieser neuen Strukturen, der den romanischen Basiliken so fremd war, schien nicht nur den modernen Geschmacksvorstellungen zu widersprechen, sondern auch die göttliche Ordnung der Dinge zu verletzen.

Das Aufkommen der gotischen Kunst, eines Stils, der sich vor allem in der gotischen Architektur und in den gotischen Bilderhandschriften findet, bedeutet einen vollständigen Bruch mit der Tradition. Obwohl sich um 1200 die romanische Architektur in ganz Westeuropa verbreitet hatte, wurden ihre charakteristischen Merkmale von den gotischen Architekten nicht übernommen, die völlig andere Raumkonzepte einführten. (Für weitere Einzelheiten siehe Englische gotische Architektur um 1180-1520)

Germanische gotische Architektur

Das himmelwärts strebende Streben dieser neuen Form der christlichen Kunst steht in scharfem Kontrast zu den massiven, erdigen Motiven der romanischen Gebäude. Der Rundbogen, der eine geschlossene, sich selbst genügende Bewegung ausdrückt, wurde durch den Spitzbogen ersetzt, ein Symbol für das Streben nach oben, für das Streben nach einem unerreichbaren Ziel.

In der Romanik dienten die Kirchenmauern als zuverlässiges Bollwerk gegen die Mächte des Bösen; die Gotik öffnete sie mit riesigen Fenstern - siehe dazu den kurzen Leitfaden zu Glasmalerei und den Artikel über Materialien und Methoden der Glasmalerei - und verringerte ihre Bedeutung durch ein kompliziertes Muster aus schlanken Schäften, dünnem Maßwerk, Strebepfeilern und fliegenden Strebepfeilern.

Die Westwand wurde zugunsten einer verzierten Fassade mit einem oder zwei Türmen aufgegeben. Die romanischen Sakralbauten drückten die Gleichheit der weltlichen und geistlichen Autorität aus, während die gotischen Kirchen die Sehnsucht nach der Zukunft symbolisierten. Die massive Schlichtheit der romanischen Architektur war die Summe ihrer Einheiten; die gotischen Kathedralen strebten nach räumlicher Konzentration, ihre trägen Mauermassen wurden durch eine Fülle individueller Entwürfe belebt und ihre schlanken Bögen, Rippen und Gewölbe zu neuen und beeindruckenden Höhen erhoben. Die Proportionen von Breite und Höhe der romanischen Kirchen waren 1 : 1,8 oder 1 : 2, die der französischen gotischen Kathedralen 1 : 3 oder sogar 1 : 3,3.

Am Ende des zwölften Jahrhunderts blühte die gotische Architektur in Frankreich auf, aber in Deutschland hatten die romanischen Ideen so tiefe Wurzeln geschlagen, dass die neue, aufkommende Flut der französischen Gotik nicht sofort akzeptiert wurde, und romanische Kathedralen wurden weiterhin östlich des Rheins gebaut. Einige vergleichende Daten verdeutlichen dies: Die erste französische gotische Kathedrale in Saint-Denis wurde 1157 fertiggestellt, die Benediktinerabtei Maria Laach wurde 1156 geweiht, der Chor von Notre Dame in Paris wurde 1170 fertiggestellt, die Kathedrale von Chartres 1220, der Dom von Worms um 1230 und der Westteil von Mainz 1239. Für weitere Informationen zur vorgotischen Architektur in Deutschland siehe Mittelalterliche Kunst in Deutschland (ca. 800-1250).

Obwohl die Vervollkommnung romanischer Vorbilder für einige Zeit die Hauptbeschäftigung in Deutschland blieb, begannen einige gotische Merkmale aus Frankreich eingeführt zu werden: Das Rundfenster der Wormser Westwand wurde nach dem Vorbild der französischen Fensterrose gestaltet, und gotische Kreuzrippengewölbe wurden in Worms und Mainz verwendet. Erst ganz allmählich, bevor der romanische Stil die Möglichkeit zur Weiterentwicklung verlor, setzten sich gotische Baukonzepte in Deutschland durch.

Zu den Einzelheiten der in Frankreich entstandenen gotischen Bauweise siehe „Gotische Architektur im Rayonnan-Stil“ (1200-1350) und deren Nachfolger „Gotische Architektur im Flamboyant-Stil“ (1375-1500).

Das Straßburger Münster

Das erste große gotische Münster in Deutschland wurde in der zweiten Hälfte des 13. Jahrhunderts in Straßburg errichtet. Ursprünglich als romanisches Bauwerk geplant, entschied man sich nach der Fertigstellung des Chors, dem unruhigen Beispiel des benachbarten Frankreichs zu folgen und das Kirchenschiff im gotischen Stil zu errichten (1250).

Die Wände wurden durch große gotische Fenster geöffnet, aber das Innere blieb überwiegend romanisch; die Pfeiler sind weit auseinander und die Proportionen des Kirchenschiffs sind 1 : 2,5. Der Entwurf der Westfassade von Erwin von Steinbach (1276) verband horizontale und vertikale Elemente in Übereinstimmung mit früheren Idealen. Nach der Fertigstellung der unteren Stockwerke wurde sie aufgegeben, und die heutige Fassade und der Nordturm stammen aus dem vierzehnten Jahrhundert.

Der ehemals schwere Unterbau wird durch ein schlankes drittes Stockwerk mit hohen Spitzbogenfenstern ergänzt, die Anordnung der freistehenden Bögen verlängert die Wirkung der breiten Fenster im zweiten Stockwerk, und der durchbrochene Giebel mit Fialen über dem massiven Hauptportal unterstreicht den rein vertikalen Rhythmus der Fassade zusätzlich.

Kölner Dom

Der Kölner Dom wurde 1248 von Meister Gerhard begonnen, der sich vermutlich die Kathedrale von Amiens zum Vorbild nahm, das gotische Konzept jedoch weiterentwickelte und eine unvergleichliche technische Leistung vollbrachte. Die französische Gotik besteht aus Arkade, Empore und Kleros, aber in Köln sind Empore und Kleros in riesigen Fenstern vereint, die durch schlanke Stützen getrennt sind.

Der Bau des Kölner Doms erstreckte sich über viele Jahrhunderte. Die Weihe des Chors fand 1322 statt, und die Arbeiten wurden in regelmäßigen Abständen bis 1560 fortgesetzt, als die Westfassade mit Ausnahme der Türme fertiggestellt wurde. Jahrhundert kam es im Zusammenhang mit der romantischen Bewegung zu einem Wiederaufleben des Interesses an der mittelalterlichen Kultur, und nach der Entdeckung der ursprünglichen Pläne wurden die Bauarbeiten wieder aufgenommen und die Kathedrale im Jahr 1880 fertiggestellt.

Der Einfluss der französischen Gotik war in Straßburg und Köln am stärksten. Weiter östlich des Rheins führte die Kombination von gotischen Baukonzepten mit einigen romanischen Elementen zu einer Reihe von nationalen Entwicklungen, die zu den interessantesten Errungenschaften der deutschen Architektur gehören.

Freiburger Münster

Das Freiburger Münster ist ein hervorragendes Beispiel für die spezifisch germanische Entwicklung des gotischen Stils. Der Bau begann um 1200 mit der Errichtung eines rein romanischen Altars und Querschiffs.

Im 13. Jahrhundert wurde nach dem Vorbild des benachbarten Straßburg ein gotisches Kirchenschiff hinzugefügt, aber die architektonischen Möglichkeiten des gotischen Stils blieben praktisch ungenutzt: Das Kirchenschiff ist zwar höher als das romanische Querschiff, aber im Vergleich zu den französischen gotischen Kirchenschiffen niedrig; die Oberlichter sind relativ klein, so dass die Wand weiterhin ein unabhängiges Strukturelement bleibt; die Strebepfeiler und Strebebögen sind fast provinziell einfach und verbergen in keiner Weise die Starrheit des Bauwerks.

Um 1350 wurde der romanische Chor durch einen Hochaltar mit balkenförmigen Kapellen und Netzgewölben ersetzt. Diese drei Entwicklungsstufen - das romanische Querschiff, das frühromanische Hauptschiff und die Seitenschiffe sowie der Hochaltar - lassen sich bis heute leicht an ihrer unterschiedlichen Höhe erkennen. Eine weitere Ergänzung aus dem vierzehnten Jahrhundert war der massive Turm, der über dem westlichen Ende des Kirchenschiffs errichtet wurde; seine pyramidenförmige achteckige Spitze ist mit durchbrochenen Schnitzereien von außergewöhnlicher Schönheit verziert.

Die eintürmige Fassade war in Süddeutschland bald weit verbreitet. In Ulm und Landshut sowie in Freiburg steht der steil aufragende Turm im Kontrast zu den horizontalen Elementen des Kirchenschiffs und der Seitenschiffe. Die Struktur fließt nicht mehr organisch nach Osten, wie in den französischen gotischen Kathedralen, sondern wird wieder zur Summe ihrer Teile.

Germanische gotische Hallenkirchen

Die zweite wichtige Entwicklung der germanischen Gotik ist die Hallenkirche . Ihr Ursprung ist in Frankreich zu suchen, doch wurde sie in der Gotik völlig aufgegeben. Die Hallenkirche zeichnet sich durch die gleiche Höhe von Kirchenschiff und Seitenschiffen aus. Zwei parallele Arkaden gliedern noch immer den Innenraum, aber der Raumeindruck hat sich stark verändert: Das Kirchenschiff wird von der Seite der Seitenschiffe aus beleuchtet, und die Arkaden erheben sich wie massive Bäume in einem weiten Raum, der weniger hoch erscheint, da die drei parallelen, gleich hohen Schiffe als ein Ganzes wahrgenommen werden.

So wird das romanische Ideal des Gleichgewichts zwischen vertikalen und horizontalen Linien der gotischen Struktur überlagert. Bei dieser Rückbesinnung auf die strukturelle Harmonie der kontrastierenden Elemente spielt der regelmäßige Lichtfluss eine wichtige Rolle. Die niedrigen Fenster des Kirchenschiffs und die hohen Fenster des Chors schaffen in der gotischen Basilika ein mystisches Wechselspiel von Licht und Dunkelheit, während der kontinuierliche und gleichmäßige Lichtfluss dem Kirchenraum einen offenen, fast irdischen Charakter verleiht.

Die erste gotische Hallenkirche in Deutschland, die 1235 begonnen wurde, war die Kirche St. Elisabeth in Marburg . Der gotische Charakter dieser Kirche ist schon von außen erkennbar. An der Westfassade erheben sich zwei schlanke Türme, und die Wände sind vollständig von hohen Fensterreihen besetzt. Die massiven Strebepfeiler und die dünnen Fensterbänke bilden ein charakteristisches Ornamentmuster, das sich jedoch deutlich von dem der gotischen Basiliken unterscheidet: Die Strebepfeiler gehen nicht in fliegende Strebepfeiler über, sondern bleiben stark und fest mit den Wänden verbunden. Ein reiches System von Pfeilern und Kreuzrippengewölben belebt den Innenraum, dessen Stufen und Blicke nicht mehr eindeutig auf den Altar gerichtet sind, sondern aufgrund seiner Weitläufigkeit gleichermaßen breit und tief sind. Altar und Querschiff bilden ein Kleeblatt, ein beliebtes Motiv der Frühromanik, das an das alte Konzept einer zentralen Anlage erinnert.

Etwa zur gleichen Zeit wurde auf der anderen Rheinseite (um 1240) der einzige gotische Rundbau errichtet - die Liebfrauenkirche in Trier . Der Grundriss der Kirche basiert auf dem griechischen Kreuz; die kunstvolle Anordnung der Seitenkapellen macht sie zu einem Kreis, aus dem der Altar nach Osten herausragt. Dieser zentrale Grundriss, kombiniert mit charakteristischen Elementen der gotischen Architektur, ist zweifellos der Pfalzkapelle in Aachen nachempfunden.

Backsteinbau

Der wichtigste deutsche Beitrag zur Geschichte der gotischen Kunst in Europa, abgesehen von der Einturmfassade und der Kirchenhalle, ist der Backsteinbau. Er entstand in Norddeutschland, wo der Mangel an natürlichem Sandstein in Verbindung mit dem Fehlen leistungsfähiger Transportmittel, die regelmäßige Lieferungen von Naturstein aus dem Zentrum Deutschlands ermöglichten, dazu führte, dass man mit Ziegeln bauen musste, um den durch das rasche Wachstum der Hansestädte entstandenen Bedarf zu decken.

Die strukturellen Vorteile des Ziegels wurden bald erkannt, und zu Beginn des dreizehnten Jahrhunderts entwickelte die sakrale und zivile Architektur die Ziegelbauweise in einer höchst originellen Form. Die durch das Baumaterial bedingte Einfachheit der Ziegelbauten erwies sich für das flache Norddeutschland als geeigneter als die Pracht der Sandsteinbauten.

Das wichtigste Beispiel für einen norddeutschen Backsteinbau des dreizehnten Jahrhunderts ist die Marienkirche in Lübeck . Ursprünglich als Hallenkirche geplant, wurde sie später als Basilika nach dem Vorbild französischer Kathedralen errichtet.

Das Kirchenschiff und die beiden Seitenschiffe enden in einem Sparren, und die Gewölbe des Ambo sind mit den Gewölben der balkenförmigen sechseckigen Kapellen zu einer räumlichen Einheit verschmolzen. Das Querschiff als solches ist nicht vorhanden, aber die Seitenschiffe, die deutlich niedriger als das Kirchenschiff sind, sind um eine Spannweite verlängert und bilden ein Kreuz. Weder aufwändiges Maßwerk noch Schnitzereien oder Gesimse können in Backstein ausgeführt werden, so dass die komplexe Vielfalt feiner Muster, die den konstruktiven Ernst gotischer Sandsteinkathedralen verdeckt, in Backsteinkirchen nicht vorhanden ist. Die Solidität ihrer Konstruktion, die Massivität ihrer Formen und die Klarheit ihrer allgemeinen Absicht sind jedoch charakteristische Merkmale der germanischen mittelalterlichen Architektur im Allgemeinen.

Germanische gotische Bildhauerkunst

Der Einfluss der französischen Gotik war nicht nur in der germanischen Architektur, sondern auch in der Skulptur spürbar. Der berühmte Königliche Reiter von Bamberg stellt die erste Abkehr von romanischen Ideen und die erste Annäherung an das französische Ideal von Schönheit und Harmonie dar; er folgt nicht den Traditionen der germanischen romanischen Skulptur, sondern zeigt eine unzweifelhafte stilistische Ähnlichkeit mit den königlichen Figuren der Kathedrale von Reims. Dies deutet auf einen regen künstlerischen Austausch zwischen Frankreich und Deutschland hin, aber es besteht kein Zweifel, dass der „Königliche Reiter“ das Werk eines Deutschen ist.

Ein ähnliches Werk der figurativen gotischen Bildhauerei in Reims stellt einen lebenslangen Monarchen dar, der mit politischen Intrigen und listigen diplomatischen Spielen vertraut ist. Der königliche Reiter hingegen strahlt einen feierlichen Idealismus aus, verbunden mit Standhaftigkeit und unbeugsamer Willenskraft. Es ist nicht bekannt, wen der junge Monarch darstellen sollte, aber heute ist er das Symbol jener glorreichen Periode der Geschichte, des Zeitalters des mittelalterlichen Rittertums.

Mit den Porträts der Stifter im Naumburger Dom erreichte der Realismus in der germanisch-gotischen Bildhauerei seinen Höhepunkt. Ekkehart und Uta werden nicht als idealisierte Figuren in zeitlosen klassischen Gewändern, umgeben von Heiligen und Engeln, dargestellt, sondern als realistische Menschen in der Alltagstracht ihrer Zeit. Sie sind nicht von einer himmlischen Aura umgeben, sie werden nicht in Theologie verwandelt, sie sind Männer und Frauen, die die Last des Lebens, die Last ihrer Menschlichkeit auf ihren Schultern tragen, sie sind germanische Gestalten, fest und stark, stolz und ehrenhaft.

Uta, die schützend ihren Mantel hebt, scheint alles Oberflächliche abzulehnen, und ihr Blick, der auf eine ungewisse Zukunft gerichtet ist, drückt die Melancholie des vergehenden Mittelalters aus. Die glanzvolle Epoche des germanischen Rittertums geht zu Ende, und am Horizont ziehen dunkle Wolken politischer Konflikte auf.

Zur modernen plastischen Kunst siehe: Englische gotische Skulptur .

Spätgotische Holzschnitzerei

Am Ende des fünfzehnten Jahrhunderts, als die Kunst der Renaissance in Italien aufblühte, dominierte in Deutschland weiterhin der spätgotische Stil, und eine Reihe bemerkenswerter spätgotischer Bildhauer hob die germanische Holzschnitzerei auf neue Höhen. Tilman Riemenschneider arbeitete in Würzburg, wo er viele große und kleine Skulpturen schuf und eine Reihe von hölzernen Altaraufsätzen von großer formaler Schönheit schnitzte. Seine zarte Mariendarstellung für den Altar in Kreglingen lässt den transzendenten Charakter der früheren Skulpturen wieder aufleben und übertrifft sie durch einen neuen strahlenden Glanz und eine unübertroffene Vollkommenheit.

Etwa zur gleichen Zeit schuf ein anderer bedeutender germanischer Holzschnitzer, Veit Stoss, ein geschnitztes Altarbild für die Marienkirche in Krakau . Im Jahr 1496 ließ sich Stoss in Nürnberg nieder, wo sein Genie seine größte Reife erreichte. Seine „Madonna mit Kind“ ist eng mit den schönen Madonnen der französischen Gotik verwandt, aber in ihrer stillen Abgeschiedenheit, die sich in der Einfachheit der Umrisse und der Selbstgenügsamkeit der Form ausdrückt, überwindet diese Skulptur die Affektiertheit und geistige Leere des spätgotischen Stils.

Die Werke von Tilman Riemenschneider, Veit Stoss und einigen ihrer Zeitgenossen, wie dem Österreicher Michael Pacher und dem Norddeutschen Bernt Notke, fassen den künstlerischen Reichtum und die Erfahrung des Mittelalters zusammen und bilden einen würdigen Abschluss dieser Epoche. Ein weiteres häufiges Bild, das von Stoss und Riemenschneider sowie anderen germanischen Holzschnitzern der Gotik geschnitzt wurde, war die Pieta - ein Beispiel ist die Rottgen-Pieta (1300, Rheinisches Landesmuseum, Bonn).

Germanische Malerei der Gotik

In der späteren Periode der romanischen Malerei gab die reichere Gliederung der Wandflächen weniger Raum für großflächige Fresken, und als mit dem Aufkommen der Gotik der Wandraum durch Säulen und Pfeiler weiter reduziert wurde, geriet die Kunst der Freskenmalerei fast in Vergessenheit. Aber die transzendente Tendenz der gotischen Architektur und die immer größere und dekorativere Bedeutung der Fenster führten zu der Notwendigkeit, farbig bemaltes Glas zu verwenden. Die Kunst der Glasmalerei entwickelte sich und erreichte ihren Höhepunkt in Frankreich, wo die gotische Architektur die größten Möglichkeiten bot.

In Deutschland entwickelte sich im vierzehnten Jahrhundert eine andere Form der Malerei, die nichts mit der Architektur zu tun hatte: das Tafelbild. Die Grundidee des Tafelbildes stammt von mittelalterlichen Künstlern in Byzanz (für Details siehe: Ikonenmalerei), wo die Ikone stets einen traditionellen Platz in der Kirche einnahm. Im dreizehnten Jahrhundert nahm die Bedeutung der Tafelmalerei aus liturgischen Gründen zu, insbesondere in Italien. (Auch in Russland: siehe Nowgoroder Schule der Ikonenmalerei)

Die Kirchenreformen änderten die Riten der Heiligen Messe, und der Priester, der zuvor hinter dem Altar mit Blick auf die Gemeinde gestanden hatte, stand nun mit dem Rücken zum Volk vor dem Altar. Während der Altar bisher nur mit einem Altargürtel, dem Antependium, geschmückt werden konnte, war es nun möglich, ein Hochaltarbild, das Retablo, aufzustellen. Dies schuf die Möglichkeit, verschiedene Arten von Altarbildern zu schaffen, indem man Tempera auf verschiedenen Kombinationen von Holztafeln verwendete: ein Diptychon Altarbild bestand aus zwei Tafeln; ein Triptychon, drei; und ein Polyptychon, viele.

In der Mitte des vierzehnten Jahrhunderts entwickelte sich Prag, die bevorzugte Residenz des deutschen Kaisers Karl IV., zum Zentrum der germanischen Tafelmalerei . Die engen Beziehungen des Kaisers zum päpstlichen Hof in Avignon und zu humanistischen Kreisen in Italien trugen zur raschen Verbreitung neuer Ideen und künstlerischer Formen bei. Die Maler der böhmischen Schule des vierzehnten Jahrhunderts verbanden ursprünglich den manieristischen Stil französischer illuminierter Handschriften und die harte realistische Kunst des italienischen Malers des Trecento Giotto und hatten einen entscheidenden Einfluss auf die späteren Entwicklungen in der germanischen Malerei.

Um 1350 malte ein unbekannter Meister ein aus neun Tafeln bestehendes Altarbild für das Zisterzienserkloster Hohenfurt in Südböhmen. In „Die Geburt Christi“ sind die verschiedenen Stilelemente, die den Künstler beeinflusst haben, deutlich erkennbar. Der goldene Hintergrund ist im Stil der byzantinischen Kunst, ebenso wie die Darstellung eines Stalls mit der auf einem Bett liegenden Maria, und die seltsamen kubischen Felsen erinnern an Giottos Proto-Renaissance . Die langbeinigen Figuren mit den mandelförmigen Augen deuten ebenfalls auf italienische Einflüsse hin, und die sorgfältige Ausarbeitung der Details ist den burgundischen Manuskripten des internationalen gotischen Stils entlehnt, die mit sorgfältigen Darstellungen von Blumen, Pflanzen und Bäumen gespickt sind (für weitere Einzelheiten siehe: Internationale gotische Illuminationen) Die Aufmerksamkeit, die der idyllischen Darstellung von Szenen aus dem Alltagsleben gewidmet wird, wie Joseph und die Amme, die ein Bad vorbereiten, ist ein charakteristisches Merkmal der germanischen mittelalterlichen Malerei dieser Zeit.

Seit Giotto die dritte Dimension in die bildende Kunst eingeführt hat, haben sich die europäischen Künstler mit dem Problem des Raums befasst. In dem Gemälde „Auferstehung“ des Wittingauer Meisters verleiht die diagonale Anordnung des Steinsarges dem Vordergrund des Bildes zusätzliche Tiefe, die durch die Silhouetten der Berge im Hintergrund zu einem logischen Abschluss gebracht wird. Die lebendige Darstellung „der Auferstehung“ zeigt die Gestalt Christi als übernatürliche Erscheinung, die gleichsam schwerelos über dem Sarkophag schwebt, während die unversehrten Siegel an dessen Rand das vollbrachte Wunder bezeugen. Die Gesichter der Wachen im Hintergrund drücken Entsetzen, unbegreifliche Neugier und völliges Desinteresse aus; nur der Ritter im Vordergrund, dem die Segensgeste offenbar galt, blickt mit fasziniertem Interesse zu. Verglichen mit der Buchwirkung „der Geburt Christi“ von Meister Hohenfurth ist die Einheit und geistige Intensität dieses Bildes eine bemerkenswerte Leistung.

Um die Jahrhundertwende war der Westfale Conrad von Soest in Dortmund tätig, wo er 1422 ein Altarbild für die Marienkirche schuf, das auf die Vertrautheit des Künstlers mit der französischen Buchmalerei und mit der Malerei der böhmischen Schule hinweist. Der Ruhm der mitteleuropäischen Künstler verbreitete sich von Westfalen aus in die Hansestädte Norddeutschlands. Hamburg und Lübeck wurden zu wichtigen künstlerischen Zentren, von denen aus sich die germanische Malerei bald entlang der Handelswege in die benachbarten skandinavischen Länder und über die Ostsee verbreitete.

Seit der Gründung der Hansestädte wurde Norddeutschland zum politischen, wirtschaftlichen und kulturellen Bindeglied zwischen Mitteleuropa und Skandinavien, eine Rolle, die es bis ins 17. Im Mittelalter wurde die norddeutsche Backsteinarchitektur von den Ländern des Ostseeraums übernommen, so dass gotische Backsteinkirchen nicht nur in Lübeck, Wismar, Stralsund und Danzig, sondern auch in Kopenhagen, Odense und Turku (Finnland) zu finden sind.

Als sich die Kunst der Tafelmalerei in Europa ausbreitete, waren es die norddeutschen Küstenstädte, die erneut zum Bindeglied zwischen Skandinavien und dem übrigen Europa wurden. Gemälde norddeutscher Meister gelangten nach Dänemark, Schweden, Norwegen, Finnland und weiter nach Osten. Zunächst waren sie nur für die hansischen Handelsstationen im Ausland bestimmt, doch als sie das Interesse und die Bewunderung der einheimischen Bevölkerung auf sich zogen, entdeckten die Kaufleute, dass Gemälde ein ebenso lukratives Handelsgut waren wie Weizen und Gewürze, und bald entwickelte sich ein reger Handel mit Gemälden.

Vor allem zwei Künstler begründeten den Ruhm der norddeutschen Malerei: Meister Bertram und Meister Franke . Dank der methodischen Buchführung der Hamburger Beamten sind ihre Namen in den zahlreichen Rechnungen der Finanzbehörde der Stadt gut festgehalten. Meister Bertram stammte aus Westfalen, und obwohl nichts über seinen künstlerischen Werdegang bekannt ist, wird allgemein angenommen, dass er sein Handwerk in Böhmen erlernt hat.

Meister Franke wurde in Hamburg geboren. Sein Hauptwerk, ein Altarbild des heiligen Thomas , wurde von einer Vereinigung Hamburger Kaufleute „The Company of St Thomas Traders with England“ in Auftrag gegeben. Die Anbetung der Könige“ zeigt Franke als typischen Vertreter der weichen Gotik, die sich um die Jahrhundertwende als Antwort auf die starre Monumentalität der italienischen und böhmischen Meister entwickelte. Die weichen, fließenden Linien der nachdenklich ruhigen Figuren, die in die reichen Falten ihrer luxuriösen Gewänder übergehen, erzeugen eine magische Wirkung. Majestätische Würde ohne einen Schatten von Pathos kennzeichnet die Figur der Jungfrau Maria und macht sie zum spirituellen Zentrum, mit dem die anderen Figuren durch ihre Pose und Gestik korrespondieren. Nicht eine einzige Bewegung stört die Ruhe der Szene, weder die sanften Hügel noch der Sternenhimmel im Hintergrund. Und doch entbehrt das Bild nicht der menschlichen Wärme. Das Jesuskind greift mit ungeschickten Fingern nach der geöffneten Schatztruhe, während Joseph damit beschäftigt ist, das kostbare Geschenk in Sicherheit zu bringen.

„Krippe“ des westfälischen Malers Johannes Körbeke ist weltlicher und realistischer und zeigt deutlich den Einfluss der flämischen Malerei auf die germanischen Maler. Die räumliche Tiefe der an Abstufungen reichen Landschaft, die detaillierte Beschreibung des alten, abgenutzten Daches, der kleine Grasfleck im Vordergrund, die scharf zeichnende Technik - das alles sind Merkmale des Realismus von Jan van Eyck und seinen Nachfolgern. Aber in Körbekes Malerei bleibt dieser Wunsch nach Realität im Widerspruch zu den alten Konventionen. Die realistische Landschaft steht vor dem traditionellen goldenen Himmel, und vor allem die Figuren der Jungfrau und der Engel bleiben von der sie umgebenden Welt isoliert. Ihr transzendentes Dasein sowie die dekorativen Linien der reich fallenden Falten ihrer Gewänder stehen in der Tradition der Spätgotik.

Diese reizvolle Verschmelzung neuer Tendenzen mit mittelalterlichen Vorstellungen lässt sich in allen germanischen Gemälden der Mitte des fünfzehnten Jahrhunderts beobachten. Einer derjenigen, die Tradition und Fortschritt am erfolgreichsten verbanden, war Stephan Lochner, ein Meister der Kölner Malerschule, der vom Bodensee stammte. Sein Gemälde „Die Darstellung im Tempel“ ist eine prächtige Sammlung himmlischer und menschlicher Figuren, die durch die Idealisierung der menschlichen Figuren und die irdische Darstellung der himmlischen näher zusammengebracht werden.

Von den Kindern mit den Kerzen geht eine engelhaftere Aura aus als von dem Kreis der flatternden Engel auf goldenem Grund, und die Jungfrau Maria unterscheidet sich von den anderen schönen und strahlenden Damen nur durch ihr luxuriöseres Gewand und ihren Heiligenschein. Sie wird nicht mehr als Bote des Himmels dargestellt, sondern als Auserwählte des Volkes. Eine weitere sehr menschliche Note ist hinzugekommen: Die heiligen Riten am Altar scheinen vergessen, alle schauen auf die Kinderschar; nicht nur die Figuren links und rechts des Altars, sondern auch Maria selbst ist für einen Moment abgelenkt. Die Barriere zwischen Himmel und Erde scheint zu schwinden.

Die Stärke der spätgotischen Malerei in Deutschland (die sich in nicht geringem Maße mit der deutschen Renaissance vermischte) lag nicht in ihrer Monumentalität oder ihrem kühnen Intellektualismus, sondern in ihrer poetischen Vorstellungskraft und ihrer Liebe zum Detail, durch die alle formalen Widersprüche aufgelöst wurden. Es fällt kaum ins Gewicht, dass die stilisierten Figuren des Brautpaares auf einem Gemälde eines unbekannten schwäbischen Meisters, das um 1470 entstand, in einem naturalistisch dargestellten Wald stehen, dessen Boden mit einem reichen, mit botanischer Präzision gemalten Pflanzenteppich bedeckt ist: Ranunkeln, Klee, Löwenzahn, Maiglöckchen, Schlüsselblumen, Baldrian usw. in einer waldigen Umgebung. In dieser irdischen Umgebung wirken die manierierten Bewegungen und Haltungen des Brautpaares, die spätgotischen Vorstellungen entsprechen, fast unwirklich, aber dieses Nebeneinander von Realität und Transzendentalismus erzeugt einen magischen Effekt und verleiht der Szene die reizvolle Harmonie, die für die germanische Malerei dieser Epoche charakteristisch ist. Zum Beispiel die Donauschule (1490-1530) unter der Leitung von Albrecht Altdorfer (1480-1538). In anderen Ländern hatte sich die Malerei längst ganz dem profanen Realismus zugewandt.

Die Kunst der germanischen Gotik ist in einigen der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, darunter deutsche Galerien wie die Gemäldegalerie SMPK Berlin, die Gemäldegalerie Alte Meister Dresden und die Pinakothek in München.

Zur Einordnung der Architektur, Skulptur und Malerei der germanischen Gotik in die allgemeine Entwicklung der europäischen Kultur siehe: Chronologie der Kunstgeschichte .