Französische Designer, dekorative Künstler (1640-1792) Automatische übersetzen

Dekorative Kunst in Frankreich Serie
(1) Französische Kunstgewerbe (1640-1792)
(2) Französische Dekorationsdesigner
(3) Französische königliche Möbel

Einführung

Während des ungefähren Zeitraums 1640-1792 wurde der Kurs von dekorative Kunst in Frankreich wurde stark von Ornamentdesignern beeinflusst, die in der Regel vom König ernannt und von den königlichen Manufakturen beschäftigt wurden. Nur wenige von ihnen waren Ornemanisten. Die meisten wurden in anderen Bereichen der Kunst gefeiert. Viele von ihnen haben Bücher oder Beispiele ihres Stils veröffentlicht Design zum Wohle anderer Künstler und Handwerker. (Siehe auch: Größte bildende Künstler 1000-1850.)

Simon Vouet (1590-1649)

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts die herausragendste der frühen Französische Barockkünstler und Designer war der Maler Simon Vouet, der fünfzehn Jahre in Italien verbracht hat und beeinflusst wurde von Paolo Veronese (1528 – 1588), Raphael (1483-1520) und Caravaggio (1573 & ndash; 1610). Vouet half beim Dekorieren des Palais du Luxembourg und stellte den Tapisseristen des Louvre zahlreiche Cartoons zur Verfügung, in denen er Wohnungen erhielt. Er vollendete eine Unmenge von Arbeiten, viele davon mit Hilfe seiner Schüler, unter denen Charles Le Brun (1619-90) der herausragendste war. Vouet war es – zweifellos beeinflusst durch das komplizierte Stuck-Rollwerk des ersten Fontainebleau Schule – wer war für die Mode für Blumendekoration verantwortlich, die sich danach immer wieder bemerkbar macht? Er scheint den Bildhauer und Designer Jean Le Pautre (1618-82) beeinflusst zu haben, der in der Zeit des 19. Jahrhunderts in Versailles arbeitete Barocker Architekt und Hofliebling Louis Le Vau (1612 & ndash; 70). Die Entwürfe von Le Pautre sind die eines Bildhauers, der reichlich aufgeladen ist – "überladen" könnte eine bessere Beschreibung sein – mit klassischen Figuren, gewöhnlich in Hochrelief und nackt oder fast nackt, in Verbindung mit scrollendem Akanthus und Blumen- und Blattgirlanden. Dies zeigt sich auch in seinen Entwürfen für Schornsteine. Der eine wird als "auf italienische Weise, erfunden und graviert von I. Le Paultre, 1665" und der andere, noch reicher, flankiert von korinthischen Säulen und überragt von einer allegorischen Gruppe und einem zentral angeordneten Gemälde, als " a la romaine " beschrieben.. Diese von Mariette, einem Druckhändler in der Rue Saint-Jacques, in Paris verkauften Exemplare zeugen von dem anhaltenden italienischen Einfluss, der seit dem 16. Jahrhundert herrscht. Die Entwürfe von Le Pautre für Stuckdecken waren nicht minder aufwändig, und die von kompletten Räumen könnten fast als die Apotheose des Grand Manner bezeichnet werden. Diejenigen für Schränke auf kunstvoll geschnitzten vergoldeten Ständern passen zu seiner dauerhafteren architektonischen Arbeit, und er zeichnet sich im Allgemeinen durch eine Atmosphäre von Massivität und Höhe aus. Obwohl es unmöglich ist, existierende Interieurs mit seinen tatsächlich veröffentlichten Entwürfen in Verbindung zu bringen, muss sein Einfluss einen erheblichen Beitrag zum mittleren Louis Quatorze-Stil geleistet haben. Andere Mitglieder derselben Familie fungierten auch als Designer, insbesondere der Architekt Pierre Le Pautre (1659 – 1744), dessen weitaus weniger kunstvolle Entwürfe den Stil der Regentschaft ankündigten.

Charles Le Brun (1619-90)

Ein frühreifer Schüler von Simon Vouet, Charles Le Brun hatte ein Geschichtsgemälde für Kardinal Richelieu im Alter von nur 15 Jahren fertiggestellt Poussin Während eines Italienbesuchs kehrte er nach Frankreich zurück, um mehrere Aufträge zu erhalten, darunter dekorative Arbeiten im Schloss von Vaux-le-Vicomte für Nicolas Fouquet (1615-80), Superintendent der Finanzen in Frankreich (1653-61). Darüber hinaus überreichte Kardinal Mazarin Anne von Österreich Le Brun, während Ludwig XIV. Ihm die Aufgabe anvertraute, die Galerie d’Apollon im Louvre zu dekorieren. Er wurde auch damit beauftragt, Teile des Gemäldes zu malen Schloss von Versailles Palast, einschließlich der Decke in der Galerie des Glaces (Spiegelsaal). Er war auch verantwortlich für die Wandmalerei im Salon de Paix nebenan sowie im Salon de la Guerre. Er wurde zum Hauptmaler des Königs ernannt und arbeitete in Saint-Germain, Marly und Sceaux sowie als Direktor des Gobelin-Wandteppich Fabrik produzierte er eine Vielzahl von Tapisserie-Kunst und entwarf Möbel, Schmuck und Schmiedearbeiten, wobei jedes Detail der Produktion überwacht wurde. Eine zentrale Figur in Französisch Barocke Architektur ebenso gut wie Gemälde Wurde Le Brun ein virtueller Diktator von angewandte Kunst in Frankreich als Designer, Dekorateur und Administrator ausgezeichnet. Regisseur der Französische Akademie Er setzte es ein, um die Kunst der Malerei und Bildhauerei an Bedeutung zu gewinnen, und gründete zusammen mit dem Prix ​​de Rome eine französische Akademie in Rom. Le Brun beherrschte das Gebiet der dekorativen Kunst in Frankreich bis zum Tod seines politischen Förderers Colbert im Jahr 1683. Colberts Nachfolger, der Marquis de Louvois (1641-1691), ersetzte Le Brun durch Pierre Mignard (1612-95). aber wegen der damaligen Schwierigkeiten waren die königlichen Manufakturen bereits im Niedergang. Auf den Grundstein von Le Brun ist ein Großteil der herausragenden Stellung der französischen Kunst in den folgenden Jahrhunderten zurückzuführen.

Daniel Marot (1650-1712)

Daniel Marot, Sohn von Jean Marot, war ein Hugenotte, der Frankreich nach der Aufhebung des Edikts von Nantes verließ, um Architekt Wilhelm III. Von England zu werden. Sowohl Vater als auch Sohn waren erfolgreiche Designer, aber Daniel ist bei weitem der bekanntere. Er scheint sich auf die Gestaltung von Betten spezialisiert zu haben, dem wichtigsten Haushaltsmöbel im 17. Jahrhundert. Entweder mit von einem Baldachin überragten Pfosten ) lit a la francaise) oder mit einem nur hinten abgestützten Baldachin ) lit a la duchesse) forderten seine Entwürfe quastenförmige Vorhänge und Volants von höchstem Reichtum, die das als Lambrequins bekannte Ornament inspirierten. In den letzten Jahren des 17. Jahrhunderts als bemaltes Fayence-Motiv verwendet. Seine Vordächer waren an jeder Ecke von Federn überragt. Einige von Marots Schornsteinentwürfen boten erstmals Platz für die Ausstellung von Porzellan- und Fayence-Vasen, die er möglicherweise für die englische Queen Mary angefertigt hatte. In Hampton Court, wo die Königin die Mode für orientalisches Porzellan und europäische Zinn-Email-Ware (Delft) nach England eingeführt hatte, sind Schornsteinstücke zu finden, die im Design sehr ähnlich sind. In seinen Entwürfen für Tafeln verwendete Marot Riemen in Verbindung mit Laub, insbesondere Akanthusrollen, Blumengirlanden und Blattgirlanden, sowie Grotesken, einige mit beliebten allegorischen Motiven. Neben dem Innenausbau entwarf er Konsolentische, Schränke, Spiegelrahmen, Beleuchtungsgeräte und sogar Kleinteile wie Schnupftabakdosen. Er spezialisierte sich auch auf die Gestaltung von kunstvoll verzierten Gehäusen für Langzeituhren, die in Frankreich als Regulatoren bezeichnet werden.

Jean Berain der Ältere (1637-1711)

Die letzte Periode des Louis Quatorze-Stils wird vielleicht am besten von Jean Berain the Elder repräsentiert, der mit seinem Bruder Claude (d.1726) arbeitete, der jetzt selten erwähnt wird. Er erregte die Aufmerksamkeit von Le Brun, von dem er ausgebildet wurde und in der Galerie d’Apollon im Louvre und er wurde 1674 zum dessinateur de la chambre und du cabinet du Roi ernannt, mit einer Wohnung im Louvre. Berain entwarf nicht nur Innenräume, sondern auch Räume für alle Arten königlicher Veranstaltungen, insbesondere für Feste und Theateraufführungen. Er zeichnet sich durch eine Art grotesken Schmuck aus, der besonders für die letzten Jahrzehnte der königlichen Herrschaft charakteristisch ist und den späteren Verlauf beeinflusste Rokoko-Künstler. Zu seinen Entwürfen, die mit der Dekoration der Urbino maiolica nach der Mitte des 16. Jahrhunderts viel gemeinsam haben, gehören Amoren, die ein flammendes Herz auf einen Amboss hämmern, Widder mit langen Hörnern, Masken (Mascarons), Affen und Sphinxen.

Sphinxe waren übrigens in den frühen Jahren des 18. Jahrhunderts eine besonders beliebte Art der Verzierung, die in einer Vielzahl von Formen auftrat, einschließlich der dekorativen Chenets (Andirons). Viele waren erkennbare Porträts von Hofschönheiten. Porträt-Sphinxen, die zweifellos aus dieser Quelle stammen, wurden besonders Mitte des Jahrhunderts bei den englischen Porzellanfabriken von Bow und Chelsea beliebt, darunter auch die englischen Schauspielerinnen Kitty Clive und Peg Woffington.

In anderen Entwürfen von Berain finden wir chinesische Figuren in hohen konischen Hüten unter einem gescrollten Baldachin mit deutlich chinesischem Geschmack, dessen geschwungene Traufe der chinesischen Pagode entnommen sind. Diese chinesischen Motive waren eine Folge des Interesses des Königs an Chinesische Kunst Es ist im Trianon de Porcelaine in Versailles zu sehen und zeigt die orientalische Dekoration des Schlosses von Meudon, das dem 1711 verstorbenen Dauphin gehörte. Die Mode erhielt 1688 bemerkenswerte Impulse von einer Botschaft des Königs von Siam.

Berains Entwürfe waren bei Handwerkern aller Art weit verbreitet. Ein Großteil der Dekoration von Andre-Charles Boulles typischen Marketerien aus Messing und Schildpatt ist offensichtlich von dieser Quelle inspiriert, und die Fayence von Moustiers verwendete Berains Grotesken für eine bemerkenswerte Reihe von Gerichten. Boulle (1642-1732) war auch ein eigenständiger Designer, der nicht nur für den König, sondern auch für die bekannteren Finanziers Ende des 17. Jahrhunderts arbeitete, wie Antoine Crozat (1655-1738) und Samuel Bernard (1651 – 1739). Sein Können als Bronzearbeiter und Designer zeigt sich besonders in seinen Kronleuchtern und Wandlampen, von denen einige eine Rokokoasymmetrie andeuten. In seiner Privatsammlung enthalten Renaissance-Zeichnungen von Raphael, Wachsfiguren, eine Menge von Gravur und viele andere Kunstwerke.

Robert de Cotte (1656-1735)

Robert de Cotte, Schüler und Schwager von Jules Hardouin-Mansart (1646-1708), war ein Ornemanist sowie ein Architekt, der schließlich um 1699 Premier Architecte du Roi und Direktor der Manufakturen du Roi wurde Einfluss auf die Entwicklung des Regency-Stils und arbeitete wahrscheinlich mit Berain und Boulle zusammen.

Claude Gillot (1673 – 1721); Claude III Audran (1658-1734)

Zur gleichen Zeit gehörte Claude Gillot, ein erfahrener Designer, der für seine Theaterdekoration und seine Szenen aus der italienischen Komödie bekannt war, in der die beliebten Satyrn, Grotesken und Affen zum Einsatz kamen. Claude Audran, Konservator in Luxemburg, war ein Maler, der viele Schlösser schmückte und Wandteppiche mit Motiven entwarf, die Berain bekannt gemacht hatte. In Zusammenarbeit mit Pierre Francois Cozette, dem späteren Direktor der wichtigsten Abteilung der Gobelins-Gobelinmanufaktur, entwarf er auch die bekannten Gobelins-Gobelinreihen aus der " Geschichte von Don Quijote " und der " Geschichte von Jason " (nach De Troy).

Antoine Watteau (1684-1721)

Gillot und Audran schließen sich durch ihre Verbindung mit an Jean-Antoine Watteau, Sohn eines Fliesenmeisters von Valenciennes, der sowohl Maler als auch einflussreicher Designer war. Er war ein Schüler von Gillot im Jahr 1704 und erregte die Aufmerksamkeit von Audran etwas später im Jahr 1709. Watteaus Gemälde hat heute eher seine Arbeit und seinen Einfluss als Designer in den Schatten gestellt, aber seine Arabesken (die übliche Bezeichnung für die Form der Grotesken im 18. Jahrhundert) haben den Ebenisten und Bildhauer Charles Cressent (1685 – 1768) inspiriert, und er entwickelte auch den populären Affen. Tatsächlich wurden die Sängerinnen des Malers Jean-Baptiste Marie Huet (1745-1811) in Chantilly einst Watteaus Hand zugeschrieben. Seine charakteristischen Motive der Galanterie waren weit verbreitet und wurden in den 1740er Jahren auf das Porzellan von Meissen kopiert.

Watteau erlangte später die Schirmherrschaft von Antoine Crozat, dem Finanzier, und sein Ansehen war zu dieser Zeit so hoch, dass siebenhundert seiner Gemälde auf Initiative von Jean de Jullienne, einem seiner Freunde, als Recueil Jullienne graviert wurden. Ein Riese von Französische Malerei Er starb in den Armen seines Freundes Gersaint, des Kunsthändlers. Watteaus Entwürfe strahlen damals eine fast unvergleichliche Phantasie aus, die den Verlauf des Designs in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts erheblich beeinflusste, und obwohl seine frühen Arbeiten als Designer die von Berain nur schwach wiedergeben, ist sie eine offensichtliche und wichtige Quelle der Rokoko-Phase. Die Entwürfe von Gillot weisen dagegen eine größere Verwandtschaft mit dem 17. Jahrhundert auf.

Jean-Baptiste Oudry (1689 – 1755)

Der Maler Jean-Baptiste Oudry war auf dem Gebiet der dekorativen Künste vielleicht am einflussreichsten, als er zuerst Direktor der Beauvais-Webstühle und dann der Gobelins-Manufaktur war, eine Position, die er während der Regierungszeit von Louis Quinze innehatte. Sein Tod markierte fast das Ende von Colberts Organisation der Künste, obwohl die königliche Schirmherrschaft praktisch unvermindert weiterging. Als Maler war Oudry besonders angetan von Tieren und der Jagd, und seine Arbeit war eine äußerst beliebte Quelle für Dekorationen aller Art. Sein Stil ist dem von Desportes nicht unähnlich, mit dem er manchmal verwechselt wird. Desportes war ein etwas früherer Maler ähnlicher Themen, der dazu beitrug, viele der wichtigsten Schlösser der Zeit zu schmücken, darunter Versailles und Marly sowie Chantilly, die dem Fürsten von Conde gehörten.

Francois Lemoyne (1688 – 1737)

Francois Lemoyne inspirierte auch einige der dekorativen Kunstwerke seiner Zeit. Eines seiner Hauptwerke war die Dekoration des Salon d’Hercule in Versailles, und viele seiner Gemälde wurden von Laurent Cars, dem Kupferstecher von Watteaus Festen Galantes, gestochen.

Gilles-Marie Oppenord (1672-1724)

Mit Gilles-Marie Oppenord verstärkte sich die Tendenz zum Rokoko. Oppenord war Architekt des Regent und beeinflusste Cressents Möbelentwürfe. Er hat etwas zu verdanken Francesco Borromini (1590-1667), ein frühbarocker Architekt, dessen Einfluss in einigen Entwürfen Oppenords zu sehen ist. Oppenord ist heute wahrscheinlich am bekanntesten für seine schmiedeeisernen Entwürfe, die dann neben den Toren, die schon immer für die Eingänge in Schlösser beliebt waren, auch für Balkone und Treppen in Mode kamen. Er widmete sich auch Konsolentischen auf Trägern aus Schmiedeeisen, Gusseisen und anderen Eisenmöbeln, einschließlich eines Prie-Dieu, die anscheinend eher für Gärten und Außengerichte als für Innenräume gedacht waren.

Nicolas Pineau (1684-1754)

Nicolas Pineau war Schüler von Mansart und des Architekten Germain Boffrand (1667-1754). Er scheint zunächst ein Menuisier gewesen zu sein, der sich hauptsächlich mit dem Schnitzen von Boiseries befasste, insbesondere am Hof ​​von St. Petersburg, wo er zehn Jahre blieb. In Russland war er auch als Architekt und Innenarchitekt tätig, und bei seiner Rückkehr nach Paris im Jahr 1726 wurde er ein führender Designer. Sein Werk war weniger betont asymmetrisch als das einiger seiner Zeitgenossen und erhielt die Anerkennung des Architekten JF Blondel, der einer der ersten Kritiker der Rokoko-Extravaganzen war.

Jacques Verberckt (1704-71)

Jacques Verberckt aus Antwerpen war ein Menuisier und Schnitzer, der vor allem in Zusammenarbeit mit dem Architekten Ange-Jacques Gabriel (1698-1782) an Boiserien arbeitete, in einem weniger ausgeprägten Rokokostil als der von Meissonnier.

Juste-Aurele Meissonnier (1695-1750)

Trotz der bereits erwähnten frühen Beispiele für Asymmetrie wurden die besonderen Merkmale des entwickelten Rokokostils erst zur Zeit der in Turin geborenen Juste-Aurele Meissonnier deutlich. Er arbeitete hauptsächlich als Goldschmied und Ornemanist und wurde 1726 Orfevre du Roi (Goldschmied des Königs). Zwei Jahre später wurde er als Nachfolger von Jean Berain dem Jüngeren (1678-1726) zum Dessinateur du Cabinet du Roi ernannt von seiner Arbeit in dieser Eigenschaft ist noch vorhanden. Zwar ist Meissonnier außer seinen Designbüchern kaum etwas zuzuschreiben, aber dies war wohl der größte Einzeleinfluss auf die Entwicklung des Rokoko. Ein Großteil seiner Arbeit wurde für ausländische Adlige geleistet, darunter Uhrengehäuse, Kampfzubehör, Konsolentische und andere Möbel, Boiseries und – etwas natürlich – Silber Schmuck aller Art. Unter seinen Silberdesigns waren einige Muschelsalze eine offensichtliche Inspiration für einige der Porzellanfabriken, einschließlich Chelsea und Bow in den 1750er Jahren. Andere Silberentwürfe mit Meeresmotiven auf der Basis asymmetrischer Schriftrollen beeinflussten die Porzellanherstellung in Sachsen und England, obwohl in Vincennes und Sevres, wo die verwendete Porzellansorte kaum geeignet war, und in Goldbronze kaum solche Arbeiten durchgeführt wurden ersetzt. Meissonniers Tischstützen und Sitzmöbel waren fast so kunstvoll verziert wie sein Silber. Noch weiter fortgeschrittener waren die Entwürfe eines Graveurs und Goldschmieds, PE Babel, dessen Vignetten und Ornamente beliebt waren.

Mehr oder weniger zeitgemäß mit Meissonnier und in einem Stil arbeitend, der seinem ähnelt, aber ohne seinen Schwerpunkt auf Asymmetrie, waren die Brüder Slodtz. Zwei von ihnen waren als Designer und Bildhauer für den König tätig: Antoine Sebastien (1695-1754) war ein Dessinateur de la Chambre du Roi, dessen Nachfolger sein Bruder Paul Ambroise (1702-58) war. 1739 wurden sie mit dem Kupferstecher Charles-Nicolas Cochin le jeune (1714-90) in Verbindung gebracht, der sie bei der Gestaltung von Einstellungen für Hoffeste und Staatszeremonien unterstützte. Die Slodtz waren laut einem heutigen Kritiker gut darin, Festivals zu gestalten, aber sie ließen sich wirklich auf Beerdigungen ein.

Jean-Jacques Bachelier (1724-1806)

Jean-Jacques Bachelier, Maler und Ornemanist und ein Anhänger von Jean Chardin, half bei der Dekoration von Schlössern und Hotels, bevor er zum Leiter der Ateliers der Porzellanfabrik Vincennes ernannt wurde. Von Madame de Pompadour ermutigt, wurde er 1751 Art Director und war maßgeblich für die Entwicklung des Sevres-Stils in der Porzellandekoration verantwortlich, der die Verwendung von Biskuitporzellan (dh unglasiertem Porzellan) zur Herstellung von Figuren einführte.

Francois Boucher (1703-70)

Der Einfluss in der Mitte des Jahrhunderts von François Boucher, Sohn eines Stickereidesigners, ist kaum zu überschätzen. Er war einer der vielseitigsten Maler seiner Zeit und wandte sich Szenen der Galanterie zu, mythologischen Themen, Chinoiserie , Tierbilder, religiöse Motive, Theaterkulissen, Porzellangestaltung, Gobelin-Cartoons und vieles mehr. Obwohl er heute am bekanntesten ist für seine weibliche Akte Diese bildeten in der Tat einen vergleichsweise kleinen Teil seiner Arbeit. Im Jahr 1743 wird er in einer Liste der besten Maler als Praktiker von Geschichtsmalerei in der Rue Grenelle Saint-Honore, gegenüber der Rue des Deux-Ecrus, einem Schüler von Lemoyne, der sich auch durch Landschaften, Grotesken und Ornamente nach Watteaus Art auszeichnet und Blumen, Früchte und Tiere gleichermaßen malt, die Architektur und Themen der Galanterie und Mode.

Boucher, der 1734 in die Akademie gewählt wurde, war ein Vertrauter von Meissonnier, der 1736 Pate seines Sohnes war. In diesem Jahr eine Reihe von Stichen von Simon Francois Ravenet (1706 – 1774) und Jacques-Philippe Le Bas (1707) -83) aus Bouchers Cris de Paris herausgegeben und später für eine Reihe von Figuren zur Inspirationsquelle für die Meissener Porzellanmanufaktur. 1736 reichte er auf Vorschlag des Direktors Oudry Entwürfe für eine neue Serie von Wandteppichen mit dem Titel "Don Quijote" bei Gobelins ein, die Vorläufer vieler weiterer Arbeiten waren. Bis 1737 verkauften sich seine Gemälde so schnell wie sie von der Staffelei genommen wurden, sowohl Kabinettbilder als auch solche, die für dauerhaftere Positionen gedacht waren, wie zum Beispiel Overdoors. Er hatte eine Sammlung von Chinesisches Porzellan vielleicht ab etwa 1740, als er eine Reihe von Chinoiserien begann, "The Five Senses", die verschiedene chinesische Zeitvertreibe repräsentierten, gefolgt von der " Suite de Figures Chinoises ", die Porzellanfiguren und -gruppen in Meißen inspirierte, die später in England kopiert wurden. Diese Phase von Bouchers Werken scheint begonnen zu haben, als er einen Entwurf für Gersaint’s Katalog eingravierte, der sich auf orientalische Kunst aller Art spezialisiert hat.

Boucher war Mitarbeiter der Pariser Oper und entwarf 1743 Kostüme und Bühnenbilder für das Ballett Indes galantes. Weniger bekannt sind seine Entwürfe für die modischen Goldbronze-Montierungen und für Interieurs. Es folgten seine Freundschaft mit Madame de Pompadour (geb. Jeanne Antoinette Poisson, von 1745 bis zu ihrem Tod 1764 die Geliebte Ludwigs XV.) Und seine Entwürfe für die Porzellanfabrik Sevres, die ihm den Peintre du Roi- Posten einbrachten. Bis 1754 hatte sich Boucher Pastoralen zugewandt, um eine neue Richtung einzuschlagen, und im folgenden Jahr wurde er nach Oudry Direktor von Gobelins. Seine Verbindung zu Vincennes begann kurz vor 1754, als Bachelier um seine Hilfe bat und er Skizzen für die Modellbauer Fernex und Suzanne lieferte. Bouchers Einfluss ließ nach dem Tod seiner Freundin und Gönnerin Madame de Pompadour im Jahr 1764 nach, obwohl sein Ruf sein Leben überlebte. Er starb 1770 an seiner Staffelei.

Jacques Francois Blondel (1705-74)

Die extravaganteren Aspekte von Rokokokunst nie universelle Gunst gefunden. Ein früher Kritiker war Jacques Francois Blondel, dessen Architektur Francaise in acht Bänden, veröffentlicht 1752-1756, und der Cours d’Architecture Civile (1771-7), beide einflussreich waren. Seine Entwürfe für Boiseries, ohne vom Zeitgeist abzuweichen, sind im Einklang mit seinen veröffentlichten Ansichten viel weniger extravagant als ein Großteil der Arbeiten seiner Zeitgenossen. Von einigen Tellern, die auf der Arbeit von Pineau basieren, sagt er, dass sie "abwechslungsreich sind, ohne den Geschmack der Zeit zu stark zu beeinflussen".

Charles Etienne Briseux (1680-1743)

Die Schornsteine ​​von Charles Etienne Briseux, der 1743 ein Buch über das Bauen von Landhäusern mit von Babel gravierten Tafeln veröffentlichte und Pineau für einige seiner Aufträge beschäftigte, zeichnen sich durch große Spiegelflächen aus. Zu diesem Zeitpunkt ergänzten Kaminspiegel die gegenüberliegenden Piergläser und verliehen dem Raum einen Hauch von Geräumigkeit. Babel gravierte andere Innenarchitekturen, insbesondere für Boffrand, und er war stark von Meissonnier beeinflusst, aber wie sehr seine Arbeit dieser Art originell war, ist problematisch.

Jean Pillement (1728-1808)

Erwähnenswerter Designer von Chinoiserien ist Jean Pillement, Maler, Aquarellist und Kupferstecher, der für den Fürsten von Liechtenstein und Stanislas Leczinski gearbeitet hat. In England inspirierten seine charakteristischen Chinoiserien die Dekoration von Porzellan, Emaille und Kunstgegenständen. Bereits 1737 entschuldigte er sich dafür, dass er einige Beispiele für asymmetrische Entwürfe angeführt hatte, in denen er erklärte, sie seien lediglich ein Zugeständnis an den Geschmack des Augenblicks, und sich auf die absurden Mischungen von Muscheln, Drachen, Schilf, Palmen und Blättern bezog, die dann in Mode kamen. Weniger bekannt ist sein Landschaftsmalerei in der Art von Boucher.

Neoklassizistischer Stil

Die Ursprünge von neoklassizistische Kunst sind weniger leicht zu verfolgen. In seinen früheren Erscheinungsformen wurde es zuerst als " le style grec " und später als " le style etrusque " bezeichnet, von denen keines besonders geeignet ist. Es ist wahr, dass einige frühe griechische Motive vorkommen, insbesondere das als Friesornament verwendete Wellenmuster, und dass einige römische Motive abgeleitet wurden Etruskische Kunst von einer Art, die ihrerseits entlehnt worden war Griechische Kunst Von den Etruskern war jedoch so wenig bekannt, dass für sie alle möglichen Dinge in Anspruch genommen wurden, auf die sie keinen strengen Anspruch hatten. Als beispielsweise Josiah Wedgwood (1730-95) in Staffordshire eine Fabrik zur Herstellung klassizistischer Töpferwaren eröffnete, nannte er sie "Etruria". Es gab eine Wiederbelebung dieser "Etrusco-Manie" im 19. Jahrhundert, aber im Allgemeinen handelte es sich in der Regel um neoklassizistische Quellen Römische Kunst und dazu provinzielle und bürgerliche römische Kunst, aus Pompeji und nicht aus der Hauptstadt.

Der vielleicht wichtigste Einzeleinfluss war die Veröffentlichung der 1752 begonnenen Zusammenstellung des Comte de Caylus. Sein Einfluss auf die dekorative Kunst ist kaum messbar, obwohl er den Höhepunkt einer Reihe von Angriffen auf die extravaganteren Aspekte von war Rokoko, das Caylus vor fast zwanzig Jahren begonnen hatte. Der Katalog der Sammlung von Sir William Hamilton wurde 1766-7 in einer aufwendig gedruckten und gravierten Ausgabe veröffentlicht. Sir William (1730-1803) war von 1764 bis 1800 Botschafter am Hof ​​von Neapel und ist im Volksmund als Ehemann von Nelsons Geliebte Emma bekannt.

Die zahlreichen gravierten Entwürfe sowie die Schriften von Charles-Nicolas Cochin le jeune (1714-90) trugen zum selben Ziel bei, und der Einfluss von Piranesi, der sowohl Clerisseau als auch Robert Adam kannte, war sicherlich nicht zu vernachlässigen.

Die Art der zeitgenössischen Angriffe auf das Rokoko lässt sich anhand eines Zitats aus Cochin veranschaulichen, das 1754 im Mercure de France veröffentlicht wurde. Zunächst bat er Goldschmiede, Bronzearbeiter und Holzschnitzer, die Wohnungen zu dekorieren, um bestimmte, von der Vernunft vorgegebene Gesetze einzuhalten. Er schreibt
Wenn sie einen Kerzenleuchter haben, bitten wir sie, ihn gerade zu machen und nicht zu verdrehen, als hätte ein Schurke es genossen, ihn zu verderben. Wir werden es nicht wagen, uns mit dem Geschmack der Innenausstattung unserer Gebäude zu streiten. Wir werden nicht einmal um Zurückhaltung bei der Verwendung von Palmen bitten, die in Wohnungen, auf Schornsteinen, runden Spiegeln, an Wänden und überall in einer solchen Fülle kultiviert werden. Diese zu unterdrücken, würde unseren Dekorateuren die letzte Ressource nehmen. Aber wir können zumindest hoffen, dass ein Ding, wenn es ohne Beleidigung quadratisch ist, es nicht verzerrt, und dass ein Giebel, wenn es berechtigterweise halbkreisförmig ist, es nicht mit S-förmigen Schriftrollen verfälscht, von denen es geliehen zu sein scheint ein Schreibmeister.

Der frühe Mangel an herausragenden Designern im neuen Stil erklärt sich aus der Tatsache, dass bereits bei dem König, dessen Verbundenheit mit dem Rokoko unerschütterlich war, renommierte Designer beschäftigt waren. Laut Cochin verwendete Louis Le Lorraine, ein unbekannter und wenig bekannter Künstler, als erster solche typischen Louis-Seize-Motive wie Girlanden, Urnen und geflochtene Kabelornamente und die Rolle der deutschen Ebenisten, beginnend mit dem Deutsch-Französischen Tischler Jean-Francois Oeben (1721-63), darf nicht übersehen werden. Bei Sevres die Modelle für Keksfiguren von Etienne-Maurice Falconet (1716-91) waren von der neuen Bewegung keineswegs unbeeinflusst, obwohl seine Arbeit für die Porzellanfabrik etwas den Entwürfen von Boucher zu verdanken hat. Falconets ’Leda und der Schwan’ von ungefähr 1760 und die Maquette für ’Amor und Psyche’ erschienen in der Salon von 1761. Die Basen sind schlicht und nicht mehr das Felswerk, das mit Vincennes und frühen Sevres-Figuren verbunden ist. Von seinem früheren " Baigneuse " und seinem " Nymphe qui sort du Bain ", beide vor 1760, bemerkte Falconet, dass sie edler und im allgemeinen geschmacklich weniger den Änderungen der Mode unterworfen seien, was ein Zugeständnis an die vorherrschenden Änderungen impliziert. Bei der Herstellung der beliebten Vasen für die Dekoration von Kaminen oder für Potpourri wurde der Louis-Seize-Stil bis 1765 geprägt, und 1772 reproduzierte eine riesige Tischdekoration aus Keks eines der Deckengemälde der Galerie d’Apollon im Louvre, ausgeführt im 17. Jahrhundert.

Jacques-Germain Soufflot (1713-80)

Jacques-Germain Soufflot Der Pantheonarchitekt, der mit Cochin den Marquis de Marigny (1727-81) auf seiner Italienreise begleitete, hatte in seiner Jugend an der Akademie in Rom studiert. Zunächst ein Rokokodesigner, der sich kaum vom Rest abhebt, aber dennoch mit dem Stil unzufrieden ist und sich bereits 1744 für die "weise und reiche Einfachheit der Griechen und Römer" einsetzt. Die zweite Reise nach Italien war sein Weg nach Damaskus, und bei seiner Rückkehr förderte er energisch die Rückkehr zum Klassizismus und wurde einer der bedeutendsten größte Architekten in dem Prozess.

Siehe auch den großen Barockarchitekten: Jules Hardouin Mansart (1646 & ndash; 1708).

Andere neoklassizistische dekorative Künstler

Angesichts der neuen Entwicklungen auf dem Ärmelkanal, die von den Adam-Brüdern inspiriert wurden, als Robert Adam 1762 zum Architekten von George III ernannt wurde, ist die Schlussfolgerung schwer zu entgehen, dass der wiederbelebte Klassizismus in England in Frankreich nicht ohne Einfluss war. Der Rokokostil hatte in England nie mehr als einen prekären Stand gefunden, vor allem weil der Palladianismus so stark verankert war. Die Porzellanfabriken und die hugenottischen Silberschmiede nahmen es an, und Horace Walpole unternahm einen unbeschwerten Ausflug in die wiederbelebte Gotik am Strawberry Hill, aber der Mainstream verschmolz fast unmerklich vom palladianischen Klassizismus zur Adam-Version. Sowohl Charles-Louis Clerisseau (1721 – 1820) als auch Jean-Simon Rousseau de la Rottiere (1747 – 1820) haben etwas von Adam entworfen.

Mit Rottiere assoziiert war der Bildhauer Claude Michel, genannt Clodion (1738-1814), während Edme Bouchardon (1698-1762), der 1733 aus Italien zurückkehrte und dessen Werk inspirierte, ein anderer Bildhauer war, um die neue Bewegung zu beeinflussen, der von Caylus unterstützt wurde Porzellanmodelle in Meißen und anderswo. (Weitere Unterstützer des neuen Stils finden Sie unter Neoklassische Bildhauer.)

Trotz einer Geste in die frühen Phasen des neuen Stils von Madame de Pompadour in ihren Privatwohnungen sprach die Mode einige der aktuellen Steuereintreiber und Finanziers wie Grimod de la Reyniere (1758-1837) wesentlich mehr an), dessen Salon vielleicht schon 1769 von Clerisseau entworfen wurde und dessen Herrenhaus in der heutigen Rue Boissy d’Anglas schließlich zur amerikanischen Botschaft wurde. Jean Demosthene Dugourc (1749-1825), der an den Garde-Meuble gebunden war, übte einen erheblichen Einfluss auf das spätere klassizistische Design aus, während sich Jean-Charles de la Fosse (1721-90), der als Rokoko-Designer begann, zunehmend einem verwandte eher klassischer Stil.

Hubert Robert (1733 – 1808)

Ein Maler, dessen Werk Aufmerksamkeit verdient, ist Hubert Robert, einer von Fragonards Vertrauten. Der spätere Designer des Königsgartens und Bewahrer der königlichen Sammlung geriet unter den Einfluss von Johann Joachim Winckelmann (1717-68) in Italien, wohin er 1754 mit einer Einführung in Pannini reiste. Seine Wahl des Faches, in der Regel architektonisch, brachte ihm das Soubriquet von Robert des Ruines ein, und sein Erfolg als Dekorateur von Salons war wahrscheinlich auf das Interesse von Diderot zurückzuführen, der seine Arbeit sehr bewunderte. Seine Freundschaft mit Madame Geoffrin half dem jugendlichen Robert, sich zu etablieren.

Rolle der Künstler und Handwerker

Es sei daran erinnert, dass die französische dekorative Kunst in den anderthalb Jahrhunderten, mit denen wir uns befassen, sehr unterschiedlich war Arten von Kunst und war die Arbeit vieler. Jeder Handwerker an den Wandteppichen, in den Porzellanfabriken, in den Werkstätten der Goldschmiede, Ebenisten und Menuisiers, jeder Maler, Graveur und Bildhauer, der etwas Neues hinzufügte, das an anderer Stelle aufgegriffen wurde, trug zum Gesamtbild bei und half mit die größte Präsentation von Inneneinrichtung und Design in der zu schaffen Kunstgeschichte. Die hier genannten Maler waren neben Staffelei-Bildern auch Designer der einen oder anderen Art oder Maler von Wänden und Decken, die die allgemeinen Tendenzen spürbar beeinflussten. Aber wir sollten nicht übersehen, dass andere, die sich eher auf Staffelei-Bilder beschränkten, die dekorativen Künste oft beeinflussten, indem sie als Inspirationsquelle dienten. Gleiches gilt für Bildhauer. Generell Bildhauer waren eher eng mit der dekorativen Kunst verbunden als mit Malern.

Louis Quatorze, Louis Quinze und Marie-Antoinette spielten als Förderer der Künste eine einflussreiche Rolle in der Entwicklung der Stile im 17. und 18. Jahrhundert, Louis Quinze mit der Hilfe von Madame de Pompadour und zu einem gewissen Grad von Madame du Barry, aber sie waren an der Spitze der Pyramide, die sich zu ihrer Basis hin verbreiterte, um den Adel, die Steuereintreiber und die Finanziers von Paris und dann die Provinzen in direktem Verhältnis zu ihrer Entfernung von der Hauptstadt und dem Stand der Kommunikation mit ihr aufzunehmen.

Antike Möbel, feine Wandteppiche und andere dekorative Kunstwerke aus Versailles oder dem Zeitalter von Louis Quatorze, Louis Quinze oder Louis Seize finden Sie in einigen der beste Kunstmuseen in der Welt.