Französische dekorative Kunst (1640-1792) Automatische übersetzen
Dekorative Kunst in Frankreich Serie
(1) Französische Kunstgewerbe (1640-1792)
(2) Französische dekorative Designer
(3) Französische königliche Möbel
Schloss Versailles (1624-98)
Das Hotel liegt im Süden von Paris,
Versailles begann 1624 als
Erweiterung der Jagd von Ludwig XIII
Lodge, irgendwann werden
Frankreichs bestes Beispiel für
Barocke Architektur und a
Symbol des Absolutismus und
Dekadenz der Monarchie.
Das Schloss selbst ist nur ein Teil
der großen Gründe, die
schließen Sie das großartige Trianon mit ein
(1687-88), der Pavillon Francais
(1749), der Kleine Trianon (1762-8)
und der Jardin du Petit Trianon
(1775 & ndash; 85). Die Anlage auch
umfasst fünf Kapellen. Die wichtigsten
Architekten von Versailles waren
Louis Le Vau (1612-70) und
Jules Hardouin Mansart (1646-
1708), die zusammengearbeitet haben
mit landschaftsarchitekt andre
le Notre (1613-1700) und der
Künstler / Designer Charles Le Brun
(1619 & ndash; 90). Zusammen sie
übersetzter italienischer Barock
Ästhetik in einen Stil, der
passender französischer Geschmack. Im Jahr 1682
Ludwig XIV. (Quatorze) zog um
der Hof und der Adel weg
von den bürgerlichen Schwierigkeiten von Paris
nach Versailles und zum Schloß
zu einem Zeitpunkt hatte bis zu 3.000
Bewohner. Während der
17. Jahrhundert hatte der Palast
6 verschiedene Baukampagnen
das fiel mit Louis XIV zusammen
Kriege. Versailles war der
Höhepunkt der europäischen ’königlichen
Palastarchitektur und war
ein Schlüsselfaktor in der Renaissance
der dekorativen Künste in Frankreich
im 17. und 18. Jahrhundert
vor allem im Bereich der Innenausstattung
Design, feine Möbel, Keramik,
und Tapisserie. (Siehe auch:
Französische Malerei 1400-1900.)
Warum ist französische dekorative Kunst wichtig?
Dieser Artikel ist eine kurze Anleitung zur Geschichte und zu den Merkmalen des französischen Innen- und Außenbereichs dekorative Kunst im 17./18. Jahrhundert.
Von Zeit zu Zeit in der Kunstgeschichte Es entsteht ein Moment, in dem die Entstehung großer Handwerker mit einer kreativen Stimmung und einer Fülle von Geld zusammenfällt, um eine Reihe von Meisterwerken zu produzieren Kunst und Design . Das Alte Königreich des Alten Ägypten (2680-2180 v. Chr.) Bescherte uns das Erstaunliche die Architektur der Pyramiden; Die griechische Klassik (480-323 v. Chr.) gab uns den Parthenon und eine Reihe von erstaunlichen Marmor und Bronze Statuen ; Die italienische Renaissance (1400-1530) produzierte exquisite Gemälde und Skulptur ; Die Barockzeit der katholischen Gegenreformation (1540-1700) hat uns unglaublich beschert Quadratura und trompe l’oeil Architektur sowie intensiv spirituelle Kunst. Darüber hinaus gebar es auch die Fontainebleau Schule in Frankreich, das in Versailles ein wichtiger Vorreiter für die Zukunft war.
Ebenso erlebte das 17. und 18. Jahrhundert in Frankreich eine einzigartige Blüte vieler verschiedener Arten Arten von Kunst mit Außen- und Innendesign und Möbeln, Tapisserie (speziell Gobelin-Wandteppich ), kleine Skulptur, Keramik und eine Reihe von Metallarbeiten , Einrichtungsgegenstände, Schnitzereien, Leisten und andere Kunsthandwerk . Am großen Schloss von Versailles In den königlichen Schlössern, in den Häusern der Adligen und in den großen Kirchen und öffentlichen Gebäuden arbeiteten die Handwerker, Tischler und hundert andere Künstlertypen daran, die größten Meisterwerke der dekorativen Kunst aller Zeiten zu schaffen. Sie hatten die Fähigkeiten; der König hatte das Geld; Der königliche Hof musste dekoriert werden, und die Aristokratie brauchte neue Moden. Es war ein weiterer Moment höchster Leistung in der Geschichte. Deshalb Französisch angewandte Kunst aus dieser Zeit ist so wichtig.
Klassifizierung von Stilen
Die dekorativen Künste in Frankreich in der Zeit von 1640 bis 1792 sind traditionell in relativ abgeschlossene Bereiche unterteilt, die der Regierungszeit der drei Könige von Versailles entsprechen:
Louis Quatorze (XIV) (regiert von 1643 bis 1715)
Louis Quinze (XV) (1715-74)
Louis Seize (XVI) (1774-92)
Es gibt auch einen vierten Stil, der als Regency bekannt ist . Letzteres beschreibt die Zeit der Duc d’Orleans Regency, die die Jahre (1715-23) zwischen dem Beitritt von Louis XV und seiner Mehrheit besetzte. Diese vierteilige Klassifikation ist nützlich, aber nur in einem sehr weiten Sinne, und wenn wir sie genau untersuchen, stellen wir fest, dass sie nicht vollständig mit Beobachtungen übereinstimmt.
Der Stil, der als "Louis Quatorze" bezeichnet wird, kann in drei ziemlich unterschiedliche Teile unterteilt werden. Die früheste, in der die Stile der vorhergehenden Regierung von Louis Treize weitgehend befolgt wurden, beginnt im Jahre 1640 und endet etwa 1655 oder etwas später. Die mittlere Periode dauert fast bis zum Ende des Jahrhunderts, und die letzte Periode, die um 1700 beginnt, weist auf Entwicklungen hin, die während der Regentschaft viel ausgeprägter waren und in den ersten Jahren der Regierungszeit von Louis Quinze zum Tragen kamen. Streng genommen ist die Regentschaft eine Periode, in der der späte Louis Quatorze-Stil mit den frühesten Manifestationen des Louis Quinze-Stils zu verschmelzen beginnt. Es ist spät Barocke Kunst sich in Rokoko verwandeln – ein Prozess, der eine kontinuierliche Entwicklung ohne klare Abgrenzungslinien war. (Siehe auch: Französische Barockkünstler .)
Die Regentschaftsperiode markiert eine Phase im Kampf zwischen zwei sich gegenüberstehenden Schulen in Barocke Architektur die seit den frühen Jahren des 16. Jahrhunderts weitergegangen war; zwischen den Anhängern von Vitruvius (Römischer Architekt und Autor von De Architectura ) und der venezianische Architekt Andrea Palladio (1508-80) einerseits und diejenigen, die von dem Strom mitgerissen wurden, von dem Michelangelo andererseits die Quelle war. Einer der Gründe, warum das Rokoko in England nie so weit Fuß gefasst hat wie in Frankreich (wo die klassischen Disziplinen über mehr als zwei Jahrzehnte hinweg größtenteils außer Acht gelassen wurden), war die Stärke des Laderaums, die nach dem Niedergang von Herr Christopher Wren Die Anhänger von Palladio (angeführt vom Earl of Burlington) sicherten sich architektonisches Design. Aber auch der berühmte englische Architekt William Kent (1685-1748), ein kompromissloser Palladio in seinen Architektur- und Möbelentwürfen, wandte sich dem Rokoko zu, als er als Landschaftsgärtner fungierte, ein Aspekt, den er zu oft vernachlässigte. Die Franzosen waren aus Tradition überzeugte Klassiker, aber wir beobachten eine allmähliche Abschwächung der klassischen Disziplinen nach 1700, und der Mainstream der klassischen Tradition wurde erst nach 1750 mit dem Beginn des neoklassizistischen Stils wieder verbunden.
Louis Quatorze (1638-1715) hatte eine Leidenschaft für Symmetrie, die fast einer Obsession gleichkam. Er liebte vor allem lange symmetrische Linien und zurückweichende Ausblicke, und er konnte es nicht ertragen, dass sie durch so viel wie eine Windschutzscheibe ( paravent ) unterbrochen wurden. Madame de Maintenon (1635-1719, die zweite Frau Ludwigs XIV.) War jedoch nicht überzeugt von der Notwendigkeit der Symmetrie, verabscheute jedoch Entwürfe. Wenn der König anwesend war, musste sie auf die Bequemlichkeit eines Bildschirms verzichten, und sie protestierte zitternd vor Kälte, dass sie „an der Symmetrie sterben würde“.
Die Idee der Symmetrie ist in der Tat für unser Thema so wichtig, dass es angebracht ist, sie an dieser Stelle zu erörtern, bevor auf die mit Louis Quatorze verbundenen Stile näher eingegangen wird.
Symmetrie in Design und dekorativer Kunst
Symmetrie im Ornament, die Vorstellung, dass die eine Hälfte eines Objekts oder sogar eines dekorativen Schemas das Spiegelbild der anderen Hälfte sein sollte, ist ein wohlbekanntes Phänomen. Es ist auch weltweit, und mangelnde Symmetrie war in der Vergangenheit immer ungewöhnlich. Aber sein entgegengesetzter Begriff, der der Asymmetrie, herrschte in der französischen Innenausstattung und Ornamentik seit ungefähr einem Vierteljahrhundert vor, beginnend um 1730. Merkwürdigerweise finden wir zu einer Zeit, als die Symmetrie in der Ornamentik besonders unmodern geworden war, ein besonderes Bestehen auf der Übereinstimmung der verschiedenen Komponenten der Innenraumszene. Die Holzarbeiten von Stühlen und Sofas wurden zum Beispiel gebogen und geschnitzt, um sie an die Verzierung der Verkleidung anzupassen, und die Polstermöbel – Vorhänge, Portiere (Türvorhänge), Sitzbezüge, Tagesdecken usw. – wurden passend zueinander ausgewählt. Bis zu einem gewissen Grad entstand daher die Idee der Symmetrie, selbst in einer Zeit der Asymmetrie, jedoch in einer anderen Form.
Asymmetrie ist das Hauptmerkmal des Louis Quinze-Stils, der gewöhnlich als Rokoko oder Rocaille bezeichnet wird und in Frankreich insbesondere auch als "Le style Pompadour " oder sogar " Le style Boucher " bezeichnet wird, von den beiden, hat der letztere mehr zu loben. Rokoko wurde zu dieser Zeit auch als "neuer Geschmack" ( Gicht Nouveau ) und als " pittoreske Gattung" (wörtlich "malerischer Stil") bezeichnet, und das letztere Konzept bedarf einer genaueren Prüfung.
Chinesisches Porzellan Die damals sehr beliebte Vase war in ihrer Verzierung im Allgemeinen symmetrisch, und die Herstellung von Vasen mit passenden und symmetrischen Verzierungen war keine bloße europäische Innovation. Altarvasen wurden fast so weit zurückgesetzt, wie es unser Wissen vermuten lässt, die frühesten in Bronze. Japanisches Porzellan hingegen, insbesondere die Sorten aus Arita (Provinz Hizen), die vom Dekorateur Sakaida Kakiemon und seinen Anhängern gemalt wurden, waren für die Asymmetrie bei der Anordnung eines Großteils der Ornamente bekannt, und es ist dennoch erwähnenswert, daran erinnert zu werden es wurde in geringeren Mengen als Porzellan aus China nach Europa importiert, es war zweifellos höher geschätzt, vielleicht aus diesem Grund. Es ist die Premiere qualite du japon der französischen Inventare und Verkaufskataloge des 18. Jahrhunderts.
Einige Designbücher aus dem 17. Jahrhundert enthielten gelegentlich mehr oder weniger vereinzelte Beispiele für asymmetrische Ornamente, hauptsächlich Kartuschen, und solche Entwürfe stammten vom niederländischen Silberschmied Adam van Vianen (1569-1627) sowie vom Nürnberger Designer Christoph Jamnitzer (1563 & ndash; 1618). Designbücher des ausgehenden 17. Jahrhunderts, insbesondere die von Paul Decker (1677-1713) und Jean Berain the Elder (1637-1711), verwendeten eine platzsparende Vorrichtung, bei der zwei Hälften eines Designs seitlich gedruckt wurden Seite an Seite braucht jede Seite ihr Spiegelbild, um es zu vervollständigen. Wie sie auf der Seite erschienen, stimmte jedoch keine Seite mit der anderen überein, was den Eindruck einer Asymmetrie erweckte, wenn das Design als vollständig angesehen wurde – was möglicherweise die Rokoko-Designer beeinflusst hat.
Der Begriff pittoreske Gattung kann heute nicht mehr vom Englischen "malerisch" übersetzt werden, obwohl die beiden Begriffe zunächst verwandt waren. Es ist heutzutage üblich, eine malerische Szene als ein Motiv für ein Gemälde zu betrachten, aber im England des 18. Jahrhunderts (der Blütezeit des Landschaftsgärtners) bedeutete dies die Nachahmung eines Gemäldes, die Schaffung eines Landschaft in der Art von Claude Lorraine oder Salvator Rosa Zum Beispiel beide unter den damals am meisten bewunderten Malern.
Die Gartengestaltung ist nicht zuletzt deshalb besonders interessant, weil sie den Kunstbetrieb im 18. Jahrhundert wesentlich stärker geprägt hat, als allgemein angenommen wird. Andre Le Notre (1613-1700), der französische Landschaftsarchitekt Ludwigs XIV., Hatte die prächtigen formalen Gärten von Versailles angelegt. Der asymmetrische und informelle Garten – die "untersuchte Störung", die ein Merkmal des französischen Rokoko ist – begann im frühen 18. Jahrhundert mit Entwürfen wie dem der Serpentine als Teil der Gärten des Kensington-Palastes von Charles Bridgeman (1690–1738). und durch die Schaffung eines informellen Gartens in Twickenham durch Alexander Pope. Diese beiden inspirierten William Kent, der wiederum Lancelot Brown (1716-1783), den englischen Landschaftsarchitekten Capability Brown, beeinflusste. Dass englische Gärten wie diese dem eigentümlichen Genie der Chinesen als Landschaftsgärtner etwas zu verdanken haben, steht fest. Viel wurde von den Jesuitenmissionaren zu diesem und verwandten Themen nach Europa zurückgeschickt, und Walpole schrieb in seinem Essay über modernes Gärtnern, dass sie "so skurril unregelmäßig sind, wie europäische Gärten formal und gleichartig sind". England hat im achtzehnten Jahrhundert sogar ein Wort aus dem Fernen Osten für diese Unregelmäßigkeit entlehnt – Sharawadgi – obwohl es weder chinesisch noch japanisch zu sein scheint. Der englische malerische Garten, der in Frankreich vor der Mitte des Jahrhunderts in Mode war, wurde dort " Jardin Chinois " genannt, und der englische Geschmack in der Gartengestaltung " Le Gout Anglo-Chinois ".
In einem solchen Klima ist das Wachstum des Rokokos weniger überraschend. Der Beginn der Asymmetrie in der französischen Innenausstattung – das Genre pittoresque – lässt sich ziemlich genau auf etwa 1725 datieren, obwohl das Wort selbst von der Universität nicht zugelassen wurde Französische Akademie bis 1732. Es kann zum Beispiel in den Bronzebergen von Kommoden der Periode gesehen werden.
Louis Quatorze-Stil
Im weitesten Sinne zeichnet sich der Stil von Louis Quatorze durch Symmetrie und Geräumigkeit aus. Im 18. Jahrhundert verringerte sich die Größe der Räume, die kleiner und intimer wurden, wobei der Salon zunehmend staatlichen Anlässen vorbehalten war. Mit dieser Verkleinerung des Maßstabs nahm auch die Anzahl der für bestimmte Zwecke abgegrenzten Räume zu, so dass sich die gesamte Atmosphäre des Jahrhunderts von der des vorhergehenden unterscheidet. Der vorherrschende Baustil des 17. Jahrhunderts ist ein Klassizismus, der nicht so kompromisslos ist wie der von Palladio. Inigo Jones (1573-1652) und die Jünger des Vitruvius, die sich jedoch ziemlich streng auf die Fünf Ordnungen und das von den angesehensten Behörden festgelegte Proportionalsystem mit geeigneten Modifikationen stützten. (Siehe auch: Architektur-Glossar .) Äußerlich neigten die Linien großer Gebäude dazu, einfach zu sein, und das ganzheitlich skulpturierte Ornament wurde fast auf ein Minimum reduziert.
Die Dekorationsperiode von Versailles markiert die Einführung des Grand Manner in der französischen Innendekoration. Das Ornament war in Bezug auf Thema und Behandlung äußerst unterschiedlich und basierte auf dem großen klassischen Repertoire, das vom kaiserlichen Rom geerbt wurde. Es hatte einen zu jeder Zeit seltenen Reichtum an Qualität, der in seiner Wirkung üppig und in seiner Stärke männlich war. Die Salons von Versailles mit ihrer Fülle an Marmor und vergoldeter Bronze, ihren silbernen Möbeln und Wandteppichen erreichten eine Perfektion, die seitdem nicht mehr erreicht wurde. Wenn es heute manchmal als pompös empfunden wird, liegt das vielleicht daran, dass wir in den letzten drei Jahrhunderten unser Augenmerk gesenkt haben.
Zu den Motiven dieser Zeit zählen die von strahlenden Lichtstrahlen umgebene Maske, das Symbol des Sonnenkönigs ( le roi soleil ), und das ineinander verschlungene Monogramm des Königs (Ls), die beide im 18. Jahrhundert wieder auftauchen. Trophäen von Waffen, oft in Form von Rutschen , waren auch als dekoratives Motiv beliebt, häufig in Bronze mit zusätzlichem Akanthus-Laub und dem von Lorbeer und Eiche sowie Blumengirlanden. Das Schornsteinstück, das immer das Hauptmerkmal des Raumes war, war in der Regel vergleichsweise schlicht im Design, der Reichtum in den Materialien konzentriert. Überragt wurde es von einem Gemälde oder einer Basreliefskulptur eines klassischen Motivs, das manchmal nachgeahmt wurde en grisaille . Bemalte Decken zierten die wichtigeren Räume, und große Teile der Wände waren mit Wandteppichen und Gemälden verziert.
Vor allem gab es Farben, reiche Farben, von denen wir annehmen müssen, dass sie nach den wenigen Führern, die wir haben, auch die Innenszene im kaiserlichen Rom schmückten. Die Vorstellung, dass das griechische und das römische Interieur überwiegend weiß oder in blassen Pastelltönen gehalten sind, wie in den späteren neoklassischen Farbschemata, existierte erst in den letzten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts. Vielleicht war es das Ergebnis einer voreiligen Annahme, dass ausgegrabene antike Murmeln, wenn sie gefunden wurden, immer in diesem Zustand waren. In der griechischen und römischen Zeit jedoch Marmorskulptur wurde gebeizt und bemalt und oft auch vergoldet, nicht nur als Statuen, sondern auch als Strukturmarmor. Die Art von Statuen, die die Griechen am meisten schätzten, war jedoch kein weißer Marmor chryselephantine skulptur , wie der olympische Zeus, eines der Wunder der Antike, aus Gold und Elfenbein mit Augen, die mit Halbedelsteinen verziert sind Schmuck oder Emaille. In der Römerzeit wurde Bronze zum größten Teil vergoldet, die Innenräume dekoriert und die Kapitelle von Säulen und Pilastern gebildet, und vergoldetes Kupfer wurde häufig zur Überdachung verwendet. Bernini plünderte das Pantheon, um seinen Baldachin dafür herzustellen Sankt Peter Das überschüssige Metall geht an die Kanonengründer. Homer erwähnt in der Odyssee die Praxis, Bauhölzer mit häufig vergoldetem Kupfer zu bedecken, und Nero umhüllte das Innere eines Theaters mit Gold, wenn auch nur für einen einzigen Tag. Der Name seines Palastes – Domus Aurea oder Goldenes Haus – bezieht sich auf die Fülle von Gold und Silber, die ihn schmückten. Weiß gehört in der Tat nicht zur Klassik, sondern zu neoklassizistische Kunst .
Zu den klassischen Formen, die die Bildhauer des 17. Jahrhunderts übernommen haben, gehört der Begriff Gaine , der Kopf und der Torso einer Figur, die auf einem sich verjüngenden Sockel endet. Statuen und Porträtbüsten Das Äußere war geschmückt wie im kaiserlichen Rom, und die prächtigen formalen Gärten von Le Notre in Versailles bedurften Figuren und Gruppen, um sie zu schmücken. Die besonders kunstvollen Wassergärten erforderten riesige Springbrunnen aus Bronze, Blei und Marmor. Brunnen sind ein sicherer Prüfstein für die Pracht einer Stadt oder eines Palastes.
Die Veränderungen, die die nächste Periode charakterisieren, waren teilweise eine natürliche Reaktion auf die soziale und wirtschaftliche Entwicklung des Jahrhunderts und teilweise ein Produkt der finanziellen Schwierigkeiten der Zeit. Vergoldetes Holz und Bronze ersetzten Silber und Silbervergoldung für die größeren Objekte, und wir sind geneigt, die Tatsache zu übersehen, dass der Stil in gewissem Maße immer von den verfügbaren Materialien sowie von deren Konnotation bestimmt wird. Eine verschwenderische Präsentation der Edelmetalle bestimmt zwangsläufig den Maßstab für den Rest des dekorativen Schemas, da ihr innerer Wert erkannt und akzeptiert wird. Die Popularität der Vergoldung war nicht nur darauf zurückzuführen, dass diejenigen, die solche Arbeiten in Auftrag gaben, die Farbe mochten oder die Tatsache schätzten, dass Gold dem darunter liegenden Material eine unanfärbbare Oberfläche verlieh, sondern auch darauf, dass solche Arbeiten opulent wirkten. Vergoldetes Holz kann jedoch insbesondere nicht für die Simulation von gegossenem und gemeißeltem Metall verwendet werden, und sein Einsatz führte aufgrund seiner unterschiedlichen Textur und der unterschiedlichen Werkzeuge zu subtilen Stiländerungen.
Besonders nach 1700, den letzten Regierungsjahren des Königs, bemerken wir eine frische Anmut und Leichtigkeit in den ornamentalen Motiven und die Einführung neuer Arten von Verzierungen, die sich während der Regentschaft mit zunehmender Geschwindigkeit entwickelten und schließlich in der Gattung Pittoresque gipfelten von Louis Quinze.
Wenn die politischen Ereignisse der Regierungszeit Ludwigs unangenehme Realitäten waren, konnte zumindest die Umgebung die Fröhlichkeit ausdrücken, die es schwierig war, etwas anderes zu fühlen. Aber in dieser neuen Entwicklung finden wir einige Elemente, die komplette Neuheiten sind. Fernöstliche Kunst war in Nordeuropa seit Beginn des 17. Jahrhunderts besonders gefragt, als die Holländer spanische und portugiesische Schiffe plünderten, die aus dem Fernen Osten zurückkehrten. Kardinal Mazarin hatte eine nicht unbeträchtliche Sammlung, hauptsächlich Seide, Porzellan und Lack, und sowohl Louis Treize als auch James I. von England kauften Porzellan von den Holländern.
In Aufzeichnungen des 17. und 18. Jahrhunderts ist es manchmal schwierig, Objekte, die aus China, Japan, Siam und Persien importiert wurden, von ihrer Beschreibung zu trennen. Diese Dinge wurden mit den Schiffen der verschiedenen ostindischen Kompanien nach Europa gebracht, die häufig in indischen Entrepots oder in Batavia in Niederländisch-Ostindien umgeladen wurden. So wird manchmal von "indischem" Porzellan gesprochen, obwohl es nie in Indien hergestellt wurde, und chinesische Seiden werden oft als "indisch" bezeichnet. Das Coromandel-Sieb (sog. Coromandel Screen) wurde aus eingeschnittenen und farbigen chinesischen Lacktafeln hergestellt, die den Namen von der Tatsache erhielten, dass sie an der indischen Coromandel-Küste umgeschifft wurden. Auf der anderen Seite sind Aufzeichnungen aus dem 18. Jahrhundert manchmal spezifisch. Das beste japanische Porzellan zum Beispiel wurde eindeutig als Premiere qualite du japon bezeichnet , woraus man schließen kann, dass die Herkunft in diesem Fall wichtig war.
Louis Quatorze war sehr angetan von diesen exotischen Extravaganzen, und Porzellanvasen, Lacke und andere fernöstliche Gegenstände schmückten die Salons von Versailles. Im Chinesische Keramik Besonders beliebt waren Vasen, die in den letzten Jahren des Jahrhunderts hergestellt wurden Ming-Dynastie Kunst (1368-1644) und der erste Teil der Regierungszeit des Ch’ing-Kaisers K’ang Hsi (1666-1726). Diese bildeten in Sätzen von drei, fünf oder sieben die Garnitur de Cheminee auf dem Kaminsims, die im ersten Viertel des 18. Jahrhunderts weiterhin beliebt war. Zunächst nach chinesischem Geschmack, wurden diese später in der Regel in Canton mit Designs verziert, die Wappenlager enthielten, die speziell von europäischen Käufern in Auftrag gegeben wurden.
Aber die Nachfrage nach chinesischem Porzellan mit seiner neuartigen Dekoration ging weit über das Angebot hinaus, obwohl eine ziemlich übliche Ladung hunderttausend Stück aller Art umfasste, und europäische Handwerker und Designer ahmten die chinesische Dekoration verständnislos nach und mischten sie manchmal mit europäischen Motiven oft ungebrochener klassischer Abstammung. Diese Mischungen werden als Chinoiserien bezeichnet . Sie erschienen erstmals in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts, als Produkt zahlreicher Reisebücher, und waren bis weit über die Mitte des 18. Jahrhunderts hinaus beliebt. Einer der ersten Designer, der die Chinoiserie Stil in Frankreich war Jean Berain der Ältere (1637-1711), der von seinem Sohn Jean Berain der Jüngere (1678-1726) als " dessinateur du cabinet du Roi" abgelöst wurde. (Siehe auch die spätere Mode für Ukiyo-e Farbholzschnitte und der Stil des 19. Jahrhunderts von Japonismus .)
Zunächst mehr oder weniger auf Wandteppiche und Fayencen beschränkt, begann die Mode für Chinoiserien Europa zu erobern. Sie bildete das vielleicht herausragendste dekorative Thema der frühen Jahre der großen Meissener Porzellanmanufaktur August des Starken und inspirierte Maler wie François Boucher (1703-70) und mit der Erfindung eines für die Nachahmung des chinesischen Lacks geeigneten Lacks der Brüder Martin ( vernis Martin ), der die Möglichkeit bietet, einige der farbenfrohsten Möbel der Regierungszeit von Louis Quinze zu dekorieren.
Ein wichtiger Einfluss auf diesen aufstrebenden Stil war die Gründung einer Fabrik zur Herstellung von Spiegelglas in Saint-Gobain in der Picardie. Bis zu diesem Zeitpunkt waren Spiegel, abgesehen von Ausnahmen wie denjenigen im Spiegelsaal – Galerie des Glaces – (die zu enormen Kosten aus Venedig importiert wurden), oft extrem klein. Die Kosten waren hoch und es sollte noch viele Jahre so hoch bleiben, aber der große Umfang der neuen Manufaktur brachte den Preis auf einen Punkt, an dem sich zumindest die meisten wohlhabenderen Leute sie leisten konnten. Große Spiegel wurden gewöhnlich noch in Abschnitten hergestellt, aber sie begannen den Raum über dem Schornstein und den Pfeilern zwischen den Fenstern (Pfeilergläser oder Trumeaux ) und sogar über der Tür (Außenspiegel – dessus de porte ) zu schmücken.. Die mehrfachen Reflexionen mehrerer solcher Spiegel, die sich mehr oder weniger gegenüberstanden, beeinflussten die Dekoration des Raumes selbst und trugen zu dessen Helligkeit bei. Sie ersetzten die Schnitzereien und Gemälde, die früher in Mode waren. Die kunstvoll geschnitzten Rahmen bildeten ein neues Element in der Raumdekoration, das die Handwerker voll ausnutzten.
Die oftmals vorgenommene Unterscheidung zwischen den letzten Jahren Louis Quatorzes und der Regentschaftsperiode ist weitgehend künstlich, und der Begriff "Regentschaft" kann größtenteils nicht als viel mehr als eine Datumsangabe angesehen werden. Zu den ein oder anderen Merkmalen, die einen Gegenstand eher in dieser Zeit als in der des früheren Königs platzieren, gehören die lächelnde weibliche Maske und das Auftreten von sagenhaften Tieren wie der Chimäre oder dem Greif und dem Drachen. Möbelbeschläge wurden in einer Weise verwendet, die früher nicht zu sehen war, insbesondere die des Ebenisten Charles Cressent (1685-1768), der auch ein erfahrener Bronzearbeiter war. Sie erwarten in ihrer Vielfalt und Position, dass die Dispositionen unter Louis Quinze populär werden, aber es fehlt ihnen die Rokokoasymmetrie. Die voluminösen Röcke der Zeit ( ein Paniers , dh Hooped) forderten und erhielten die Unterbringung eines Sessels ( Fauteuil ) mit einer breiteren Sitzfläche und aus dem gleichen Grund die vorderen Stützen, die die Armlehnen ( Accotoirs ) trugen zurück um etwa ein Drittel der Tiefe des Sitzes, anstatt die Linie der Vorderbeine fortzusetzen.
Rokoko (Louis Quinze)
Rokokokunst Es wurde gesagt, es begann, als die Schriftrollen aufhörten, symmetrisch zu sein, und aus praktischen Gründen konnte diese Definition trotz ihrer Oberflächlichkeit kaum verbessert werden. Es ist eine weitaus wichtigere Phase in der Entwicklung der Kunst im Allgemeinen, als oft angenommen wird. Es fegte Europa auf eine Art und Weise, die nur wenige Präzedenzfälle hatte.
Zu den frühesten Beispielen für die Verwendung von Asymmetrie gehören die Entwürfe von Early Rokoko-Künstler wie Juste-Aurele Meissonnier (1695-1750), eine Goldschmiedin und Ornemanistin , die Jean II. Berains Nachfolgerin als Designerin des Königs wurde. Der erste seiner Entwürfe, der die neuen Tendenzen enthüllte, die sich bald bemerkbar machten, war eine Wetterfahne für den Herzog von Mortemart aus dem Jahr 1724, der als Teil seiner Dekoration eine Muschel und einen Wasserstrahl besaß. Wasser und begleitende Steinmetzarbeiten ( Rocaille ) waren vor allem in den frühen Stadien ein wesentlicher Bestandteil des neuen Stils. Es wurden zahlreiche Vorschläge unterbreitet, um die Betonung des Felsens zu erklären, der vermutlich von der Verzierung der Grotten und Gärten von Versailles (zum Beispiel der Grotte d’Apollon ) inspiriert wurde, wobei jedoch die enge Verbindung von Rokoko und Mode berücksichtigt wurde zum Chinesische Kunst man spekuliert über die Möglichkeit, sich von den fantastischen und verzerrten Felsen inspirieren zu lassen, die die Chinesen für die Dekoration ihrer eigenen Gärten so sehr gesucht haben und die besonders in der Porzellanmalerei häufig abgebildet sind. Rocaille ist eine französische Bezeichnung für den gesamten Stil.
Die Hinzufügung von Muschelarbeiten ist eine natürliche Erweiterung des Themas Felsen und Wasser, aber es muss daran erinnert werden, dass Muscheln aller Art fast im gesamten 18. Jahrhundert eine Leidenschaft unter Sammlern waren und große Mengen exotischer Muscheln zusammengestellt und ausgestellt wurden Schränke.
Ein weiteres Merkmal des Rokoko-Stils sind die zahlreichen anmutigen Rundungen des Ornaments, die in dekorativen Schnitzereien wie den Boiseries , als Teil von Tischstützen und Stühlen sowie in den Umrissen von Schornsteinen und Tischplatten von zu sehen sind Marmor. Formteile bei Türfüllungen erhielten häufig oben eine doppelte Krümmung, die mit zwei Flügeln bis zu einem hohen Punkt in der Türmitte anstieg und frühere rechteckige Füllungen ersetzte. Bögen aller Art erhoben sich von ihren Federn bis zu einem zentralen Punkt, der mit einem geschnitzten Ornament verziert war, das als Agrafe (wörtlich: Schließe) bekannt ist und von asymmetrischen Schriftrollen umrahmt ist. Die Umrisse der Chenets (Andirons) befanden sich in einem schuppenförmigen Dreieck. Die Kartusche wurde auch als Schwerpunkt für die Neigung der Formteile verwendet, und dies wurde in ähnlicher Weise mit asymmetrischen Schriftrollen eingerahmt. Das Akanthusblatt war weiterhin weit verbreitet, aber im Gegensatz zu früheren Perioden war seine Spitze häufig zur Seite gedreht.
Dennoch finden wir hier und da Dekorationen, die zweifellos zu dieser Zeit gehören, die in der Verwendung von Kurven viel zurückhaltender ist, und nicht jeder Designer dieser Zeit war von der neuen Asymmetrie verführt, obwohl sie die anderen Elemente des Stils nicht zurückwiesen. Aber diese waren außergewöhnlich und ausgeprägte Asymmetrien im Ornament waren die Regel.
Neoklassizismus (Louis Quinze)
Die Reaktion der Asymmetrie, die während der Regierungszeit von Louis Quinze kurz nach der Mitte des Jahrhunderts einsetzte und mit der der Name Louis Seize in Verbindung gebracht wird, stellte in gewissem Maße eine Rückkehr zum Klassizismus von Louis Quatorze und zu einem Teil der Dekoration dieser Zeit dar ist in seiner Ähnlichkeit zur älteren Periode fast verwirrend. Aber der neue Klassizismus war grundlegend anders, mit Merkmalen, die das Ergebnis der Ereignisse waren, die zwischen den beiden Fassungen eingegriffen hatten.
1719 wurde die Stadt Herculaneum, die 79 n. Chr. Durch den gleichen Ausbruch des Vesuvs begraben worden war wie die Stadt, die Pompeji überwältigte, versehentlich von Fürst Elbeuf auf der Suche nach einer Quelle für vorgefertigten Baustein gefunden. Um die Mitte des 18. Jahrhunderts wurden die ersten ernsthaften Ausgrabungen in Pompeji selbst begonnen, obwohl die Stätte seit 1594 bekannt war. Infolge dieser Entdeckungen interessierte man sich für beide Römische Kunst und Griechische Kunst und die Institutionen begannen Fortschritte zu machen, insbesondere in einem Teil der französischen Gesellschaft, der mit dem Luxus und der Leichtfertigkeit des Hofes von Louis Quinze und der Intervention von Madame de Pompadour (geb. Jeanne Antoinette Poisson, Geliebte von Louis XV von 1745 bis zu ihrem Tod) unzufrieden war 1764). Die wichtigsten Vertreter dieser frühen Phase des Neoklassizismus waren Johann Joachim Winckelmann , Kunsthistoriker und ehemaliger Bibliothekar des Dresdner Grafen von Bunau, der zum Bibliothekar von Kardinal Albani in Rom ernannt wurde, und Anne-Claude-Philippe de Tubières, Comte de Caylus, ein Sammler von Antiquitäten, dessen wichtiges Werk sich mit klassischer und ägyptischer Kunst befasste Kunst wurde zwischen 1752 und 1755 in fünf Bänden veröffentlicht. Zu den Arbeiten dieser beiden Männer muss der etwas spätere Katalog der Sammlung des englischen Botschafters in Neapel, Sir William Hamilton, hinzugefügt werden, der von Designern in Frankreich und England vielfach konsultiert wurde.
Der Name Madame de Pompadour ist so eng mit dem Rokoko verbunden, dass es leicht zu übersehen ist, dass sie als eine der Ersten den neuen Stil des Neoklassizismus in ihren Privatwohnungen übernahm, obwohl der König dem Rokoko und der Marquise treu blieb musste das gleiche in der Öffentlichkeit tun. 1746 sicherte sie ihrem Bruder, später dem Marquis de Marigny, das Amt des Direktors des Batiments, und 1748 eine Mission, die den Marquis, den Architekten, umfasste Jacques-Germain Soufflot (1713-80) und der Kupferstecher und Designer Cochin gingen nach Italien, um römische Kunst zu studieren, die von einigen als "die wahre Schönheit" bezeichnet wurde. Hinzu kommt der Einfluss von Piranesi, dessen Stiche, die römische Altertümer darstellen, äußerst populär waren.
Der neoklassizistische Stil gliedert sich in zwei ziemlich unterschiedliche Teile. Der erste wird am besten als "Übergang" bezeichnet, da er den Übergang vom Rokoko zur Wiederbelebung der klassischen Symmetrie darstellt. Das Werk dieser Zeit enthält manchmal Elemente beider Stile, obwohl das Rokoko an Stärke und Einfluss abnimmt, je näher wir dem Beitritt von Louis Seize im Jahr 1774 kommen. Die zweite Phase, die kurz vor 1780 beginnt, kann durchaus als Marie-Antoinette-Stil bezeichnet werden es wurde gefördert und weitgehend von ihrem Einfluss inspiriert. (Einzelheiten siehe: Neoklassizistische Architektur und Neoklassizistische Malerei .)
Kurven begannen fast sofort zu verschwinden. Stuhlbeine zum Beispiel wurden gerade und verjüngen sich anstatt gebogen, und die gleiche Art von Änderungen sind im Möbel allgemein zu beobachten. Der neue Stil orientierte sich anfangs stärker an der griechischen Kunst als an der Dekoration von Louis Quatorze, zum Beispiel bei der Verwendung des griechischen Wellenmusters als Friesornament, aber die Hauptquelle der Ornamente war noch weitgehend römisch. Im Allgemeinen war das wiederbelebte klassische Ornament leichter und strebte vielleicht bewusster nach Eleganz als im 17. Jahrhundert; es ist eher weiblich als männlich.
Um 1770 bemerken wir auch insgesamt eine neue Art von Ornament, die auf rustikalen Freuden und dem einfachen Leben beruht. Im Park des Petit Trianon in Versailles ließ Marie-Antoinette einen von Hubert Robert entworfenen Weiler aus rustikalen Häusern errichten, die von echten Bauern bewohnt wurden , die landwirtschaftliche Tätigkeiten mit den üblichen Haustieren ausübten. Milch von den Kühen wurde zur Molkerei der Königin gebracht, wo sie sich amüsierte, indem sie Butter und Käse als Entspannung aus der Kultiviertheit des Hoflebens zubereitete, und dem verdanken wir neue Arten von Verzierungen, wie Bienenstöcke, Körbe aus Korbweiden und landwirtschaftliche Geräte. Eine weitere Neuerung war die Verwendung sentimentaler Attribute: Herzen, die mit Pfeilen, Köchern, brennenden Fackeln und Girlanden aus Rosen durchbohrt waren. Sentimentalität degenerierte in Sentimentalität, ein Laster, das kurz nach dem Ende des Siebenjährigen Krieges auftrat, der im 19. Jahrhundert geerbt wurde. Es war auch weit verbreitet. Dies zeigt sich in den Keks- Porzellanfiguren von Sevres ebenso wie in den bürgerlichen Familiengruppen von Acier in Meißen. Seine Anziehungskraft auf den Geschmack und die Ästhetik der damaligen Zeit lässt sich aus der akademische Kunst des Malers Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) und aus dem phantastischen Erfolg von Goethes unreifem Roman The Sorrows of Werther , der weit über die Grenzen Deutschlands hinaus bekannt und lesbar war. Der Mann des Gefühls tauchte auf, und Diderot griff die Sinnlichkeit von Boucher und seinen Anhängern an und sagte: "Tugendhaft und hasserfüllt zu zeigen, sollte das Ziel eines jeden ehrlichen Mannes sein, der mit Stift, Pinsel und dem Meißel des Bildhauers arbeitet." und Moral zum ersten Mal. Greuze erfreute sich großer Beliebtheit mit Gemälden, die die schlimmsten Exzesse der Viktorianer ankündigten. Es wurde gesagt, er sei "ein Moralist mit einer Leidenschaft für schöne Schultern: ein Prediger, der den Busen junger Mädchen enthüllt".
Solche Affinitäten wie der neoklassizistische Stil, der mit dem Klassizismus von Louis Quatorze verbunden ist, sind hauptsächlich in der Gestaltung permanenter und semipermanenter Inneninstallationen zu finden, und diese schwinden bald, als der neue Stil Einzug hält. Neoklassizistische Künstler verabscheuten die Renaissance, und in den wenigen Fällen, in denen Renaissance-Gemälde versteigert wurden, waren die Preise im Allgemeinen niedrig. Dies liegt zum Teil daran, dass der Klassizismus der Renaissance, obwohl er dem Griechenlands und Roms viel näher war als die eigene Version, nicht mit den gegenwärtigen Vorstellungen der Antike übereinstimmte, die eher aus den Villen von Pompeji als aus den großen Palästen der antiken Metropole stammten. So die Arabesken Pompeji verdankte Pompeji viel mehr als die Grotesken von Neros Goldenem Haus und Raffaels Loggia.
Ein merkwürdiges Überleben war jedoch das Mobiliar von Andre-Charles Boulle (1642-1732) – dem bemerkenswertesten aller französischen Tischler und herausragenden Künstler auf dem Gebiet der Intarsien -, das häufig Berains Entwürfen zu verdanken war. Es wurde nicht nur eifrig gesammelt, sondern im 18. Jahrhundert und bis ins 19. Jahrhundert hinein frei nachgeahmt und erreichte wahrscheinlich den Höhepunkt seiner Popularität in den 1770er Jahren. Ein Tisch aus dem 19. Jahrhundert des Erben der Boulle-Tradition, Louis Le Gaigneur, aus der Edgware Road, befindet sich in der Kammer der Königin in Windsor Castle, und ein Schreibtisch aus der Mitte des 17. Jahrhunderts mit den Armen der Familie de Retz befindet sich in der Königin Zeichenraum. Zur gleichen Zeit gab es auch eine Nachfrage nach Skulpturen aus dem 17. Jahrhundert, insbesondere nach Werken von Pierre Puget (1622–1694), Francois Girardon (1628-1715) und Antoine Coysevox (1640-1720), wenn auch wenig für ausgehobene griechische und römische Murmeln.
Der Unterschied zwischen dem alten Klassizismus und dem neuen war mehr als das Ergebnis einer bloßen Verlagerung der Betonung vom kaiserlichen Rom nach Pompeji. Der Neoklassizismus, das Ende einer langen Tradition, war auch eine bewusst erfundene Reaktion des Rokoko, die sowohl literarisch und politisch als auch künstlerisch inspiriert war. Es handelte sich nicht nur um modebewusste Menschen, die nach etwas Neuem suchten, um modisch zu sein.
Wenn die Befürworter des neuen Stils das Rokoko nicht mochten, machten sie ihre politische Voreingenommenheit gegenüber Louis Quatorze und Louis Quinze fast gleichermaßen abstoßend. Das intellektuelle Klima Frankreichs hatte sich seit dem Ende des 17. Jahrhunderts stetig verändert. Die Verwaltung war weniger tyrannisch als unerträglich locker. Die Schatzkammer wurde mit der privaten Geldbörse des Königs identifiziert, und als er Geld brauchte, nahm Louis Quinze es aus öffentlichen Mitteln und kritzelte eine Quittung für den Schatzmeister. Die Steuerfarmer ernten eine reiche Ernte, weil es kaum Maschinen für die öffentliche Erhebung von Steuern gab und sie im Gegenzug für ihre Privilegien die Mitglieder des Hofes und manchmal den König selbst reichlich belohnten.
In dieser Atmosphäre blühte literarisches Talent auf wie nie zuvor, und Schriftsteller drangen besonders in die politische Sphäre ein. Die einflussreichsten Denker dieser Zeit waren vielleicht Voltaire, Montesquieu und Rousseau sowie Diderot, der letztere Herausgeber der Enzyklopädie, der radikale Ansichten vertrat.
Königin Marie-Antoinette (Louis Seize)
Der Neoklassizismus war zumindest in gewissem Maße ein Produkt dieser Bewegungen in seinen Anfängen, aber bis 1780 hatte der Einfluss von Marie-Antoinette und Versailles die frühere Einfachheit in Kanäle umgeleitet, die so luxuriös und extravagant waren wie jene, die das Rokoko Ludwigs enthielten Quinze.
Bei der Aufzeichnung der Rolle der Königin ist jedoch der frühere Einfluss von Madame du Barry (geb. Jeanne Becu, Geliebte Ludwigs XV. Von 1769 bis zu seinem Tod 1774) leicht zu übersehen, dessen Einkäufe noch zu Lebzeiten Louis Quinzes erfolgten viel, um den zukünftigen Verlauf des Stils zu beeinflussen. Mit Hilfe des Händlers Poirier hat sie die Dekoration von Möbeln mit Sevres-Porzellantafeln – kleinen Tischen, Sekretären und Kommoden – in Mode gebracht und dabei extrem hohe Preise gezahlt . Sie beschäftigte den Ciseleur-Fondeur , Gouthiere, die vergoldeten Bronzedekorationen für den Pavillon de Louveciennes auszuführen, und ihre Einkäufe endeten nicht mit dem Tod des Königs. Nach ihrer Rückkehr aus dem Exil gab sie weiterhin viel Geld aus, und als sie während des Terrors in den Händen des Henkers ihren schändlichen Tod fand, schuldete sie Gouthiere immer noch eine enorme Summe für Arbeiten dieser Art, die seine Erben versuchten, von ihrem Nachlass zu sammeln Tod im Jahr 1814. Ein Rechtsstreit zog sich bis 1836 hin, als es für einen lächerlichen Bruchteil der ursprünglichen Summe beigelegt wurde.
Louis Seize und Marie-Antoinette verließen 1789 zum letzten Mal Versailles, vertrieben von der Pariser Meute. Sie kehrten in die Hauptstadt zurück, die in den Tagen von Louis Quatorze von der königlichen Familie verlassen worden war, und bald darauf wurden die königlichen Einrichtungsgegenstände kurzerhand in Karren geworfen, und Versailles wurde ein Großteil seiner früheren Pracht beraubt. Einige der königlichen Besitztümer verschwanden über den Kanal nach England; andere wurden Teil des Bestands des Brocanteurs , von denen viele in den folgenden Jahren zu absurd niedrigen Preisen verkauft wurden. Einige überlebten, um in den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts von den anspruchsvolleren Sammlern gekauft zu werden, und in den 70er Jahren des 19. Jahrhunderts hatten französische Möbel und Porzellan, die auch nur aus der Ferne mit dem Königshaus in Verbindung standen, eine schwindelerregende Bedeutung erlangt, die bis heute selten erreicht wird.
Höhepunkt der dekorativen Kunst
Damit endete eine fast noch nie dagewesene Periode in der Geschichte der dekorativen Künste, deren pompöses Echo der Empire-Stil Napoleons war. Es war eine Zeit, in der das Hauptaugenmerk auf die Neuheit und den Erwerb der neuesten Mode gelegt worden war, und dies wurde durch den Umfang ermöglicht, in dem die Künste in Frankreich seit den Tagen von Jean-Baptiste Colbert (1619–1683) organisiert worden waren), Der Finanzminister von Ludwig XIV. Wenn wir uns nur die Kosten ansehen, die für Frankreich entstehen, wenn es darum geht, diese Vormachtstellung zu erreichen, erscheint dies hoch, aber wir müssen die enorme Rendite aus den Exporten und das Prestige, das zweifellos zugenommen hat und sich in anderen Bereichen niedergeschlagen hat, nicht zuletzt in den Außenbeziehungen, dagegen abwägen. Auch im 19. und 20. Jahrhundert war die Position von Paris als Kunsthauptstadt der Welt keineswegs unrentabel.muss irgendwann auf die Entscheidungen von Louis Quatorze zurückgeführt werden, die Kunst als äußeres und sichtbares Symbol der Größe Frankreichs zu betrachten.
Eineinhalb Jahrhunderte lang waren die Veralteten auf die Dachböden verbannt worden, eine Situation, die ihresgleichen sucht. Der Gelehrte Pierre Verlet ( Les Ebenistes du XVIII. Siecle , 1963) verwies auf Geschenke von nicht modischen Möbeln an den niederen Adel des Hofes und auf das System der Rangfolge, wonach unerwünschte Gegenstände aus Versailles in die kleineren königlichen Schlösser verbracht wurden. Dieselbe Behörde erörtert den Unterschied in Geschmack und Kaufgewohnheiten zwischen den reichen Fermiers-Generaux (Steuereintreibern) einerseits und den gelehrten Berufen, die von Anwälten und Mitgliedern des Parlaments vertreten werden , andererseits und unterteilt sie in Innovatoren und Konservatoren. Das Wirtschaftsklima der damaligen Zeit hat Gerald Reitlinger in Band II des Ökonomie des Geschmacks . Er weist darauf hin, dass die Aristokratie, deren Reichtum größtenteils aus Grundbesitz stammte, weit weniger über liquide Mittel verfügte als die Fermiers-Generaux , die auch Finanziers waren. Von der Zeit der Inflation des Gesetzes bis zum Beginn der Revolution im Jahr 1789 sehen wir daher eher den Geschmack von Versailles, der eher von Finanziers als von Adligen unterstützt wird. Dass diese prächtigen Innenräume ein so hohes Niveau erreichten, war dem Beispiel von Versailles und der Schirmherrschaft von Künstlern und Handwerkern mit Können und Geschmack zu verdanken.
In einer Weise, nicht ohne parallel heute der fermiers-generaux , der wußte besser als jeder andere das wackelige Fundament, auf das der Wert des livre Erholte sich, kaufte Kunstwerke in großem Umfang, nicht nur als Symbol für Prestige, sondern auch als Investition, und dies brachte einen Preisanstieg mit sich, der durch die verschwenderischen Ausgaben von Louis Quinze und Madame de Pompadour stimuliert wurde. Wie Reitlinger ausführt, handelte es sich neben Möbeln aus orientalischem Lack um die teuersten Gegenstände aus Goldbronze oder mit dieser stark bestückten, die zumindest teilweise aus den Kosten der Quecksilbervergoldung resultierten, obwohl der tatsächliche Goldwert war vernachlässigbar. Lackierte und polierte Halterungen könnten viel billiger gekauft werden. Auch feiner Marmor für Tischplatten und für Dekorationsgegenstände wie Urnen und Sockel war teuer, und Halbedelsteine wie Jaspis und Chalzedon noch teurer.Bei der Beurteilung der Kosten von Kunstwerken zu dieser Zeit müssen wir uns daran erinnern, dass Materialien normalerweise teuer und die meisten Arten von Arbeitskräften billig waren.
Zweifelsohne wurden die Preise durch die Popularität öffentlicher Auktionen erhöht, die im antiken Rom ein durchaus verbreitetes Merkmal des Kunstmarktes waren, in der Folge jedoch noch weniger als Verbreitungsmethode erwiesen waren. Durch Ausschreibungen stiegen die Preise, aber eine erhebliche Schwierigkeit bei der Ausweitung dieser Art von Verkäufen war die Sorgfalt, mit der alle inneren Elemente aufeinander abgestimmt wurden, wodurch sie weitgehend ihrer Bedeutung beraubt wurden, wenn sie von ihren unmittelbaren getrennt wurden Umgebung. Beim Kauf eines Pariser Hotels war es nicht selten unumgänglich, auch die Möbel zu kaufen. Trotz dieser gegenteiligen Indikation hatten die Auktionspreise jedoch vor dem Ende des Jahrhunderts fast nie dagewesene Höhen erreicht, ein aufstrebender Markt, der erst durch die Revolution zum Erliegen kam. Das Problem, was mit den Besitztümern von Citoyen Louis Capet zu tun ist, Die Mitglieder seines Hofes und jener Finanziers, die nicht klug genug waren, die Warnschilder zu lesen, solange noch Zeit war, wurden schwer misshandelt. Viel wurde zerstört und viel mehr unter Umständen verkauft, die es unmöglich machten, einen fairen Preis zu erzielen. Der Herzog von Orleans, Philippe Egalite, versuchte 1790, die Gemäldesammlung des Regenten im Ausland für 100.000 Guineen zu verkaufen, jedoch ohne Erfolg, obwohl die niederländischen und flämischen Gemälde später nach England gelangten. Die Sammlung des Finanzministers von Louis Seize, Charles Alexandre, Vicomte de Calonne (1734-1802), wurde von verkauftOrleans, Philippe Egalite, versuchte 1790, die Bildersammlung des Regenten im Ausland für 100.000 Guinea zu verkaufen, aber ohne Erfolg, obwohl die niederländischen und flämischen Gemälde später nach England kamen. Die Sammlung des Finanzministers von Louis Seize, Charles Alexandre, Vicomte de Calonne (1734-1802), wurde von verkauftOrleans, Philippe Egalite, versuchte 1790, die Bildersammlung des Regenten im Ausland für 100.000 Guinea zu verkaufen, aber ohne Erfolg, obwohl die niederländischen und flämischen Gemälde später nach England kamen. Die Sammlung des Finanzministers von Louis Seize, Charles Alexandre, Vicomte de Calonne (1734-1802), wurde von verkauft Christie’s im Jahr 1795, aber für viel niedrigere Preise als die, zu denen er sie gekauft hatte.
Abgesehen von Gemälden alter Meister gab es im 18. Jahrhundert einen Antiquitätenmarkt, obwohl der Schwerpunkt auf dem Neuen lag. aber größtenteils wurde wenig von der unmittelbaren Vergangenheit gekauft, und nur wenige anspruchsvolle Sammler wagten sich sogar bis in die Zeit der Renaissance und der römischen Bronzen. Viel modischer war das Sammeln naturhistorischer Kuriositäten wie Muscheln und Mineralien, die oft in vergoldeter Bronze gefasst waren.
Antike Möbel, schöne Teppiche und andere dekorative design von Versailles oder das Alter von Louis XIV , Louis XV oder Louis XVI , kann in einigen der zu sehen ist beste Kunstmuseen in der Welt.
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