Griechische Kunst: Geschichte, Merkmale Automatische übersetzen
SKULPTURANALYSE
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Wie man Skulptur schätzt .
MALEREI-ANALYSE
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Wie man Gemälde schätzt .
Siehe auch: Kunst der Antike (ca. 1000 v. Chr. – 450 n. Chr.).
Ursprünge
Ägäische Kunst der klassischen Antike geht zurück auf Minoische Kultur des dritten Jahrtausends v. Chr., als die Einwohner Kretas, die nach ihrem König Minos als Minoer bekannt waren, um 2100 v. Chr. aufgrund ihrer erfolgreichen maritimen Handelsaktivitäten eine blühende Kultur aufbauten. Beeinflusst von Sumerische Kunst und andere Stränge von Mesopotamische Kunst Sie bauten eine Reihe von Palästen in Knossos, Phaestus und Akrotiri sowie die Schaffung einer breiten Palette von Fresken, Steinmetzarbeiten, alte Keramik und andere Artefakte. Während des 15. Jahrhunderts v. Chr. Wurde Kreta nach einem katastrophalen Erdbeben, das die meisten ihrer Paläste zerstörte, von kriegerischen mykenischen Stämmen vom griechischen Festland überrannt. Mykenische Kultur ordnungsgemäß wurde die dominierende Kraft im östlichen Mittelmeerraum. Kurz nach Ausbruch des Trojanischen Krieges (ca. 1994–1184) wurde die Stadt Mykene zusammen mit ihrer Architektur und ihren kulturellen Besitztümern von einer neuen Gruppe von Mauren, den Dorianern, zerstört. Zu diesem Zeitpunkt die meisten Produktion von Antike Kunst kam für ungefähr 400 Jahre (1200 bis 800) zum Stillstand, als die Region in eine Ära kriegführender Königreiche und Chaos abstieg, die als "griechisches Mittelalter" (oder geometrisches oder homerisches Zeitalter) bekannt ist.
Historischer Hintergrund
Die eigentliche antike griechische Kunst entstand im 8. Jahrhundert v. Chr. (700-800), als sich die Lage in der Ägäis beruhigte. (Siehe auch Etruskische Kunst ) Ungefähr zu dieser Zeit wurde Eisen zu Waffen / Werkzeugen verarbeitet, die Menschen begannen, ein Alphabet zu benutzen, die ersten Olympischen Spiele fanden statt (776), eine komplexe Religion entstand und um die Idee von "Hellas" entstand ein loses Gefühl kultureller Identität. (Griechenland). Um etwa 700 begannen die Königreiche durch Oligarchien und Stadtstaaten ersetzt zu werden. Die frühen Formen der griechischen Kunst beschränkten sich jedoch größtenteils auf Keramikwaren, da die Region unter anhaltender Hungersnot, erzwungener Auswanderung (viele Griechen verließen das Festland, um Städte in Kleinasien und Italien zu kolonisieren) und sozialen Unruhen litt. Dies schränkte die Entwicklung der Architektur und der meisten anderen ein Arten von Kunst . Erst um 650, als die Seehandelsbeziehungen zwischen Griechenland und Ägypten sowie Anatolien wiederhergestellt wurden, kehrte der griechische Wohlstand endlich zurück und ermöglichte einen Aufschwung der griechischen Kultur.
Chronologie der griechischen Kunst
Die Praxis von Kunst im alten Griechenland entwickelte sich in drei grundlegenden Stadien oder Perioden:
Die archaische Ära war eine Zeit des allmählichen Experimentierens. Die klassische Ära erlebte dann die Blüte der griechischen Macht auf dem Festland und die künstlerische Dominanz. Die hellenistische Periode, die mit dem Tod Alexanders des Großen begann, war Zeuge der Schaffung von Kunst im "griechischen Stil" in der gesamten Region, da immer mehr Zentren / Kolonien der griechischen Kultur in griechisch kontrollierten Gebieten errichtet wurden. In dieser Zeit fielen auch Griechenland und Rom. Tatsächlich endete es mit der vollständigen Eroberung des gesamten Mittelmeerbeckens durch die Römer.
BEMERKUNG: Es ist wichtig, von Anfang an zu bemerken, dass fast alle Originalkunstwerke der griechischen Antike, dh Skulpturen, Wand- und Tafelbilder, Mosaike und dekorative Kunst, verloren gegangen sind, so dass wir fast ausschließlich von Kopien von abhängig sind Römische Künstler und einige schriftliche Berichte. Infolgedessen ist unser Wissen über die Chronologie, Entwicklung und das Ausmaß der griechischen visuellen Kultur äußerst lückenhaft und sollte nicht zu ernst genommen werden. Die Wahrheit ist, dass wir mit wenigen Ausnahmen sehr wenig über die Identität der griechischen Künstler wissen, was sie gemalt oder gemeißelt haben und wann sie es getan haben. Für spätere Künstler, die von der klassischen Skulptur und Architektur des antiken Griechenlands inspiriert sind, siehe: Klassizismus in der Kunst (Ab 800).
Archaische Zeit (ca. 650-480 v. Chr.)
Archaische griechische Keramik
Die am weitesten entwickelte Kunstform der vorarchaischen Zeit (um 1900–650) war zweifellos Griechische Keramik . Oftmals mit großen Vasen und anderen Gefäßen, wurde es ursprünglich mit linearen Mustern ( protogeometrischer Stil ) dekoriert, dann mit aufwändigeren Mustern ( geometrischer Stil ) aus Dreiecken, Zickzack und anderen ähnlichen Formen. Die geometrische Keramik umfasst einige der besten griechischen Kunstwerke, wobei die Vasen in der Regel nach einem strengen Proportionssystem hergestellt werden. Ab etwa 700 führten erneute Kontakte zu Anatolien, dem Schwarzmeerraum und dem Nahen Osten zu einem spürbaren Einfluss des Ostens ( orientalischer Stil ), der von Korinthkeramikern gemeistert wurde. Das neue Idiom enthielt ein breiteres Repertoire an Motiven wie krummlinigen Mustern sowie eine Vielzahl von zusammengesetzten Kreaturen wie Sphinxen, Greifen und Schimären. Während der archaischen Ära selbst wurde die Dekoration immer figurativer, da mehr Tiere, Zoomorphe und dann menschliche Figuren selbst einbezogen wurden. Diese Keramik figur malerei Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art… = 157 & lang = en Dies war das erste Zeichen für die anhaltende Faszination Griechenlands für den menschlichen Körper als edelstes Motiv eines Malers oder Bildhauers: eine Faszination, die sich in der Natur wieder entfacht Malerei der Hochrenaissance von Michelangelo und anderen. Ein anderer von Korinth eingeführter Keramikstil war schwarzfigurige Keramik : Figuren wurden zuerst in schwarzer Silhouette gezeichnet und dann mit eingeschnittenen Details versehen. Zusätzliche Berührungen wurden in lila oder weiß hinzugefügt. Zu den Lieblingsthemen für Schwarzfiguren gehörten: die Feste des Dionysos und die Arbeiten des Herkules. Mit der Zeit beherrschte Athen die schwarzfigurige Keramik mit der Perfektion eines reicheren schwarzen Pigments und eines neuen orangeroten Pigments, das zu rotfiguriger Keramik führte – eine Redewendung, die zwischen 530 und 480 florierte. Berühmte Keramikkünstler der griechischen Archaik waren das Genie Exekias sowie Kleitias (Schöpfer der berühmten Francois-Vase ), Andokides, Euthymides, Ergotimos, Lydos, Nearchos und Sophilos. Weitere Details und Daten finden Sie unter: Keramik-Timeline .
Archaische griechische Architektur
Im 6. und 7. Jahrhundert wurde Stein für griechische öffentliche Gebäude (Versteinerung) verwendet, insbesondere für Tempel. Griechische Architektur verließ sich auf einfache Techniken nach dem Sturzbau: Bögen wurden erst in der Römerzeit verwendet. Das typische rechteckige Gebäude war an allen vier Seiten (siehe z. B. Parthenon) oder seltener nur vorne und hinten (Tempel der Athena Nike) von einer Säulenreihe umgeben. Dächer wurden mit Holzbalken gebaut, die mit Terrakottafliesen überzogen waren. Giebel (die dreieckige Form an jedem Giebelende) wurden mit Reliefskulpturen oder Friesen verziert, ebenso wie die Sturzreihe zwischen dem Dach und den Säulenspitzen. Griechische Architekten waren die Ersten, die ihre architektonische Gestaltung auf den Maßstab der Verhältnismäßigkeit stützten. Zu diesem Zweck stellten sie ihre " Klassischen Ordnungen " vor – eine Reihe von Gestaltungsregeln, die auf den Proportionen zwischen einzelnen Teilen basieren, z. B. dem Verhältnis zwischen Breite und Höhe einer Spalte. In der frühen griechischen Architektur gab es drei solcher Ordnungen: dorische , ionische und korinthische . Der dorische Stil wurde auf dem griechischen Festland und in späteren griechischen Siedlungen in Italien verwendet. Die ionische Ordnung wurde in Gebäuden entlang der Westküste der Türkei und anderer ägäischer Inseln verwendet. Zu den berühmten Gebäuden des antiken Griechenlands, die während der archaischen Zeit erbaut oder begonnen wurden, gehören: der Heratempel (600), der Athenatempel auf der Akropolis (550) und die Tempel in Paestum (ab 550). Siehe auch: Ägyptische Architektur (ca. 3000 v. Chr.) und die Bedeutung ägyptischer Architekten wie Imhotep und andere.
Die griechische Architektur prägte nach wie vor die späteren Stile, einschließlich der Renaissance Neoklassizistische Architektur , und sogar Amerikanische Architektur des 19. und 20. Jahrhunderts.
Das Kunstgeschichte zeigt, dass Bauprogramme ausnahmslos die Entwicklung anderer Formen der bildenden Kunst stimulierten, wie z Skulptur und Gemälde , ebenso gut wie dekorative Kunst und archaische griechische Architektur war keine Ausnahme. Die neuen Tempel und anderen öffentlichen Gebäude brauchten reichlich dekorative Skulpturen, darunter Statuen, Reliefs und Friese Wandmalerei und Mosaikkunst .
Archaische griechische Skulptur
Archaische griechische Skulptur während dieser Zeit war immer noch stark beeinflusst von Ägyptische Skulptur sowie syrische Techniken. Griechische Bildhauer schufen Steinfriese und Reliefs sowie Statuen (aus Stein, Terrakotta und Bronze) und Miniaturwerke (aus Elfenbein und Knochen). Der frühe Stil des Freistehens Daedalische Skulptur (650-600) – wie die Werke von Daedalus , Dipoinos und Skyllis zeigen – wurde von zwei menschlichen Stereotypen dominiert: der stehenden nackten Jugend ( kouros ) und dem stehenden drapierten Mädchen ( kore ). Von diesen ist die männliche Akte wurden als wichtiger angesehen. Zunächst waren sowohl der Kouros als auch der Kore in einem eher starren, "frontalen" ägyptischen Stil gestaltet, mit breiten Schultern, schmalen Taillen, hängenden Armen, geballten Fäusten, beiden Füßen auf dem Boden und einem festen "Archaiker" smile ": siehe zum Beispiel Lady of Auxerre (630, Louvre) und Kleobis and Biton (610-580, Archäologisches Museum von Delphi). Im Laufe der Zeit wurde die Darstellung dieser formelhaften Statuen weniger starr und realistischer. Später, fortgeschrittenere, archaische Versionen von Kouroi und Korai beinhalten den " Peplos Kore " (ca. 530, Akropolismuseum, Athen) und den " Kritios Boy " (Akropolismuseum, Athen). Andere berühmte Werke sind: der Strangford Apollo (600-580, British Museum); der Dipylon Kouros (um 600, Athen, Kerameikos Museum); der Anavysos Kouros (ca. 525, Archäologisches Nationalmuseum von Athen); und der faszinierende Fries der Siphnischen Schatzkammer , Delphi (c.525).
Archaische griechische Malerei
Da die meisten Vasen und Skulpturen bemalt wurden, führte das Anwachsen von Keramik und Skulpturen im 7. Jahrhundert automatisch zu mehr Arbeit für griechische Maler. Darüber hinaus wurden die Wände vieler Tempel, städtischer Gebäude und Gräber mit Fresken bemalt, während ihre Marmor- oder Holzskulptur mit gefärbt wurde Tempera oder enkaustisch Farbe. Encaustic hatte etwas vom Glanz der Ölmalerei, einem den Griechen unbekannten Medium, und wurde im 6. Jahrhundert zu einer beliebten Malmethode für Steinstatuen und architektonische Reliefs. Archaische griechische Malerei Es gibt nur sehr wenige bemalte Tafeln: Die einzigen Beispiele, die wir haben, sind die Pitsa-Tafeln, die mit Stuck verziert sind, der mit mineralischen Pigmenten gefärbt ist. Leider sind aufgrund von Erosion, Vandalismus und Zerstörung nur wenige griechische Originalgemälde aus dieser Zeit erhalten. Übrig bleiben nur ein paar bemalte Terrakottaplatten (die Terrakotta-Metopen aus dem Apollontempel von Thermon in Aitolia um 630), einige Holztafeln (die vier Pitsa-Tafeln, die in einer Höhle im nördlichen Peloponnes gefunden wurden) und Wandgemälde (z als Kampfszene aus dem 7. Jahrhundert aus einem Tempel in Kalapodi bei Theben und aus unterirdischen Gräbern in Etrurien). Abgesehen von bestimmten Personen, wie Cimon von Cleonae, sind uns die Namen archaischer griechischer Maler im Allgemeinen unbekannt. Die am weitesten verbreitete Kunstform, um die antike griechische Malerei zu beleuchten, ist die Keramik, die uns zumindest eine grobe Vorstellung von Archaic gibt Ästhetik und Techniken. Beachten Sie jedoch, dass die Vasenmalerei als eine niedrige Kunstform angesehen wurde und in der klassischen Literatur nur selten erwähnt wird.
Klassische Periode (c.480-323 BCE)
Durch den Sieg über die Perser 490 v. Chr. Und 479 v. Chr. Wurde Athen zum stärksten der griechischen Stadtstaaten. Trotz äußerer Bedrohungen würde es seine führende kulturelle Rolle für die nächsten Jahrhunderte behalten. Tatsächlich erlebte Athen im fünften Jahrhundert v. Chr. Einen kreativen Aufschwung, der nicht nur die Zukunft dominieren würde Römische Kunst Bei der Wiederentdeckung durch Renaissance Europe 2000 Jahre später würde dies einen absoluten künstlerischen Standard für weitere vier Jahrhunderte darstellen. Dies alles trotz der Tatsache, dass die meisten griechischen Gemälde und Skulpturen zerstört wurden.
Der Hauptbeitrag des griechischen Klassizismus zur bildenden Kunst war zweifellos seine Skulptur: insbesondere der "Kanon der Proportionen" mit seiner Verwirklichung des "idealen menschlichen Körpers" – ein Konzept, das so stark mitschwang Kunst der Hochrenaissance tausend Jahre später.
Klassische griechische Keramik
Während dieser Ära, Keramische Kunst und so erlebte die Vasenmalerei einen fortschreitenden Niedergang. Genau deshalb wissen wir es nicht, aber gemessen am Mangel an Innovationen und der zunehmenden Sentimentalität der Designs scheint sich das Genre selbst abgenutzt zu haben. Die letzte kreative Entwicklung war die White-Ground- Technik, die um 500 eingeführt worden war. Im Gegensatz zu den schwarz- und rotfigurigen Stilen, die sich bei der Herstellung von Bildern auf Tonstreifen stützten, wurden bei der White-Ground-Technik Farben und Vergoldungen auf einem weißen Tonhintergrund verwendet und wird am besten durch das Grab lekythoi des späten 5. Jahrhunderts veranschaulicht. Abgesehen von dieser einzigen Neuerung ging die Qualität und der künstlerische Wert der klassischen griechischen Töpferei erheblich zurück und wurde schließlich von lokalen hellenistischen Schulen abhängig.
Klassische griechische Architektur
Wie die meisten Griechen Visuelle Kunst In der Klassik erreichte das Gebäudedesign seinen Höhepunkt, als die beiden Hauptstile (oder "Ordnungen") der griechischen Architektur, der dorische und der ionische, einen zeitlosen, harmonischen und universellen Standard architektonischer Schönheit definierten. Der dorische Stil war der formalere und strengere – ein Stil, der im 4. und 5. Jahrhundert vorherrschte -, während der ionische Stil entspannter und etwas dekorativer war – ein Stil, der in der lockereren hellenistischen Ära immer beliebter wurde. (Anmerkung: Der ionische Orden brachte später den reich verzierten korinthischen Stil hervor.)
Der Höhepunkt der antiken griechischen Architektur war wohl die Akropolis , der flache, heilige Hügel am Stadtrand von Athen. Die ersten Tempel, die hier während der archaischen Zeit errichtet wurden, wurden 480 von den Persern zerstört, aber als der Stadtstaat in sein goldenes Zeitalter eintrat (ca. 460-430), ernannte sein Herrscher Perikles den Bildhauer Phidias den Bau eines neuen Komplexes zu überwachen. Die meisten neuen Gebäude (Parthenon, Propylaea) wurden nach dorischen Maßstäben entworfen, einige enthielten jedoch ionische Elemente (Tempel der Athena Nike, Erechtheum). Die Akropolis wurde während der hellenistischen und römischen Zeit mehrmals erweitert. Das Parthenon (447-432) bleibt das höchste Beispiel der klassischen griechischen religiösen Kunst. Zu seiner Zeit wäre es mit zahlreichen Wandgemälden und Skulpturen verschönert worden, aber auch relativ schmucklos steht es als unverwechselbares Denkmal der griechischen Kultur. Der größte Tempel auf dem Akropolis-Hügel wurde von Ictinus und Callicrates entworfen und der Göttin Athene gewidmet. Es beherbergte ursprünglich eine kolossale mehrfarbige Statue mit dem Titel Athene die Jungfrau ( Athena Parthenos ), deren Haut von Phidias aus Elfenbein geformt wurde und deren Kleidung aus goldenem Stoff gefertigt wurde. Wie alle Tempel wurde der Parthenon durchgehend mit architektonischen Skulpturen wie Reliefs und Friesen sowie freistehenden Statuen aus Marmor, Bronze und Chryselephantin geschmückt. Der Kunstsammler und Antiquar Lord Elgin (1766-1841) versandte 1801 kontrovers eine große Menge der Parthenons Marmorskulptur (die " Elgin Marbles ") zum Britisches Museum in London.
Andere berühmte Beispiele der klassischen griechischen Architektur sind: der Tempel des Zeus in Olympia (468-456), der Tempel des Hephaistos (ca. 449 v. Chr.), Der Tempel in Bassae in Arkadien (ca. 430 v. Chr.), In dem sich die erste korinthische Hauptstadt befand, das Theater in Delphi (um 400), der Tholos-Tempel der Athena Pronaia (380-360), das Mausoleum in Harnicarnassus, Bodrum (353), das Lysikrates-Denkmal in Athen (335) und der Tempel des Apollo in Delphi (330).
Klassische griechische Skulptur
In dem Geschichte der Skulptur Kein Zeitraum war produktiver als die 150 Jahre zwischen 480 und 330 v. Was die plastische Kunst betrifft, so kann sie unterteilt werden in: Frühe klassische griechische Skulptur (480-450) Hochklassische griechische Skulptur (450-400) und Spätklassische griechische Skulptur (400-323).
Während der gesamten Ära wurde die technische Fähigkeit der griechischen Bildhauer, den menschlichen Körper in einer naturalistischen und nicht in einer starren Haltung darzustellen, erheblich verbessert. Die Anatomie wurde genauer und infolgedessen sahen die Statuen viel naturgetreuer aus. Außerdem wurde Bronze aufgrund seiner Fähigkeit, seine Form beizubehalten, zum Hauptmedium für freistehende Arbeiten, was die Gestaltung noch natürlicher aussehender Posen ermöglichte. Die Themen wurden erweitert, um die gesamte Palette der Götter und Göttinnen sowie kleinere Gottheiten, eine breite Palette mythologischer Erzählungen und eine vielfältige Auswahl an Athleten einzubeziehen. Weitere spezifische Entwicklungen waren: die Einführung eines platonischen "Kanons der Proportionen" zur Schaffung einer idealisierten menschlichen Figur und die Erfindung des Kontrapostos . Während der späten Klassik, die erste ansehnliche weibliche Akte erschien.
Zu den bekanntesten Bildhauern dieser Zeit gehörten: Myron (fl.480-444), Polykleitos (fl.450-430), Callimachus (fl.432-408), Skopas (fl.395-350), Lysippos (c.395-305), Praxiteles (fl.375-335) und Leochares (fl.340-320). Diese Künstler arbeiteten hauptsächlich in Marmor, Bronze, gelegentlich Holz, Knochen und Elfenbein. Steinskulptur wurde von Hand aus einem Marmorblock oder einem hochwertigen Kalkstein mit Metallwerkzeugen geschnitzt. Diese Skulpturen können freistehende Statuen oder Reliefs / Friese sein – das heißt, sie sind nur teilweise aus einem Block geschnitzt. Bronzeskulptur galt nicht zuletzt wegen der Mehrkosten für Bronze als überlegen und wurde in der Regel nach der Wachsausschmelzmethode gegossen. Noch teurer war chryselephantine skulptur die für große Kultstatuen vorbehalten war. Elfenbein schnitzen war ein weiteres Spezialgenre für kleine, persönliche Werke Holzschnitzen .
Wie oben erwähnt, war der Parthenon ein typisches Beispiel dafür, wie die Griechen Skulpturen verwendeten, um ihre religiösen Gebäude zu dekorieren und zu verschönern. Ursprünglich waren die Skulpturen des Parthenons in drei Gruppen unterteilt. (1) Auf den dreieckigen Giebeln an beiden Enden befanden sich große freistehende Gruppen mit zahlreichen Götterfiguren und mythologischen Szenen. (2) Auf beiden Seiten befanden sich fast 100 Reliefs von kämpfenden Figuren, darunter Götter, Menschen, Zentauren und andere. (3) Rund um das gesamte Gebäude verlief ein weiteres Relief von etwa 150 Metern Länge, das die Große Panathenia zeigte – ein religiöses vierjährliches Fest zum Lob der Athene. Obwohl die Parthenon-Skulpturen stark beschädigt sind, zeigen sie das höchste künstlerische Können ihrer Schöpfer. Vor allem zeigen sie – wie viele andere klassische griechische Skulpturen – einen erstaunlichen Bewegungssinn sowie einen bekannten Realismus des menschlichen Körpers.
Das größte Skulpturen der klassischen Ära gehören: Leonidas, König von Sparta (c.480), The Charioteer of Delphi (c.475); Discobolus (c.450) von Myron; Die farnesischen Herakles (5. Jahrhundert); Athena Parthenos (c.447-5) von Phidias; Doryphorus (440) von Polykleitos; Jugend von Antikythera (4. Jahrhundert); Aphrodite of Knidos (350-40) von Praxiteles; und Apollo Belvedere (c.330) von Leochares.
Vergleichen Sie: Frühe römische Kunst (c.510 BCE bis 27 BCE).
Klassische griechische Malerei
Klassische griechische Malerei offenbart ein Verständnis von Geradlinige Perspektive und naturalistische Darstellung, die bis zur italienischen Hochrenaissance unübertroffen bleiben würde. Abgesehen von der Vasenmalerei blühten in der Klassik alle Arten von Gemälden auf. Laut Autoren wie Plinius (23-79 n. Chr.) Oder Pausanias (aktiv 143-176 n. Chr.) War die höchste Form Tafelmalerei in Enkaustik oder Tempera. Zu den Themen gehörten figurative Szenen, Porträts und Stillleben, und Ausstellungen – zum Beispiel in Athen und Delphi – waren relativ häufig. Leider ist aufgrund der verderblichen Natur dieser Tafeln sowie jahrhundertelanger Plünderungen und Vandalismen weder ein einziges Gemälde der griechischen Klassik von irgendeiner Qualität noch eine römische Kopie erhalten geblieben.
Fresko-Malerei war eine verbreitete Methode der Wandgestaltung in Tempeln, öffentlichen Gebäuden, Häusern und Gräbern, aber diese größeren Kunstwerke hatten im Allgemeinen einen geringeren Ruf als Tafelbilder. Das berühmteste erhaltene Beispiel der griechischen Wandmalerei ist das berühmte Tomb of the Diver in Paestum (ca. 480), eine der vielen Grabdekorationen in den griechischen Kolonien in Italien. Ein weiteres berühmtes Werk entstand für das Große Grab von Verfina (ca. 326 v. Chr.), Dessen Fassade mit einem großen Wandgemälde einer königlichen Löwenjagd verziert war. Der Hintergrund blieb weiß, wobei die Landschaft durch einen einzelnen Baum und die Grundlinie angezeigt wurde. Neben dem Stil des Hintergrunds und der Motive ist das Wandbild für seine subtilen Darstellungen von Licht und Schatten sowie für die Verwendung einer Technik namens Optical Fusion (das Nebeneinander von Linien verschiedener Farben) bekannt – ein recht merkwürdiger Vorläufer von Seurat 19. Jahrhundert Pointillismus .
Das Malen von Stein-, Terrakotta- und Holzskulpturen war eine weitere Spezialtechnik, die von griechischen Künstlern beherrscht wurde. Steinskulpturen wurden normalerweise in kräftigen Farben gemalt. obwohl normalerweise nur die Teile der Statue, die Kleidung oder Haare darstellten, gefärbt waren, während die Haut in der Natursteinfarbe belassen wurde, wurde gelegentlich die gesamte Skulptur gemalt. Skulpturenmalerei wurde als unverwechselbar angesehen Kunst – eine frühe Art von Mixed Media – und nicht nur eine skulpturale Verbesserung. Neben Farbe kann die Statue auch mit wertvollen Materialien geschmückt werden.
Zu den bekanntesten klassischen griechischen Malern des 5. Jahrhunderts gehörte: Apollodorus (bekannt für seine Skiagraphia – eine primitive Art von Chiaroscuro ); sein Schüler, der große Zeuxis von Herakleia (bekannt für seine Staffelei – Gemälde und trompe l’oeil ); sowie Agatharchos (der erste, der die grafische Perspektive in großem Maßstab verwendet hat); Parrhasius (am bekanntesten für sein Zeichnung und sein Bild von Theseus im Kapitol von Rom); und Timarete (eine der größten griechischen Malerinnen, bekannt für ein Tafelbild in Ephesus der Göttin Diana).
Während der späten Klassik (400-323 v. Chr.), In der das mazedonische Reich unter Philipp II. Und seinem Sohn Alexander dem Großen blühte, blieb Athen weiterhin das dominierende kulturelle Zentrum des griechischen Festlandes. Dies war der Höhepunkt der antiken griechischen Malerei. Künstler wie der talentierte und einflussreiche Apelles von Kos – offizieller Maler Philipps II. Von Mazedonien und seines Sohnes Alexander der Große – fügten neue Techniken zum Hervorheben, Schattieren und Färben hinzu. Andere berühmte Künstler des 4. Jahrhunderts waren Apelles Rivalen Antiphilus (ein Spezialist für Licht und Schatten, Genre-Malerei und Karikatur) und Protogenes (bekannt für seine sorgfältige Verarbeitung); Euphranor von Korinth (der einzige klassische Künstler, der sich sowohl in der Malerei als auch in der Skulptur auszeichnet); Eupompus (Gründer der Sicyon-Schule); und der Geschichtsmaler Androkydes von Cyzicus (bekannt für sein umstrittenes Geschichtsmalerei Darstellung der Schlacht von Plataea).
Hellenismus (c.323-27 v. Chr.)
Die Periode von Hellenistische Kunst beginnt mit dem Tod Alexanders des Großen (356-323) und der Eingliederung des Persischen Reiches in die griechische Welt. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich der Hellenismus in der gesamten zivilisierten Welt verbreitet, und zu den Zentren der griechischen Kunst und Kultur gehörten Städte wie Alexandria, Antiochia, Pergamon, Milet sowie Städte und andere Siedlungen in Kleinasien, Anatolien, Ägypten, Italien, Kreta, Zypern, Rhodos und die anderen Inseln der Ägäis. Die griechische Kultur war also absolut dominant. Aber der plötzliche Niedergang Alexanders löste einen raschen Niedergang der griechischen Kaisermacht aus, als sein riesiges Reich auf drei seiner Generäle aufgeteilt wurde – Antigonos I., der Griechenland und Mazedonien empfing; Seleukos I., der die Kontrolle über Anatolien, Mesopotamien und Persien übernahm; und Ptolemaios I. , der Ägypten regierte. Paradoxerweise ist diese Zeit von einem massiven griechischen kulturellen Einfluss geprägt, der jedoch die griechische Macht schwächt. Ab 27 v. Chr. Würden Griechenland und sein Reich vom antiken Rom aus regiert, aber selbst dann würden die Römer die griechische Kunst jahrhundertelang verehren und emulieren.
Hellenistische Architektur
Die Aufteilung des griechischen Reiches in separate Einheiten, jede mit einem eigenen Herrscher und einer eigenen Dynastie, eröffnete enorme neue Möglichkeiten der Selbstvergrößerung. In Kleinasien wurde von den Attaliden eine neue Hauptstadt in Pergamon (Pergamon) errichtet. in Persien entwickelten die Seleukiden eine Form des barocken Gebäudedesigns; In Ägypten errichtete die ptolemäische Dynastie den Leuchtturm und die Bibliothek in Alexandria. Die palastartige Architektur wurde revitalisiert und es wurden zahlreiche städtische Strukturen errichtet, um den Einfluss lokaler Herrscher zu verstärken.
Die Tempelarchitektur erlebte jedoch einen großen Einbruch. Ab 300 v. Chr. Verlor der griechische Peripteraltempel (eine Reihe von Säulen auf allen Seiten) erheblich an Bedeutung: Abgesehen von einigen Aktivitäten in der westlichen Hälfte Kleinasiens kam der Tempelbau im dritten Jahrhundert praktisch zum Erliegen auf dem griechischen Festland und in den nahe gelegenen griechischen Kolonien. Auch monumentale Projekte wie die Artemision in Sardes und der Apollontempel in Didyma bei Milet machten nur geringe Fortschritte. All dies änderte sich im Laufe des zweiten Jahrhunderts, als der Tempelbau eine Art Wiederbelebung erlebte, teils aufgrund des gestiegenen Wohlstands, teils aufgrund von Verbesserungen, die der Architekt Hermogenes von Priene am ionischen Architekturstil vorgenommen hatte, und teils aufgrund des kulturellen Propagandakrieges (für mehr) Einfluss) zwischen den verschiedenen hellenistischen Königreiche und zwischen ihnen und Rom. Dabei wurde die Tempelarchitektur wiederbelebt und eine große Anzahl griechischer Tempel sowie kleinteilige Bauwerke ( Pseudoperipteros ) und Schreine ( Naiskoi ) in Kleinasien, Ägypten und Nordafrika errichtet. Der zurückhaltende dorische Stil der Tempelarchitektur geriet stilistisch völlig aus der Mode, da der Hellenismus die extravaganteren Formen der ionischen und korinthischen Orden forderte. Bewundert vom römischen Architekten Vitruvius (ca. 78-10 v. Chr.), berühmte Beispiele hellenistischer Architektur: das Große Theater in Ephesus (3.-1. Jahrhundert); die Stoa von Attalus (159-138); und das Uhrenhaus Turm der Winde in Athen.
Hellenistische Skulptur
Hellenistische griechische Skulptur setzte den klassischen Trend zu immer größerem Naturalismus fort. Tiere sowie gewöhnliche Menschen jeden Alters wurden zu akzeptablen Objekten für die Bildhauerei, die häufig von wohlhabenden Einzelpersonen oder Familien in Auftrag gegeben wurde, um ihre Häuser und Gärten zu dekorieren. Bildhauer Ich fühlte mich nicht länger verpflichtet, Männer und Frauen als Ideale der Schönheit darzustellen. In der Tat wich die idealisierte klassische Gelassenheit des 5. und 4. Jahrhunderts einem stärkeren Emotionalismus, einem intensiven Realismus und einer fast barocken Dramatisierung des Themas. Für einen typischen Stil dieser Form der plastischen Kunst siehe Pergamene Schule der hellenistischen Skulptur (241-133 v. Chr.).
Infolge der Verbreitung der griechischen Kultur (Hellenisierung) gab es auch in den neu gegründeten griechischen Kulturzentren in Ägypten, Syrien und der Türkei in Übersee eine viel größere Nachfrage nach Statuen und Reliefs griechischer Götter, Göttinnen und Heldenfiguren für ihre Tempel und öffentliche Flächen. So entwickelte sich ein großer Markt für die Herstellung und den Export von Griechische Skulptur , was zu einem Rückgang der Verarbeitung und Kreativität führt. Auf der Suche nach einem stärkeren Expressionismus griffen die griechischen Bildhauer auch auf monumentalere Werke zurück. Diese Praxis fand ihren endgültigen Ausdruck im Koloss von Rhodos (ca. 220 v. Chr.).
Berühmte griechische Skulpturen aus dieser Zeit sind: " The Farnese Bull " (2. Jahrhundert); der " Sterbende Gallier " (232) von Epigonus; der " Winged Victory of Samothrace " (1./2. Jahrhundert v. Chr.); Das Pergamonaltar (c.180-150); " Die Medici Venus " (150-100); Die drei Grazien (2. Jahrhundert); Venus de Milo (um 100) von Andros von Antiochia; Laokoon und seine Söhne (c.42-20 v. Chr.) von Hagesander, Athenodoros und Polydorus. Weitere Informationen finden Sie unter: Hellenistische Statuen und Reliefs .
Für einen allgemeinen Vergleich siehe: Römische Skulptur . Für ein bestimmtes Genre siehe: Römische Reliefskulptur . Für ein hervorragendes Beispiel von Hellenistische römische Kunst Um die Jahrtausendwende sehen Sie sich die außergewöhnlichen Marmorreliefskulpturen des Ara Pacis Augustae (c.13-9 BCE).
Zur Wirkung der griechischen Skulptur auf spätere Stile siehe: Renaissance-Skulptur (c.1400-1530) und auch Neoklassische Skulptur (1750-1850).
Hellenistische Malerei
Die gestiegene Nachfrage nach Skulpturen im griechischen Stil spiegelte sich in einer ähnlichen Zunahme der Popularität von wider Hellenistische griechische Malerei , die in verschiedenen Schulen sowohl auf dem Festland als auch auf den Inseln unterrichtet und verbreitet wurde. Bezüglich des Themas wurden klassische Favoriten wie Mythologie und zeitgenössische Ereignisse durch Genrebilder, Tierstudien, Stillleben, Landschaften und andere ähnliche Themen abgelöst, die weitgehend den in Herculaneum und Pompeji (1. Jahrhundert v. Chr. Und später) aufgedeckten Dekorationsstilen entsprachen. von denen angenommen wird, dass es sich bei vielen um Kopien griechischer Originale handelt.
Der vielleicht größte Beitrag hellenistischer Maler war in Porträtkunst , insbesondere die Fayum Mumienporträts , ab dem 1. Jahrhundert v.Chr. Diese wunderschön erhaltenen Tafelbilder aus der koptischen Zeit – insgesamt rund 900 Werke – sind das einzige bedeutende Kunstwerk, das von der griechischen Antike unversehrt erhalten geblieben ist. Diese realistischen Gesichtsporträts wurden hauptsächlich im Fayum-Becken (Faiyum) in Ägypten gefunden und auf dem Grabtuch selbst angebracht, um die Gesichter mumifizierter Körper zu bedecken. Künstlerisch gesehen gehören die Bilder eher zum griechischen Stil der Porträtmalerei als zu irgendeiner ägyptischen Tradition. Siehe auch Griechisches Vermächtnis der Wand- und Tafelmalerei .
Griechische Tragödie
Die wahre Tragödie der griechischen Kunst ist die Tatsache, dass so viel davon verschwunden ist. Nur eine sehr kleine Anzahl von Tempeln – wie der Parthenon und der Tempel des Hephaistos – haben überlebt. Griechenland baute fünf Weltwunder (der Koloss von Rhodos , der Tempel der Artemis in Ephesus , die Statue des Zeus in Olympia , das Mausoleum von Halikarnassos und der Leuchtturm von Alexandria ), von denen jedoch nur verfallene Fragmente erhalten sind. Ebenso ist die überwiegende Mehrheit aller Skulpturen zerstört worden. Griechische Bronzen und andere Werke von Griechische Metallarbeiten wurden größtenteils eingeschmolzen und in Werkzeuge oder Waffen umgewandelt, während Steinstatuen zur Verwendung als Baumaterial geplündert oder abgebaut wurden. Rund 99 Prozent aller griechischen Gemälde sind ebenfalls verschwunden.
Griechische Künstler haben Traditionen lebendig erhalten
Aber obwohl dieser Teil unseres Erbes verschwunden ist, leben die Traditionen, die es hervorgebracht haben, weiter. Hier ist der Grund. Als Griechenland im 1. Jahrhundert v. Chr. Von Rom abgelöst wurde, arbeiteten bereits eine große Anzahl talentierter griechischer Bildhauer und Maler in Italien, angezogen von der Menge lukrativer Aufträge. Diese Künstler und ihre künstlerischen Nachfahren lebten fünf Jahrhunderte in Rom, bevor sie die Stadt verließen, kurz bevor die Barbaren sie im fünften Jahrhundert n. Chr. Plünderten, um in Konstantinopel, der Hauptstadt des östlichen Christentums, neue Kunstformen zu schaffen. Sie gediehen hier im Hauptquartier von Byzantinische Kunst Englisch: www.germnews.de/archive/dn/1996/03/27.html Vor fast tausend Jahren verliessen sie die Stadt (bald von den Türken erobert), um Venedig zu erobern Italienische Renaissance . Während des gesamten Zeitraums behielten diese wandernden griechischen Künstler ihre Traditionen bei (auch wenn sie auf diese Weise angepasst wurden), die sie den Epochen der Renaissance, des Barocks, des Neoklassizismus und der Moderne vererbten. Siehe zum Beispiel die Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (c.1900-30). Während des 18. Jahrhunderts war die griechische Architektur ein wichtiger Anziehungspunkt für unerschrockene Reisende auf der große Tour , der das Ionische Meer von Neapel überquerte. Zusammenfassend: Griechische Kunstwerke mögen verschwunden sein, aber die griechische Kunst ist in den Traditionen unserer Akademien und den Werken unserer größten Künstler noch sehr lebendig.
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