Pierre Auguste Renoir (1841–1919) Automatische übersetzen

Am 25. Februar 1841 wurde in der südfranzösischen Stadt Limoges das vierte Kind in der Schneiderfamilie geboren - ein Junge namens Pierre Auguste. Einige Jahre später zog die gesamte Familie Renoir nach Paris. Auguste zeichnete sich seit frühester Kindheit durch hervorragende Zeichenfähigkeiten und eine großartige Stimme aus.

Pierre Auguste Renoir Gemälde

Der Chef des Kirchenchores, in dem der junge Renoir sang, riet sogar seinen Eltern, über die musikalische Karriere ihres Sohnes nachzudenken (es war übrigens Charles Gounod, der später die berühmte Oper Faust schrieb). Aber die Familie des zukünftigen Künstlers war nicht reich, und sein Vater sah eine andere Zukunft für seinen Sohn - das prestigeträchtige und gut bezahlte Werk des Künstlers in China.

So betrat Auguste 1854 im Alter von dreizehn Jahren die Porzellanfabrik. Der junge Mann mochte diesen Beruf, er lernte schnell und begann, Tassen und Untertassen zu malen, und dann ganze Dienste. Gleichzeitig ging der junge Mann oft in den Louvre, wo er malte, inspiriert von der antiken Skulptur und Malerei des Rokoko-Künstlers François Boucher, der Lichtgenreszenen schrieb. Im Laufe der Zeit begann Renoir, sie in Porzellanmalereien zu kopieren.

Der junge Mann verdiente gutes Geld für sein Alter. Um seine Karriere voranzutreiben, betrat er eine Porzellanfabrik, wo er unter der Anleitung eines Bildhauers und eines Kollegen in einer Porzellanfabrik zu malen begann, der ihm eine glänzende Zukunft auf dem Gebiet der Kunst voraussagte.

Jugend des Künstlers

Leider für den jungen Renoir, aber zum Glück für alle anderen, war der technologische Fortschritt des 19. Jahrhunderts durch eine fast vollständige Ablehnung der manuellen Produktion gekennzeichnet. Das Porzellanbild wurde durch gedruckte Zeichnungen ersetzt. Käufer und Werkstattbesitzer waren von der Tatsache angetan, dass Druckgeräte die Produktion genau derselben Produkte sicherstellten. Im Laufe der Zeit hat die Handmalerei aufgehört, geschätzt zu werden.

Der junge Mann versuchte verzweifelt, Produkte mit großer Geschwindigkeit zu malen, was ihm keinen Erfolg brachte. Infolgedessen musste er nach anderen Einnahmen Ausschau halten. Es ist an der Zeit, Zeitarbeit mit der ständigen Entwicklung verschiedener Techniken zu leisten. Renoir malte zuerst Fächer und Wände von Pariser Cafés, dann bekam er versehentlich einen Job als Gardinenmeister. Übrigens beherrschte er diese Technik bis zur Perfektion und fing wieder an, gutes Geld zu verdienen, aber der Künstler wollte sich nicht auf seinen Lorbeeren ausruhen, da dieser Beruf definitiv nicht die Grenze seiner Träume war. Renoir legte all das Geld beiseite, das er für einen neuen Traum verdient hatte - das Malen an einer Sonderschule der Akademie der Künste.

Ende 1862 erfüllte Auguste Renoir seinen geschätzten Wunsch und trat in die Pariser Schule der Schönen Künste ein. Dort landete er im Atelier des Künstlers Charles Gleyre und hielt am akademischen Stil fest. Der junge Mann hatte bereits viel Erfahrung, besuchte aber gewissenhaft alle Klassen und studierte akademisches Zeichnen. Glair gefiel es jedoch sofort nicht, wie Renoir mit Farben umging: Schon damals verwendete der Künstler saftig leuchtende Farben, was im akademischen Umfeld nicht erwünscht war. Einmal äußerte der Lehrer sogar die Befürchtung, dass sein freiheitsliebender Schüler nicht der zweite Delacroix werden würde - der führende Vertreter der französischen Romantik, der wunderschön in Farbe wirkte und ein echtes Idol von Renoir ist, aber in den Augen akademischer Künstler ist ein ehemaliger "Abtrünniger". Auguste war nicht der einzige junge Künstler in der Werkstatt von Gleur, der versuchte, sich gegen die akademische Art aufzulehnen und seinen eigenen neuen Weg zu finden. Sehr bald freundete er sich mit Claude Pug, Alfred Sisley und Frederick Bazil an, die das Gemälde sehr genau betrachteten und heftig über die Möglichkeiten seiner Wiederbelebung diskutierten, unter denen sie die Befreiung von den Fesseln des Akademismus verstanden. Wenig später schloss sich Camille Pissarro ihnen an.

Die Ausbildung dauerte nicht lange, nur ein Jahr später musste Renoir die Malschule verlassen, weil er dafür nicht mehr bezahlen konnte. Er ersetzte die Klassen in der Werkstatt durch Arbeit unter freiem Himmel, zusammen mit seinen neuen Freunden, die bald auch unerwartet ihre Kunstausbildung abgeschlossen hatten, weil die Werkstatt geschlossen war. Alle Genossen Renoirs waren nicht nur in ihrem Wunsch, die Welt der Kunst zu verändern, ähnlich, sondern auch darin, dass sie kaum Mittel für Nahrung und Arbeitsmittel finden konnten.

Im Jahr 1866 schrieb Renoir eines seiner frühen Stillleben, "Stillleben mit einer großen Blumenvase" (Vogt Museum of Art, Cambridge), das im Stil niederländischer Stillleben verfasst wurde und mit seinem hellen, aber feinen und lebendigen Charakter einen freudigen Eindruck hinterlässt Gleichzeitig satte Farben. Im selben Jahr schuf er das Gemälde „Inn of Anthony’s Inn“ (1866, Nationalmuseum, Stockholm). Im Gegensatz zu blühenden Stillleben ist das Farbschema dieser Arbeit eher dunkel mit einer dominanten schwarzen Farbe. Die visuelle Ausdruckskraft basiert auf Kontrast: Die schwarzen Kostüme der Wirtshausbesucher betonen die schneeweißen Tischdecken auf dem Tisch und kontrastieren auch scharf mit den hellen Flecken der Angestellten, der Schürze der Begleiterin, der Lichtbreite Hut eines der Helden und der weiße Hund liegen unter seinen Füßen.

Das Werk demonstriert anschaulich Renoirs Fähigkeiten und Prinzipien, mit Hilfe von Farben eine Komposition zu konstruieren: Eine schneeweiße Tischdecke ist von einem Ring aus schwarzen Figuren umschlossen, die durch das Einstreuen von weißen Accessoires daran gehindert werden, in die allgemeine Masse zu verschmelzen. Das Aufbringen von weißen Flecken im wahrsten Sinne des Wortes „in einem Schachbrettmuster“ verleiht der Verteilung der Farben eine besondere Harmonie. Das Bild charakterisiert den Künstler als einen wunderbaren Porträtmaler und einen großartigen Meister des Stilllebens: Die gesamte Tischdekoration wurde mit großem Geschick hergestellt, die Reste von Lebensmitteln und Utensilien sind ungewöhnlich realistisch.

Ein Jahr später malt der Künstler ein Porträt seiner geliebten Freundin Lisa Treo, die Renoir mehr als sieben Jahre lang kennengelernt, aber nie geheiratet hat. Am Ende brach Lisa ihre Beziehung ab und heiratete nur wenige Monate später einen jungen Architekten.

Dennoch wurde das Gemälde "Lisa" (1867, Museum Folkwang, Essen) für die Teilnahme am Salon von 1868 angenommen, wo es vom Publikum positiv bewertet wurde, was für den noch unbekannten Künstler ein großer Erfolg war. Auf dem Bild ist das Mädchen in voller Größe abgebildet, sie trägt ein weißes Kleid, das von einem breiten schwarzen Gürtel und einem schwarzen Sonnenschirm beschattet wird. Das helle Kleid des Mädchens scheint von strahlendem Sonnenschein durchflutet zu sein, und auf den Schultern und im Gesicht der Heldin, die mit einem Regenschirm bedeckt sind, spielt Licht. Dieses zarte Schwarz-Weiß-Spiel setzt sich auf dem Stamm einer Birke fort, der sich hinter Lisas Rücken und auf dem Gras zu ihren Füßen befindet, wo dunkle Schatten scharf die sonnenbeschienenen Bereiche begrenzen.

1867 schuf Renoir ein weiteres Gemälde, für das Lisa Treo für „Diana the Huntress“ (National Gallery of Art, Washington) posierte. Aufgrund der moralischen Prinzipien der Epoche konnte der Künstler eine moderne Frau nicht nackt darstellen, also legte er einen Jagdbogen in ihre Hände und benannte das Bild mit einem mythologischen Namen, der seinem Werk das Recht auf offizielle Existenz gab, während er den Skandal umging verursacht durch das Gemälde von 1863 „Frühstück auf dem Rasen““Eduard Manet.

Der Künstler, der sich sehr für das Porträt-Genre interessierte, schrieb oft seine impressionistischen Freunde, stellte sie in einer vertrauten Atmosphäre während der täglichen Aktivitäten dar und kombinierte so Porträt mit Genre-Malerei und schuf Dokumentationsquellen, die uns über das Leben dieser Menschen berichten.

Das Gemälde „Porträt von Frederic Bazil“ (1867, Museum d’Orsay, Paris) zeigt uns einen jungen Bazil, der gerade mit Malen beschäftigt ist. Der Künstler, der sich im Profil an den Betrachter wendet, konzentriert sich auf seine Arbeit. Stilistisch wirkt das Grinsen überraschend nahtlos, auch aufgrund der fast monochromen Farbgebung. Es ähnelt einer aufwändigen Schwarz-Weiß-Fotografie, in der Volumen mit Hell-Dunkel modelliert werden. Ein Jahr später kreiert Renoir ein Paar „Porträt von Alfred Sisley mit seiner Frau“ (1868, Wallraf-Richartz-Museum, Köln). Auf der Leinwand sehen wir, wie sehr Sisley auf seine junge Frau Wert legt. Seine ganze Haltung drückt seine Bereitschaft aus, einer Frau zu dienen, sie zu unterstützen und ihnen zu helfen, sowie seine Liebe und Zärtlichkeit für sie. Das junge Ehepaar, das auf der Leinwand abgebildet ist, strahlt das Licht des Glücks und der Liebe aus.

Renoirs Werk „Algerian Woman“ (1870, National Art Gallery, Washington) war eine Hommage an Eugene Delacroix. Darin porträtierte der Künstler seine Lisa als Odaliske, eine helle, luxuriöse orientalische Frau, die sich träge auf Kissen lehnt, in prächtigen Kleidern gekleidet und sich selbst winkt. Auf dieser Leinwand scheint Renoir in Farbe zu schwelgen. Die Figur einer liegenden Heldin nimmt fast den gesamten Raum der Leinwand ein, dem Bild scheint es an Luft zu mangeln.

Engagement für den Impressionismus

Auguste Renoir arbeitete ziemlich oft mit einem anderen prominenten Vertreter der jungen Impressionisten, Claude Monet, zusammen. Künstler, die aus derselben Natur malten, beobachteten Licht und Schatten in der Natur und untersuchten die Möglichkeiten der Palette, um diese Effekte zu vermitteln. Ein Beispiel für ihre Vereinigung sind die berühmten Gemälde „Frösche“ - Gemälde, die nicht nur von einer Natur stammen, sondern auch den gleichen Namen tragen. Die Handlung der Bilder ist einfach - ein schwimmendes Café mit einem lustigen Publikum auf dem Hintergrund von Holzbooten, die auf ihre Passagiere warten.

Renoir, von Natur aus ein Optimist, liebte es, den Feiertag des Lebens zu zeigen, zu tanzen oder sich auszuruhen, meine Damen und Herren. Der Künstler bemühte sich, die Schattenseiten des Lebens nicht zu beachten. Er glaubte aufrichtig, dass Kunst den Menschen wunderbare Momente der Freude bereiten und nicht die Rolle der Erbauung oder des langweiligen Unterrichts erfüllen sollte.

Das Renoir „The Frog“ (1869, Nationalmuseum, Stockholm) wirkt auf den ersten Blick wie eine Skizze, aber keineswegs wie ein fertiges Werk, der Ausschnitt der Szene ist wie zufällig. Bis zu einem gewissen Grad ist die Szene genau so dargestellt, wie sie der Künstler gesehen hat, ohne eine raffinierte, nachdenkliche Komposition, die Pläne in Einklang bringt und Perspektiven aufbaut.

Der Künstler verfolgte ein völlig anderes Ziel - die Atmosphäre von Spaß und Unbeschwertheit an einem warmen Sommertag einzufangen und zu vermitteln, Licht auf dem Wasser zu fangen, Sonnenreflexe auf Damenkleidern (obwohl diese Damen als Stretch bezeichnet werden können: die meisten Zu den Heldinnen des Bildes zählen Mädchen mit leichtem Kommando, die in einem Café leben, das einen zweifelhaften Ruf hat. Die Arbeit mit der lebendigen Natur erforderte das Malen in sehr kurzer Zeit. Deshalb arbeiteten Renoir und Monet in einer speziellen Schreibtechnik - mit breiten, schnellen Strichen, die nur die Figuren von Menschen andeuteten und die Umgebung umrissen, aber keine Zeit mit dem Schreiben von Details verschwendeten. Dieser neue, sozusagen unausgesprochene Malstil wurde von der Öffentlichkeit nicht gemocht und die scheinbar nachlässige künstlerische Art der jungen Impressionisten kritisiert.

Aber gerade in der Übertragung flüchtiger Empfindungen aus dem Naturzustand lag das Wesen der neuen Bewegung in der Malerei. Der Impressionismus entstand im Freien. Die ständigen Veränderungen in der Beleuchtung waren sehr wichtig für diejenigen, die in Zukunft zunächst ironisch und missbräuchlich als Impressionisten bezeichnet werden. Dieser ungewöhnliche Wunsch, Eindrücke einer schwer fassbaren, sich verändernden Realität zu vermitteln, machte eine klare Unterscheidung zwischen ihrer Arbeit und der "toten" akademischen Malerei deutlich.

Klassische akademische Malerei existierte nur im Kontext eines engen Spektrums mythologischer, religiöser und historischer Themen, ohne die Bilder der Neuzeit zu erkennen. Es war die Kunst der Idealisierung, eine künstliche innere Ordnung und eine klare Struktur in alles einzuführen. Objekte und Dinge in Stillleben, Landschaften und Porträts wurden als idealisiert dargestellt und nicht so, wie sie tatsächlich vom menschlichen Auge gesehen werden. Der Traum der Impressionisten war es, die Malerei wieder in die Realität umzusetzen. Junge Renoir, nachdem Monet begann, im Freien zu schreiben, da nur eine solche Methode die Übertragung von natürlichem Sonnenlicht zu erreichen, gibt das Bild die Spontaneität, die irreversibel verloren geht, wenn in der Werkstatt aus dem Gedächtnis gearbeitet wird. Es war das Licht, das zum Haupt- "Protagonisten" ihrer Bilder wurde. Im Gegensatz zu Monet interessierte sich Auguste Renoir jedoch mehr für die menschliche Figur in dieser magischen Licht-Luft-Umgebung als für die Natur.

In einem anderen Werk, The New Bridge (1872, National Gallery of Art, Washington), erscheint uns Renoir als virtuoser Meister der Vedut (Stadtlandschaft), der bereit ist, architektonische Details sorgfältig aufzuschreiben und sorgfältig eine Perspektive aufzubauen. Es gibt bereits einen flüssigeren Schreibstil, und die Konstruktion von Volumes erfolgt mithilfe von Linien, einer Hilfszeichnung. Trotzdem ist das Stadtbild mit seiner breiten Brücke und einem flanierenden Publikum sichtbar, als ob durch einen Dunst alle Umrisse der architektonischen Elemente und Figuren der Figuren frei von klaren Konturen sind, alle Linien sind sehr weich. Der Künstler eroberte eine Stadt, die von Sonnenschein und Licht durchflutet war.

Das Porträt seines Freundes und Kollegen Monet Reads (1872, Marmotin Museum, Paris) wurde von Renoir in dunklen Farben fast monochrom aufgenommen. Nichtsdestotrotz erwies sich das Bild des Freundes des Künstlers als sehr lebendig und er zeigte Monet genau, wie er ihn jeden Tag sah: in einem Hut, mit einer frischen Zeitung und einer Pfeife im Mund.

Renoir untersucht die Auswirkungen von Licht, spielt die hervorgehobenen und schattierten Bereiche von Monets Gesicht und den Zeitungen in seinen Händen aus. Die insgesamt dunkle Farbe der Leinwand wird meisterhaft mit warmen Schattierungen an den Händen, dem Lyceum in der Stuhllehne sowie der weißen Farbe der Zeitung verdünnt. So erreicht der Künstler eine harmonische Komposition, die in Farbe gebaut ist. Der Stoff des Kostüms ist fast mit einem dunklen Hintergrund gemischt, als würde er von der umgebenden Dämmerung absorbiert. Mit diesem Effekt wollte der Maler die Atmosphäre des späten Lesens bei schlechten Lichtverhältnissen vermitteln.

Das Bild von 1872 „Porträt von Claude Monets Frau auf der Couch“ (Privatsammlung, Lissabon) wurde ungewöhnlich lebendig und eindrucksvoll. Die junge Camilla Monet (geborene Donsier) sitzt in einem wunderschönen blauen Kleid auf der Couch und posiert nackt für die Künstlerin, als ob sie sich erlauben würde, günstig zu zeichnen. Hier versucht Renoir nicht, die Umgebung sorgfältig zu beschreiben, sondern vermittelt nur ein Gefühl der Ruhe und Freiheit der jungen Hausfrau, die am Nachmittag Zeit für Ruhe fand.

Als wahrer Kenner weiblicher Schönheit bewundert der Künstler offen die Jugend und Frische der Heldin der Leinwand. Wie in einer Skizze skizziert Renoir nur die Armlehnen des Sofas, von denen eine auf Camille ruht, und einen Teetisch mit einer Tasse am Rand. Aufgrund des Fehlens eines geometrischen Musters auf dem Sofa und der klaren Linien, die das Design einschränken, wirkt das Sofa ungewöhnlich weich. Die Konturen der Objekte verschwimmen, was der Atmosphäre des Raumes eine außergewöhnliche Leichtigkeit und Luftigkeit verleiht, als ob Renoir eine Art immaterielle Umgebung des Sonnenlichts zeigt, die alle Objekte im Raum vereint. Und nur die schwarzen Haare, Augenbrauen und Augen von Camilla heben sich vom allgemeinen hellen Hintergrund ab und ziehen das Auge des Betrachters an.

In den frühen 70er Jahren verbrachte Renoir viel Zeit in der Nähe von Paris in Argenteuil, wo Monet während dieser Zeit lebte. Freunde arbeiteten oft zusammen. Eines ihrer Lieblingsfächer waren Segelboote auf der Seine. Diese Arbeit ist der Arbeit „Regatta in der Nähe von Argenteuil“ (1874, National Gallery of Art, Washington) gewidmet. In dem Gemälde verwendete der Künstler wieder den Umrissstil des Schreibens mit Hilfe von schnellen, breiten Strichen. Nur ein solcher Stil ermöglichte es uns, die Landschaft einzufangen, den momentanen Zustand der variablen Natur einzufangen.

Der Himmel auf dem Bild ist ungewöhnlich dynamisch mit zerrissenen rosa Wolken bemalt, als würde er das gesamte Sonnenlicht absorbieren. Es scheint, als ob es in der Seine kentert und das Muster von Wolken und weißen Segeln von Booten widerspiegelt, die wiederum die Reflexe der himmlischen Erleuchtung absorbieren und sich rosa färben. Renoir malt ein Bild nicht mit Linien, sondern mit Farbflecken.

Die Komposition des Gemäldes „Weg im hohen Gras“ (1874, Museums d’Orsay, Paris) ist der Landschaft „Mohnfeld in Argenteuil“ (1873, Museum d’Orsay, Paris) von Claude Monet sehr ähnlich. Auguste Renoir zeigt Menschen, die auf einem Weg im hohen Gras ertrinken. Wie Monet wiederholt der Künstler, um ein Gefühl der Bewegung zu erzeugen, die Figuren der Menschen auf dem Gipfel des Hügels und an seiner Basis.

Theater und Akt

Wie viele Künstler fühlte sich Renoir vom Theater angezogen. Hier finden Sie eine Vielzahl von Szenen für Gemälde, beobachten Tausende von Menschen mit ihren Figuren und Schicksalen, bemerken neugierige Dinge und ungewöhnliche Szenen. Der Maler interessiert sich sowohl für das Publikum im Auditorium als auch für die Schauspieler, deren pulsierendes Leben sich auf der anderen Seite der Rampe abspielt.

Eine von Renoirs Arbeiten zur Theaterszene - The Lodge (1874, Galerie des Curto Institute, London) - wurde von der Künstlerin bei der ersten impressionistischen Ausstellung, sensationell und gescheitert, präsentiert, die im selben 84. Jahr im Atelier des Fotograf Nadar. Das Bild zeigte ein Doppelporträt einer Dame und eines Herrn, die in einer Kiste saßen und auf den Beginn der Aufführung warteten. Eine Frau schaut den Betrachter direkt und ruhig an, ihr Begleiter hingegen lehnt sich zurück und sucht durch das Fernglas in der Menge nach jemandem. Die Dame ist ein wenig traurig, und der Herr scheint ihre Anwesenheit völlig vergessen zu haben. Die Figur der Heldin ist näher am Vordergrund des Bildes zu sehen, ihr Gesicht ist hell erleuchtet und als suche sie den Dialog mit dem Betrachter Der Held wird sowohl vom Betrachter als auch von seinem Begleiter in der Dämmerung des Kastens entfernt. Durch das Spiel von Licht und Schatten konnte der Künstler überraschend einfach semantische Akzente in die Komposition setzen.

An der Ausstellung der gleichen impressionistischen Ausstellung nahmen zwei weitere Werke des Künstlers teil: „Dancer“ (1874, National Gallery of Art, Washington) und „Parisian“ (1874, National Wells Museum, Cardiff).

Das Bild "Tänzerin" zeigt eine junge Ballerina in einem luftblauen Kleid. Sie steht auf der freien vierten Position und erinnert uns ein wenig an die Arbeit von Edgar Degas, der viele Gemälde zum Lieblingsthema des Theaters schuf. Allerdings sind alle Degas-Heldinnen in einem Tanz oder Bogen gefangen, sie haben sich nie für ihn gestellt. Degas malte sie - wie die Paparazzi jetzt schießen - zu einem unerwarteten Zeitpunkt in einer scheinbar zufälligen Perspektive, ohne sich auf die Psychologie zu konzentrieren.

Auguste Renoir hat anders gearbeitet. Auf seiner Leinwand ist die Tänzerin nicht tänzerisch und nicht im Bühnenbild, sondern wie in ihrer Rolle dargestellt. Eine wichtige Rolle im Porträt spielen ein wenig traurige Augen und die Attraktivität eines jungen Mädchens, ihre Unruhe und Zärtlichkeit. Das Bild zeichnet sich durch Pastelltöne und weiche Konturen aus - im Gegensatz zu den scharf umrissenen Werken von Degas, der die Linie immer als wichtigstes Ausdrucksmittel verwendete.

Viele Kunsthistoriker zitieren beim nächsten Gemälde des Meisters „Pariser“ die Zeilen von Alexander Blok, die er mehr als dreißig Jahre nach der Entstehung der Leinwand schrieb:

„Und jeden Abend zur verabredeten Stunde
(Oder träume ich nur?)
Ein Mädchenlager, von Seiden gefangen genommen,
In einem nebligen Fenster bewegt sich.
Und langsam, zwischen den Betrunkenen vorbei,
Immer ohne Satelliten, allein,
Parfums und Nebel einatmen
Sie sitzt am Fenster… "

Der Oberkörper der jungen Frau ist recht deutlich umrissen, während der leichte Rock ihres Kleides aus luftigem Stoff zu genäht zu sein scheint. So erreicht der Künstler den Lieblingseffekt der Existenz der Figur in einer besonderen Licht-Luft-Umgebung, dank der die Heldin aus dem Dunst zu kommen scheint. Die entzückende Anziehungskraft des Bildes wird durch die Tatsache erreicht, dass diese schwer fassbare, neblige Mademoiselle für den Dialog mit dem Betrachter völlig offen ist.

Im folgenden Jahr schafft Renoir sein berühmtes Gemälde "Naked in the Sunlight" (1875, Musee d’Orsay, Paris). Die innovative Idee der Künstlerin war es, Nacktheit in die Natur zu schreiben und zu zeigen, wie Sonnenblendung und Reflexe von den Blättern eines Baumes auf ihrer zarten Haut spielen. Die Idee war nicht schlecht und außerdem wirklich impressionistisch. Das Ergebnis löste jedoch eine scharfe Ablehnung sowohl bei Kritikern als auch in der Öffentlichkeit aus. Gemäß den Kanonen der traditionellen Malerei musste ein nackter weiblicher Körper ideal geschrieben werden, nachdem eine spektakuläre "inszenierte" Pose des Modells entstanden war, und ihre Haut sollte perfekt glatt und ausschließlich in warmen Tönen sein. Renoir zeigte anstelle von glatter Haut Blendung und Reflexe, die von Rezensenten als Leichenflecken auf dem verfallenden Körper bezeichnet wurden.

1876 ​​schafft der Maler eine weitere Leinwand zu diesem Thema. In dem Gemälde „Akt“ (Moskauer Puschkin-Museum der Schönen Künste) zeigte sich Renoir als wahrer Kenner weiblicher Schönheit. Er bewundert sein Modell buchstäblich, als würde er ihren Körper mit einer Bürste streicheln. Dieses Mal bemalt er ihre junge dünne Haut perfekt glatt und ausschließlich mit Rosatönen. Kompositorisch ähnelt das Werk dem Gemälde „Der Badende“ von Jean Auguste Dominique Ingres (1807). Der Künstler wird später zu Ingres (der übrigens ein Vorbild für Edgar Degas war) zurückkehren, während er seinen eigenen kreativen Weg überarbeitet.

Der Meister nahm regelmäßig an nachfolgenden Ausstellungen der Impressionisten teil. Beim dritten von ihnen, 1877, präsentierte er unter anderem The Ball im Moulin de la Galette und Swing.

Das Schaukelmotiv war für die französische Malerei des 18. Jahrhunderts ungewöhnlich. in der Tat fehlte es. Es ist nicht bekannt, was Renoir genau zu dieser Handlung veranlasste, aber es gibt Hinweise darauf, dass er mit dem gleichnamigen Gemälde von Fragonard vertraut war, der es als „galante Szene“ schrieb, die versteckte Bedeutung hat, eingeschlossen in attraktive Perspektiven, die offen für den Kavalier, der unter den im Wind wiegenden Röcken auf dem Boden sitzt und junge Damen im Wind schwingt. "Swings" (Museum d’Orsay, Paris) von Renoir, geschrieben 1876, sind im Wesentlichen die gleichen "galanten Szenen", die aus der Rokoko-Ära stammen, aber auf einem modernen Plot und ohne eine frivole Konnotation geschrieben sind.

Auf der Leinwand sehen wir einen jungen Mann, der mit dem Rücken zum Betrachter steht (was in der traditionellen Kunst an sich nicht akzeptabel ist). Er schüttelt leicht ein nachdenkliches Mädchen, das auf einer Holzschaukel steht. In der Nähe sind ein Mann und ein kleines Mädchen, die eine Dame liebevoll und vertrauensvoll anschauen. Kinderbilder belegen übrigens im gesamten Werk des Künstlers eine eigene Seite, dazu später mehr.

Das Gesamtbild „Ball in der Moulin le la Galette“ (1876, Museum l’Orsay, Paris) wurde auf dem Montmartre-Hügel in Paris gemalt, auf dem sich zu dieser Zeit noch drei erhaltene Holzmühlen befanden. In einem von ihnen befand sich das Restaurant "Moulin de la Galette", bekannt für köstliche Schnitzel (Moulin - Mühle, Galette - Schnitzel). Das Restaurant veranstaltete regelmäßig Tänze, bei denen die unterschiedlichsten Pariser Zuhörer, darunter junge Künstler, zusammenkamen.

Solche Orte waren ideal für Renoir, der es liebt, saftiges, helles Licht zu schreiben und auf Damenkleidern und Anzügen seiner Herren zu tanzen. Der Künstler liebte es, auf die Leinwand Szenen von solchen Festivals des Lebens und der unbeschwerten Jugend zu übertragen, die durch eine ungewöhnlich fröhliche und helle Atmosphäre gekennzeichnet sind. Seine Leinwände, die das lokale Publikum darstellen, sind eine Art Zeitdokument: Sie fingen für immer diese Ecke von Paris ein, in der die damalige Mittelschicht unterhalten wurde. Der Künstler widmete einer für diese Zeit äußerst ungewöhnlichen Alltagshandlung eine große Leinwand.

Die Gemälde des Künstlers standen lange Zeit nicht zum Verkauf, da sich das Publikum weigerte, Impressionismus als Kunst anzuerkennen. Die Ausstellungen ermöglichten es jedoch, nützliche Kontakte zu knüpfen. Durch sie erhielt Renoir mehrere gute Aufträge für Porträts, mit denen der Maler irgendwie über die Runden kam. Angenehm und gewinnbringend für den Künstler war ein Treffen mit den Ehepartnern von Charpentier. Tatsache ist, dass Madame Charpentier in Paris einen eigenen Salon hatte, in dem sich ein interessantes Publikum versammelte: Schriftsteller, Künstler, Dichter und Künstler. Hier lernte Renoir die Schauspielerin Jeanne Samari kennen, der er drei Porträts widmete.

Porträtistisches Talent

Das erstaunlich geschriebene, lebendige und lyrische „Porträt von Jeanne Samari“ (1877, Puschkin-Museum der Schönen Künste, Moskau) demonstriert die unkonventionelle Herangehensweise des Künstlers an die Komposition. Die junge Schauspielerin stützt sich mit der Hand auf das Kinn, als ob in einem vertraulichen Gespräch ihr offener direkter Blick direkt in die Augen des Betrachters gelenkt würde, und die maximale Annäherung der Figur an den Rand erzeugt den Effekt eines engen Kontakts der Heldin und des Betrachters. Dank dieser Pose hat das Porträt einen unbeschreiblichen Reiz und löst viele positive Emotionen aus.

Ein Jahr später schafft der Künstler eine weitere Leinwand mit dem gleichen Namen (1878, Eremitage, St. Petersburg). Darin schreibt Renoir erneut an Jeanne von Samaria, aber jetzt in vollem Wachstum. Die Frau ist in ein atemberaubendes schneeweißes Kleid mit einem Zug gekleidet, das extrem zu ihrer schlanken Figur passt. Aber auch hier tritt die Heldin in einem zeremoniellen Porträt in einen Dialog mit dem Betrachter - ihre Pose ist wieder nach vorne gerichtet, sie steht leicht gebeugt da und opfert eine stolze Haltung und gerade Schultern, um diesen Kontakt herzustellen. Ihr direkter offener Blick lässt den Betrachter nicht los, aber ihre leicht geöffneten Lippen ziehen ihn an.

Im selben Jahr schrieb Renoir "Porträt von Madame Charpentier mit Kindern" (Metropolitan Museum of Art, New York). Das Bild wurde in der üblichen "Salon" -Methode gemacht, um die Gastgeberin selbst zufrieden zu stellen. Zwei süße Kinderfiguren in direkter Pose vermitteln perfekt den einzigartigen Kinderplastik, ergänzt durch engelhafte Attribute - Schwellungen der Arme und Beine, zarte Locken verleihen der Leinwand einen besonderen Charme. Die Gesamtkomposition des Werkes ist wieder in Farbe gehalten: Das Dekor ist in rotbraunen Tönen dargestellt, und die Figur von Madame Charpentier hebt sich von ihrem Hintergrund ab. Die Gastgeberin trägt ein schwarzes Kleid mit einem weißen Kontrasteinsatz auf der Brust, ein weißer Petticoat ragt unter dem Saum hervor und zu ihren Füßen ein riesiger Bernhardiner in Schwarzweiß. Und in diesem schwarz-weißen Rahmen sind Kinder in hellblauen kurzen Kleidern abgebildet.

Renoir galt zu seinen Lebzeiten als herausragender Meister der Porträtmalerei. Es gelang ihm, die flüchtige Stimmung der Helden der Leinwand einzufangen und zu vermitteln. Ein bemerkenswertes Beispiel für seine Arbeit in diesem Genre ist „Das Mädchen mit dem Fächer“ (1881, Eremitage, St. Petersburg). Das zarte nachdenkliche Gesicht eines jungen Mädchens mit dunklen Haarsträhnen auf der Stirn ist sorgfältig und glatt ausgeschrieben, und die Details von Toilette, Ventilatoren, Händen und Hintergrund sind weicher und weisen verschwommene Konturen auf. Der unbearbeitete Hintergrund des Bildes dient nur dazu, das schöne Erscheinungsbild des Mädchens einzugrenzen, ohne die Aufmerksamkeit des Betrachters von glänzenden dunklen Augen, zarter Haut und geöffneten Lippen abzulenken. Die Leinwand hat einen Lieblingseffekt von Kontrasten, wechselnden schwarzen und weißen Flecken, die der Meister so oft benutzt hat: weiße Bereiche des Fächers - dunkler Stoff des Kleides, weißer Kragen - dunkles Haar des Modells. Diese Schachreihenfolge lenkt die Aufmerksamkeit perfekt des Betrachters auf den zarten Teint des Modells.

Entgegen der Meinung seiner impressionistischen Freunde entschloss sich Renoir, am jährlichen Salon teilzunehmen. Es war der einzige Weg für ihn, Ruhm und nützliche Kontakte zu gewinnen. Dank der Bemühungen von Madame Charpentier wurden im Salon von 1879 zwei Gemälde des Künstlers angenommen - "Porträt von Samari" und "Porträt von Madame Charpentier mit Kindern". So erklärte sich Renoir schließlich. Das Publikum traf den Maler positiv und er erhielt regelmäßig neue Aufträge. Von da an nahm der Künstler bis 1882 nicht an den Ausstellungen der Impressionisten teil. Renoirs finanzielle Situation verbesserte sich so sehr, dass er sich 1881 eine lange Reise nach Algerien, Venedig, Rom und Pompeji leisten konnte.

In derselben fruchtbaren Zeit lernt Renoir Alina Sherigo kennen, die eine lebendige Verkörperung des Ideals der weiblichen Schönheit des Malers war. Alina tauchte in vielen Gemälden des Malers auf, angefangen mit dem „Frühstück der Ruderer“ (1881, Phillips Collection, National Gallery, Washington). Einige Zeit später wurde sie sogar seine Frau.

Die leichte Komposition der Leinwand „Rowing Breakfast“ wurde von Renoir in natürlichem Licht gemalt. Die Handlung des Bildes ist ein weiterer Feiertag des Lebens, der vom Künstler so geliebt wird, mit Liebkosungen von Herren, unbeschwerten Jugendlichen, einem Lächeln von Damen und den Feinheiten von Beziehungen. Das Werk nahm an der siebten Ausstellung der Impressionisten im Jahr 1882 teil, zusammen mit mehreren venezianischen Landschaften, die der Künstler während seiner Italienreise schuf. Und nur ein Jahr später, 1883, fand die erste persönliche Ausstellung von Renoir statt.

Eigene Stilerkennung und Frustration

Der Ruhm des Künstlers in den 1880er Jahren ist bereits über Frankreich hinausgegangen. Der angesehene und respektable Auguste Renoir begann oft zu reisen. 1885 wurde ihr erstes Kind, der Sohn von Pierre, dem Meister und Alina geboren. Bald zog die Familie nach Alinas Heimat in die Champagne. Im Jahr 1886 erstellt Renoir ein Porträt seiner Frau und seines kleinen Sohnes.

Die Leinwand "Motherhood" (Museum of Fine Arts, St. Petersburg, Florida) feiert bereits andere Freuden. Die unbeschwerten Vergnügungen des Pariser Publikums traten in den Hintergrund, und die ganze Aufmerksamkeit des Künstlers richtete sich auf die Freuden des Familienlebens und das Glück der Mutterschaft. Das Bild ist sentimental: Eine fette junge Alina stillt ein molliges Baby gegen eine ländliche Idylle. Die Proportionen der Frau, die auf dem Stuhl sitzt, wirken etwas kürzer, weil der Künstler sie im Stehen malte und sein Standpunkt über dem des Modells lag.

Im Laufe der Zeit wurde Auguste Renoir, ein früher anerkannter Meister des Impressionismus, von der von ihm entwickelten Schreibweise desillusioniert. Seine Unzufriedenheit mit der Arbeit brachte den Meister sogar zur Zerstörung einiger geschaffener Leinwände. Wenn der Maler von Beginn seiner Schaffenskarriere an Inspiration und Antworten auf die Fragen suchte, die ihn in den Gemälden von Eugene Delacroix, Jean Honore Fragonard und Francois Boucher quälten, die zur Bildung seiner kreativen Persönlichkeit beitrugen, wandte er sich nun dem Werk von Jean Auguste Dominique Ingres - ein brillanter Akademiker und Neoklassiker, Meister der Linie, der verführerische nackte Schönheiten und ungewöhnlich sanfte weibliche Porträts schreibt. Renoir begann auch, die Erfahrung von Renaissance-Meistern zu nutzen, deren Werke ihn in Italien eroberten.

Trotz des Stilwechsels blieb der Künstler der Welt der Freude, Schönheit und des strahlenden Glücks treu. Er hat nie traurige, philosophische oder erbauliche Werke geschaffen. Paararbeiten „Dance in the Village“ (1882, Museum d’Orsay, Paris), „Dance in Bougival“ (1883, Museum of Art, Boston) sowie „Dance in the City“ (1883, Museum d’Orsay) Paris) wurde eine logische Fortsetzung der vom Maler in den Werken der vergangenen Jahre aufgeworfenen Themen. Alle drei Bilder zeigen Tanzpaare, die sich in Bewegung, Musik und als Fortsetzung des Themas des wolkenlosen Glücks und der Jugend der Leinwand „Ball in der Moulin de la Galette“ vergnügen.

Das Gemälde „Tanz im Dorf“ erinnert an das frühe Gemälde „Porträt von Alfred Sisley mit seiner Frau“. In der neuen Arbeit sehen wir die gleiche Zärtlichkeit, Fürsorge und Höflichkeit des Herrn, der seine Frau umarmt. Die Pose des tanzenden Paares besticht durch direkte Plastizität und zeigt deutlich die Art ihrer Beziehung: Der Mann ist zärtlich in seinen Partner verliebt, er ist bereit, ihr Bestes zu geben, sie badet in seiner Liebe und Fürsorge, wie in der Musik, im Tanz vertieft und seine Bewegungen der Hauptkraft des Partners untergeordnet.

"Dance in Bougival" zeigt die Abkehr vom impressionistischen Schreibstil. Sie ist immer noch im Laub der Bäume und im Hintergrund des Bildes zu sehen, aber das Kleid des Mädchens und das Kostüm ihres Herrn sind ziemlich eng und glatt bemalt. Die Atmosphäre der Arbeit ist der der vorherigen sehr ähnlich, es herrscht die gleiche Unmittelbarkeit, aber mit einem Hauch von verborgenen Gefühlen - das Mädchen schaut leicht schüchtern von seiner Partnerin weg, die versucht, ihre Aufmerksamkeit auf alle Fälle zu gewinnen.

Die Partner des Films „Tanz in der Stadt“ sind in ihren Bewegungen und im Ausdruck von Gefühlen viel zurückhaltender. Exquisite Kostüme sprechen von ihrem hohen sozialen Status. Das Mädchen hält sich sehr aufrecht und lehnt sich nicht mit einer populären Leichtgläubigkeit an die Schulter ihres Partners. Ihre Haltung ist streng und entspricht allen Standards der Etikette. Das Gesicht der Heldin ist ruhig, es drückt nicht das Glück und die Freude aus, mit denen die Heldin von „Dance in the Village“ glänzt. Das Gesicht eines jungen Mannes ist uns völlig verborgen.

Das Gemälde "Umbrellas" (1881 -, National Gallery, London) wurde zu einem der bekanntesten Werke Renoirs. Es begann in der Blütezeit seiner Leidenschaft für den Impressionismus und endete fünf Jahre später, nachdem der Künstler das Schaffen der Renaissance-Meister kennengelernt und seinen eigenen Weg in der Kunst überdacht hatte. Weibliche Figuren auf der linken Seite der Leinwand werden sanfter geschrieben, während auf der rechten Seite eine klare Konturlinie erscheint. Dem mit Figuren angefüllten Bild scheint es an kompositorischer Konstruktion zu mangeln, doch dies ist nur auf den ersten Blick ersichtlich. Unter den zufällig überfluteten Passantenfiguren ist die diagonale Konstruktion der Leinwand zu erkennen: Die erste Diagonale beginnt am Kopf des Mädchens in der rechten Ecke der Leinwand.dann wird durch den Stock des gekippten Regenschirms hervorgehoben und endet schließlich mit den Köpfen des Mädchens und des Mannes, der links hinter ihr steht. Die Linie des Stocks des Regenschirms in den Händen der Frau, die die Mädchen begleitet, zeigt die zweite Diagonale an.

"Umbrellas" wurde das letzte große Bild des Künstlers, das dem Leben seiner modernen Stadt gewidmet war. Die Kunst der Renaissance beeinflusste die weitere Themenauswahl, die die malerische Art Renoirs prägte. Der Meister blieb bis zu seinem Lebensende ein Sänger und Kenner von weiblicher Schönheit, köstlichen Formen, zarter Haut und funkelnden Augen. Die Leinwand "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) ist ein klarer Beweis für den Einfluss der großen Meister der Vergangenheit. Das Vorhandensein einer Konturzeichnung, klassischer Vorhänge, zart bemalter nackter Körper von Mädchen mit zarter Haut und die Anordnung ihrer Figuren im Raum stellen eine klare pyramidenförmige Komposition in Form eines Dreiecks dar.

Richtig, in dem Gemälde „After Bathing“ (1888, eine Privatsammlung) hat der glatt gemalte nackte Körper eines sitzenden Mädchens immer noch einen Hinweis auf den früheren Stil des Künstlers. Die Schatten auf der Leinwand bleiben impressionistisch, farbig und der Hintergrund wird mit breiten Strichen gezeichnet. Und das Bild des Körpers der Heldin ist weicher als in der vorherigen Arbeit.

Letzten Jahren

Der Künstler ist noch viel gereist. Im Jahr 1894 erschien ein zweites Kind in der Familie Renoir - der Sohn von Jean. Und 1897 passierte ein kleiner Vorfall. Es hat sich keine Probleme angedeutet. Der Künstler fiel erfolglos von seinem Fahrrad und brach sich den rechten Arm. Während der Genesung lernte der Meister mit der linken Hand zu schreiben. Aber auch nach einer vollständigen Heilung der Fraktur hinterließ Renoir keine ständigen starken Schmerzen. So begann eine schwere Arthritis, die den Künstler für die nächsten zwanzig Jahre seines Lebens nicht verlassen hatte. Allmählich wurden Bewegungen und Gesichtsausdrücke gebändigt, seine Finger verdreht und dann eine vollständige Lähmung verursacht. Alina tat alles, um ihren geliebten Ehepartner zu retten, doch nach jeder kurzfristigen Verbesserung seines Zustands traten immer wieder Rückfälle auf. Oft kamen Freunde, um den Maler zu besuchen,Renoir selbst hörte erst am letzten Tag seines Lebens auf zu arbeiten. 1901 wurde sein dritter Sohn Claude geboren, der zum beliebtesten Modell eines alternden Künstlers wurde.

Renoir Gemälde wurden auf vielen Ausstellungen in Paris, New York und London ausgestellt. Sie brachten ihm wohlverdienten Ruhm. 1900 wurde der Künstler Träger der Ehrenlegion und zehn Jahre später Offizier des Ordens.

1909 schafft der Maler zwei weitere zusammengehörige Werke: "Dancer with Castanets" und "Dancer with Tambourine" (beide - National Gallery, London), in denen sich ein klarer Einfluss der Renaissancekunst zeigt. Plastische Körper, ruhig kontemplativer Ausdruck, Vorhänge und abstrakter Hintergrund bringen sie stilistisch den Fresken der großen Meister der Vergangenheit näher. Die Arbeiten sind sehr dekorativ, die Figuren der Tänzer wie von einem alten Fries abstammen.

Das Werk "Gabriel mit der Rose" (1911, Musee d’Orsay, Paris) unterscheidet sich stark von den "klassischen" Porträts des Meisters. Die Leinwandpalette verdunkelt sich, das Modell blendet nicht mit einem Schimmer von Augen und einem strahlenden Lächeln. Deutlich plastischer ist jedoch das Studium der Bände. Aber es ist alles zu früh, es ist offensichtlich, dass der alternde Künstler die Geschmeidigkeit und Zartheit der Haut seiner Heldin bewundert (Gabrielle war eine Verwandte seiner Frau und half ihr bei der Kindererziehung).

Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkrieges gingen die älteren Söhne der Renoirs an die Front, beide kehrten zurück, aber verwundet. Alina versuchte ihr Bestes, um ihren Kindern zu helfen, aber nachdem sie die Emotionen nicht ertragen hatte, starb sie. Bis zu seinem Tod am 2. Dezember 1919 schrieb Renoir im Rollstuhl weiter und überwand dabei starke Schmerzen im ganzen Körper.

Zhuravleva Tatyana