Stillleben-Malerei Automatische übersetzen

In der bildenden Kunst bezeichnet der Begriff „Stillleben“ ein bestimmtes Genre der Malerei, das gewöhnlich aus einem Arrangement von Gegenständen (traditionell Blumen oder Küchenutensilien, aber fast jeder Haushaltsgegenstand kann einbezogen werden) besteht, die auf einem Tisch angeordnet sind.

Was ist ein Stillleben?

Der Begriff ist eine direkte Übersetzung des niederländischen Wortes „Stilleven“, das ab 1656 verwendet wurde. um Gemälde zu beschreiben, die zuvor einfach „Obst“ oder „Blumen“ oder „Ontbijt“ (ein Stück Frühstück), „Bancket“ (ein Bankett) oder „Pronkstilleven“ (vom niederländischen „Pronk“, „Pronkstilleven“ (von niederländisch „Pronk“, d.h. Prunk), oder, wenn mit religiösen Untertönen, nach der neuen Ästhetik der protestantischen Reformationskunst – Malerei der Vanitas .

Die Stilllebenmalerei war in der Antike weit verbreitet, ging dann aber zurück und wurde erst im 16. Jahrhundert in der Kunstgeschichte als eigenständige Gattung wiederbelebt. Wie der Ursprung des Namens vermuten lässt, war das Stillleben in Nordeuropa, insbesondere in Holland und Flandern, unter den Künstlern der späten nördlichen Renaissance besonders beliebt. Dies war zum Teil auf die Auswirkungen der Reformation in Nordeuropa zurückzuführen, die zu einem Rückgang der religiösen Malerei bei den protestantischen Völkern führte. Trotzdem gab es in Italien (insbesondere in Neapel) und Spanien einflussreiche Schulen der Stilllebenmalerei, und in geringerem Maße auch in Frankreich, obwohl Chardin wohl der größte Stilllebenmaler des 18. und Paul Cézanne des 19. Jahrhunderts war. Zeitgenössische Stillleben können eine unbegrenzte Anzahl von modernen Gegenständen enthalten, von Urinalen bis zu Bierdosen.

Das Stillleben als Kunstform

Für den Laien mögen Stillleben im Vergleich zu ereignisreichen historischen Gemälden, stimmungsvollen Landschaften oder emotionalen Porträts eher langweilig erscheinen. Einige der großartigsten Stillleben enthalten jedoch komplexe Botschaften (Erzählungen), die in der Art der dargestellten Gegenstände und ihrer Anordnung verpackt sind. Wenn Sie sich mit der Komposition von Stillleben befassen, sollten Sie daher bedenken, dass die dargestellten Gegenstände Symbole sein können, die dem Bild eine symbolische Bedeutung verleihen. Obwohl das Stillleben wie die Landschaft in der Regel keine menschlichen Gestalten enthält, ist es ebenso in der Lage, eine politische, moralische oder spirituelle Botschaft zu vermitteln wie die komplexesten Beispiele der historischen Malerei. Dies widersprach „der offiziellen Linie“ der Vertreter der akademischen Kunst, die die Stilllebenmalerei auf die unterste Stufe der fünf Gattungen stellte, nach der Historien-, Porträt-, Genre- und Landschaftsmalerei.

Arten von Stillleben

Einfach ausgedrückt lassen sich die Stillleben in vier Hauptgruppen unterteilen, darunter:
❶ Blumenstücke;
❷ Frühstücks- oder Bankettstücke; und
❸ Tierstücke. Viele dieser Werke wurden nur angefertigt, um die technische Virtuosität und die zeichnerischen Fähigkeiten des Künstlers zu demonstrieren. Oder sie wurden gemalt, um eine bestimmte Auffassung von Kunst zu vermitteln (wie im Fall von Paul Cézannes Dokuserien-Stillleben) oder um künstlerische Emotionen zu zeigen (wie in „Van Goghs „gelben“ Skizzen).

Manchmal hat der Künstler jedoch auch eine komplexere Botschaft im Sinn. Daher die letzte Gruppe
❹ Symbolische Stillleben. Hierbei handelt es sich um eine umfassendere Kategorie, die jede Art von Stillleben mit einer ausdrücklichen symbolischen Erzählung bezeichnet, die in der Regel religiöser oder quasi-religiöser Natur ist. Ein spezifisches Beispiel für eine solche Symbolik ist der als Vanitas bekannte Typus (nach Prediger 12:8 „Eitelkeit der Eitelkeiten, sagt der Prediger, alles ist Eitelkeit“), der symbolische Bilder (z. B. Totenköpfe, ausgeblasene Kerzen, Sanduhren mit fließendem Sand, Uhren, Schmetterlinge) enthält, um den Betrachter an die Vergänglichkeit und Banalität des irdischen Lebens zu erinnern. Die symbolische Symbolik kann jedoch auch offen religiöser sein und Brot in der einen oder anderen Form, Wein, Wasser und andere vage Hinweise auf die Eucharistie, die Passion, die Heilige Dreifaltigkeit oder die Heiligen beinhalten. Einer der größten Vertreter dieses Genres, das zwischen 1620 und 1650 seine Blütezeit erlebte, war Harmen van Steenwyk (1612-1656) von den Schulen in Delft und Leiden.

Geschichte des Stilllebens

Die Kunst des Stilllebens war in der Antike keine Seltenheit. Stillleben-Fresken wurden in zahlreichen ägyptischen Gräbern (vermutlich waren die dargestellten Speisen für den Verzehr durch die Toten im Jenseits bestimmt) und in römischen Häusern, die in Herculaneum und Pompeji ausgegraben wurden, gefunden. Siehe z. B. „Eine durchsichtige Vase mit Früchten und Vasen“ (ca. 70 n. Chr.) von einem unbekannten Künstler, die in Pompeji gefunden wurde). Darüber hinaus wird die Kunst der Stilllebenmalerei tatsächlich in der altgriechischen Legende von Zeuxis und Parrhasius erwähnt. Im Mittelalter jedoch, nach dem Fall Roms (um 350 n. Chr.), verschwanden die Stillleben vollständig und tauchten erst in der frühen Renaissance wieder auf, allerdings nur als Hintergrund für religiöse Gemälde oder als Objekte in den Interieurs von Jan Van Eyck, nicht als eigenständiges Genre.

Das Stillleben nach 1517: die nördliche Renaissance und der niederländische Realismus

Die frühesten aufgezeichneten Stillleben waren „Hase“ (1502) des deutschen Malers Albrecht Dürer und „Toter Vogel“ (1504) des venezianischen Malers Jacopo de Barbari, der am deutschen und niederländischen Hof arbeitete.

In den Jahren 1520-1530 malte der deutsche Künstler Hans Holbein der Jüngere (1497-1543) eine Reihe von Porträts, die auch Stillleben enthielten, die mit moralischen Botschaften und Symbolen im Vanitas-Stil versehen waren. Siehe zum Beispiel Erasmus von Rotterdam (1523), Dame mit Eichhörnchen und Star (1527-28); Kaufmann Georg Giese (1532) und Botschafter (1533).

Der unbestrittene Meister des Stilllebens im barocken Stil war der Antwerpener Maler Frans Snyders, der Meisterwerke wie „Speisekammer-Szene mit Blatt“ (ca. 1617), „Speisekammer“ (ca. 1620) und „Spielender Stall“ (ca. 1625) schuf. Das Werk von Snyders wurde von mehreren niederländischen realistischen Malern aus der Utrechter und Delfter Schule weiterentwickelt, die das Genre weiter verfeinerten. Das früheste datierte rein florale Werk stammt aus dem Jahr 1562 von dem deutschen Ludger Tom Ring .

Dass all diese Ereignisse in Flandern, Holland und Deutschland stattfanden, ist kein Zufall. Infolge der Reformation – der protestantischen Revolte gegen die römische Kirche (um 1517) – erlebte die religiöse Malerei in Nordeuropa einen ernsthaften Niedergang, der die Wiederbelebung des Stillebengenres begünstigte. Die Popularität der Ölmalerei auf Leinwand in diesen Ländern, die eine bessere Ausarbeitung des Bildes und damit eine bessere Detailgenauigkeit ermöglichte, trug ebenfalls zur Entwicklung des Genres bei. Die Stilllebenmalerei erreichte ihren Höhepunkt in der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts in einem Stil, der als „ niederländischer Realismus“ bekannt ist und als die realistischste Ausprägung des Genres gilt. Die Malerei diente auch als Mittel zum religiösen Ausdruck, da symbolische moralische Botschaften eingeführt wurden, die ihre Anziehungskraft weiter erhöhten. Eine besondere Form des symbolischen Stilllebens ) Vanitas) bestand aus einer Anordnung von symbolischen Gegenständen, die den Betrachter an die erbärmliche Vergänglichkeit des irdischen Lebens erinnern sollten. Stillleben im Allgemeinen und die Werke der Vanitas im Besonderen fanden großen Anklang bei der puritanischen niederländischen Mittelschicht, deren wachsendes Mäzenatentum zu einem Aufschwung des Genres führte, das sich dann auch in Spanien und Frankreich verbreitete.

Weitere Beispiele für Stillleben von niederländischen Künstlern: „Eitelkeit des menschlichen Lebens“ (1645) Harmen Stenvik ; „Vanitas“ (1645) Pieter Claes ; „Krabbenfrühstück“ (1648, Eremitage Museum, St. Petersburg) Willem Claes Hed ; „Stilleben mit Hummer, Trinkhorn und Gläsern“ (um 1653) von Willem Kalf ; „Pantoffeln“ (1654) von Samuel Hogstraten ; „Stilleben mit Obst“ (um 1670) von Samuel Hogstraten ; „Stilleben mit Obst“ (um 1670) von Samuel Hogstraten. 1670) von Jan Davids de Heem ; „Blumen und Insekten“ (1711) von Rachel Ruysch .

Stillleben nach 1600 in Italien, Spanien, Frankreich

Das Stilleben blieb bei den meisten italienischen Künstlern unbeliebt und tauchte in der italienischen bildenden Kunst nur selten auf, ungeachtet des Themas, mit Ausnahme beispielsweise eines kleinen Obstkorbs Caravaggios . Weitere Beispiele sind Werke mit Früchten, Blumen und Fischen der neapolitanischen Schule der Malerei und des neapolitanischen Barocks des siebzehnten und achtzehnten Jahrhunderts (z. B. Recco und Ruoppolo) sowie Musikinstrumente von Bascenis.

In Spanien war das Genre beliebter, und Künstler wie Francisco de Zurbarán und Juan Sánchez Cotán brachten Dramatik in das einfachste Stillleben. Beispiele für spanische Werke sind „Stillleben mit Zitronen, Orange und Rose“ (1633) von Surbarán und „Stillleben mit Wild“ (ca. 1602) von Juan Sánchez Cotán. Zu den anderen Malern der Stilleven (die niederländische Bezeichnung für dieses Genre) gehörten Sánchez und Meléndez. Ein Jahrhundert später gipfelte das spanische dramatische Element in Francisco Goyas Stillleben „Der Kopf eines Kalbes“ und „Der gerupfte Truthahn“.

In Frankreich entwickelte sich das Stillleben, vielleicht aufgrund des konservativen Einflusses der Pariser Akademie der Schönen Künste, langsamer als in seinen nördlichen Nachbarländern. Erst im siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert, als französische Aristokraten begannen, prächtige Stillleben in Auftrag zu geben, erschienen virtuose Beispiele des Genres in den Gemälden von Moillon, Stoskopf, Oudry und vor allem Jean-Simeon Chardin, obwohl er „Luxusgegenstände“ zugunsten von Küchenutensilien und einfachen Arrangements von Speisen und Getränken aufgab. Chardins exquisite kleinformatige Gemälde – „Stillleben mit einer Flasche Oliven“ (1760) und „Kaninchen, Drossel, Stroh“ (1755) – sind so „real“, dass man sie anfassen möchte. Der reiche französische Realist-Romantiker Theodore Géricault schuf auch einige ungewöhnliche Werke dieses Genres, wie „Anatomische Details“ (1818).

Stillleben des neunzehnten Jahrhunderts

Im Laufe des 19. Jahrhunderts ging die akademische Malerei mit dem Einfluss der Akademien und ihrer Hierarchie der Gattungen zurück. Infolgedessen blühte die Landschafts- und Stilllebenmalerei auf. Henri Fantin-Latour wurde berühmt für seine Blumenstillleben, wie „Weiße und rosa Rosen“ (1890.), aber auch für andere Kompositionen wie „Stillleben mit Weißdornvase“, „Schale mit Kirschen“, „Japanische Schale“ und „Tasse und Untertasse“ (um 1880). Die Impressionisten erforschten die koloristischen Wirkungen floraler Kompositionen, während Paul Cézanne seinen Stillleben und Landschaften eine nie dagewesene Monumentalität verlieh, die die Entstehung des Kubismus beeinflusst haben könnte. Zu Cézannes Meisterwerken gehören „Birnen auf einem Stuhl“ (1882), „Stilleben mit Korb“ (1890) und „Stilleben mit Gips-Amor“ (1895). Der niederländische post-impressionistische Maler Vincent van Gogh begeisterte alle mit seiner Verwendung von satten Gelbtönen in seinen berühmten Gemälden der „Sonnenblumen“ Serie. In den Vereinigten Staaten malten amerikanische Künstler, weit entfernt vom restriktiven Einfluss der europäischen Akademien, während des gesamten neunzehnten Jahrhunderts Stillleben. Einer der führenden Vertreter dieses Genres war der Philadelphier Raphael Peale (1774-1825).

Stillleben des zwanzigsten Jahrhunderts

Die Fauvisten entwickelten einen koloristischen Ansatz für das Genre, wie in „Stillleben mit Geranien“ Henri Matisse (1910), während Künstler wie Emile Nolde, ein Mitglied der führenden deutschen Expressionistengruppe Die Brucke, einzelne Werke wie „Stillleben mit Tänzerinnen“ (1914) und Rote Mohnblumen (1920) schufen. In der Zwischenzeit erweitert der Kubismus die geometrischen Erkundungen Cézannes in einer Reihe von vielseitigen kubistischen Gemälden wie: „Geige und Kerzenständer“ (1910) von Georges Braque, „Stillleben mit Korbstuhl“ (1912) von Picasso und „Stillleben mit Obstteller und Mandoline“ (1919) von Juan Gris . Georges Braque setzte seine Bemühungen jahrzehntelang fort und schuf Werke wie „Studio V“ (1949). Das Genre wurde später von dem zurückgezogen lebenden italienischen Künstler Giorgio Morandi weiterentwickelt, der für seine Stillleben mit einfachen Gegenständen (z. B. Flaschen) und einer fast poetischen Raffinesse bekannt ist.

In den Vereinigten Staaten wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts Stilllebenkünstler wie William Harnett und John Peto für ihre Trompe-l’oeil-Kompositionen mit Gegenständen und Collagen aus Zeitungsausschnitten bekannt. Das Genre wurde dann von einer Vielzahl von Künstlern erforscht, wie dem Expressionisten Marsden Hartley (1877-1943), der von Kandinsky und Jawlensky inspiriert wurde, dem Kubisten Stuart Davis (1894-1964) und der Schöpferin exotischer Bilder Georgia O’Keeffe (1887-1986). In der jüngeren Kunst hat das Stillleben im Surrealismus und in der Pop Art eine Rolle gespielt – zum Beispiel Roy Lichtensteins Gemälde „Stillleben mit Schüssel und Goldfisch“ (Öl und Magna auf Leinwand) von 1972.

- Mehr über die verschiedenen Arten der Malerei (Porträts, Landschaften, Stillleben usw.) siehe: Gattungen der Malerei .