Stillleben-Malerei Automatische übersetzen

Siehe auch: Beste Stilllebenmaler .

Was ist Stilllebenmalerei?

Im Kunst bezeichnet der Begriff "Stillleben" eine bestimmte Genre der Malerei , typischerweise bestehend aus einer Anordnung von Gegenständen (traditionell Blumen oder Küchenutensilien, aber fast alle Haushaltsgegenstände können enthalten sein), die auf einem Tisch ausgelegt sind.

Der Begriff ist eine direkte Übersetzung des niederländischen Wortes "Stilleven", das ab 1656 verwendet wurde, um Gemälde zu beschreiben, die früher einfach "Frucht" oder "Blumenteile" oder "Ontbijt" (Frühstücksstück), "Bancket" (Bankett) oder "Pronkstilleven" genannt wurden (vom holländischen Wort "pronk", was "ostentation" bedeutet), oder wenn mit religiösen Obertönen, im Einklang mit der neuen Ästhetik von Protestantische reformatorische kunst – Vanitas malen.

Stilllebenmalerei wurde in der Antike viel praktiziert, lehnte danach jedoch ab und tauchte in der Antike nicht wieder auf Kunstgeschichte als eigenständiges Genre bis ins 16. Jahrhundert. Wie die Herkunft des Namens andeutet, war das Stillleben in Nordeuropa, insbesondere in Holland und Flandern, bei den Malern der letzten Zeit besonders beliebt Renaissance des Nordens . Dies lag zum Teil an den Auswirkungen der nordeuropäischen Reformation, die zu einem Rückgang der religiösen Malerei unter den protestantischen Nationen führten. Trotzdem gab es bedeutende Schulen für Stilllebenkunst in Italien (insbesondere in Neapel) und Spanien und in geringerem Maße in Frankreich, obwohl Chardin wohl der größte Stilllebenmaler des 18. Jahrhunderts und Paul Cezanne des 19. Jahrhunderts war. Zeitgenössische Stillleben können eine unbegrenzte Auswahl zeitgenössischer Gegenstände umfassen, von Urinalen bis zu Bierdosen.

Stillleben als Kunstform

Für Anfänger mögen Bilder aus dem Stillleben im Vergleich zu actiongeladenen ziemlich langweilig erscheinen Geschichtsmalerei beschwörend Landschaften oder emotional Porträts . Einige der größten Stillleben enthalten jedoch komplexe Botschaften (Erzählungen), die sich auf die Art der angezeigten Objekte und deren Anordnung beziehen. Beachten Sie daher beim Studium einer Stillleben-Komposition, dass es sich bei den angezeigten Elementen möglicherweise um Symbole handelt, die dem Bild eine symbolische Bedeutung verleihen. Obwohl die Stilllebenmalerei wie die Landschaft normalerweise keine menschlichen Formen enthält, ist sie in der Lage, eine politische, moralische oder spirituelle Botschaft zu vermitteln, wie die komplexesten Beispiele der Geschichte (Istoria). Dies widersprach der "offiziellen Linie" der Befürworter von akademische Kunst , das Stillleben als das niedrigste der fünf Genres einstufte, nach: Geschichte, Porträt, Genremalerei und Landschaft.

Arten von Stillleben

Stillleben können einfach in vier Hauptgruppen eingeteilt werden, darunter: (1) Blumenstücke; (2) Frühstücks- oder Bankettstücke; (3) Tierstücke. Viele dieser Werke werden ausschließlich zur Demonstration der technischen Virtuosität und Zeichnung Fähigkeit des Künstlers. Oder sie können gemalt sein, um eine bestimmte Ansicht von zu vermitteln Kunst (wie im Fall von Paul Cezannes vorkubistischen Stillleben) oder um künstlerische Emotionen zu demonstrieren (wie in Van Goghs "gelben" Sonnenblumenstudien).

Manchmal hat ein Künstler jedoch eine komplexere Botschaft im Sinn. Daher die letzte Gruppe (4) Symbolische Stillleben. Dies ist eine breitere Kategorie, die jede Art von Stillleben mit einer offenkundigen symbolischen Erzählung bezeichnet, die normalerweise religiöser oder quasi-religiöser Natur ist. Ein spezielles Beispiel für eine solche Symbolik ist der Typ, der als bekannt ist Vanitas Malerei (so genannt aus Prediger 12: 8 "Eitelkeit der Eitelkeiten, sagt der Prediger, alles ist Eitelkeit"), die symbolische Bilder enthalten (z. B. Schädel, Schnupftabakkerzen, Sanduhren, Uhren, Schmetterlinge), an die der Betrachter erinnert werden soll die Vergänglichkeit und Trivialität des sterblichen Lebens. Die symbolischen Bilder können jedoch offen religiöser sein und enthalten Brot in irgendeiner Form, Wein, Wasser und andere dunkle Hinweise auf die Eucharistie, die Passion, die Heilige Dreifaltigkeit oder die Heiligen. Einer der größten Vertreter dieses Genres, das zwischen 1620 und 1650 florierte, war Harmen van Steenwyck (1612-56) aus den Delfter / Leidener Schulen.

Geschichte der Stilllebenmalerei

Stillleben war in der Antike keine Seltenheit. In zahlreichen ägyptischen Gräbern (vermutlich waren die ausgestellten Lebensmittel für Verstorbene im Jenseits bestimmt) und in römischen Häusern, die in Herculaneum und Pompeji ausgegraben wurden, wurden Wandgemälde mit Stilllebenskompositionen entdeckt. Siehe zum Beispiel die "Transparente Schale mit Obst und Vasen" (um 70 n. Chr.) Eines unbekannten Künstlers aus Pompeji. Darüber hinaus wird Stillleben-Kunst in der antiken griechischen Legende von Zeuxis und Parrhasius tatsächlich erwähnt. Im Mittelalter nach dem Fall Roms (um 350) verschwand die Stilllebenmalerei jedoch vollständig. Es erschien im frühen Renaissance , sondern nur als Hintergrund für religiöse Gemälde oder als Objekte in Jan Van Eycks Interieur und nicht als eigenständiges Genre.

Stillleben nach 1517: Nördliche Renaissance und niederländischer Realismus

Die frühesten nachgewiesenen Stilllebenbilder waren Hase (1502) des deutschen Malers Albrecht Dürer und Dead Bird (1504) des venezianisch ausgebildeten Künstlers Jacopo de ’Barbari , der an Gerichten in Deutschland und den Niederlanden arbeitete.

In den 1520er und 1530er Jahren malte der deutsche Künstler Hans Holbein der Jüngere (1497-1543) eine Reihe von Porträts, die auch Stillleben mit moralischen Botschaften und Symbolen im Vanitas-Stil enthielten. Siehe zum Beispiel: Erasmus von Rotterdam (1523), Dame mit einem Eichhörnchen und einem Star (1527–28); Der Kaufmann Georg Gisze (1532) und Die Botschafter (1533).

Der unbestrittene Meister von Barock- Stillleben war der Antwerpener Künstler Frans Snyders mit Meisterwerken wie Pantry Scene with a Page (ca. 1617), The Pantry (ca. 1620) und A Game Stall (ca. 1625). Snyders Arbeit wurde von mehreren entwickelt Niederländische realistische Maler der Utrecht und Delft Schulen, die das Genre noch weiter polierten. Das früheste datierte reine Blumenstück wurde 1562 vom deutschen Ludger Tom Ring ausgeführt .

Die Tatsache, dass all diese Entwicklungen in Flandern, Holland und Deutschland stattfanden, war kein Zufall. Infolge der Reformation – der protestantischen Revolte gegen die Kirche von Rom (um 1517) – erlitt die religiöse Malerei in Nordeuropa einen schweren Niedergang und ermöglichte so die Wiederentdeckung des Stillleben-Genres ( Stilleven ). Die Popularität von Ölgemälde In diesen Ländern trug auch die Leinwandgestaltung zur Entwicklung des Genres bei. Der Höhepunkt der Stilllebenkunst wurde in erreicht Holländische Malerei des 17. Jahrhunderts in einem Stil bekannt als " Niederländischer Realismus ", die als die naturgetreueste Manifestation des Genres angesehen wird. Sie bot auch ein Mittel für den religiösen Ausdruck, als symbolische moralische Botschaften eingeführt wurden, die seine Attraktivität weiter ausweiteten. Eine besondere Form des symbolischen Stilllebens ( Vanitas ) umfasste Arrangements symbolischer Objekte, die den Betrachter an die erbärmliche Vergänglichkeit des Lebens auf der Erde erinnern sollten, Stillleben im Allgemeinen und Vanitas- Stücke im Besonderen, die die puritanische niederländische Mittelschicht stark angesprochen hatten und deren wachsende Schirmherrschaft zu einem Aufschwung führte in Stilleven, das sich dann nach Spanien und Frankreich ausbreitete.

Weitere Beispiele für Stillleben niederländischer Künstler sind: The Vanities of Human Life (1645) von Harmen Steenwyck ; Ein Vanitas-Stillleben (1645) von Pieter Claesz ; Frühstück der Krabbe (1648, Hermitage, St. Petersburg) von Willem Claesz Heda ; Stillleben mit Hummer, Trinkhorn und Gläsern (um 1653) von Willem Kalf ; Die Pantoffeln (1654) von Samuel Hoogstraten ; Das Stillleben mit Früchten (um 1670) von Jan Davidsz de Heem ; Blumen und Insekten (1711) von Rachel Ruysch .

Stillleben nach 1600 in Italien, Spanien, Frankreich

Das Stillleben war bei den meisten italienischen Künstlern unbeliebt und erschien nur selten in italienischer Sprache Malerei der schönen Kunst , unabhängig von einem Thema, mit Ausnahme des kleinen Obstkorbs von Caravaggio ; obwohl es Ausnahmen gab. Dazu gehörten die Früchte, Blumen und Fischstücke der Neapolitanische Malschule und das Neapolitanischer Barock im siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert (z. B. von Recco und Ruoppolo) und die von Baschenis gemalten Musikinstrumente.

In Spanien war das Genre populärer und Maler mögen Francisco de Zurbaran und Juan Sanchez Cotan investierte das einfachste Stillleben mit Drama. Beispiele spanischer Werke: Stillleben mit Zitronen, Orange und einer Rose (1633) von Zurbaran und Stillleben mit Wildgeflügel (ca. 1602) von Juan Sanchez Cotan. Weitere Stilleven-Künstler waren Sanchez und Melendez. Das spanische Drama kulminierte ein Jahrhundert später in Francisco Goyas Stillleben Calf’s Head und Plucked Turkey.

In Frankreich dauerte die Entwicklung der Stilllebenmalerei möglicherweise aufgrund des konservativen Einflusses der Pariser Akademie der Schönen Künste länger als in den nördlichen Nachbarländern. Erst im 17. und 18. Jahrhundert begannen die französischen Aristokraten, opulente und großzügige Aufträge zu erteilen trompe l’oeil Stillleben-Themen, die virtuose Beispiele des Genres in den Gemälden von Moillon, Stoskopff, Oudry und besonders erschienen Jean-Simeon Chardin Obwohl er auf Luxusartikel zugunsten von Küchenutensilien und einfachen Speisen und Getränken verzichtete. Chardins exquisite kleine Gemälde – z. Stillleben mit einer Flasche Oliven (1760) und Kaninchen, Drossel, Stroh (1755) – sind so „echt“, dass Sie sie berühren möchten. Der wohlhabende französische Romantik-Realist Theodore Gericault produzierte auch mehrere ungewöhnliche Werke dieses Genres, wie Anatomical Pieces (1818).

Stillleben des 19. Jahrhunderts

Während des 19. Jahrhunderts nahm die akademische Malerei zusammen mit dem Einfluss der Akademien selbst und ihrer Gattungshierarchie ab. Landschaft und Stillleben blühten auf. Henri Fantin-Latour Bekannt geworden sind Stillleben mit Blumen wie White and Pink Roses (1890) sowie Kompositionen wie Stillleben mit Weißdornvase, Bowl of Cherries, Japanese Bowl und Cup and Saucer (1880)). Das Impressionisten erforschte dabei die koloristischen Effekte von Blumenkompositionen Paul Cezanne gab sowohl seinen Stillleben als auch seinen Landschaften eine beispiellose Monumentalität, von der der Kubismus weitgehend abgeleitet ist. Zu Cezannes Meisterwerken zählen: Birnen auf einem Stuhl (1882), Stillleben mit Korb (1890) und Stillleben mit Gipsamor (1895). Der Holländer Postimpressionist Künstler Vincent van Gogh begeisterte alle mit seiner Verwendung von reichen Gelbtönen in seinen berühmten Sonnenblumengemälden. In den Vereinigten Staaten haben amerikanische Künstler weit über den engen Einfluss der europäischen Akademien hinaus das Stillleben des gesamten 19. Jahrhunderts gemalt. Zu den führenden Persönlichkeiten des Genres gehörte der Philadelphian Raphaelle Peale (1774-1825).

Stillleben des 20. Jahrhunderts

Das Fauvisten den koloristischen Ansatz zum Genre weiterentwickelt – wie in Henri Matisse Stillleben mit Geranien (1910) – während Künstler mögen Emil Nolde , ein Mitglied der Brucke der Pivot Deutscher Expressionist Gruppe produzierte individualistische Arbeiten wie Stillleben mit Tänzern (1914) und rote Mohnblumen (1920). Inzwischen, Kubismus war damit beschäftigt, Cezannes geometrische Assemblies in einer Reihe von mehrflächigen kubistischen Gemälden zu erweitern, wie etwa: Violine und Kerzenhalter (1910) von Georges Braque , Stillleben mit Stuhlstock (1912) von Picasso und Stillleben mit Obstschale und Mandoline (1919) von Juan Gris . In der Tat setzte Georges Braque seine Bemühungen über Jahrzehnte mit Werken wie Studio V (1949) fort. Das Genre wurde später auch vom zurückgezogen lebenden italienischen Künstler entwickelt Giorgio Morandi , der für seine Stillleben mit einfachen Gegenständen (z. B. Flaschen) von großer, fast poetischer Zartheit bekannt wurde.

In den Vereinigten Staaten wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts Stilllebenmaler wie William Harnett und John Peto für ihre Trompe l’oeil-Arrangements von Gegenständen und Kunstgegenständen bekannt Collagen von Zeitungsausschnitten. Das Genre wurde dann von sehr unterschiedlichen Künstlern wie dem untersucht Kandinsky und Jawlensky-inspirierter Expressionist Marsden Hartley (1877–1943), der Kubist Stuart Davis (1894-1964) und der exotische Bildschöpfer Georgia O’Keeffe (1887-1986). In der jüngsten Kunst hat sich Stillleben im Surrealismus und in der Pop Art angesiedelt – Beispiel: Roy Lichtensteins Gemälde von 1972, Still Like with Goldfish Bowl (Öl und Magna auf Leinwand).