Die Grablegung Christi, Caravaggio:
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Beschreibung

Name : Die Grablegung Christi (Deposizione) (1601-3)
Künstler : Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)
Medium : Ölgemälde auf Leinwand
Genre : Geschichtsmalerei (religiös)
Bewegung : Barockmalerei
Ort : Pinacoteca Vaticana, Rom

Eine Erklärung weiterer wichtiger Bilder aus der Barockzeit finden Sie unter: Berühmte Gemälde analysiert (1250-1800).

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Caravaggio steht neben der beste Künstler aller Zeiten wegen seiner ultra-naturalistischen Herangehensweise an Barocke Kunst – unter Einbeziehung realistischer Bilder von Christus, der Jungfrau Maria, Heiligen und Propheten – die eine grundlegende Veränderung gegenüber den idealistischeren darstellten Manieristische Malerei und tat viel, um dem Umpacken entgegenzuwirken Kunst der Hochrenaissance von Annibale Carracci und seine Anhänger. Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts (1600-1700).

Caravaggio ist neu Naturalismus war genau das, was das Konzil von Trient in den 1550er Jahren beabsichtigt hatte, als es eine neue Form forderte Katholische Gegenreformationskunst dass gewöhnliche Menschen verstehen und sich inspirieren lassen könnten. Aber viele konservative vatikanische Beamte fanden es zu grob und manchmal zu respektlos, um es in einer Kirche zu installieren. Unbeeindruckt malte Caravaggio weiterhin dramatische Szenen mit echten Menschen "Warzen und alles". Er bewies die vollständige Beherrschung von Hell und Dunkel mit der Technik von Chiaroscuro um seinen Figuren Volumen zu verleihen und Tenebrismus seine Bilder mit echtem Drama zu spritzen. Später dieser Stil von ’ Karavaggismus ’würde von einigen der großen alten Meister kopiert werden, wie Rubens (1577-1640), Rembrandt (1606-69) und Vermeer (1632 & ndash; 1675). Trotz seiner wohlverdienten Bekanntheit als "böses Genie" war Caravaggio zweifellos der größte von allen Italienische Barockkünstler des frühen 17. Jahrhunderts. Siehe auch: Caravaggios Besuche in Neapel (1607 & ndash; 10).

Die Grablegung Christi – Caravaggios monumentalste und am meisten bewunderte Altarbild – wurde für die Kapelle der Pietà in der Chiesa Nuova gemalt, die Kirche Santa Maria in Vallicella, Rom, die für die 1561 von dem Heiligen Philipp Neri gegründete Priesterkongregation erbaut wurde. Der Künstler erhielt den ursprünglichen Auftrag von Alessandro Vittrice im Jahr 1601, nicht lange nach der Fertigstellung von Bekehrung des hl. Paulus auf dem Weg nach Damaskus (1601) und The Kreuzigung des Heiligen Petrus (1601) für die Cerasi-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Popolo. Er beendete es zwei Jahre später. Das Original ist jetzt Teil der Sammlung des Vatikanische Museen, während eine Kopie in der Capella della Pietà hängt. Das Gemälde wurde von zeitgenössischen Kunstkritikern wie Giulio Mancini (1559-1630), Giovanni Baglione (1566-1643) und Gian Pietro Bellori (1613-96) – dem Autor des berühmten Lebens der Künstler (Vite de’Pittori, Scultori et Architetti Moderni, 1672).

Das Gemälde besteht aus einer dicht gedrängten figurativen Gruppe bestehend aus sechs Personen, darunter der tote Christus. Die obere Hälfte des Leibes Christi (die eines muskulösen Arbeiters) wird von Johannes dem Evangelisten (im roten Mantel) (oder möglicherweise Josef von Arimathäa) gestützt, wobei seine rechte Hand versehentlich die Stichwunde Christi befingert. Die untere Hälfte wird von dem Heiligen Nikodemus getragen, der traditionell die Nägel von den Füßen Christi am Kreuz entfernte. Nikodemus ist der dominierende Charakter des Bildes und sein Körper ist sein kompositorischer und spiritueller Anker. Historisch gesehen ein Mann des Reichtums, wird er hier als Arbeiter dargestellt, dessen bewusst gestaltete trollartige Form darauf hindeutet, seinem verstorbenen Herrn ergeben zu dienen. Er starrt uns ohne zu zögern aus der Bildebene heraus an, fordert uns fast auf, in das Ritual einzugreifen, und zieht uns dabei in das Bild hinein.

Hinter den beiden Männern gruppieren sich die drei Frauen fächerartig. Dazu gehören (von links nach rechts): die teilweise verdeckte Jungfrau Maria, die hier als ältere Nonne dargestellt ist und ihre Arme horizontal ausstreckt, um das Geschehene bildweit zu segnen und zu akzeptieren; in der Mitte steht Maria Magdalena, die weibliche Nachfolgerin Jesu, die mit einem weißen Taschentuch ihre Tränen trocknet; Rechts die klagende Maria von Clopas, Schwester der Jungfrau Maria, die ihre Arme zum Himmel erhebt. Sie erinnert stark an seine frühere Maria in der Bekehrung der Magdalena (1598, Detroit Institute of Art), die auf dem 22-jährigen Model Fillide Melandroni basierte.

Die fünf Trauernden stehen auf einer flachen Steinplatte (die früher als Deckel eines Grabes gedeutet wurde), die wahrscheinlich den Stein der Vereinigung darstellt, bei dem der Leib Christi mit Öl gesalbt und in ein Leinentuch gewickelt wurde, wie im Evangelium von John.

Wie immer versucht Caravaggio, einen genauen Moment während des Geschehens festzuhalten. In diesem Fall zeigt er den Moment, kurz bevor die beiden Männer ihn ins Grab senken. In ein paar Sekunden ist er weg und die Trauernden sind auf sich allein gestellt.

Einige Kommentatoren behaupten, dass Caravaggio Elemente aus der Beweinung Christi (1460-3, Uffizien, Florenz) von entlehnt hat Roger van der Weyden, die Deposition (1507, Galleria Borghese, Rom) von Raphael und der Florentiner Pietà (1547-53, Museo dell ’Opera del Duomo, Florenz) von Michelangelo. Die Ähnlichkeiten sind jedoch unklar und auf jeden Fall ist Caravaggios Grablegung ein eigenständiges und (wohl) weit überlegenes Werk.

Kompositorisch basiert das Gemälde auf einem diagonalen Muster von Form und Bewegung, von den hysterischen Händen von Mary Clopas (oben rechts) über Mary Magdalenes schlaffe Schulter, Nicodemus ’Ellbogen und Christi Torso bis zum Ende des weißen Leichentuchs (unten links)).

Das fächerförmige Muster – die aufrechte Mary Clopas, die nach vorne gerichtete Mary Magdalene, der gebogene Nikodemus und der horizontale Christus – präsentiert uns eine Kaskade von Gliedmaßen und Köpfen, die einer im Wesentlichen "eingefrorenen" Momentaufnahme Spannung und Bewegung verleiht. Interessanterweise wird das Bild ruhiger, wenn sich unser Auge von oben nach unten bewegt.

Es ist möglich, das Bild als Allegorie von Leben und Tod zu lesen. An der Spitze haben wir lebende Menschen. Unten das Grab und der Tod. In der Mitte steht Jesus Christus als Barriere zwischen beiden. Es zeigt das katholische Dogma, dass wir nur durch den Glauben an Christus dem Tod entgehen und in den Himmel aufsteigen können.

Ein kleines Detail ist erwähnenswert. Links unten auf dem Gemälde befindet sich eine Pflanze, die als Verbascum thapsus ) Königskerze) bekannt ist. Es wird geglaubt, medizinische Eigenschaften zu besitzen und böse Geister abzuwehren. Es symbolisiert die kommende Auferstehung und den Triumph über den Tod. Caravaggio bezog es auch in sein Saint John the Baptist (1604, Nelson-Atkins Museum of Art) und Rest on the Flight in Egypt (1586, die Doria Pamphilj Gallery, Rom) ein.

Caravaggios Grablegung inspirierte viele andere Werke, darunter vor allem: Die "Grablegung Christi" (um 1608, Kohle und weiße Kreide, Ashmolean Museum, Oxford) von Guy Francois (1578-1650); und "The Entombment" (1612, National Gallery of Canada) von Peter Paul Rubens.

Innerhalb von drei Jahren nach der Vollendung der Grablegung floh Caravaggio aus Rom und suchte Zuflucht in Neapel, nachdem er in einer Schlägerei einen Mann getötet hatte. Vier Jahre später war er tot. Weitere Informationen zu seiner Arbeit in Süditalien finden Sie unter: Caravaggio in Neapel (1607-10) und Neapolitanische Malschule.