Caravaggio: Italienischer Barockmaler, Begründer des Caravaggism Automatische übersetzen

Zusammenfassung

Eine der ikonoklastischsten und einflussreichsten Alte Meister Caravaggio wird für seinen naturalistischen Stil verehrt Barockmalerei , eine kontroverse Alternative zum Klassizismus von Annibale Carracci, sowie zum vorhergehenden Stil von Manierismus . (Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts .) Bekannt für seine religiöse Gemälde Er benutzte Arbeiter, Bauern und Kurtisanen als Vorbilder für seine biblischen Figuren. Diese Naturalismus erregte Widerstand von Kirchenbehörden und anderen, die einen Großteil seiner ablehnten religiöse Kunst für zu gottlos sein. Diese negative Reaktion scheint darauf hinzudeuten, dass der Vatikan sich seit Caravaggios Bodenständigkeit weniger Sorgen um den protestantischen Aufstand machte Barocke Kunst Genau darauf hoffte das Konzil von Trient (1545-63), als es eine relevantere und verständlichere Art von Trient forderte Katholische Gegenreformationskunst für seine Kirchen und Kapellen. Jedenfalls die Virtuosität seines Gemäldes – er vermied den florentinischen Disegno- Ansatz zugunsten der venezianischen Arbeitsweise alla prima ohne Vorzeichnung – und seinen revolutionären Umgang mit Biblische Kunst machte ihn zu einem der einflussreichsten Italienische Barockkünstler des 17. Jahrhunderts. Seine größte Gemälde diejenigen, die seinen Ruf als einer der bekanntesten machten beste Historienmaler in Italien gehören: Die Berufung des Heiligen Matthäus (1600) und Das Martyrium des Heiligen Matthäus (1600) für die Contarelli-Kapelle; Umbau auf dem Weg nach Damaskus (1601) und der Kreuzigung des Heiligen Petrus (1601) für die Cerasi-Kapelle; Abendessen in Emmaus (1601, National Gallery, London); Tod der Jungfrau (1601-6, Louvre); und die Grablegung Christi (1601-3, Vatikanische Museen, Rom). Caravaggios Beherrschung von Tenebrismus und Chiaroscuro erwies sich bei Kunstsammlern und anderen Malern des 17. Jahrhunderts als so beliebt, dass es einen europaweiten Trend auslöste Karavaggismus und inspirierte beide Rubens (1577-1640) und Rembrandt (1606-69) unter vielen anderen.

HINWEIS: Caravaggio war tragischerweise nicht nur ein wahres künstlerisches Genie, sondern auch ein bösartiger und gewalttätiger Mann mit einem Strafregister, zu dem auch Körperverletzung und sogar Mord gehörten. Nach vierzehn Tagen harter Arbeit würde er mit einem Schwert bewaffnet in der Stadt herumtollen und nach einem Kampf suchen. 1606 tötete er einen Mann in einem Kampf, floh aus Rom und verbrachte seine verbleibenden Jahre als Flüchtling mit 38 Jahren Fieber in Porto Ercole auf dem Weg nach Rom, um (angeblich) eine Begnadigung zu erhalten. Ein trauriges Ende für einen der besten Künstler aller Zeiten. In dieser späten Zeit malte er seine Meisterwerke Die Geißelung Christi (1607, Capodimonte Museum, Neapel) und David mit dem Haupt des Goliath (1609-10, Galleria Borghese, Rom).

Anfangszeit

Michelangelo Merisi da Caravaggio wurde 1571 in der Nähe von Mailand geboren, sein Vater war Architekt oder Dekorateur. Fünf Jahre später zog die Familie in die Stadt Caravaggio in der Nähe von Bergamo (aus der ihr Nachname stammte), um der Plage zu entkommen, die zu dieser Zeit über Mailand wütete und seinen Vater tötete. Der junge Caravaggio zeigte frühes Talent als Künstler, und als er 13 Jahre alt wurde, wurde er nach dem Tod seiner Mutter durch die Pest zum Maler Simone Peterzano (um 1540-96) ausgebildet, einer ehemaligen Schülerin von Tizian und Anhängerin der Lombardische Kunstschule. Der lombardische Malstil schätzte Einfachheit und Naturalismus, und dies sollte einen wichtigen und dauerhaften Einfluss auf den jungen Maler und seinen Kunststil haben.

Naturalist Training

Die Tatsache seiner Ausbildung geht Hand in Hand mit der seines kritischen Rufs. Noch zu Lebzeiten war Federico Zuccaro (1540–1609) der erste Präsident des Neuen Akademie der Künste in Rom , verächtlich bezeichnet ihn als einen armen Nachahmer von Giorgione (1477-1510), während ihn seine Anhänger als Maler lobten, der keinen Meister außer der Natur hatte. Nur der hoch entwickelte Kunstmäzen Vincenzo Giustiniani (1564-1637) sah – hinter der naturalistischen Spontaneität von Caravaggios Gemälden – die bewusste Teilnahme an der Bewegung "Rückkehr zur Natur", die im späten 16. und frühen 17. Jahrhundert das zentrale Anliegen der italienischen Malerei war Jahrhunderte. Akademische Kritiker hingegen (wie Zuccaro) machten Caravaggio Vorwürfe, Szenen ohne Geschichte und ohne Handlung zu malen und religiöse Szenen darzustellen, ohne die von der Kirche vorgegebene Ikonographie angemessen zu berücksichtigen.

Caravaggios Unterstützung der bodenständigen, realistischen, anti-humanistischen Ideen, die das Beste der lombardischen Arbeit im 15. und 16. Jahrhundert auszeichnen, sowie seiner Beziehung zu Manieristische Künstler wie Giovanni Savoldo (tätig 1506-48), Moretto da Brescia (1498-1554), Lorenzo Lotto (1480-1556) und die Campi-Brüder sind nach wie vor eine Tatsache, die für das Verständnis seiner gesamten Arbeit von wesentlicher Bedeutung ist.

Frühe Jahre in Rom

Es besteht kein Grund, sich mit den Abenteuern zu beschäftigen, mit denen Caravaggios Leben behaftet war. Sie sind nur insofern von Interesse, als sie dazu beitragen, seinen Charakter und die Chronologie seiner Karriere zu erklären. Als er etwa 20 Jahre alt war, gelang es ihm, trotz der Unterschiede zwischen seinem Stil und dem, der seinerzeit in Kunstkreisen offiziell anerkannt war, in Rom Gönner und aristokratische Sammler zu finden. In der Tat produzierte er trotz Gefangenschaft, Flucht und aller Schwierigkeiten weiterhin Meisterwerke und behielt ein poetisches Verständnis, wie es nur bei den größten Meistern zu finden ist. Eine seiner wichtigsten Eigenschaften war, dass er nie den Kontakt zum Alltagsleben verlor und die Charaktere in seinen Gemälden weiterhin bei gewöhnlichen Menschen fand.

Caravaggio kam zwischen 1591 und 1592 nach Rom; und auf seinem weg dorthin würde er ohne zweifel auf die arbeit von malern stoßen wie Giotto (1267-1337) und Masaccio (1401-1428), dem er in der Kraft seiner Vorstellungskraft und seiner innovativen Vision ebenbürtig sein sollte. In Rom fiel es ihm am Anfang schwer, seinen Lebensunterhalt mit populären billigen Werken zu bestreiten, obwohl er auch anfing, an eigenen Gemälden zu arbeiten. Während eines Krankenhausaufenthaltes in S. Maria della Consolazione malte er eine Reihe von Bildern, die von den Spaniern vor dem Krankenhaus nach Sevilla geschickt wurden.

Als nächstes besuchte Caravaggio die Schule des Cavaliere d’Arpino (Giuseppe Cesari) (1568-1640), eines charmanten, aber oberflächlichen Malers, der keinen Einfluss auf ihn hatte und den er bald verließ, um sich im Haushalt seines ersten wichtigen Gönners niederzulassen. Kardinal Francesco Maria Del Monte (1549–1627). Während dieser ersten Periode in Rom schuf er eine Gruppe kleiner Staffelei-Gemälde für Sammler, deren Stil ausgesprochen persönlich erscheint und deren Position in Bezug auf die Tradition des 16. Jahrhunderts klar definiert ist. Im Wesentlichen anti-manieristisch im Verhältnis von Raum und Bild nehmen sie ab Manieristische Malerei Die intensive, nervöse Linie, während die hellen Farben und der Hintergrund die Vitalität der Motive hervorheben. Die scharf definierten Figuren nehmen den vorderen Bereich des Bildraums ein und erzeugen zusammen mit einer starken Beleuchtung ein sehr starkes Gefühl der physischen Präsenz.

Das originellste Merkmal dieser Bilder ist die Themenwahl und auch die Interpretationsfreiheit, mit der traditionelle Themen behandelt werden. Zum ersten Mal in der Geschichte der europäischen Malerei wird das Thema Bacchus (1597, Uffizien, Florenz) zu einem Vorwand für die Darstellung aller Arten von Naturereignissen und Alltagsgegenständen; Die mit Weinblättern gekrönte heranwachsende Gestalt des Gottes wird fast spöttisch behandelt und unterscheidet sich kaum von dem Jungen mit einem Obstkorb (c.1593-94, Galleria Borghese, Rom). Zum ersten Mal werden ein gewöhnlicher Vorfall wie der des von einer Eidechse gebissenen Jungen (c.1593-94, National Gallery, London) und eine biblische Veranstaltung wie Das Opfer Isaaks (c.1603, Uffizien, Florenz) gegeben gleiches Maß an bildlicher Bedeutung und mit der gleichen Ernsthaftigkeit und dramatischen Kraft behandelt.

Es gab keine Wertehierarchie in den vielen Aspekten der Realität, die Caravaggios Inspiration förderte. So wird Bacchus in einem anderen Gemälde als kranker Bursche aus den Wirtshäusern dargestellt – Der kranke Bacchus (1593, Galleria Borghese) -, während die Büßerin Magdalena (Galleria Doria Pamphilj, Rom) nicht als Kurtisane, sondern als Frau der Menschen, allein mit ihren Leiden in einem armen, kahlen Raum. So wird auch der Rest auf der Flucht nach Ägypten (1595, Galleria Doria Pamphilj) als ein Stück Leben gezeigt, das mit weltlichen Gemälden wie The Fortune-Teller (1598-99, Louvre), The Lute-Player (1595- 96, Hermitage, St. Petersburg) und The Cardsharps (1594, Kimbell Art Museum, Fort Worth). Schließlich fällt dem Betrachter das einzige Motiv des Stilllebens mit einem Obstkorb (1601, Pinacoteca Ambrosiana, Mailand) mit seiner greifbaren Realität auf. Gilt als eines der schönsten Beispiele der Moderne Stillleben-Malerei durch die Ablehnung des beschreibenden Charmes markiert das Werk einen deutlichen Bruch mit dem Genre-Malerei das ging voraus.

Spätere Jahre in Rom

Das Gemälde fertigte er für die Contarelli-Kapelle an Altarbild in der Kirche S. Luigi dei Francesi, deren Daten kürzlich als 1599-1600 für die Seitentafeln ( Die Berufung des hl. Matthäus und das Martyrium des hl. Matthäus ) und als 1600-2 für das Altarbild festgelegt wurden ( Matthäus und der Engel ), markieren eine wichtige Etappe in Caravaggios Karriere. Diesen Gemälden gingen eine Reihe von Werken voraus, die die ersten Anzeichen eines Stilwechsels aufwiesen, der wahrscheinlich etwas mit der Ankunft Roms zu tun hatte Annibale Carracci (1560-1609) im Jahr 1595 und zeigte auf jeden Fall eine veränderte Haltung gegenüber der offiziellen klassischen Kultur. Das Abendmahl in Emmaus (1601, National Gallery, London) mit seiner übertriebenen Perspektive und seinem strengeren und feierlicheren Ton scheint in der Tat eine Antwort auf die großartige Art der Kunst zu sein Bologneser Schule während Johannes der Täufer (in den beiden Fassungen in der Galleria Capitolina [1602] und der Galleria Borghese [1610] in Rom) und Amor Vincit Omnia (Siegreicher Amor) (1602, Gemäldegalerie SMPK, Berlin) – eine Art Parodie – sind eine offene, sogar ironische Darstellung von Caravaggios Bekanntschaft mit der klassischen Tradition des 16. Jahrhunderts.

Nach seiner jugendlichen Ablehnung der Tradition scheint Caravaggio nun eine Phase der Reflexion und eine ängstliche Interpretation religiöser Ereignisse durchlaufen zu haben. Seine künstlerischen Überzeugungen wurden gefestigt, und ihre revolutionäre Natur gebot umso mehr Anerkennung, als sie mit ruhiger Gewissheit ausgedrückt wurden. Kühn übersetzt in zeitgenössische Szenarien (ein Kartentisch in der Berufung des heiligen Matthäus , das Innere einer römischen Kirche im Martyrium des heiligen Matthäus ), werden die Ereignisse in Caravaggios religiösen Gemälden durch die aufschlussreiche Rolle des Lichts unverkennbar festgehalten. Von der Seite, von einer Quelle außerhalb des Gemäldes, wird Licht verwendet, um die wesentlichen Elemente der Komposition herauszusuchen, wobei nicht objektiven optischen Gesetzen, sondern den Ausdrucksanforderungen des Künstlers entsprochen wird, Bewegungen plötzlich wie in einem Schnappschuss angehalten werden und das Bild getaucht wird Szene in stille, dramatische Helldunkel . Dies war die Bestätigung von Caravaggios Luminismus, dessen kulturelle Wurzeln im Manierismus zu finden sind.

Die erste Fassung des Altarbildes Matthäus und der Engel (1945 in Berlin zerstört) wurde als zu realistisch und unzureichend ehrfürchtig empfunden und daher abgelehnt. Die zweite wurde klassischer konzipiert. Es ist besonders auffällig für die Festigkeit der Vorhänge, die den Engel umhüllen, als ob er ihn auf seiner Flucht aufhalten wollte (Caravaggio war überhaupt nicht in der Lage, einen Engel zum Fliegen zu bringen), sowie für seine Farben mit ihrer zurückhaltenden und eher mageren Reichweite. die sich beim heftigen Schock des Lichts vor dem düsteren Hintergrund der Leinwand aufzulösen scheinen.

Obwohl die Farbeffekte dieses Gemäldes auf einen venezianischen Einfluss bei der Verwendung von Licht hindeuten, ist es mit zwei Gemälden des Vorjahres ( Die Kreuzigung von St. Peter und Die Bekehrung auf dem Weg nach Damaskus ) für die Cerasi – Kapelle in der Kirche von verwandt Santa Maria del Popolo. Der Auftrag für Caravaggio wurde von seinem neuen Gönner, dem Bankier und Kunstsammler Marchese Vincenzo Giustiniani (1564-1637), gesichert, und die Bilder wurden laut Dokumenten im November 1601 fertiggestellt. Noch intensiver als die Gemälde in der Contarelli-Kapelle, Diese beiden Werke sind das Ergebnis einer tiefergehenden Interpretation religiöser Themen, die von nun an fast die einzigen waren, mit denen sich Caravaggio befasste. Die biblische Geschichte wird in populäre Begriffe übersetzt. Nach Ansicht einiger Behörden kann dies mit der Predigt des hl. Ignatius Loyola und des hl. Philip Neri zusammenhängen. In den Gemälden der Cerasi-Kapelle stößt der Realismus an seine äußersten Grenzen (zum Beispiel der Pferderumpf im Vordergrund der Bekehrung auf dem Weg nach Damaskus , der Caravaggios Zeitgenossen schockierte). Durch die Umwandlung von Hell-Dunkel in tiefe Dunkelheit, durchdrungen von gelegentlichen Lichtstrahlen, erscheinen die Szenen selbst mit einer erschütternden Wahrheit.

Caravaggios andere Gemälde in Rom, bevor er floh, können zu diesen zusammengefasst werden. Um 1602-4 scheinen seine klassischen Ideen ( Die Grablegung Christi , 1601-3, Pinacoteca Vaticana, Rom) ein Gleichgewicht mit der Madonna von Loreto (1603-6) gefunden zu haben, die für die Kirche S. Agostino gemalt wurde Die skulpturale Schönheit der Jungfrau wird durch eine menschliche Zärtlichkeit im stillen Dialog mit ihren bescheidenen Bewunderern belebt. Caravaggio wählte die Tochter eines seiner armen Nachbarn als Vorbild für die Jungfrau in der Madonna der Schlange ( Madonna dei Palafrenieri , 1605-6, Galleria Borghese, Rom). Die für die Bruderschaft der Palafrenieri gemalte Komposition zeichnet sich durch ihre ungewöhnliche Ikonografie aus.

Gleichzeitig wurde die Dunkelheit in seinen Gemälden ausgeprägter, nicht als ergänzendes Element des Lichts, sondern als eines im Gegensatz dazu. Dies kann in dem hl. Hieronymus (1605) und dem David mit dem Haupt von Goliath (1610) in Rom (beide in der Galerie Borghese), in dem hl. Hieronymus im Kloster von Montserrat und insbesondere in Der Tod der Jungfrau gesehen werden (1601-6, Louvre), eine stille Tragödie, die von einem rötlichen Schimmer erhellt wird. Der Realismus dieser letzteren Arbeit empörte Caravaggios Zeitgenossen.

Caravaggio flieht aus Rom

Caravaggio war bekannt dafür, dass er ein böses Temperament hatte und die Leidenschaft in seinen Gemälden spiegelte sich oft in seinem Leben wider. 1604 wurde eine frühe Bekanntmachung über ihn veröffentlicht, in der es hieß, er würde nach vierzehn Tagen Arbeit ein oder zwei Monate lang mit einem Schwert an seiner Seite und einem Diener, der ihm von einem Spielfeld zum nächsten folgte, prahlen sich in einen Kampf oder Streit verwickeln, so dass es äußerst umständlich ist, mit ihm auszukommen ". Im Mai 1606 tötete er während einer Schlägerei nach einem Streit um das Ergebnis eines Tennisspiels seinen Gegner Ranuccio Tomassoni.

Wegen Mordes angeklagt, floh Caravaggio nach Neapel, wo er den Schutz der mächtigen Familie Colonna erhielt. Sicherlich außerhalb der Zuständigkeit der römischen Behörden, wurde der berühmteste Maler in Rom der berühmteste Maler in Neapel. Wahrscheinlich malte er während seiner Zeit hier in Emmaus (1606, Galleria Brera, Mailand) ein Abendmahl , in dem es sich um eine bescheidene Wirtshausszene handelt, in der einzelne Figuren vor einem dunklen Hintergrund auftauchen. 1607 arbeitete er in Neapel fieberhaft, aber die meisten Gemälde aus dieser Zeit sind heute verloren. Überlebende: Rosenkranzmadonna (1606-7, Kunsthistorisches Museum, Wien), Die sieben Werke der Barmherzigkeit (1606-7, Kirche Pio Monte della Misericordia, Neapel), Salome mit dem Haupt Johannes des Täufers (1609-10, National Gallery, London) und Flagellation of Christ (1607, Museo di Capodimonte, Neapel) zeigen einen Stilwechsel in der Modellierung von Figuren, die an die klassischen und manieristischen Traditionen erinnern. Es beschränkt sich in diesem Fall jedoch auf die Beziehungen zwischen Dunkelheit und Licht und wird verwendet, um die grundlegendsten Aspekte der menschlichen Realität hervorzuheben. Siehe auch Caravaggio in Neapel und Neapolitanische Malschule (c.1600-56).

Zu Beginn des Jahres 1607 war Caravaggio auf Malta, wo er für den Johanniterorden zwei Porträts von Alof de Wignacourt malte (von denen eines von einigen Behörden mit dem Porträt im Louvre identifiziert wurde), ein Enthauptungsbild des hl Baptist und ein hl. Hieronymus für die Johanneskathedrale in Valletta. Für diese Werke wurde Caravaggio zum Ritter des Ordens ernannt, dessen Ehre er für gewalttätiges Verhalten beraubt wurde. Nach einem Aufenthalt in Neapel kehrte Caravaggio zu den Themen zurück, die ihn vor seiner Flucht aus Rom beschäftigt hatten, und bereicherte sie mit einem neuen Interesse für das Bildmaterial. (Hinweis: Weitere Informationen zu Caravaggios neapolitanischen Werken finden Sie unter: Malen in Neapel und Neapolitanische Barockkunst : 1650-1700.)

Tod

Auf die gleiche Weise setzte er seine Reise in Sizilien fort, wo er im Oktober 1608 landete. Während seiner Wanderungen, die nach einer Überquerung des Meeres mit seinem Tod an einem Strand in Latium am 18. Juli 1610 auf tragische Weise endeten, schuf er Meisterwerke wie The Burial of St. Lucy (1608, Museo Bellomo, Syrakus), Auferweckung des Lazarus (1608-9, Museo Regionale, Messina) und Anbetung der Hirten (1608-9, Museo Regionale, Messina), Geburt Christi mit den Heiligen Franziskus und Laurentius (1609, Kirche San Lorenzo, Palermo), ein Salome mit dem Haupt des hl. Johannes des Täufers (1609-10, National Gallery, London) und wahrscheinlich der hl. Johannes des Täufers (1610) in der Galleria Borghese in Rom. Die genauen Umstände seines Todes sind nicht klar, es könnte ein Fieber gewesen sein, es könnte eine weitere Schlägerei gewesen sein. Caravaggio war erst 38 Jahre alt, als er starb, seine Karriere als Maler hatte kaum mehr als ein Jahrzehnt gedauert.

Karavaggismus

Caravaggios Stil von Gemälde war ziemlich revolutionär. Nicht zuletzt deshalb, weil er sich nicht an die strikte Trennung zwischen "High Art" und "Genre" hielt, die seit der Renaissance eine strikte Trennung zwischen religiöser und populärer Kunst bewahrt hatte. Ganz gleich, ob es sich um eine religiöse Geschichte oder ein Porträt handelte, Caravaggio war ein hervorragender Beobachter von Menschen und Alltagsgegenständen. Seine Figuren sind so schön oder hässlich wie die durchschnittlichen Menschen, denen man normalerweise auf der Straße begegnet. Der Betrachter wird in diesen Bildern jedoch nicht wirklich mit Szenen des italienischen Alltags konfrontiert, sondern mit einer stark individualisierten Lebensauffassung und einer künstlichen Welt, die im Atelier des Künstlers arrangiert wurde. Letzteres wird durch die für Caravaggios gesamtes Schaffen typischen extremen Lichtkontraste unterstrichen. Hell erleuchtete, glatte Farbflächen bilden einen scharfen Kontrast zu dunklen Schatten in einer Weise, wie sie noch nie zuvor gesehen worden war, und es dominieren deutliche und irdische Töne. Caravaggios Naturalismus war etwas Neues und wurde von der überwiegenden Mehrheit seiner Zeitgenossen schlecht verstanden. Außerdem war Caravaggio nicht zufrieden damit, seinen Heiligen das Aussehen der Modelle zu geben, die er von der Straße abgeholt hatte; Es wurde sogar gemunkelt, dass er einem Bild der Jungfrau das Gesicht einer seiner Geliebten gab. Diese Weltlichkeit beunruhigte die frommen Kirchgänger jener Zeit – sie waren es gewohnt, Madonnen von überirdischer Schönheit zu sehen. Der realistische Stil von Caravaggios religiösen Gemälden stellte nach Ansicht der katholischen Kirche einen Skandal dar, der den Künstler verdächtigte, die sakrale Kunst für seine eigenen egoistischen Zwecke einzusetzen, und sie damit ihrer Würde beraubte.

Die Revolution, die Caravaggio in Fragen der Form und der Ikonographie durchführte – und die von Befürwortern des Caravaggismus propagiert wurde -, war das Ergebnis einer radikalen Veränderung des Verhältnisses zwischen Maler und Welt. Sein Einfluss war umso größer, als er auf ein allgemeines Bedürfnis nach Erneuerung und Veränderung reagierte und dies auf höchst originelle, individuelle und sensible Weise erreichen konnte. Sein Beispiel führte zur Etablierung einer Reihe von Formeln – naturalistische Darstellung von Objekten, lebensgroße Figuren, Beleuchtung von außerhalb des Bildes und die expressive Verwendung von Tenebrismus und Helldunkel , die von seinen Anhängern aufgegriffen und verbreitet wurden.

Zu Caravaggisti gehörten italienische Künstler wie Orazio Gentileschi (1563-1639), Carlo Saraceni (1579-1620) und Bartolomeo Manfredi (1582-1622). In Neapel, wo Caravaggios Einfluss aufgrund des lokalen Ruhms besonders stark war, schlossen seine Anhänger den Spanier ein Jusepe Ribera (1591-1652) sowie Battistello Caracciolo (1578-1635) und Mattia Preti (1613 & ndash; 99).

Andere Anhänger waren die niederländischen Maler, Gerrit van Honthorst (1592-1656) und Hendrik Terbrugghen (1588 & ndash; 1629); Das Deutsch Adam Elsheimer (1578 & ndash; 1610); die spanischen Maler Zurbaran (1598-1664) und Diego Velazquez (1599 & ndash; 1660).

In Frankreich waren seine Anhänger die Französische Barockkünstler Moise Le Valentin (1591-1632), Simon Vouet (1590-1649) Georges de La Tour (1593-1652) und Nicolas Tournier (1599-1649) sowie Joseph Wright von Derby (1734-97) und viele andere. Sie wurden auch kollektiv als Caravaggesque-Maler bezeichnet, obwohl Caravaggio selbst nie den Wunsch hatte, eine Schule zu gründen.

Sein Einfluss auf die europäische Malerei reichte von der Übernahme seiner Geisteshaltung bis zur engen Einhaltung seines Bildstils. Seine Behandlung von Licht und Schatten belebte die italienische Malerei, indem er die dreidimensionale Qualität von Figuren verbesserte. Darüber hinaus konnten Künstler den Fokus des Gemäldes kontrollieren und so seinen dramatischen Inhalt erhöhen. In den Händen eines Meisters wie Rembrandt führte dies zu einer stärkeren Charakterisierung und emotionalen Tiefe. Caravaggism wurde von voll ausgenutzt Niederländische realistische Künstler und bis zum 17. Jahrhundert Spanische Barockkünstler Arbeit an religiösen Geschichtsmalerei in Bezug auf die katholische Gegenreformationsbewegung.

Ablehnen

In den späten 1620er Jahren geriet der Karavaggismus in Rom zum ersten Mal außer Mode, während er anderswo in Italien, insbesondere auf Sizilien, fortdauerte. In Flandern, im niederländischen Utrecht und in Ostfrankreich blieb es bis weit in die 1650er Jahre hinein beliebt. Caravaggios eigener Ruf nahm im 18. Jahrhundert ab, wurde aber im 19. Jahrhundert wiederbelebt.

Ruf

Trotzdem faszinierte Caravaggios poetischer Realismus Maler des 19. Jahrhunderts Gustave Courbet (1819-77), Edouard Manet (1832-83) und Paul Cezanne (1839-1906) wurden seine Leistungen erst in den 1920er Jahren von den Kritikern, einschließlich des bedeutenden Kunstwissenschaftlers der Renaissance, angemessen untersucht Bernard Berenson (1865-1959) und insbesondere vom italienischen Kunsthistoriker und Gelehrten Roberto Longhi (1890-1970), der seinen Stil und seine Rolle in der europäischen Malerei definierte. Longhi setzte ihn unter andere große europäische Maler in Kunstgeschichte wie Jan Vermeer und Rembrandt, die schreiben, dass "mit Ausnahme von Michelangelo kein anderer italienischer Maler einen so großen Einfluss ausgeübt hat". Was mit Caravaggio beginnt, ist ganz einfach moderne Malerei.

Werke von Caravaggio sind im zu sehen beste Kunstmuseen weltweit.