Eine Allegorie mit Venus und Amor, Bronzino:
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Beschreibung

Name: Eine Allegorie von Venus und Amor (1540-50)
Künstler: Agnolo Bronzino (1503-72)
Medium: Öl auf Holzplatte
Genre: Mythologische Malerei
Bewegung: Manierismus
Ort: National Gallery, London

Für die Bedeutung anderer berühmter Meisterwerke
bitte sehen: Berühmte Gemälde analysiert (1250-1800).

Hintergrund

Bronzino, am Hofe des Herzogs von Florenz tätig – Cosimo de ’Medici (1519-74), später von Papst Pius V. zum Großherzog der Toskana ernannt Medici-Familie in Florenz Cosimo war wie Lorenzo der Prächtige (1449-92) kein Kenner der Florentiner Renaissance obwohl er den propagandistischen Wert der Kunst sowohl für seine Familie als auch für die Stadt verstand. Bronzino – unterrichtet von Pontormo (1494-1556) und inspiriert von Michelangelo (1475-1564) – wurde 1540 zum Hofmaler der Medici ernannt und wurde bekannt für seine Renaissance-Porträts (von Cosimo, seiner Familie und Mitgliedern des Hofes wie Bartolomeo und Lucrezia Panciatichi) sowie seiner religiöse Gemälde und Altarbilder. Sein besonderer Stil von Manieristische Malerei – die über die Genres hinweg konsistent blieb – bewusst cool und gelehrt war, um ein kultiviertes, höfisches Publikum anzusprechen, das visuelle Rätsel liebte. Cosimo beauftragte eine Allegorie mit Venus und Amor als Geschenk für König Franz I. von Frankreich – bekannt für seine lustvollen Abenteuer -, dessen eigener Hof in Fontainebleau ein aktives Zentrum war Manieristische Künstler Auch Italiener mögen Francesco Primaticcio (1504-70) und Rosso Fiorentino (1494-1540). Weitere Informationen finden Sie unter: Fontainebleau School of Manierist Art (c.1528-1610).

Diese Tafelmalerei, auch bekannt als "Venus, Amor, Torheit und Zeit" und "Ein Triumph der Venus", wurde absichtlich als komplexe erotische Allegorie entworfen, die eine Reihe von ikonografischen Symbolen und Emblemen aus der Welt der Mythologie enthielt. Gleichzeitig bietet seine Komposition Bronzino reichlich Gelegenheit, seinen Virtuosen zu demonstrieren figur malerei und Porträtkunst.

Das Bild symbolisiert die Folgen der unkeuschen Liebe. Ihre Hauptfigur – Venus , die Göttin der Liebe – (identifiziert durch ihre Tauben und den goldenen Apfel, der ihr von Paris gegeben wurde) entwaffnet ihren Sohn Amor (identifiziert durch seine Flügel und Köcher), indem sie seinen Pfeil wegnimmt, während sie sich inzestuös umarmen. Beide sind nackt.

Andere Charaktere verkörpern Konzepte, die mit den Gefahren der körperlichen Liebe verbunden sind. Das nackte Kind (" Pleasure ") duscht Venus und Cupido mit Rosenblättern, die den Schmerz (der Liebe) des Dorns, der seinen rechten Fuß durchbohrt, nicht bemerken. Hinter ihm bietet eine Kreatur (" Täuschung ") mit dem Kopf eines Mädchens, aber dem Körper eines Tieres Venus mit einer Hand eine süße Wabe an, während sie mit der anderen den Stachel in ihrem Schwanz versteckt. In der Zwischenzeit steht hinter Cupid (links) eine dunkle schreiende Gestalt, die entweder " Eifersucht " oder vielleicht die Auswirkungen der " Syphilis " symbolisiert, die Mitte des 16. Jahrhunderts epidemische Ausmaße angenommen hatte. Die Abbildung oben links im Bild zeigt " Oblivion " (dargestellt mit einem hohlen Kopf, der sich an nichts erinnern kann), der versucht, einen Schleier über die Ereignisse unten zu ziehen. Der glatzköpfige Mann (" Time ") mit der Sanduhr auf dem Rücken (oben rechts) hält sie jedoch davon ab – eine Anspielung vielleicht auf die fatale Langzeitwirkung der Syphilis oder einfach auf die Vergänglichkeit allen körperlichen Vergnügens. Die letztgenannte Interpretation passt zur Symbolik der Sanduhr, einem gemeinsamen Memento Mori, das einen Höhepunkt in der Vanitas Malerei des 17. Jahrhunderts.

Beachten Sie auch den artigen und klaustrophobischen Platzmangel, bei dem sich die verschlungenen Figuren gegeneinander pressen sowie die Bildebene. Das schönste Werk liegt zweifellos in der Komposition der Gesichter, in ihrer Kälte im Alabaster-Stil sowie im Schimmern Farbe der Hintergrundvorhänge.