Chinesische Kunst: Merkmale, Geschichte Automatische übersetzen

Durch Berge, Wüsten und Ozeane von anderen Zentren der menschlichen Evolution abgeschnitten, entwickelte China seine eigene autarke, aber hoch entwickelte Zivilisation, die sich durch eine bemerkenswerte Kombination aus fortschrittlicher Technologie, alter Kunst und kulturellem Bewusstsein auszeichnete. Die ältesten Keramiken der Welt – sind zum Beispiel die Xianrendong Höhlenkeramik aus der Provinz Jiangxi und die Yuchanyang Höhlenkeramik aus Hunan. Diese einflussreiche keramische Entwicklung verbreitete sich nach Sibirien – siehe Keramik des Amur-Flussbeckens (14.300 v. Chr.) – und nach Japan in Form von Jomon -Töpferei (14.500 v. Chr.). Seltsamerweise gibt es bisher kaum Belege für eine bedeutende Tradition der Felskunst auf dem chinesischen Festland.

Das ursprüngliche Zentrum der chinesischen Kultur lag entlang des großen Gelben Flusses, der die nordchinesische Ebene durchquert, wo stabile Siedlungen bis mindestens 4000 v. Chr. zurückreichen. Für weitere Einzelheiten siehe: Neolithische Kunst in China (7500-2000 v. Chr.). Archäologische Funde – vor allem aus den Grabhügeln wohlhabender Leute – zeigen, dass die Chinesen ab etwa 2500 v. Chr. Seidenraupen züchteten, fein gearbeitete Werkzeuge besaßen und eine breite Palette an kulturellen Artefakten herstellten.

Danach, zwischen 2500-100 v. Chr., beherrschten chinesische Künstler zahlreiche Formen der bildenden Kunst, einschließlich chinesischer Keramik (die in China um 10.000 v. Chr. entstand und zu der auch chinesisches Porzellan gehört); Jadeschnitzerei und andere Metallarbeiten und Schmuck ; Bronzearbeiten (hauptsächlich zeremonielle Gefäße); buddhistische Skulpturen und weltliche Terrakotta-Skulpturen (siehe z. B. den Artikel über China). Siehe zum Beispiel den Artikel über die chinesische Terrakotta-Armee) ; chinesische Malerei und Kalligraphie ; und solche Handwerke wie die Lackiererei.

Zusätzlich zu den Künsten hatte China eine eigene Geschichte wissenschaftlicher und technischer Erfindungen, von denen viele aus dem Osten nach Europa gelangt waren. Darüber hinaus hatte die Hochkultur Chinas um 1800 v. Chr. auch ein Schriftsystem entwickelt, das noch heute die Grundlage der modernen chinesischen Schrift ist. Siehe auch: Chronologie der prähistorischen Kunst (2,5 Millionen - 500 v. Chr.). Zur Kunst des indischen Subkontinents, siehe: Indien, Malerei und Bildhauerei .

Chinesische Dynastien: eine einfache Chronologie

China geht auf seine Dynastien zurück, ein Wort, das von westlichen Historikern aus einer griechischen Wurzel geprägt wurde und „Macht, Stärke oder Herrschaft“ bedeutet. Aufeinanderfolgende Wellen von Invasoren kamen aus der zentralasiatischen Landmasse, aus den Steppen und eroberten, herrschten und assimilierten sich. Die verschiedenen Künste entwickelten sich in China je nach den Interessen und dem Mäzenatentum der einzelnen Dynastien und den Launen der regionalen Herrscher. Die Handelsbeziehungen mit den ostasiatischen Nachbarn waren ebenfalls ein wichtiger Anreiz für die Entwicklung der chinesischen schönen Künste, insbesondere der Töpfer- und Lackkunst.

Merkmale der chinesischen Kunst

Metaphysischer, taoistischer Aspekt
Seit der Zeit der prähistorischen Kunst hat die chinesische Gesellschaft, die bis zum 20. Jahrhundert fast ausschließlich landwirtschaftlich oder ländlich geprägt war, dem Verständnis und dem Zusammenleben mit der Natur stets große Bedeutung beigemessen. Die Natur wurde als eine sichtbare Manifestation der schöpferischen Kräfte Gottes wahrgenommen, die sich das Zusammenspiel der Lebenskräfte Yin (weiblich) und Yang (männlich) zunutze macht. Der Hauptzweck der chinesischen Kunst, der anfänglich auf Besänftigung und Opferung ausgerichtet war, entwickelte sich bald zum Ausdruck des menschlichen Verständnisses dieser Lebenskräfte in verschiedenen Kunstformen, einschließlich Malerei (insbesondere Landschaften, Bambus, Vögel und Blumen), Keramik, Reliefs und dergleichen.

Die Chinesen glaubten auch, dass die vom Künstler geschaffene Energie und der Rhythmus eng mit der zugrundeliegenden Quelle dieser Energie verbunden sind. Sie glaubten, dass die Kunst – insbesondere die Kalligraphie und die Malerei – in der Lage war, die Seele des Künstlers zu erfrischen oder sie spirituell festzuhalten, je nach der Harmonie ihrer Ausübung und dem Charakter der Person selbst. Siehe auch: Traditionelle chinesische Kunst: Merkmale .

Moralischer, konfuzianischer Aspekt
Die chinesische Kunst hatte auch soziale und moralische Funktionen. Die frühesten Fresken stellten zum Beispiel gütige Kaiser, weise Minister, loyale Generäle und ihre bösen Gegenspieler als Beispiele und Warnungen für die Betrachter dar. Die Porträtkunst hatte eine ähnliche moralische Funktion, die nicht so sehr die Gesichtszüge oder die Figur des Dargestellten, sondern seinen Charakter und seinen Status in der Gesellschaft hervorheben wollte.

Inspirierend, aber nicht religiöser Natur
Hofmaler wurden oft beauftragt, glückverheißende Ereignisse und Gedenktage darzustellen, aber religiöse Malerei auf hohem Niveau ist in der chinesischen Kunst unbekannt. Selbst der Buddhismus, der die Entstehung vieler Meisterwerke anregte, wurde importiert. Vor allem aber waren die in der traditionellen chinesischen Kunst verwendeten Themen fast immer edel oder inspirierend. So wurden allzu realistische Themen wie Krieg, Tod, Gewalt, Martyrium oder sogar Nacktheit vermieden . Außerdem trennt die chinesische Kunsttradition nicht zwischen Form und Inhalt: Es reicht beispielsweise nicht aus, dass die Form exquisit ist, wenn das Thema nicht lehrreich ist.

Innere Essenz, nicht äußere Erscheinung.
Im Gegensatz zu westlichen Künstlern waren chinesische Künstler nicht daran interessiert, die Natur abzubilden oder eine realistische Darstellung (z. B.) einer Landschaft zu schaffen. Stattdessen konzentrierten sie sich darauf, das innere Wesen des Motivs zum Ausdruck zu bringen. Denken Sie daran, dass Felsen und Bäche als „lebende“ Objekte betrachtet wurden, als sichtbare Manifestationen der unsichtbaren Kräfte des Kosmos. Die Aufgabe des Künstlers bestand also darin, die geistigen und nicht die materiellen Eigenschaften des Objekts zu erfassen.

Symbolismus in der chinesischen bildenden Kunst
Die chinesische Kunst ist voll von Symbolismus, da die Künstler gewöhnlich versuchen, einen Aspekt der Ganzheit darzustellen, den sie intuitiv erkennen. Darüber hinaus ist die chinesische Kunst voller besonderer Symbole: Bambus steht für den Geist, der durch die Umstände gebogen, aber nicht gebrochen werden kann; Jade steht für Reinheit; Drache symbolisiert oft den Kaiser; Kranich, langes Leben; Entenpaar, Treue in der Ehe. Zu den Pflanzensymbolen gehören die Orchidee, ein weiteres Symbol für Reinheit und Treue, und die Kiefer, die Ausdauer symbolisiert. Einige Kunsthistoriker ziehen es jedoch vor, die chinesische Kunst im Wesentlichen als expressionistisch und nicht als symbolisch zu beschreiben.

Einfluss des Amateurkünstlers
Während der Zeit der Streitenden Reiche und der Han-Dynastie brachte das Wachstum der Handels- und Grundbesitzerklassen eine wachsende Zahl von Kunstliebhabern und Mäzenen hervor, die über freie Zeit verfügten. Dies führte im 3. Jahrhundert n. Chr. zur Entstehung einer Elite von Amateurgelehrten, die sich mit den Künsten der Poesie, Kalligraphie, Malerei und einer Reihe von Handwerken beschäftigten. Diese Amateure neigten dazu, auf die vom kaiserlichen Hof und anderen regionalen oder zivilen Behörden beschäftigten professionellen Künstler der unteren Klasse herabzusehen. Diese Aufteilung der Künstler hatte in der Folge erhebliche Auswirkungen auf den Charakter der chinesischen Kunst. Ab der Song-Dynastie (960-1279) wurden Künstler eng mit immer raffinierteren Formen der Tusche und Zeichnung, der Kalligraphie, verbunden, und ihre Arbeit wurde zu einem wichtigen Tauschmittel in einer sozialen Wirtschaft, in der das Schenken ein wichtiger Schritt zum Aufbau persönlicher Kontakte war. Ebenso wie die Fähigkeit, Briefe zu schreiben oder Gedichte zu dichten, trug die Fähigkeit, sich in Kalligraphie und Malerei auszuzeichnen, dazu bei, den eigenen Status in einer gebildeten Gesellschaft zu etablieren.

Geschichte der chinesischen Kunst

Eine Liste von Daten zur Kunst und Kultur in China (sowie in Korea und Japan) finden Sie unter: Chronologie der chinesischen Kunst (18.000 v. Chr. – bis zur Gegenwart). Siehe auch: Kunst der ältesten Steinzeit: 100 beste Werke .

Bronzezeitliche Kunst während der Shang-Dynastie (1600-1050 v. Chr.)

Die Shang-Dynastie wurde als mythisch angesehen, bis 1898 im Nordwesten Chinas Ochsenklingen mit Inschriften entdeckt wurden. (Siehe aber auch: „Kultur der Xia-Dynastie“ ca. 2100-1600.) In derselben Region, in der Nähe von Anyang, wurden zahlreiche Bronzegefäße mit Inschriften in altchinesischer Schrift entdeckt. Durch deren Entzifferung und Vergleich konnten die Wissenschaftler die Geschichte der Shan-Gesellschaft mit den Namen und Daten der Könige in Einklang bringen. Es handelte sich um einen losen Zusammenschluss von Stadtstaaten, deren Bronzewaffen es ihnen ermöglichten, das Hoang-ho-Tal (oder Huang-he-Tal, Gelber Fluss) und das Tal entlang seines Nebenflusses Wei zu beherrschen.

In vielerlei Hinsicht ähnelten die Shang den von Homer gepriesenen mykenischen Fürsten. Ihre Bronzevasen und -gefäße – die wichtigste Errungenschaft der Kunst der Shang-Dynastie – wurden sowohl durch direkten Guss als auch durch die Methode des cire-perdue (verlorenes Wachs) hergestellt. Sie wurden von Königen und ihren Dienern für Rituale und Opferzeremonien verwendet. Die Inschriften, die sie tragen, geben den Namen des Besitzers und des Herstellers sowie den Zweck der Zeremonie an. Die Gefäße wurden mit ihren Besitzern begraben und nehmen je nach Bodenbeschaffenheit eine grüne, blaue oder rote Patina an. Sie lassen sich in drei Hauptkategorien einteilen: Gefäße zum Kochen, einschließlich ritueller Speisen, Gefäße zum Erhitzen oder Gießen von Hirse und Gefäße für rituelle Waschungen. Es handelt sich um nützliche und funktionelle Gegenstände, was sie jedoch nicht davon abhält, prächtige Kunstwerke zu sein. Ihr ritueller Zweck und ihre magischen Anklänge erklären den symbolischen Charakter der frühen Dekoration: Motive aus der Tierwelt wie Drache und Zikade (Leben und Fruchtbarkeit) oder das fabelhafte tao-tieh, das an eine Mischung aus Stier und Tiger erinnert, wurden hauptsächlich verwendet.

Ab 1986 machten Archäologen eine Reihe sensationeller Entdeckungen an der archäologischen Stätte Sanxingdui in der Nähe der Stadt Nanxing, Kreis Guanhan, Provinz Sichuan. Zu diesen Funden gehören zahlreiche monumentale Beispiele von Bronzeskulpturen aus der Shang-Dynastie (1700-1050), die mit Kohlenstoff auf ca. 1200-1000 v. Chr. datiert wurden. Sie offenbaren eine fortgeschrittene Sanxingdui-Kultur, die sich im Gegensatz zu allen bisherigen historischen Forschungen offenbar unabhängig von anderen Kulturen am Gelben Fluss entwickelt hat. Siehe: Sanxingdui-Bronzen (1200-1000 v. Chr.).

Eine weitere Errungenschaft der Shang-Dynastie war die Erfindung der Kalligraphie, die um 1700 v. Chr. erfolgte. Ebenfalls in Mode war die Aquarellmalerei, die um 4000 v. Chr. entstanden sein soll. Zu den vergleichenden Künsten dieser Zeit siehe: Mesopotamische Kunst (ca. 4500-539 v. Chr.) und die spätere Ägyptische Kunst (3100 v. Chr. – 395 n. Chr.).

Die Kunst der Eisenzeit der Zhou-Dynastie (1050-221 v. Chr.)

Die Shang-Länder wurden von den Zhou-Hochlandbewohnern aus dem Westen beherrscht, die 1027 v. Chr. die Hauptstadt Anyang einnahmen. Die Kunst der Zhou-Dynastie nahm viele Anleihen bei der Shang-Kultur und stellte Gefäße desselben Typs her, allerdings mit einigen Unterschieden. Die stilistische Entwicklung vollzog sich allmählich, und nennenswerte Veränderungen traten erst auf, nachdem die Zhou 722 v. Chr. nach Osten in eine neue Hauptstadt, Luoyang, gezogen waren. Die Hochreliefskulptur mit Shang-Motiven wich Basrelief und Registern. Die Ornamente wurden zunehmend geometrisch, bis sie sich zu Mustern mit Flügeln und Spiralen sowie Haken und Spiralen entwickelten.

Mit den Geräten der Eisenzeit wurde es möglich, Einlegearbeiten in Gold und Silber einzuführen. Dies war die Zeit der Streitenden Staaten (ca. 475-221 v. Chr.), als der Zhou-Staat in rivalisierende Feudalgebiete zerfiel. Konfuzius, der früh in dieser Zeit starb, war ein herausragender Moralist und eine Zeit lang ein erfolgloser Berater eines der Zhou-Herrscher. Er war ein umherziehender Lehrer und hielt Vorträge über politische Ethik, Gewaltlosigkeit und kindliche Ehrerbietung. Seine Lehren wurden viel später in den Analects zusammengefasst, einer Sammlung von Zitaten, die zum Evangelium einer allmächtigen Klasse gelehrter Beamter wurde und bis heute geblieben ist, und die den chinesischen Verhaltenskodex tiefgreifend geprägt hat.

Taoismus

Unter den „Hunderten von philosophischen Schulen“, die die herrschenden Klassen Chinas während der Zeit der Streitenden Reiche ansprachen, war die bemerkenswerteste wohl die des Tao (Daoisten). Tao bedeutet der Weg oder das universelle Prinzip. Der Taoismus – ist eine Lebenseinstellung, kein System. Er setzt Harmonie mit der Natur voraus und lehnt alle Dogmen und restriktiven Moralvorstellungen ab. Seine berühmtesten Theoretiker waren Lao Tzu, ein rätselhafter Autor, der sich in paradoxen Aussagen ausdrückte, und Zhuangzi (Zhuang-tzu) (ca. 350-275 v. Chr.), der die Beweggründe der Menschen aufzeichnete. Für manche scheinen diese Philosophen das Beste aus Christentum, Zen-Buddhismus und Yoga zu vereinen. Der Taoismus sollte einen großen Einfluss auf die chinesische Malerei haben.

Kaiser Qin und die Drei-Jahres-Dynastie (221-206 v. Chr.)

Politische Wirren beendeten die Diktatur (221-206 v. Chr.) des Kaisers Qin Shihuang, der aus dem Staat Qin (früher Chin, daher der Name China-China) stammte. Er besiegte den Feudalismus und ersetzte die Feldkommandeure durch Beamte oder Kommissare. Seine Berater gehörten der Schule der Legalisten an, die die Autorität des Staates durchsetzten. Die Traditionen sollten vergessen und alle Bücher vernichtet werden, insbesondere die Schriften des Konfuzius. Die Kunst der Qin-Dynastie war im Vergleich zu ihren politischen und administrativen Aktivitäten unbedeutend. Qin Shihuang gab China eine einheitliche Verwaltung und ein einheitliches Straßensystem, er baute Kanäle und erweiterte die Grenzen Chinas. Er gab auch eine riesige Serie von Terrakotta-Figuren in Auftrag, die als Terrakotta-Armee bekannt sind (ca. 246-208 v. Chr.). Die Herstellung der 8.000 Statuen dauerte etwa 38 Jahre und erforderte etwa 700.000 Handwerker und andere Arbeiter.

Nach dem Tod von Qin Shihuang und einer Zeit des Bürgerkriegs bestieg der mächtige Bandit Liu Pang den Thron und gründete die langlebige Han-Dynastie, die Konfuzius rehabilitierte, aber Qin Shihuangs Verwaltungsreformen beibehielt und China mit einer zentralisierten Verwaltung regierte.

Kunst der Han-Dynastie (206 v. Chr. – 220 n. Chr.)

Während der Ära der Kunst der Han-Dynastie herrschte in der bildenden Kunst eine neue, naturalistische Auffassung vor. Besonders deutlich wird dies bei den Bronze- und Keramikfiguren, die als min-chi bezeichnet werden und die man mit den Toten in den Gräbern begrub. Die Chinesen glaubten an ein Leben nach dem Tod und umgaben sich gerne mit Bildern von vertrauten Dingen, vor allem solchen, die ihnen auf Erden Freude bereiteten, wie Hunde und Pferde, Tänzerinnen und Konkubinen. Anhand dieser Figuren können wir genau nachvollziehen, wie die Menschen der Han-Dynastie gekleidet waren, was sie aßen, welche Werkzeuge sie benutzten, welche Spiele sie spielten, welche Haustiere sie aufzogen und wie die Häuser aussahen, in denen sie lebten. Viele der Figuren sind mit Bleiglasur überzogen, andere sind bemalt. Alle sind interessant, und ihre stilisierte Eleganz ist oft auffallend schön. Bronzevasen wurden in großer Zahl hergestellt, ebenso Bronzefiguren von Menschen und Pferden, die den gleichen stilisierten Naturalismus aufweisen wie die Keramikfiguren. Dies war eine hervorragende Zeit für die Entwicklung der chinesischen Lackwaren, der Jadeschnitzerei und der Herstellung von Seidenstoffen.

Malerei und Druckerei der Han-Dynastie

Seide (Frucht des Maulbeerbaums) wurde in China eine Zeit lang angebaut, und Seide wurde zu einem chinesischen Monopol. Sie war ein wichtiges Exportgut nach Persien und in den Nahen Osten entlang der Karawanenrouten durch Zentralasien, die als „Seidenstraße“ bekannt sind. Die Han-Malerei und -Zeichnung auf Seide, Lack, Stein und Kacheln zeigt eine sehr lebendige Hand und eine große Leichtigkeit des Strichs. Gegen Ende der Regierungszeit (1. Jahrhundert n. Chr.) wurde die Technik der Papierherstellung entdeckt. Diese Technik leistete einen bedeutenden Beitrag zur Kunst, da sie ein billiges und weit verbreitetes Medium zum Zeichnen und Schreiben bereitstellte. Sie führte auch zur chinesischen Kunst des Papierfaltens (oder Zhezhi) und zur japanischen Kunst des Origami . Als später der Buchdruck erfunden wurde, besaßen die Chinesen die Möglichkeit, Gesetze und Literatur im ganzen Reich zu verbreiten. Die Sprachen waren vielfältig, aber die ideografische Schrift war im ganzen Land dieselbe. Dies erleichterte die Verwaltung und gab den Chinesen eine einheitliche Kultur. In ihrer kalligrafischen Form wurde die Schrift zu einer eigenständigen Kunst , einer Kunstform, die von den chinesischen Intellektuellen in höchstem Maße geschätzt wurde. Sie wurde zu einer Lebensform, die nur wenigen vorbehalten war, darunter Künstlern, Dichtern und Gelehrten, deren Kunst auf der Kalligrafie beruhte.

Buddhismus und Anarchie

Nach dem Niedergang der Han-Dynastie im Jahr 220 n. Chr. erlebte China während der Zeit der Sechs Dynastien (220-589) fast vier Jahrhunderte der Zersplitterung. Dieser Zustand des Chaos wurde durch Invasionen aus Nord- und Zentralasien noch verschlimmert. Hungrige Reiter aus den Steppen fühlten sich unwiderstehlich von einer Agrargesellschaft mit großen Städten angezogen. Sie übernahmen die überlegene chinesische Kultur, wurden assimiliert und führten einen sesshaften Lebensstil – der Prozess wiederholte sich mehrmals.

Zu den Invasoren des 6. Jahrhunderts gehörte ein zentralasiatisches Volk namens Tuoba, das die Wei-Dynastie gründete und die nördliche Hälfte Chinas von 386 bis 534 regierte. Ihr bedeutendster künstlerischer Beitrag zur Kunst der Sechs-Dynastien- -Periode (220-589) war die offizielle Übernahme des Buddhismus, einer aus Indien stammenden Religion, die schon seit einiger Zeit nach China eingedrungen war. (Anmerkung: Der Buddhismus tauchte in China bereits im ersten Jahrhundert n. Chr. auf, wurde aber erst um 300 n. Chr. in großem Umfang praktiziert). Sein Gründer, der lebende Buddha, lebte kurz vor Konfuzius an der nepalesischen Grenze. Der Buddhismus verbreitete sich über Gandhara entlang der Seidenstraße nach Osten. Schließlich erreichte er die chinesische Grenze, wo in den ausgedehnten Heiligtümern von Dunhuang und Yungang Wandmalereien und Spruchbänder sowie viele in dichten Reihen an Fels- und Höhlenwänden eingemeißelte Statuen gefunden wurden. Als Nichtchinesen nahmen die Wei den Buddhismus als eine Art Selbstbestätigung an. Die konfuzianische Elite hatte den Buddhismus immer als eine fremdartige und abergläubische Lehre betrachtet. Die chinesische buddhistische Kunst, einschließlich Malerei, Bildhauerei und Architektur, erlebte ihre Blütezeit während der Östlichen Jin-Dynastie (317-420), der Südlichen und Nördlichen Dynastie (420-581), der Sui-Dynastie (589-618) und den größten Teil der Tang-Dynastie (618-906).

Buddhistische Bildhauerei

Ohne chinesische buddhistische Skulptur gäbe es nur sehr wenig chinesische Steinskulptur . Die Mahayana- und Amitabha-Schulen des Buddhismus, die in China vorherrschend waren, verlangten die Darstellung des Buddha in seiner vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Form sowie von Bodhisattvas (angehende Buddhas) und Begleitern. Nach der Ausbreitung des buddhistischen Mönchtums verbreiteten sie sich im ganzen Land in Stein oder Bronze. Die Skulpturen der Wei, vor allem in den Höhlen des Lung-Volkes, sind von unübertroffener Schönheit: idealisierte, langgestreckte Figuren mit länglichen Köpfen und rätselhaftem Lächeln, im Schneidersitz sitzend, in langen Gewändern, die in rhythmischen Falten nach unten fallen, – die eigentliche Darstellung mystischer Glückseligkeit. Die Körperhaltungen, Gesten und Symbole waren Stereotypen indischen Ursprungs. Die Chinesen schienen im Buddhismus die Antwort auf das Problem des menschlichen Leidens, die Antwort der Liebe und des Gebets und die Hoffnung auf das Nirvana zu finden.

Die Kunst der Tang-Dynastie (618-906)

China wurde 589 n. Chr. von einem mächtigen General wiedervereinigt, der die Sui-Dynastie (589-618) gründete. Das politische und militärische Regime der Sui-Dynastie war fast vollständig vom Buddha inspiriert, und auf sie folgte die Tang-Dynastie (618-906), deren größter Führer, Kaiser Taizong (Tai-tsung), das Reich bis tief nach Zentralasien und Korea ausdehnte und allen Religionen und Rassen erlaubte, in einer Atmosphäre der Toleranz und intellektuellen Neugierde zu gedeihen. Die Hauptstadt Changan wurde zu einem großen kosmopolitischen Zentrum, ebenso wie Guangzhou (Kanton) und andere südliche Häfen. Muslime, Christen (Nestorianer) und Manichäer lebten Seite an Seite mit Buddhisten, Taoisten und Konfuzianern.

Auf Taizong folgte sein Sohn und eine fähige, aber wilde Konkubine, Kaiserin Wu, die den Buddhismus unterstützte und sogar in den Bann eines Rasputin-ähnlichen Mönchs geriet. Ihr Nachfolger, der konfuzianische Kaiser Hsuan-tsung, leitete einen äußerst glanzvollen Hof und gründete die Literaturakademie; er liebte Musik, Malerei und Poesie ebenso wie Pferde. Die Tang-Gesellschaft strotzte nur so vor Energie und Optimismus. Die Tang-Dynamik ist in allen Künsten zu spüren. Die vom indischen Gupta-Stil beeinflusste Steinskulptur zeigt abgerundete, konvexe Formen, die indisches Fleisch mit chinesischem linearen Rhythmus verbinden.

Die Wandmalereien von Dunhuang im Tang-Stil zeigen einen dynamischen Pinselstrich und die gleiche Formfülle in lebhaften Farben. Die weltlichen Grabmalereien sind sogar noch lebendiger; sie zeigen mächtige Männer und wohlhabende Frauen in weiten Gewändern und theatralischen Posen und zeugen von einer großen Lebensfreude. Nur wenige Gemälde auf Seide oder Papier haben überlebt – dies reicht aus, um die gleiche Liebe zu leuchtenden Farben und das Interesse an der Landschaftsmalerei zu bezeugen, die unter den nachfolgenden Dynastien Früchte trugen. Es war eine Zeit, in der die Dichtkunst, die eng mit der Malerei und der Kalligraphie verbunden war, ihre ersten Meisterwerke hervorbrachte, darunter Werke von Bai Ju (Po-chu-i), Ling-po und dem Maler Wang-wei.

In Bezug auf Schmuck und Edelmetalle, insbesondere Silber, ist der Einfluss der alten persischen Kunst erkennbar: Viele iranische Künstler ließen sich auf der Flucht vor den arabischen Eroberern in China nieder, aber wie bei allen anderen ausländischen Einflüssen wurde das Persische absorbiert und wurde unverkennbar chinesisch, in Geist und Verstand. Einige der schönsten Beispiele der dekorativen Kunst der Tang-Zeit sind in der Schatzkammer des Shoso-in im Todai-ji-Tempelkomplex in Nara, Japan, zu sehen. Tatsächlich ließen sich die Japaner schon damals von China inspirieren.

Wie sich die chinesische Kunst und das chinesische Kunsthandwerk in Ostasien verbreiteten, siehe: Koreanische Kunst (ca. 3000 v. Chr.).

Entwicklung der Tang-Malerei

Die chinesische Landschaftsmalerei wurde in der frühen Tang-Dynastie wiederbelebt, als die Künstler begannen, Landschaften in einem seltenen monochromen Stil zu schaffen – nicht so sehr, um die wahre Realität der Landschaft wiederzugeben, sondern um die Atmosphäre oder Stimmung eines Ortes einzufangen. Dreizehn Jahrhunderte später nutzten impressionistische Maler wie Claude Monet ähnliche Überlegungen, um eine ganz andere Art von Landschaft zu schaffen.

Außerdem kehrte die Figurenmalerei zurück . Künstler wie Zhou Fang stellten mit leuchtenden Farben und aufwendigen Details die Pracht des Tang-Hoflebens, den Kaiser, seine Palastdamen und Pferde dar. Im Gegensatz zu Zhou Fangs farbenprächtigem Stil verwendete der Daozi-Maler nur schwarze Tinte und glatte Striche, um so spektakuläre Tuschezeichnungen zu schaffen, dass sich Menschenmengen versammelten, um ihm beim Malen zuzusehen. Von da an galten Tuschezeichnungen nicht mehr als bloße Zeichnungen, die mit Farbe gefüllt waren, sondern sie wurden als vollständige Kunstwerke geschätzt.

Tang-Keramik und -Porzellan

Die modernen Keramiken und insbesondere die Grabfiguren ) min-chi) vermitteln uns ein lebendiges Bild der Tang-Gesellschaft: die von den Tang so sehr geschätzten Pferde, Kamele, Musiker, Gaukler, fahrende Händler, von denen viele durch fremde Gesichtszüge stark betont werden, Tänzer, Würdenträger und Generäle, Grabwächter und Erdgeister. Alle diese Zeitzeugen sind in einer reichen, polychromen, frei fließenden Glasur leuchtend gefärbt – eine neuere chinesische Erfindung, die aus Kupfer-, Eisen- und Kobaltoxiden besteht, ebenso wie Vasen und andere Gefäße aus Keramik oder Steingut. Sie sind rund, schön ausgeführt und immer perfekt ausbalanciert.

Zu dieser Zeit hatten die Chinesen eine andere ihrer Erfindungen wiederentdeckt und perfektioniert – die Kunst der Porzellanherstellung (eine harte, durchscheinende Ware, die bei hohen Temperaturen mit „chinesischem Stein“ (Petunce) und Feldspat geschmolzen wird). Diese Kunst ist seit der Shang-Dynastie (1600-1050 v. Chr.) verloren gegangen. Weißes Porzellan von höchster Qualität wurde in der Tang-Dynastie hergestellt und gelangte bald nach Japan, Persien und in den Nahen Osten.

China öffnete seine Grenzen nie weiter für den Außenhandel und fremde Ideen als in der Tang-Zeit, als die Handelsmarine florierte und chinesische Armeen in Westturkestan einfielen. Entlang der Seidenstraße sorgte eine Reihe von Oasenkönigreichen unter chinesischem Einfluss für einen wechselseitigen Fluss von Gegenständen und Ideen zwischen Ost und West. China verkaufte Porzellan, Seidenrollen und Kleidung und importierte im Gegenzug persisches Kobalt, metallurgische Methoden und stilistische Ideen. All dies hörte 751 n. Chr. auf, als die chinesische Armee bei Tallas in Turkestan eine vernichtende Niederlage gegen muslimische Invasoren erlitt, die Persien erobert hatten und in Zentralasien einmarschiert waren. Eine Verbindung zur Außenwelt blieb bestehen: die Häfen Südchinas mit ihren großen Kolonien ausländischer Kaufleute, aber diese wurden durch eine Welle des Nationalismus am Ende der Dynastie zerstört, und China begann eine Politik der Isolation, die bis in unsere Zeit andauerte.

Die Kunst der Song-Dynastie (960-1279)

Nach einer Zeit der Unruhen, die als Fünf-Dynastien-Periode (907-60) bekannt ist, vereinigte ein energischer General China wieder, indem er die Song-Dynastie gründete. Trotz der ständigen Bedrohung durch Invasionen entwickelte sich Kaifeng, die neue Hauptstadt, zu einem der exquisitesten Zentren der Zivilisation, vor allem während der Herrschaft des Künstlerkaisers Huizong, der von Künstlern umgeben war und eine beeindruckende Sammlung ihrer Werke anlegte. Er widmete der Kunst zu viel Zeit auf Kosten seiner Armee, denn in einem Blitzangriff überrannten die Dunhu-Barbaren, Zhurchen genannt, den Hof und zerstörten Kaifeng und die gesamte kaiserliche Kunstsammlung.

Ganz Nordchina fiel an die Jurchen. Die Überlebenden ließen sich in Hangzhou am Jangtse-Fluss im Süden nieder, wo sie ihr Streben nach Kultur und Schönheit fortsetzten, bis sie schließlich von dem mongolischen Ansturm überrollt wurden, der Asien bereits überrollt und Europa bedroht hatte.

Die vorherrschende Ideologie während der Song-Dynastie (960-1279) war der Neokonfuzianismus, eine Mischung aus den Ideen des Konfuzius und des Taoismus mit etwas buddhistischer Askese. Damit einher ging ein erneutes Interesse an den früheren Traditionen Chinas, den Schriften klassischer Autoren und eine starke antiquarische Neigung, die zum Kopieren von Shang- und Zhou-Bronzen führte. Der Buddhismus der Überzeugung Amitabhas war im Schwinden begriffen und degenerierte zum Aberglauben.

Aber eine neue spirituelle Sichtweise der dhan Philosophie (japanisches Zen) erschien auf der Bildfläche, in der der Mensch durch ein kurzes Aufblitzen der Intuition zur Harmonie mit sich selbst und der Natur kommt. Diese Ideologie sollte die Malerei, die Kalligraphie und die Keramik beeinflussen. Muki Fachang (Mu-chi) war einer ihrer berühmtesten Vertreter. Die Bildhauerei der Song-Dynastie knüpfte an die Tradition der Tang-Dynastie an, jedoch mit größerer Eleganz und einem meisterhaften Rhythmus fließender Linien, wie man an den Darstellungen des Bodhisattva Kuan-yin sehen kann, dem Geist der Barmherzigkeit, der für die Chinesen das wurde, was die Madonna für viele Europäer wurde.

Ein interessanter Vergleich mit Skulpturen aus der Song-Zeit in Südostasien sind die Statuen von Buddhas und Bodhisattvas im Khmer-Tempel von Angkor Wat (1115-1145) in Kambodscha aus dem 12.

Diese Künstler und Dichter waren auch große Liebhaber der Keramikkunst, da eine schöne vasenartige Jade sowohl ein Gedicht als auch ein Gemälde war. Keramiken waren sowohl für den Gebrauch als auch für die Betrachtung bestimmt. Ihre Qualität lag in der Ausgewogenheit zwischen ihrer auf das Wesentliche reduzierten Form und ihrer Glasur, mit der sie die visuellen und taktilen Sinne ansprach. Der Reichtum der Handwerkskunst, der ihre elegante Zurückhaltung untermauerte, befriedigte den konfuzianischen Geist. Überall in China wurden Brennöfen gebaut, die mit verschiedenen Tonen und Glasuren arbeiteten. Zu den berühmtesten gehörten diejenigen, die „rissige“ kuan „Ware“ und seltene Ware „jiu“ herstellten. Porzellan, wie die cremeweiße Ting-Ware oder die blassblaue Chingpai-Ware mit ihren geschnitzten Verzierungen, waren der Perfektion am nächsten.

Die Kunst der Yuan-Dynastie (1271-1368)

Die Mongolen, die in den 1270er Jahren in China einfielen und eine neue Yuan-Dynastie ausriefen, übernahmen schnell die chinesische Kultur. Der venezianische Kaufmann Marco Polo, der erste Europäer, der China besuchte (1275), hat eine Beschreibung des Hofes von Khubilai Khan verfasst. Der Mangel an offiziellem Mäzenatentum während der Yuan-Dynastie veranlasste viele chinesische Künstler und Kalligraphen, sich aus dem öffentlichen Leben zurückzuziehen und einen gelehrten und spirituellen Kunststil zu entwickeln. Die Yuan-Zeit war besonders berühmt für ihre Künstler, vor allem „die vier großen Meister“, die sich vom mongolischen Hof fernhielten. Neben den bildenden Künsten (zu denen auch die buddhistische Bildhauerei gehört) ist die Yuan-Periode auch für ihre dekorativen Künste bekannt, insbesondere für unterglasiertes Blau-Weiß-Porzellan, lackierte Waren und Jade.

Kunst der Ming-Dynastie (1368-1644)

Die Mongolen wurden durch einen Volksaufstand gestürzt, der von einem Hirten und Guerillaführer angeführt wurde, der die Ming-Dynastie mit ihrer Hauptstadt Nanjing gründete, die später nach Peking (Beijin) verlegt wurde. Der Ming-Hof war ebenso charmant wie der Tang-Hof, wurde jedoch von Korruption geplagt und durch interne Konflikte gelähmt. Die Malerei blühte weiter auf wie am Ende der Dynastie und wurde zu einer äußerst anspruchsvollen Kunst. Es entstanden weitere Malstile, darunter die Wu-Schule und die Zhe-Schule. Die Kunst der Ming-Dynastie ist jedoch vor allem für ihr weißes und blaues Porzellan berühmt, bei dem Kobaltblau unter einer transparenten Glasur auf die Masse aufgetragen wird. Später begannen die Keramiker, leuchtende Emaillen in drei bis fünf Farben zu verwenden. (Anmerkung: Emaille – vor allem Cloisonné-Emaille – wurde eine Spezialität der Ming- und Qing-Dynastien). Die Waren wurden mit Allegorien, taoistischen und buddhistischen Symbolen und einer Vielzahl von Vogel-, Blumen- und Drachenmotiven verziert. Ein Großteil der erhaltenen chinesischen Architektur stammt aus dieser Zeit, doch fehlt ihr die Phantasie der Song-Gebäude mit ihren auskragenden Gesimsen und Kragsteinen.

Kunst unter den Mandschus und der Qing-Dynastie (1644-1911)

Im Jahr 1644 nutzten die Mandschus im Norden die wirtschaftlichen und sozialen Unruhen in China. Sie waren ein militärisches Volk, das die chinesische Kultur bewunderte. Ihre Kaiser waren mächtige Männer, die das Land bis zum Ende des 19. Jahrhunderts mit starker Hand regierten, aber die chinesische Elite kam lange Zeit nicht mit den Mandschus zusammen. Dies schadete der Entwicklung der chinesischen Zivilisation zu einer Zeit, als die Europäer begannen, eine wichtige Rolle in Asien zu spielen.

Eine Reaktion auf die traditionellen Regeln der Malerei erfolgte während der Kunst- Ära der Qing-Dynastie, als die als „Individualisten“ bekannten Künstler begannen, einen freieren Stil des Piisma zu verwenden. Diese neue Methode wurde in den 1700er und 1800er Jahren gefördert, als wohlhabende Mäzene in Handelszentren wie Yangzhou und Shanghai damit begannen, Künstler zu beauftragen, kühne neue Gemälde zu schaffen.

Der Kangxi-Kaiser und der Qianlong-Kaiser werden jedoch immer mit Porzellanarten in Verbindung gebracht werden, die als famille-verte und famille-rose bekannt sind und von den Europäern mehr geschätzt werden als von den Chinesen, die subtile monochrome Farben bevorzugten. Bei Famille verte (auch Kangxi wucai oder Susancai genannt) werden Grün und Eisenrot mit anderen farbigen Glasuren verwendet. Für Famille rose (genannt Fencai oder Ruancai, d. h. „weiche Farben“, oder Yangcai, d. h. „fremde Farben“), wird hauptsächlich Rosa oder Violett verwendet. Dieses Porzellan war im 18. und 19. Jahrhundert sehr begehrt. Zwischen der Abdankung von Qianlong im Jahr 1795 und dem 20. Jahrhundert produzierte China weiterhin hochwertige Stücke, aber die Inspiration ließ nach und die Formen wurden mit dekorativen Details überladen.

Die Mode der pseudochinesischen Dekoration, bekannt als Chinoiserie, verbreitete sich im 17. und 18. Jahrhundert in Europa.

Es lohnt sich auch, über zwei große Künstler des ukiyo-e der Edo-Zeit in Japan zu lesen: Hokusai (1760-1849) und Hiroshige (1797-1858).

Die traditionelle chinesische Malerei geriet in den späten 1800er und frühen 1900er Jahren weiter unter Druck, als die Künstler zunehmend von der westlichen Kunst beeinflusst wurden, was zum Aufkommen der Ölmalerei in Festlandchina führte.

Chinesische Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts

Nach dem kommunistischen Umsturz von 1949 wurden viele der etablierten Traditionen der chinesischen Kunst als reaktionär bezeichnet. Neue Formen der modernen Kunst, die sich auf die Verherrlichung des Sozialismus konzentrierten, wie der sozialistische Realismus, erschienen in der Musik, der Literatur und der bildenden Kunst. Die Kulturrevolution von 1966 beschleunigte diesen Prozess. Trotz dieses politischen Modernismus prägt die traditionelle chinesische Kunst nicht nur weiterhin junge chinesische Künstler und inspiriert andere Künstler auf der ganzen Welt, sondern sie verbindet sich auch mit den experimentelleren Formen des zwanzigsten Jahrhunderts, um einen lebendigen Markt für zeitgenössische chinesische Kunst zu schaffen.

Zeitgenössische chinesische Kunst

Zeitgenössische Kunst in China – sind Werke, die nach der Kulturrevolution (1966-1966) entstanden sind. Trotz kurzer Perioden künstlerischer Freiheit behindert die Unsicherheit darüber, was „als offiziell akzeptabler“ Inhalt und Stil zu betrachten ist, immer noch viele Künstler in China. In jüngster Zeit herrscht bei den chinesischen Behörden eine Stimmung größerer Toleranz vor, wenngleich Zweifel bestehen bleiben. Die zeitgenössische chinesische Kunst umfasst in der Regel ein breites Spektrum an Formen, darunter Malerei, Bildhauerei, Film, Video, Fotografie, Installation und Performance sowie wiederbelebte Versionen der traditionellen Keramik. Das Entstehen neuer Geschäftsviertel, wie das 798 Art District in Dashanzi in Peking, hat sich für viele Kreative als vorteilhaft erwiesen. Im Jahr 2000 organisierte China die Shanghai-Biennale, und 2003 war eine Reihe chinesischer Künstler auf der Biennale von Venedig 2003 vertreten.

Einem Bericht von Artprice zufolge beliefen sich die Gesamteinnahmen der hundert erfolgreichsten chinesischen Künstler (die zumeist im China der Nach-Mao-Zeit aufgewachsen sind) in den Jahren 2003-2004 auf nur 860.000 £. Zwischen Juli 2007 und Juni 2008 verkauften dieselben hundert Künstler Gemälde, Skulpturen und andere Werke für stolze 270 Millionen Pfund. Davon erzielten drei Künstler jeweils mehr als 25 Millionen Pfund. Es überrascht nicht, dass zahlreiche Werke zeitgenössischer asiatischer Künstler heute in Galerien und Museen auf der ganzen Welt vertreten sind, und der bedeutende britische Kunstsammler Charles Saatchi hat seine neue Galerie in Chelsea mit einer Ausstellung zeitgenössischer chinesischer Künstler eröffnet.

2006 wurde Zhang Xiaogangs 1993 entstandenes Gemälde von Familienmitgliedern mit leeren Gesichtern aus der Mitte der 1960er Jahre für 2,3 Millionen Dollar verkauft. Zu den weiteren Kunstgeschäften der letzten Zeit gehören: der Kauf eines Gemäldes von 1964 „All Mountains Covered in Red“ für 35 Millionen HK$; der Kauf von Xu Beihongs Meisterwerk von 1939 „Put Your Whip Down“ für 72 Millionen HK$.

Berühmte zeitgenössische chinesische Künstler

Unter den zahlreichen talentierten Malern und Bildhauern aus der Volksrepublik China sind folgende zu nennen:

Zhang Xiaogang (geb. 1958).
Derzeit auf Platz fünf der Liste der weltweit besten zeitgenössischen Künstler 2008. Zhang Xiaogang – einer der Führer der chinesischen Bewegung des zynischen Realismus – ist bekannt für seine surrealistischen Gemälde, die von Pablo Picasso und Salvador Dali beeinflusst sind. Nennen Sie seine Gemäldeserie „Ancestry“, die formale monochrome Porträts von Chinesen zeigt.

Zeng Fanzhi (geb. 1964)
Zeng Fanzhi, der derzeit auf Platz 6 der Liste der weltweit besten zeitgenössischen Künstler steht, ist bekannt für seine figurativen Werke, die eine Kombination aus Expressionismus und Realismus darstellen, und für seine Serie ironischer Gemälde der Großen Männer, zu denen Mao, Karl Marx, Lenin und andere gehören.

Yue Minjun (geb. 1962)
Steht derzeit auf der Liste der weltweit führenden zeitgenössischen Künstler an siebter Stelle. Yue Minjun ist ein führender Vertreter der chinesischen Schule „des zynischen Realismus“. Er ist bekannt für seine bizarren und unverwechselbaren Doppelgänger-Serien.

Wang Guangyi (geb. 1957).
Steht derzeit auf Platz 9 einer Liste der weltweit führenden zeitgenössischen Künstler. Als Künstler „des politischen Pop“ kombiniert Wang Guangyi populäre Konsumlogos mit dem Stil und der Ästhetik kommunistischer Propagandaplakate. Die Saatchi Gallery beschreibt Wang Guangyi als einen Mixed-Media-Künstler, der die Sprache des Kalten Krieges der 1960er Jahre verwendet, um die zeitgenössische Polemik der Globalisierung zu erkunden.