Zeitgenössische Kunstbewegungen (1970-heute) Automatische übersetzen

Im Folgenden werden die wichtigsten Schulen und Stile der „Aktuellen Kunst“ aufgeführt, die seit Ende der 1960er Jahre entstanden sind. Da „Aktuelle Kunst“ den „Jugendstil“ abgelöst hat, wird sie auch als Postmoderne Kunst bezeichnet. Es ist jedoch zu beachten, dass der Übergang von der Moderne zur Postmoderne schrittweise erfolgte und in den 1960er Jahren stattfand . Die beiden Stile koexistierten also während dieser Zeit nebeneinander.

Außerdem ist zu beachten, dass einer der wichtigsten Unterschiede zwischen moderner und postmoderner Kunst darin besteht, dass die Bedeutung „des fertigen Produkts“ heruntergespielt wird. Das Ziel fast aller Modernen war es zum Beispiel, ein dauerhaftes und einzigartiges Kunstwerk zu schaffen, wie ein Gemälde, eine Skulptur, eine Zeichnung oder ein anderes Objekt. Im Gegensatz dazu sind postmoderne Künstler weniger an dieser Art von Produkt als vielmehr an den dahinter stehenden Ideen interessiert. Dies hilft, das Aufkommen neuer Kunstformen zu erklären - wie Installationen (einschließlich Klang- und Videoinstallationen), Konzeptualismus (eine breite Kategorie von „Kunst der Ideen“), Happenings (eine Art von Performance-Kunst), Videoinstallationen, Projection Mapping und offene Erdarbeiten (Umweltkonstruktionen) -, bei denen es entweder kein fertiges Produkt gibt, über das man sprechen könnte, oder es ist vergänglich und nur als „Ereignis“ festgelegt. Es ist bemerkenswert, dass in den letzten 20 Jahren der Turner Prize for Actual Art an 2 Maler, 0 Bildhauer und 10 Installateure verliehen wurde.

AKTUELLE KUNSTBEWEGUNGEN

Pop Art (seit den 1960er Jahren)

Die Pop Art war sowohl modernistisch als auch aktuell. Zunächst stellte sie eine modernere Realität dar, indem sie Bilder von Filmstars und anderen Berühmtheiten sowie von Massenkonsumgütern verwendete. Dies wurde jedoch schnell durch die postmoderne Betonung von Effekthascherei und Stil in den Hintergrund gedrängt. Siehe zum Beispiel unseren kurzen Leitfaden zu Andy Warhols Pop Art der sechziger Jahre.

Wortkunst und Wortmalerei (ab den 1960er Jahren)

Die Wortkunst war eine völlig neue Form der Malerei oder Bildhauerei, die sich textlicher Bilder bediente. Sie wurde mit Künstlern wie Robert Indiana (geb. 1928), Jasper Johns (geb. 1930), On Kawara (1932-2014), Barbara Kruger (geb. 1945) und Christopher Wool (geb. 1955) verbunden.

Konzeptualismus (ab den 1960er Jahren)

Die Konzeptkunst ist eine postmoderne Kunstbewegung, die auf dem Grundsatz beruht, dass Kunst ein „Konzept“ und kein materielles Objekt ist. Mit anderen Worten, die „Idee“, die ein Werk repräsentiert, wird als sein primärer Bestandteil betrachtet, und das „fertige Produkt“, wenn es überhaupt existiert, wird in erster Linie als eine Form der Dokumentation und nicht als ein Artefakt angesehen.

Die Ursprünge des Konzeptualismus gehen auf Dada und den Avantgardekünstler Marcel Duchamp aus dem frühen 20. Jahrhundert zurück, aber erst in den 1960er Jahren wurde er zu einer erkennbaren Bewegung und erhielt einen Namen. Die Konzeptkunst hat die Fähigkeit, Ideen sehr kraftvoll zu kommunizieren, so dass sie als beliebtes Medium für gesellschaftspolitische Kommentare diente. Indem sie die Notwendigkeit malerischer oder bildhauerischer Fertigkeiten oder gar handwerklicher Fähigkeiten im Allgemeinen herunterspielt, behält sie außerdem eine subversive Ausrichtung bei und stellt die gesamte Tradition des Kunstwerks als einzigartiges und wertvolles Objekt in Frage.

Einige Experten weisen darauf hin, dass das postmoderne Zeitalter mehr verlangt als die passive Erfahrung „der Betrachtung“ eines Kunstwerks und dass der Konzeptualismus eine interaktivere Erfahrung bietet. Ob dieser zusätzliche Unterhaltungswert dazu beiträgt, eine Idee „als Kunstwerk“ zu qualifizieren, ist eher fraglich. Für das Werk eines der ersten europäischen Konzeptkünstler siehe auch: Die postmoderne Kunst von Yves Klein (1956-62).

Ein Beispiel für dieses Thema ist die große Sammlung von Schuhen im Holocaust-Museum in Washington, DC, die den Opfern der nationalsozialistischen Konzentrationslager gehörten. Es wurde behauptet, dass dies die Merkmale eines konzeptionellen Kunstwerks hat, da der Gang an dem riesigen Haufen Schuhe vorbei uns hilft, die schreckliche Realität der Gaskammern zu verstehen. Das ist in der Tat wahr, aber offen gesagt macht es die Schuhe nicht zu einem Kunstwerk oder zu einer künstlerischen Aussage überhaupt. (Vergleiche Kunst des Holocaust 1933-45). Es ist eine politische oder historische Aussage. Die Schwierigkeit für den Konzeptualismus besteht also darin, zu zeigen, wie er sich als Kunst qualifiziert, im Gegensatz zu Unterhaltung, Theater oder politischem Kommentar.

Wichtige Vertreter des Konzeptualismus sind Sol LeWitt, Joseph Beuys, Felix Gonzalez-Torres, Eva Hesse, Jenny Holzer, Joseph Kosuth, Barbara Kruger, Jean Tinguely und Lawrence Weiner. Weitere Künstler, die mit dieser Bewegung in Verbindung gebracht werden, sind Mel Bochner, Hanne Darboven, Agnes Denes, Jan Dibbets, Hans Haacke, On Kawara und Les Levine.

Aufführung (ab den 1960er Jahren)

Die Anfang der 1960er Jahre in Amerika und Europa entstandene Performance ist eine experimentelle Kunstform, die von der Konzeptkunst sowie von Dada, Futurismus, Bauhaus und (in Amerika) Black Mountain College inspiriert ist. Die Performance-Kunst zeichnet sich im Allgemeinen dadurch aus, dass sie „live“ ist, d. h. dass der Künstler direkt mit dem Publikum kommuniziert, und dass ihre Wirkung, ob lustig oder schockierend, unvergesslich ist. Ein gutes Beispiel dafür ist die Serie von selbstzerstörenden Maschinen - die wohl berühmtesten Beispiele für kinetische Kunst - des Schweizer Künstlers Jean Tinguely (1925-1991). Trotzdem ist eine genaue Unterscheidung zwischen innovativem Theater und Performance-Kunst schwer zu erkennen. Darüber hinaus steht das Beharren auf dem Etikett „Kunst“ - ein traditionell bürgerliches Ereignis - in einem ungünstigen Verhältnis zu seinem Anti-Establishment-Ethos.

Performance umfasst heute Veranstaltungen und „Happenings“ von bildenden Künstlern, Dichtern, Musikern, Filmemachern, Videokünstlern und so weiter. In den späten 1960er- und 1970er-Jahren entstand auch die „Body Art“, eine Form der Performance-Kunst, bei der das eigene Fleisch des Künstlers zur Leinwand wird und anschließend „in einer ziemlich schockierenden, medienwirksamen Weise“ aufgeführt wird (Einzelheiten siehe unten).

In den 1980er Jahren stützte sich die Performancekunst zunehmend auf Technologie (Video, Computer), um ihre „künstlerische“ Botschaft zu vermitteln. Zu den zeitgenössischen Künstlern, die mit diesem Genre in Verbindung gebracht werden, gehören der Innovator Allan Kaprow (1927-2006), Yves Klein (1928-1962), Gilbert und George (b. 1943, 1942) und der außergewöhnliche Joseph Beuys (1921-1986), der bahnbrechende Performancekunst „How to Explain Paintings to a Dead Hare“ (1965) schuf. Ein weiterer innovativer Künstler ist der koreanisch-amerikanische Nam June Paik (1932-2006), der zunächst mit Performance-Kunst, dann mit Fernsehen und Video und schließlich mit Installationen arbeitete.

Fluxus-Bewegung (1960er Jahre)

Fluxus war eine avantgardistische Künstlergruppe (der lateinische Name bedeutet „flüssig“) unter der Leitung des in Litauen geborenen Kunsttheoretikers George Maciunas (1931-1978), die zunächst in Deutschland entstand, sich dann auf andere europäische Hauptstädte ausbreitete und schließlich nach New York kam, das zum Zentrum ihrer Aktivitäten wurde. Ihre erklärten Ziele - eine verwirrende Mischung aus „revolutionären“ und „anti-künstlerischen“ Kunstformen - knüpften an die Dada-Tradition an und konzentrierten sich auf Happenings (in Deutschland als Aktionen bekannt) und verschiedene Formen der Straßenkunst.

Zu den führenden Mitgliedern der Gruppe gehörten der deutsche Konzeptkünstler Joseph Beuys, die in Japan geborene Konzeptkünstlerin Yoko Ono und der deutsche Performance- und Videokünstler Wolf Wostell (geb. 1932). Maciunas’ ultimatives Ziel war die Abschaffung der bildenden Kunst mit der Begründung, sie sei eine Verschwendung von Ressourcen und nichts weiter als ein bürgerliches Vergnügen. Fluxus-Künstler arbeiteten zusammen, indem sie verschiedene Medien (visuelle, literarische, musikalische) in einer Reihe von „Veranstaltungen“ mischten, darunter Installationen, Happenings, Fotografie und Film. Fluxus-Festivals für zeitgenössische Kunst fanden in den 1960er Jahren in Amsterdam, Kopenhagen, Düsseldorf, London, Paris und New York statt. Siehe auch Wiener Aktionismus, unter Körperkunst, unten.

Installation (ab den 1960er Jahren)

Die Installationskunst ist eine neue Kunstform, die in den Vereinigten Staaten in den 1960er Jahren bekannt wurde, obwohl die Idee auf die surrealistischen Ausstellungen von Marcel Duchamp und anderen zurückgeht, bei denen Kunstwerke so angeordnet wurden, dass sie eine komplexe und fesselnde Umgebung schufen. Der russische Künstler und Designer El Lissitzky war ein weiterer Pionier, dessen „Proun Room“ von 1923 im Berliner Bahnhof eine frühe Form der Installation war, ebenso wie die raumfüllenden Merzbilder von Kurt Schwitters (1887-1948).

Andere spätere Beispiele sind „Spatial Environments“ von Lucio Fontana in den 1950er Jahren und Yves Kleins Ausstellung „Le Vide“ von 1958, die einen leeren Galerieraum zeigte. Ebenfalls in den 1960er Jahren schuf Groupe Recherche d’Art Visuel frühe Installationen in Form von kinetischen Licht-Environments. Eine Installation nimmt in der Regel einen ganzen Raum ein, z. B. einen Saal oder eine große Fläche, und besteht aus mehreren verschiedenen Komponenten.

Der amerikanische Bildhauer Ed Kienholz benutzte in den 1960er Jahren Autos und institutionelle Möbel, um eine Installation zu präsentieren, die den Tod und soziale Fragen kommentierte. Sein Bildhauerkollege George Segal verwendete lebensgroße Gipsfiguren, die in alltäglichen Situationen (z. B. beim Warten auf eine U-Bahn) dargestellt wurden, um das Alltägliche zu kommentieren. Weitere Installationskünstler der jüngeren Zeit sind Rebecca Horn, Bruce Nauman, Christian Boltanski, Richard Wilson und Tracey Emin. Siehe auch die LED-Installationen - eine Form der kinetischen Kunst - von Tatsuo Miyajima (geb. 1957).

Videoinstallationen (ab den 1960er Jahren)

In den 1960er Jahren begannen Künstler, Video zu verwenden, um die Kunst neu zu definieren. Eine Reihe von Videokünstlern stellte beispielsweise die vorgefasste Meinung in Frage, Kunst sei anspruchsvoll, teuer und werde nur von der Elite der Gesellschaft geschätzt. Andere setzten Video ein, um die Vorstellung von Kunst als Ware - ein einzigartiges „fertiges Produkt“ - zu untergraben, indem sie ihre Videokunst „zu einer Erfahrung“ (und nicht zu etwas Eigenem) oder zu einem Werkzeug für Veränderungen, einem Träger von Ideen machten.

Video ermöglicht es dem Künstler auch, den eigentlichen Prozess der Kunstherstellung zu zeigen. Typischerweise kombinieren Videoinstallationen Video mit einem Soundtrack und/oder Musik und können auch andere interaktive Geräte einbeziehen, wobei die Umgebung voll genutzt wird, um das Publikum zu stimulieren. Zu den Pionieren der Videoinstallation gehören Nam June Pike (1932-2006), deren Installationen in den 1960er Jahren typischerweise mehrere Fernsehmonitore in skulpturalen Kompositionen enthielten, sowie Andy Warhol (1928-1987), Peter Campus (*1937), Wolf Vostell (*1932), Bill Viola (*1951), Gary Hill und Tony Oursler. Zu den Videokünstlern im Vereinigten Königreich gehören: Laure Pruvost, Elizabeth Price, Jeremy Deller, Steve McQueen, Gillian Waring, Douglas Gordon, Sam Taylor-Wood, David Hall und Tony Sinden, neben vielen anderen.

Minimalismus (ab den 1960er Jahren)

Der in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre in Amerika entstandene Minimalismus ist eine verfeinerte Form der abstrakten Kunst, die die post-painterly abstraction (eine Form des späten abstrakten Expressionismus) ablöste und weltweit zu einem einflussreichen Stil in der Bildhauerei, Malerei und Architektur wurde. In der bildenden Kunst ist der Minimalismus durch die extreme Einfachheit der Form und die bewusste Abwesenheit von Ausdrucksinhalten gekennzeichnet. Die Objekte werden in ihrer elementaren, geometrischen Form präsentiert, völlig frei von Emotionen. Minimalistische Werke (Skulptur und Malerei) bestehen oft aus bloßen homogenen Elementen, die eine Art Gitter oder Muster bilden. Die Regelmäßigkeit ist fast notwendig, um jeden Anflug von Expressionismus zu minimieren.

Der Minimalismus war die letzte Stufe in der logischen Entwicklung des Abstrakten Expressionismus, dessen Stil von der gestischen Malerei (Aktionsmalerei) über die flächige Malerei ) Farbfeldmalerei) zu scharf definierten geometrischen Flächen und Mustern (Hard-Edge-Malerei) bis hin zur Minimal Art ging. Auf diesem Weg entledigte sie sich allmählich aller Gefühle und Emotionen, bis sie zu der strengen und unpersönlichen Form der sogenannten künstlerischen Reinheit oder Wahrheit gelangte. Alles, was bleibt, ist die intellektuelle Idee des Werks: keine Emotion. Aus diesem Grund steht der Minimalismus dem Konzeptualismus nahe - beide befassen sich mit der Grundidee oder dem Konzept des entstehenden Werks.

Wichtige minimalistische Bildhauer sind Carl Andre (*1935), Don Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (*1931), Richard Serra (*1939) und Tony Smith (1912-1980). Zu den Minimalisten gehören Agnes Martin (1912-2004), Ad Reinhardt (1913-1967), Ellsworth Kelly (*1923), Kenneth Noland (*1924), Robert Ryman (*1930) und Frank Stella (*1936).

Fotorealistische Kunst (Hyperrealismus) (1960er, 1970er)

Der Fotorealismus ist ein in den späten 1960er Jahren entstandener Malstil, bei dem Objekte (Menschen oder städtische Szenen) in einer sehr detaillierten, an Fotografien erinnernden Weise gemalt werden. Die meisten praktizierenden Künstler arbeiten direkt nach Fotografien oder digitalen Computerbildern, und die Motive sind eher banal und wenig interessant.

Stattdessen liegt der Schwerpunkt auf der vom Künstler erzielten Präzision und Detailgenauigkeit und deren Wirkung auf den Betrachter. Der fotografische Realismus wurde weitgehend von der Pop Art inspiriert - banale Motive waren charakteristisch für beide, und einige Künstler (z. B. Malcolm Morley und Mel Ramos) bedienten sich beider Stile. Dem Fotorealismus fehlt jedoch der skurrile oder ironische Humor der Pop Art, und er kann sogar leicht verstörend sein.

Darüber hinaus kann die mikroskopische, wahllose Detailgenauigkeit paradoxerweise einen Effekt von „Unwirklichkeit“ erzeugen. Zu den führenden Vertretern der superrealistischen Bewegung gehören Richard Estes, der sich auf Straßenszenen mit komplexen Spiegelungen in Glas spezialisiert hat, und Chuck Close, der sich auf monumentale Darstellungen von ausdruckslosen Gesichtern spezialisiert hat. Weitere hyperrealistische Künstler sind Robert Bechtle, Audrey Flack, Ralph Goings und John Doherty . Zu den hyperrealistischen Bildhauern gehören Duane Hanson (1925-1996), John de Andrea (geb. 1941), Carol Feuerman (geb. 1945), Ron Mueck und Robert Gober.

Erdarbeiten (Umweltkunst) (1960er, 1970er)

Land Art, die vor allem in den Vereinigten Staaten in den 1960er Jahren entstand, nutzt die Landschaft oder interagiert mit ihr, um Kunstformen oder „Ereignisse“ zu schaffen. Unter verschiedenen Bezeichnungen werden in der Regel natürliche Formen nachgebildet oder mit künstlichen Materialien aufgewertet. Zu den Pionieren dieser Kunstform gehören Robert Smithson, Richard Long und Andy Goldsworthy sowie die Interventionisten Christo und Jeanne-Claude .

Es ist zu beachten, dass sich Land Art deutlich von von Menschenhand geschaffenen Monumenten wie Stonehenge unterscheidet. Letzteres wurde wegen seiner zeremoniellen oder religiösen Bedeutung errichtet und wird nicht als Landelement betrachtet. Auch die berühmten Präsidentenporträts auf dem Mount Rushmore sind zwar Kunstwerke, können aber nicht als Land Art betrachtet werden, da sie sich nicht auf das Land beziehen, sondern auf die darauf gemachten Bilder. Zu ähnlichen Stilen siehe Künstlerische Bewegungen, Epochen, Schulen (ab etwa 100 v. Chr.).

Moderne Fotografie (seit den 1960er Jahren)

Bis in die frühen 1960er Jahre war die Fotografie durch den Piktorialismus und die Porträtfotografie geprägt. Seitdem sind die Dokumentarfotografie, die immer ausgefeiltere Modefotografie und das wachsende Genre der Straßenfotografie die Haupttriebkräfte. Auch zeitgenössische Prominentenporträts sind beliebt. Zu den zeitgenössischen fotojournalistischen Fotografen gehören Don McCullin (geb. 1935) und Steve McCurry (geb. 1950); und zu den führenden Modefotografen gehören Helmut Newton (1920-2004), David Bailey (geb. 1938), Nick Knight (geb. 1958) und David LaChapelle (geb. 1963). Die Straßenfotografie wird von Garry Winogrand (1928-1984) und Nan Goldin (geb. 1953) illustriert, die postmoderne Porträtfotografie von Diane Arbus (1923-1971) und Annie Leibovitz (geb. 1949).

Arte Povera (1966-71)

Der italienische Kritiker Germano Celant (der auch ein einflussreiches Buch mit dem Titel „Arte Povera: Conceptual, Actual or Impossible Art“ geschrieben hat) bezeichnete die Arte Povera als einen antikommerziellen Kunststil, der sich hauptsächlich mit den physischen Eigenschaften der verwendeten Materialien befasste. Letztere bestanden in der Regel aus gewöhnlichen oder wertlosen Dingen wie Zeitungsfetzen, alten Kleidern, Erde, Metallfragmenten und so weiter, obwohl in der Praxis manchmal recht anspruchsvolle und teure Materialien verwendet wurden.

Die Arte Povera wurde von einer Gruppe von Avantgarde-Künstlern in Italien initiiert, zu denen Piero Manzoni (1933-1963), Mario Merz (1925-2003), Michelangelo Pistoletto (*1933), Pino Pascali (1935-1968), Yannis Kounellis (*1936), Luciano Fabro (*1936), Gilberto Zorio (*1944) und Giuseppe Penone (*1947) gehörten. Eine weitere wichtige Figur war der Turiner Kunsthändler und Förderer Enzo Sperone.

Stützen-Oberflächen (ca. 1966-72)

Supports-Surfaces war eine konzeptuelle Gruppe junger linker französischer Künstler, die von etwa 1966 bis 1972 gemeinsam ausstellten. (Der Titel wurde etwas verspätet für ihre Ausstellung „Animation, Recherche, Controntation“ im Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris gewählt).

Zu dieser Gruppe gehörten André-Pierre Aarnal, Vincent Bioulès, Louis Kahn, Marc Devade, Daniel Deleuze, Noëlle Dolla, Tony Grand, Bernard Pagès, Jean-Pierre Pinsman, Patrick Saytour, André Valenci und Claude Viallat. Die Gruppe wollte die Kunst ihrer symbolischen und romantischen Qualitäten berauben - sie von der Tyrannei des Geschmacks, der Banalität des Expressionismus, der Sentimentalität des späten Surrealismus und der Reinheit des künstlerischen Konkreten befreien, wie sie es ausdrückten - und so dekonstruierten sie den Akt des Malens bis auf seine grundlegenden physikalischen Eigenschaften - Leinwand und Keilrahmen.

Die Gruppe, die für ihre Wanderausstellungen im Freien bekannt war, verwendete für ihre Werke eine Vielzahl ungewöhnlicher Materialien wie Steine, gewachste Stoffe, Pappe und Seile, und die Werke selbst wurden oft gefaltet, zerknüllt, verbrannt oder bemalt und auf dem Boden ausgestellt oder ungerahmt aufgehängt. Sie veröffentlichten zahlreiche erklärende Abhandlungen und Plakate, um ihre Aktionen zu erläutern, und gaben regelmäßig eine Zeitschrift „Peinture/Cahiers Theoretiques“ heraus. Im Allgemeinen kann ihre Arbeit als eine Variante des Konzeptualismus interpretiert werden.

Zeitgenössischer Realismus

Ein Begriff, der sich im engeren Sinne auf einen amerikanischen Malereistil bezieht, der in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren in den Werken einiger Künstler wie Philip Pearlstein, Neil Welliver und William Bailey zum Ausdruck kam. Charakteristisch für diesen Stil sind figurative Werke, die in einem rohen, objektiven Stil ausgeführt werden, ohne die Verzerrungen der kubistischen oder expressionistischen Interpretation. Die modernen Realisten verzichteten bewusst auf die abstrakte Kunst und zogen es vor, bodenständige Themen in einer geradlinigen, naturalistischen Weise darzustellen.

Im weiteren Sinne umfasst der Begriff „moderner Realismus“ alle Maler und Bildhauer nach 1970, die sich auf die bildende Kunst konzentrieren, deren Ziel es ist, das „Reale“ und nicht das Ideale darzustellen. Genrebilder oder figurative Werke, deren Sujets (z. B.) in einem romantischen oder nostalgischen Licht dargestellt werden, sind daher von diesem Genre ausgeschlossen. Es gibt keine allgemeine Schule des modernen Realismus im eigentlichen Sinne, und viele Künstler, darunter auch Abstrakte, haben mit diesem eher traditionellen Ansatz experimentiert. Der vielleicht interessanteste Vertreter des modernen Realismus ist der Meister der figurativen Malerei Lucian Freud (1922-2011), dessen kraftvolle Studien des menschlichen Körpers sowohl Rauheit als auch Liebe zu vermitteln vermögen. Für frühere Stile der realistischen Malerei, siehe Moderne Kunstbewegung (1870-1970).

Postminimalismus (ab 1971)

Ein Wort, das erstmals von dem amerikanischen Kunstkritiker Robert Pincus-Witten verwendet wurde, als er 1971 in der Zeitschrift Artforum die Werke von Eva Hesse „als Postminimalismus“ bezeichnete. Hesse reagierte zusammen mit anderen Künstlern auf den starren und unpersönlichen Formalismus der Minimal Art, indem sie sich auf physische und kreative Prozesse konzentrierte. Dieser neue Stil, bekannt als „ Process Art“, war sehr flüchtig und verwendete instabile Materialien, die sich ohne jegliche Kontrolle durch den Künstler verdichteten, verdunsteten oder zusammenfielen. Dieser Trend wurde durch zwei Ausstellungen im Jahr 1969 ausgelöst: „When Attitude Becomes Form“ in der Kunsthalle Bern und „Procedures/Materials“ im Whitney Museum of American Art in New York. Zu den prominenten postminimalistischen Künstlern gehörten wie Hesse der amerikanische Bildhauer Richard Serra und der in Deutschland geborene Konzeptkünstler Hans Haacke.

Im weiteren Sinne umfasst der Begriff Postminimalismus (wie auch der Postimpressionismus) jedoch eine Reihe verschiedener Stile sowie Arten von Malerei, Bildhauerei und anderen Formen der zeitgenössischen Kunst, die den Minimalismus in den späten 1960er und 1970er Jahren ablösten und ihn als ästhetischen oder konzeptionellen Ausgangspunkt für ihre Entwicklung nutzten. Einfach ausgedrückt: Als die minimalistischen Künstler begannen, einen konzeptionelleren Ansatz für ihre Kunst zu wählen und sich auf die Vermittlung einer einzigen Wahrheit zu konzentrieren, gingen sie allmählich zum Postminimalismus über.

Viele konzeptuelle Künstler werden oft als Postminimalisten bezeichnet. Wenn das zu kompliziert klingt, keine Sorge: Wir befinden uns jetzt auf einem ernsthaften theoretischen Gebiet, das erkenntnistheoretische und ontologische Fragen beinhaltet, für deren Verständnis man einen Master-Abschluss braucht. Es genügt zu sagen, dass der Postminimalismus (im Gegensatz zum Postmodernismus) den Schwerpunkt der Kunst von der Form auf das Bild verlagert. Wie etwas gemacht und kommuniziert wird, wird genauso wichtig wie das, was geschaffen wird.

Feministische Kunst (ab Mitte bis Ende der 1960er Jahre)

Feministische Kunst - von Frauen geschaffene Kunst, die sich mit Frauenthemen befasst - entstand in den späten 1960er Jahren und untersuchte, was es bedeutet, in einer von Männern dominierten Welt eine Frau und eine Künstlerin zu sein. Sie tauchte zuerst in Amerika und im Vereinigten Königreich auf, wo sich verschiedene feministische Kunstgruppen von der Frauenbefreiungsbewegung inspirieren ließen, und verbreitete sich dann in ganz Europa.

Im Vergleich zu den elitären, formalen und unpersönlichen Themen der männlichen Avantgarde-Künstler boten die Werke der Künstlerinnen Emotionen und reale Lebenserfahrungen. Britische und amerikanische feministische Künstlerinnen nutzten inhärent weibliche symbolische Formen und hoben den Status sogenannter „weiblicher“ Materialien und Praktiken auf. Sie setzten sich mit grundlegenden geschlechtsspezifischen Themen wie Geburt, Mutterschaft und erzwungener Verführung auseinander, aber auch mit allgemeineren Themen wie Rassismus und Arbeitsbedingungen.

Ein besonderer Stil der Frauenkunst, die „Pattern and Decoration“ Bewegung, entstand in den 1970er Jahren in Kalifornien und bestand hauptsächlich aus Künstlerinnen. Sie reagierten auf die Strenge des Minimalismus, indem sie identische oder ähnliche Muster nebeneinander stellten und mit Hilfe traditioneller Handwerkstechniken wie Weben, Scherenschnitt und Patchwork eine intensive Verschmelzung von Farbe und Textur schufen. Ihr schöner Farbgebrauch wurde von der französischen Fauve-Bewegung um 1900 in Paris inspiriert, während geometrische und florale Motive aus der islamischen, fernöstlichen, keltischen und persischen Kunst übernommen wurden.

Zu den bedeutenden feministischen Künstlerinnen gehören die Amerikanerinnen Nancy Spero (1926-2009), Eleanor Entine (geb. 1935), Joan Jonas (geb. 1936), Judy Chicago (geb. 1939). Mary Kelly (geb. 1941), Barbara Kruger (geb. 1945) und Miriam Shapiro (1923-2015), die schwedische Künstlerin Monica Sue, die englische Künstlerin Margaret Harrison (geb. 1940), und viele andere. Auf dem Gebiet der bildenden Kunst war eine der großen feministischen Bildhauerinnen Louise Bourgeois (1911-2010).

Neue Subjektivität (1970er Jahre)

„Neue Subjektivität „war der Titel der internationalen Ausstellung des französischen Kurators und Kunsthistorikers Jean Clair im Jahr 1976 im Nationalmuseum für moderne Kunst im Centre Pompidou in Paris. Die Ausstellung zeigte Werke amerikanischer, britischer und europäischer zeitgenössischer Künstler, die die Abstraktion und den Konzeptualismus, die die moderne Kunst beherrschten, ablehnten, um zur Darstellung der Realität der Dinge zurückzukehren, wenn auch auf eine zeitgemäße Art und Weise. In ihren Gemälden bemühten sie sich um eine sorgfältige Beobachtung der realen Welt.

Die Vertreter der neuen Subjektivität nutzten alle Formate von Leinwänden, von monumental bis klein, und arbeiteten mit Acryl-, Öl- und Aquarellfarben sowie Buntstiften und Pastellen. Sie kehrten zur Gegenständlichkeit und Naturdarstellung zurück und stellten Ansichten von Gärten, Feldern, Teichen, Porträts und Stillleben dar. Sie waren in der Regel geschickte Zeichner und akademisch ausgebildete Künstler und konstruierten ihre Gemälde nach den traditionellen Renaissance-Regeln der linearen und arialen Perspektive.

Zu den namhaften Künstlern, die mit dem Neuen Subjektivismus in Verbindung gebracht werden, gehören der englische Künstler David Hockney, der amerikanische Künstler (der in England arbeitete) R. B. Kitaj, der Schweizer Künstler Samuel Bury und die französischen Künstler Olivier Olivier, Christian Zeimert, Michel Parré und Sam Safran.

Londoner Schule

Ein Begriff, den der amerikanische Künstler R. B. Kitai im Katalog einer Ausstellung verwendete, die er 1976 in der Londoner Hayward Gallery organisierte, als Minimalismus und Konzeptualismus in Mode waren. Die Ausstellung mit dem Titel „Human Clay“ war ausschließlich figurativen Werken der Zeichnung und Malerei gewidmet, und in der Broschüre prägte R. B. Kitaj den Ausdruck „ London School“, um auf die einzelnen Künstler zu verweisen, deren Werke in der Ausstellung gezeigt wurden. Seitdem wird der Begriff „London School“ verwendet, um eine Gruppe von Künstlern zu bezeichnen, die damals mit der Stadt verbunden waren und gegenüber dem Avantgarde-Establishment weiterhin figurative Formen der Arbeit praktizierten.

Zu den wichtigsten Künstlern dieser Londoner Schule gehörten Michael Andrews, Francis Bacon, Lucian Freud, David Hockney (obwohl er eigentlich in Amerika lebte), Howard Hodgkin, Frank Auerbach und Leon Kossoff. In den späten 1970er Jahren, als die Minimal Art und die Konzeptkunst an Bedeutung verloren, tauchte eine neue Generation figurativer Maler und Bildhauer auf, die sich erneut für die Werke dieser Schule interessierten. (Für einen kurzen Überblick über die zeitgenössischen britischen Künstler siehe: Zeitgenössische britische Malerei .)

Graffiti-Kunst (seit den 1970er Jahren)

Auch bekannt als „Street Art“, „Can Art“ und „Spray Art“, Graffiti Art ist ein Malstil, der mit dem Hip-Hop in Verbindung gebracht wird, einer kulturellen Bewegung, die in den 1970er und 1980er Jahren in verschiedenen amerikanischen Städten, insbesondere in der U-Bahn von New York City, entstanden ist. Die B-Boys, die erste Generation des Hip-Hop, brachten die Frustrationen der städtischen Minderheiten zum Ausdruck, indem sie versuchten, eine eigene, nicht kommerzielle Kunstform zu schaffen, die der breiten Öffentlichkeit nicht gefallen sollte.

Sie benutzten Schablonen, Filzstifte, Sprühdosen und malten mit Industrie- und Acrylfarben auf allen möglichen Untergründen: Stein, Gips, Metall, Holz und Plastik. Ihre „Leinwände“ waren U-Bahnen, Wände in städtischen Gebieten und Industriebrachen, U-Bahnen, Dächer und Plakatwände. In den 1970er Jahren verbreitete sich die Graffiti-Kunst in Europa und Japan und verlagerte sich schließlich von der Straße in die Galerie. (Siehe die Biografie von Banksy, Großbritanniens berühmtestem Graffiti-Schablonenkünstler). Das Herz der Bewegung war jedoch New York.

In New York City war einer der ersten Pioniere, bekannt unter dem Namen TAKI 183, ein junger Mann aus Washington Heights. Die ersten weiblichen Graffitikünstlerinnen waren Barbara 62 und Eva 62. Ab 1971 begannen die Künstlerinnen, ihre Werke mit einem eigenen kalligrafischen Stil zu kennzeichnen, und drangen in unterirdische Zugdepots ein, um ihre Zeichen auf den Seiten der Züge anzubringen - ein Verfahren, das „ bombing“ genannt wird - mit maximaler Wirkung. Der Zug wurde so zu ihrer „Galerie“, in der sie ihre Werke in der ganzen Stadt ausstellten. Die Größe und der Umfang der -Marken nahmen ebenfalls zu, was 1972 zur Schaffung der so genannten „-Meisterwerke“ oder „-Stücke“ durch den als Super Kool 223 bekannten Graffitikünstler führte.

Die Einbeziehung von Motiven wie Polka-Dots, Karos und Tic-Tac-Toe-Kreuzen entwickelte sich weiter, und bald gab es „ Top to bottom“ Werke, die die gesamte Höhe eines U-Bahn-Waggons einnahmen, sowie Landschaften und Cartoon-Figuren. Allmählich wurde die Kunstwelt auf sie aufmerksam.

Die United Graffiti Artists (UGA), eine 1972 von Hugo Martinez gegründete Gruppe, erweiterte ihre Mitgliederzahl um viele führende Graffitikünstler, um ihre Werke an offiziellen Orten wie der Razor Gallery zu zeigen. Mitte der 1970er Jahre waren die meisten kreativen Standards im Graffiti bereits gesetzt, und das Genre begann zu stagnieren. Außerdem starteten die New Yorker Verkehrsbetriebe eine doppelte Kampagne zum Schutz der Bahnhöfe und zur dauerhaften Beseitigung von Graffiti. Infolgedessen verließen die Tagger die U-Bahnen und gingen auf die Straße, wo ihre statische Kunst natürlich viel weniger Beachtung fand.

In den späten 1980er und 1990er Jahren begannen immer mehr Künstler, ihre Werke in Galerien auszustellen und Ateliers zu mieten. Diese Praxis hatte bereits einige Jahre zuvor mit Graffiti-Künstlern wie Jean-Michel Basquiat - heute einer der weltweit führenden zeitgenössischen Künstler - begonnen, der seinen charakteristischen SAMO-Stil (Same Old Shit) zugunsten der Möglichkeiten des Mainstream aufgab.

Andere berühmte Graffiti-Künstler sind Keith Haring (1958-1990), Banksy (geb. 1973-4) und David Wojnarowicz (1954-1992). Graffiti ist eine Form einer breiteren Bewegung „der Straßenkunst“, einer Stilrichtung der Außenseiterkunst, die außerhalb der traditionellen Kunststätten entsteht. Sie umfasst Schablonen-Graffiti, Plakat- oder Aufkleberkunst, Pop-Art und Straßeninstallationen, einschließlich der neuesten Videoprojektionen, Fadenbomben und Lock-On-Skulpturen. Street Art wird manchmal auch als „urbane Kunst“, „Guerillakunst“, „Post-Graffiti“ oder „Neo-Graffiti“ bezeichnet.

Für eine Liste der 30 besten postmodernen Kunstausstellungen, -biennalen und -messen siehe: Beste zeitgenössische Kunstfestivals .

Neo-Expressionismus (ab Ende der 1970er Jahre)

Der Neoexpressionismus ist einer von mehreren Stilen der Postmoderne und eine breite Bewegung in der Malerei, die um 1980 als Reaktion auf die Stagnation des Minimalismus und der Konzeptkunst entstand, deren Intellektualismus und selbsternannte „Reinheit“ die 1970er Jahre dominiert hatte, nun aber vielen Künstlern auf die Nerven ging. Die Neoexpressionisten setzten sich für die höchst unzeitgemäße Praxis der bildenden Kunst ein (die von den Postmodernisten als „tot“ verurteilt wurde) und hielten all das hoch, was die Modernisten zu diskreditieren versucht hatten: Figuration, Emotion, Symbolismus und Erzählung. Sie verwendeten sinnliche Farben und nahmen Themen auf, die mit zahlreichen historischen Stilen und Bewegungen wie der Renaissance, dem Manierismus, dem Kubismus, dem Fauvismus, dem Surrealismus, dem abstrakten Expressionismus und der Pop Art verbunden waren. Es überrascht nicht, dass der Neo-Expressionismus in Deutschland stark von früheren Gruppen des deutschen Expressionismus wie Der Blaue Reiter und Die Brucke beeinflusst wurde.

Die Bewegung umfasste die neue Malerei in Deutschland von Künstlern wie Georg Baselitz (geb. 1938), Jörg Immendorf, Anselm Kiefer, AR Penck, Sigmar Polke und Gerhard Richter, sowie die Arbeiten der „ Hässlichen Realisten“, wie Markus Lüpertz. Sie umfasste auch die Gruppe Neue Wilden („Neue Wilde“, eine Anspielung auf den Fauvismus der 1900er Jahre oder „Wilde Tiere“), zu der Rainer Vetting gehörte. Nach den internationalen Ausstellungen „New Spirit in Painting“ (Royal Academy London, 1981) und „Zeitgeist“ (Berlin, 1982) wurde der Begriff Neo-Expressionismus auf andere Gruppen übertragen, wie Figuration Libre in Frankreich, Transavanguardia in Italien, „ New Image Painters“ und die sogenannten „ Bad Painters“.

In Amerika hat dieser Stil trotz seiner Popularität keine Werke desselben Kalibers hervorgebracht, mit Ausnahme von Künstlern wie Philip Guston (1913-1980), Julian Schnabel, David Salle und anderen. Im Vereinigten Königreich gehören zu den Beispielen dieses Stils die Rubens-Aktbilder von Jenny Saville, die die Konventionen in Bezug auf Größe und Form des menschlichen Körpers in Frage stellen. Das Aufkommen dieser Bewegung hat zur Rehabilitierung mehrerer Künstler geführt, die in einer ähnlichen Richtung arbeiten.

Dazu gehören die Amerikaner Louise Bourgeois, Leon Golub und Cy Twombly sowie der britische Künstler Lucian Freud, deren Werke allesamt als neoexpressionistisch bezeichnet werden. Der Begriff wurde auch auf die Bildhauerei angewandt. Werke von Bildhauern wie dem Amerikaner Charles Simonds, den britischen Künstlern Anish Kapoor und Rachel Whiteread, der Tschechin Magdalena Zetelova, der Deutschen Iza Genzken und der polnischen Bildhauerin Magdalena Abakanowicz weisen Merkmale des Expressionismus auf. In der Architektur wird der Begriff „expressionistisch“ auf Gebäude wie das Opernhaus in Sydney und das Guggenheim-Museum in Bilbao angewendet. Für weitere Informationen siehe Geschichte der expressionistischen Malerei (1880-1930) und Expressionistische Bewegung (ab 1880).

Transavanguardia (Transavantgarde) (ab 1979)

Der italienische Kunstkritiker Achille Bonito Oliva verwendete den Begriff „Transavanguardia“ (jenseits der Avantgarde) im Oktober 1979 in der Zeitschrift Flash Art und bezog sich dabei auf den internationalen Neo-Expressionismus. Seitdem wird der Begriff jedoch nur noch zur Beschreibung der Werke italienischer Künstler verwendet, die in den 1980er und 1990er Jahren in diesem Stil arbeiten. Dazu gehören Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi und Mimmo Paladino.

Die Künstler der Transavantgarde verwendeten einen lockeren, figurativen Malstil mit nostalgischen Verweisen auf die Renaissance und ihre Ikonographie. Sie malten großformatige Ölgemälde, darunter realistische und imaginäre Porträts, religiöse und allegorische Historienbilder, und ließen sich vom Symbolismus sowie von der Farbpalette des Fauvismus inspirieren. Chia ließ den italienischen Manierismus, den Kubismus, den Futurismus und den Fauvismus in seine erzählenden religiösen Werke einfließen; Paladino schuf große mythologische Gemälde mit geometrischen und figurativen Motiven; Cucchi schuf romantische Szenen von Riesen und Bergen, die vom Surrealismus inspiriert waren, und bezog zusätzliche Objekte aus Metall oder Ton in seine Gemälde ein; Clemente war für seine Selbstporträts und intimen figurativen Werke bekannt. Die Teilnahme an großen Ausstellungen in der Basler Kunsthalle und auf der Biennale in Venedig 1980 sowie an der Royal Academy in London 1981 führte zu Einzelausstellungen in Europa und Amerika und zu einem raschen Anstieg der Bedeutung der Schule.

Britart: Junge britische Künstler (1980er Jahre)

Young British Artists (YBAs) traten erstmals in den 1980er Jahren auf den Plan und wurden 1997 in der Ausstellung „ Sensation“ offiziell anerkannt. Vor allem aufgrund von Stilen des frühen 20. Jahrhunderts wie Dada und Surrealismus wird ihr Werk oft als „britart“ bezeichnet. Die Gruppe bestand aus mehreren im Vereinigten Königreich tätigen Malern, Bildhauern, Konzept- und Installationskünstlern, von denen viele am Goldsmiths College in London studiert hatten. Die Mitglieder dieser Gruppe, die die britische Kunst in den 1990er Jahren dominierte, erhielten für ihre unerhörten Arbeiten ein großes Medienecho. Zu den bemerkenswerten Mitgliedern gehört Damien Hirst (bekannt für sein Werk „The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living“ , das einen toten, in Formaldehyd eingelegten Tigerhai zeigt, und in jüngerer Zeit für seinen mit Diamanten besetzten Schädel For the Love of God), und Tracey Emin (bekannt durch My Bed, ein zerwühltes Doppelbett mit einigen sehr persönlichen Gegenständen).

Viele YBAs hätten vielleicht nie Erfolg gehabt, wenn nicht der Sammler zeitgenössischer Kunst Charles Saatchi, der Damien Hirst 1988 bei der Studentenausstellung „Freeze“ am Goldsmiths College kennenlernte, bei der 16 YBAs ausgestellt wurden, ihre Arbeiten gefördert hätte. Saatchi kaufte viele der ausgestellten Werke. Zwei Jahre später kuratierte Hirst zwei weitere einflussreiche YBA-Ausstellungen, „Modern Medicine“ und „Player“. Saatchi besuchte beide Ausstellungen und kaufte weitere Werke.

Bis 1992 war Saatchi nicht nur Hirsts wichtigster Mäzen, sondern auch der größte Sponsor anderer Young British Artists - eine zweite Gruppe war entstanden, zu der Ausstellungen wie „New Contemporaries“, „New British Summertime“ und „Minky Manky“ sowie Künstler wie Tracey Emin gehörten. In der Zwischenzeit verschärfte sich der wirtschaftliche Abschwung im Vereinigten Königreich, was zu einem Zusammenbruch des Marktes für zeitgenössische Kunst in London führte. Als Reaktion darauf organisierte Saatchi eine Reihe von Ausstellungen in seiner Galerie Saatchi Gallery, die den Titel „Young British Art“ trugen, von dem die Bewegung im Nachhinein ihre Identität ableitete. In der ersten Ausstellung waren Werke von Sarah Lucas, Mark Wallinger, Rachel Whiteread und natürlich Damien Hirst zu sehen, dessen toter Hai schnell zu einer weltweiten Ikone für Großbritannien wurde.

1993 gewann die junge britische Künstlerin Rachel Whiteread den Turner-Preis, gefolgt von Damien Hirst im Jahr 1995. 1997 wurde „Young British Artists“ zum Mainstream, als die Royal Academy of London in Zusammenarbeit mit Saatchi „Sensation“ organisierte, die endgültige Ausstellung der YBA-Kunst, die nicht wenig umstritten war. Anschließend wurde sie im Brooklyn Museum of Art in New York gezeigt. 1999 wurde Tracey Emins „My Bed“ für den Turner Prize nominiert, und im Jahr 2000 wurde die Ausstellung von YBA in die neue Tate Modern aufgenommen, was den guten Ruf der Gruppe bestätigte.

Siehe auch: zeitgenössische irische Künstler und Irische Künstler des 20. Jahrhunderts .

Einige bemerkenswerte YBAs sind: James Rielly (Porträts), Keith Coventry (abstrakter Maler), Simon Callery (Stadtansichten), Martin Maloney (expressionistischer Maler), Gary Hume (Minimalist), Richard Patterson (super-abstrakt), Fiona Rae (Abstraktion, Pop Art), Marcus Harvey (expressionistische figurative Werke), Ian Davenport (geometrische Abstraktion), Glenn Brown (Bildhauer und expressionistische Malerei) und Jenny Saville (expressionistische Frauenkörper), von denen einige Turner-Preisträger sind (1984-2014).

Dekonstruktivistisches Design (1985-2010)

Der Dekonstruktivismus ist eine „anti-geometrische“ Form der Architektur des 20. Jahrhunderts , die erstmals in den späten 1980er Jahren in Kalifornien und Europa aufkam. Die dekonstruktivistische Architektur, die größtenteils auf die von der Luft- und Raumfahrtindustrie entwickelte Computersoftware zurückzuführen ist, fördert einen indirekten, linearen Ansatz für das Design, der das Erscheinungsbild einer Struktur oft verzerrt.

Der Dekonstruktivismus wurde von dem kanadisch-amerikanischen Frank O. Gehry (geb. 1929), einem der innovativsten amerikanischen Architekten der Postmoderne, begründet. Weitere namhafte Vertreter sind Peter Eisenman, die Firma Coop Himmelb(l)au, Rem Koolhaas und Daniel Libeskind. Die bekanntesten dekonstruktivistischen Gebäude sind das Guggenheim-Museum (Bilbao), das Gebäude der Nationalen Niederländischen Kirche (Prag) und The Experience Music Project (Seattle), entworfen von Frank Gehry, der UFA-Palast (Dresden), entworfen von der Firma Coop Himmelblau, und die Bibliothek in Seattle, entworfen von Rem Koolhaas. Siehe auch: Die Kunst des Designs ca. 1850-1970

Körperkunst (1990er Jahre)

In den späten 1960er Jahren entstand eine Art von Performance-Kunst, die Körperkunst genannt wird und bei der der eigene Körper des Künstlers sozusagen „zur Leinwand“ für ein passives Kunstwerk wird, das dann „auf schockierende Weise aufgeführt“ wird. Die typischsten Formen der passiven Körperkunst sind Body Art, Tätowierungen, Nail Art, Piercings, Face Art, Branding oder Implantate. Aktivere Formen der Performance-Körperkunst, bei denen Künstler ihren eigenen Körper verspotten, um ihre besondere „künstlerische Botschaft“ zu vermitteln, können Verstümmelung, Drogenkonsum, extreme körperliche Anstrengung oder extreme Schmerztoleranz beinhalten.

Eine der umstrittenen Performance-Gruppen war die Wiener Aktionsgruppe, die 1965 von Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch und Rudolf Schwarzkogler gegründet wurde. Andere bekannte Körperkünstler sind Michel Journiac (1935-1995), Ketty La Rocca (1938-1976), Vito Acconci (geb. 1940), Ulay (Frank Uwe Laisipen) (geb. 1943) und die außergewöhnliche serbische Künstlerin Marina Abramovic (geb. 1946).

Eine der führenden Körpermalerinnen ist die Neuseeländerin Joanne Gair (geb. 1958). Bekannt für ihre Trompe-l’oeil-Körperzeichnungen und Make-up-Kunst, ist sie vor allem für einen ihrer künstlerischen weiblichen Akte mit dem Titel „Demi Moore’s Birthday Suit“, der im August 1992 auf der Titelseite der Zeitschrift Vanity Fair erschien. Es wurde von der zeitgenössischen Fotografin Annie Leibovitz (geb. 1949) aufgenommen.

Chinesischer zynischer Realismus (1990er Jahre)

Zynischer Realismus - ein Begriff, der zuerst von dem sehr einflussreichen Kunstkritiker und Kurator Li Xianting (geb. 1949) als bewusste Anspielung auf den offiziell gebilligten Stil des Sozialistischen Realismus geprägt wurde - beschreibt den Malstil, den eine Reihe von Pekinger Künstlern in der Zeit der Düsternis nach der Niederschlagung der Demonstration auf dem Platz des Himmlischen Friedens 1989 annahmen. Seine ironische, bisweilen höchst satirische Kritik an der zeitgenössischen chinesischen Gesellschaft machte großen Eindruck auf westliche Sammler, obwohl chinesische Kunstkritiker ihm gegenüber zwiespältig waren und sind, da sie sich mit seiner Bekanntheit im Westen unwohl fühlen.

Zu den Künstlern, die mit dem zynischen Realismus in Verbindung gebracht werden, gehören: Yue Mingjun (geb. 1962), Fang Lijun (geb. 1963) und Zhang Xiaogang (geb. 1958), die alle Gemälde für über 1 Million Dollar verkauft haben. Diese Bewegung wird mit „politischer Pop Art“, einer Art chinesischer Pop Art der späten 1980er Jahre, in Verbindung gebracht.

Neo-Pop-Art (ab Ende der 1980er Jahre)

Die Begriffe „Neo-Pop“ oder „Post-Pop“ bezeichnen ein Wiederaufleben des amerikanischen Interesses an den Themen und Methoden der Pop-Art-Bewegung der 1950er und 1960er Jahre. Dies gilt insbesondere für die Arbeiten von Künstlern wie Ashley Bickerton, Jeff Koons, Alan McCollum und Haim Steinbach. Durch die Verwendung wiedererkennbarer Objekte, Bilder berühmter Persönlichkeiten (z. B. Michael Jackson, Madonna, Britney Spears) sowie von Ikonen und Symbolen aus der Popkultur der 1980er und 1990er Jahre ließ sich diese aktualisierte Form der Pop-Art auch von Dada (durch die Verwendung von Readymades und gefundenen Objekten) sowie von der zeitgenössischen Konzeptkunst inspirieren. Klassische Beispiele für Neo-Pop-Art sind Katharina Fritschs „Rat King“ (1993) und Jeff Koons’ 1988 entstandene Skulptur „Michael Jackson and Bubbles“.

Wie seine Vorgänger spottete auch der Neo-Pop über die Berühmtheit und stellte einige der am meisten geschätzten Vorstellungen der Gesellschaft offen in Frage. Koons selbst erlangte beträchtlichen Ruhm, weil er den Kitsch in den Status der hohen Kunst erhob. Sein „Balloon Dog“ (1994-2000) ist eine leuchtend rote Stahlskulptur (10 Fuß hoch), deren detailreiche, monumentale Form in absurdem Kontrast zur Trivialität ihres Gegenstands steht. Weitere bekannte Neo-Pop-Künstler sind die Amerikaner Jenny Holzer, Cady Noland und Daniel Edwards, die jungen britischen Künstler Damien Hirst, Gary Hume und Gavin Turk sowie Michael Craig-Martin, Julian Opie und Lisa Milroy, die Russen Vitaly Komar und Alexander Melamid sowie der belgische Künstler Leo Koper.

Eines der verwirrenden Dinge am Neo-Pop ist die Tatsache, dass einige der Schöpfer der ursprünglichen Pop-Art der 1960er und 70er Jahre bis in die 1990er Jahre hinein interessante Werke geschaffen haben. Das beste Beispiel ist der Bildhauer Claes Oldenburg (geb. 1929), zu dessen Pop-Skulpturen von gigantischem Ausmaß Free Brand (1985-91, Willard Park, Cleveland) und Apple Core (1992, Israel Museum, Jerusalem) gehören.

Stuckism (ab 1999)

Eine umstrittene britische Künstlergruppe, die 1999 von Charles Thomson und Billy Childish zusammen mit elf anderen Künstlern gegründet wurde. Der Name geht auf eine Beleidigung von Childish durch die britische Künstlerin Tracey Emin zurück, die ihm sagte, seine Kunst „sei festgefahren“.

In Ablehnung des sterilen Charakters der Konzeptkunst und der Performances und Installationen von YBAs wie Emin, denen es ihrer Meinung nach an künstlerischem Wert fehlt, plädieren die Staxist-Künstler für eine Rückkehr zu den eher malerischen Qualitäten, wie sie von der figurativen Malerei und anderen visuellen Künsten vorgelebt werden.

In den frühen 2000er Jahren veranstaltete die Gruppe zahlreiche Ausstellungen im Vereinigten Königreich, darunter „The First Art Show of the New Millennium“ (1. Januar 2000) und „The Retirement of Sir Nicholas Serota“ (März 2000), sowie mehrere jährliche Ausstellungen mit dem Titel „The Real Turner Prize Show“ und eine Reihe anderer Veranstaltungen. Die Gruppe reiste auch nach Paris, Hamburg, Köln, Leipzig, New Jersey, New Haven USA und Melbourne Australien. Stuckism wurde auch in zwei kürzlich erschienenen Büchern vorgestellt: „Styles, Schools and Movements: an encyclopaedic guide to contemporary art“, von Amy Dempsey; und „Tastemakers: UK Art Today“ von Rosie Millard. Eine Galerie „Stookist“ wurde ebenfalls im Zentrum von London eröffnet.

Zur „Stuckist“ Gruppe gehörten unter anderem Charles Thomson, Billy Childish, Bill Lewis, Philip Absolon, Sanchia Lewis, Sheila Clark, Ella Guru und Joe Machin.

Neue Leipziger Schule (ab ca. 2000)

Die Neue Leipziger Schule „Neue Leipziger Schule „), auch „ Young German Artists“ (YGAs) genannt, ist eine freie Bewegung von Malern und Bildhauern, die in den ersten Jahren des neuen Jahrtausends an die Öffentlichkeit trat, die ihre Ausbildung an der Hochschule für Grafik und Buchkunst (Academy of Fine Arts) in Leipzig, Ostdeutschland, erhielten, wo sie weitgehend von den zeitgenössischen künstlerischen Trends im Westen isoliert waren.

Die Lehrmethoden waren weitgehend traditionell und konzentrierten sich auf die Grundlagen der traditionellen bildenden Kunst, wobei der Schwerpunkt auf dem Zeichnen, dem Figurenzeichnen, dem Lebenszeichnen, der Verwendung des Rasters, der Farbenlehre und den Gesetzen der Perspektive lag. Nach der deutschen Wiedervereinigung im Jahr 1989 besuchten Studenten aus dem ganzen Land die Schule, und ihre Absolventen suchten nach Möglichkeiten, ihre Werke im Westen zu verkaufen.

Der erste erfolgreiche Künstler war Neo Rauch, der im Jahr 2000 eine Einzelausstellung in der David Zwirner Gallery in New York erhielt. Sein Erfolg öffnete die Tore für andere ebenso talentierte Leipziger Künstler, deren Werke in Europa und den Vereinigten Staaten ausgestellt wurden. Ihr Stil ist eher figurativ, mit einer starken Betonung des Erzählerischen, und zeichnet sich durch gedeckte Farben aus.

Klassischer Realismus und die postmoderne Atelierbewegung

Die Neue Leipziger Schule ist eines von mehreren modernen Zentren der traditionellen Handwerkskunst. In den Vereinigten Staaten wurde die traditionelle gegenständliche Malerei in den 1980er Jahren „durch den Klassischen Realismus“ wiederbelebt, eine moderne Bewegung, die von Richard Lack (1928-2009), einem ehemaligen Schüler des Bostoner Malers R. H. Ives Gammell (1893-1981) in den frühen 1950er Jahren gegründet wurde. Im Jahr 1967 gründete er das Atelier Lack, eine Ausbildungswerkstatt nach dem Vorbild der Ateliers im Paris des neunzehnten Jahrhunderts.

Projektionskunst (21. Jahrhundert)

Die Projektionskunst - auch bekannt als Projection Mapping, Video Mapping oder räumliche Augmented Reality - ist der Gipfel der postmodernen Kunst. Sie nutzt die Technologie der Computerprojektion und benötigt nur eine Oberfläche (wie ein Gebäude, eine Kirchenfassade, einen Baum usw.), auf die das fertige Produkt projiziert wird.

Jedes beliebige Bild kann auf die Projektionsfläche projiziert werden, und die Effekte können spektakulär sein: Sie können einen Außen- oder Innenraum buchstäblich verwandeln und gleichzeitig eine Geschichte erzählen und ein optisches Fest schaffen. Zu den namhaften Vorführern gehören Paolo Buroni, Clement Brind, Ross Ashton, Jennifer Steinkamp, Andy McKeown, Felice Varini und andere.

Computer („digitale“) Kunst (21. Jahrhundert)

Der Begriff „Computerkunst“ bezeichnet jede Kunst, in der Computer eine bedeutende Rolle spielen. Diese weit gefasste Definition umfasst auch traditionellere Kunstformen, die Computer verwenden, wie z. B. computergesteuerte Animationen oder kinetische Kunst oder computergenerierte Malerei, sowie Formen, die auf Computersoftware basieren, wie z. B. dekonstruktivistische Architektur.

Computerkunst kann auch als „digitale Kunst“, „digitale Kunst“, „Internetkunst“, „Softwarekunst“, oder „Computergrafik“ bezeichnet werden.

Zu den Pionieren dieser Kunstform gehören Harold Cohen, Ronald Davis, George Gry, Jean-Pierre Hebert, Bela Yulesh, Olga Kiseleva, John Lansdowne, Maugan Mason, Manfred Mohr und Joseph Nechvatal. Zu den neueren digitalen Künstlern gehören Charles Xury, Leslie Mezey, Frieder Naquet, Georg Nees, A. Michael Noll, Nam June Paik und John Whitney. Weitere wichtige Pioniere der Forschung waren Professor Harold Cohen von der UCSD und Ken Goldberg von der UC Berkeley.

Zu den frühesten Computerkunstausstellungen gehörten: „Generative Computergrafik“ (1965) an der Hochschule für Technik in Stuttgart, Deutschland; „Computer-Generated Pictures“ (1965) in der Howard Wise Gallery in New York; „Computer Imagery“ (1965) in der Galerie Wendelin Niedlich, in Stuttgart, Deutschland; „Cybernetic Serendipity“ (1968) im Institute of Contemporary Art in London.

Im 21. Jahrhundert ist die Computerkunst zum neuesten Bereich der zeitgenössischen Kunst geworden - eine Art endgültiger Postmodernismus. In der Tat ist computergenerierte Kunst höchst revolutionär - nicht zuletzt, weil sie (mit der Entwicklung der künstlichen Intelligenz) in der Lage ist, vollständige künstlerische Unabhängigkeit zu erreichen. Beobachten Sie diesen Raum.