Kunst Definition: Bedeutung, Klassifikation der bildenden Künste Automatische übersetzen

Es gibt keine allgemeingültige Definition von Kunst. Obwohl der Begriff gewöhnlich verwendet wird, um etwas Schönes oder eine Fertigkeit zu beschreiben, die ein ästhetisches Ergebnis hervorbringt, gibt es im Prinzip keine klare Grenze zwischen (sagen wir) einem einzigartigen Stück handgefertigter Skulptur und einem massenproduzierten, aber visuell ansprechenden Produkt. Man könnte sagen, dass Kunst Gedanken erfordert - eine Art schöpferischen Impuls -, aber das wirft weitere Fragen auf: Wie viel Gedanken sind zum Beispiel erforderlich? Wenn jemand Farbe auf eine Leinwand schüttet, in der Hoffnung, damit ein Kunstwerk zu schaffen, wird das Ergebnis dann automatisch zu Kunst?

Selbst der Begriff „der Schönheit“ wirft offensichtliche Fragen auf. Wenn ich denke, dass das unaufgeräumte Bett meiner kleinen Schwester etwas „Schönes“ oder ästhetisch Angenehmes darstellt, macht es das dann zur Kunst? Wenn nicht, ändert sich sein Status, wenn eine Million Menschen mit mir übereinstimmen, aber meine kleine Schwester meint, es sei nur ein Haufen Kleidung?

Kunst: Pluralität der Formen, Typen und Gattungen

Bevor man versucht, Kunst zu definieren, muss man zunächst einmal wissen, wie groß ihr Umfang ist.

Kunst ist eine globale Aktivität, die sich über viele Disziplinen erstreckt, was durch die Vielzahl von Wörtern und Begriffen belegt wird, die zur Beschreibung ihrer verschiedenen Formen erfunden wurden. Beispiele für solche Formulierungen sind „Fine Arts“, „Liberal Arts“, „Fine Arts“, „Decorative Arts“, „Applied Arts“, „Design“, „Crafts“, „Performing Arts“, und so weiter.

Bei genauerer Betrachtung werden viele spezifische Kategorien nach den verwendeten Materialien klassifiziert , wie z. B.: Zeichnung, Malerei, Bildhauerei (einschließlich Keramik), „Glaskunst“, „Glaskunst“, „Kunsthandwerk“, „illuminierte Handschriften“, „Graffiti“, „Kunstfotografie“, „Animation“, usw. д. Zu den Unterkategorien gehören: Malerei in Öl, Aquarell, Acryl; Bildhauerei in Bronze, Stein, Holz, Porzellan; und das ist nur ein Tropfen auf den heißen Stein. Weitere Unterkategorien sind verschiedene Genre Kategorien, wie: Erzählung, Porträt, Genrebilder, Landschaft, Stillleben.

Darüber hinaus entstanden im 20. Jahrhundert völlig neue Formen der Kunst, wie: Assemblage, Konzeptualismus, Collage, Erdarbeiten, Installation, Graffiti und Video, sowie eine breite konzeptuelle Bewegung, die den wesentlichen Wert der objektiven Kunst in Frage stellte. Für weitere Informationen siehe: Arten von Kunst .

Die Definition von Kunst ist durch Epoche und Kultur begrenzt

Eine weitere Sache, der man sich bewusst sein sollte, ist die Tatsache, dass Kunst die Epoche und die Kultur widerspiegelt und zu ihr gehört, von der sie produziert wird.

Denn wie können wir prähistorische Fresken (z. B. steinzeitliche Felskunst) oder Stammeskunst oder indigene ozeanische Kunst oder primitive afrikanische Kunst mit Michelangelos Fresken an den Wänden und der Decke der Sixtinischen Kapelle aus dem 16. Politische Ereignisse sind die offensichtlichsten Faktoren der Epoche, die die Kunst beeinflussen: So waren beispielsweise Kunststile wie der Expressionismus, Dada und Surrealismus Produkte der politischen Unsicherheit und des Umbruchs.

Kulturelle Unterschiede wirken auch als natürliche Grenzen. Schließlich ist die westliche Kunst des Zeichnens Lichtjahre von der chinesischen Kalligrafie entfernt; und haben westliche Kunstformen viel mit der Kunst des Papierfaltens in Japan gemeinsam? Die Religion ist eine wichtige kulturelle Variable, die die Form der Kunstform verändert. Der Barockstil wurde stark von der katholischen Gegenreformation beeinflusst, und die islamische Kunst (oder das orthodoxe Christentum, zum Beispiel) verbietet bestimmte Arten der künstlerischen Ikonografie.

Mit anderen Worten: Welche Definition von Kunst wir auch immer finden, sie muss auf eine Epoche und eine Kultur beschränkt sein. Selbst dann müssen Kategorien wie Außenseiterkunst berücksichtigt werden. Siehe auch Primitivismus .

Schlussfolgerung

Wie aus den obigen Ausführungen hervorgeht, ist die Kunstwelt ein äußerst komplexes Gebilde, nicht nur in Bezug auf ihre zahlreichen Formen und Arten, sondern auch in Bezug auf ihre historischen und kulturellen Wurzeln. Daher kann eine einfache Definition oder sogar ein breiter Konsens darüber, was als Kunst bezeichnet werden kann, ziemlich schwer zu finden sein.

Geschichte der Definition von Kunst

Für einen Leitfaden zu Bewegungen und Epochen siehe. Auch: Geschichte der Kunst

Die klassische Bedeutung der Kunst

Die ursprüngliche klassische Definition - abgeleitet von dem lateinischen Wort „ars“ (was „Geschicklichkeit“ oder „Handwerk“ bedeutet) - ist ein nützlicher Ausgangspunkt. Dieser weit gefasste Ansatz führt dazu, dass Kunst als „das Produkt eines Wissensbestands definiert wird, der meist eine Reihe von Fertigkeiten“ nutzt. Bedeutet dies, dass die Maler und Bildhauer der Renaissance einfach als hochqualifizierte Handwerker (Innenarchitekten?) betrachtet wurden? Es überrascht nicht, dass Leonardo da Vinci und Michelangelo große Anstrengungen unternahmen, um den Status der Künstler (und damit auch der Kunst selbst) auf eine höhere intellektuelle Ebene zu heben.

Die Bedeutung der Kunst nach der Renaissance

Die Entstehung der großen europäischen Kunstakademien spiegelt die allmähliche Modernisierung des Fachs wider. Auch neue und grundlegende Zweige der Philosophie trugen zu diesem Imagewandel bei. In der Mitte des 18. Jahrhunderts reichte die bloße Demonstration technischer Fertigkeiten nicht mehr aus, um als Kunst zu gelten - es bedurfte nun einer „ästhetischen“ Komponente - sie musste als etwas „Schönes“ angesehen werden.

Gleichzeitig wurde der Begriff des „Utilitarismus“ (Funktionalität oder Nützlichkeit) verwendet, um die edleren „bildenden Künste“ (Kunst um der Kunst willen), wie Malerei und Bildhauerei, von weniger edlen Formen der „angewandten Kunst“, wie z. B. handwerkliche und kommerzielle Design- Arbeiten, und „dekorativen Künsten“, wie z. B. Textildesign und Innenarchitektur, zu unterscheiden.

Am Ende des 19. Jahrhunderts waren die Künste also in mindestens zwei große Kategorien unterteilt: die schönen Künste und die übrigen Künste, eine Situation, die den kulturellen Snobismus und die moralischen Standards des europäischen Establishments widerspiegelte. Trotz einer gewissen Erosion des Glaubens an die ästhetischen Standards der Renaissance-Ideologie, die in der Welt der bildenden Künste weiterhin einen starken Einfluss ausübten, mussten sogar Malerei und Bildhauerei bestimmten ästhetischen Regeln entsprechen, um als „wahre Kunst“ zu gelten.

Die Bedeutung der Kunst im frühen 20. Jahrhundert

Dann kam der Kubismus (1907-14), der das System der bildenden Kunst in seinen Grundfesten erschütterte. Nicht nur, weil Picasso einen nicht-naturalistischen Zweig der Malerei und Bildhauerei einführte, sondern weil er den monotheistischen Ansatz der Renaissance in Bezug auf die Beziehung zwischen der Kunst und der Welt um sie herum erschütterte. Der Hauptbeitrag des Kubismus bestand somit darin, eine Art Katalysator für eine Vielzahl neuer Bewegungen zu sein, die die Kunsttheorie und -praxis erheblich erweiterten, wie etwa der Suprematismus, der Konstruktivismus, der Dadaismus, der Neo-Plastizismus, der Surrealismus und der Konzeptualismus sowie verschiedene realistische Stile wie der soziale und sozialistische Realismus. In der Praxis führte diese Vermehrung neuer Stile und künstlerischer Techniken zu einer neuen Erweiterung der Bedeutung und Definition von Kunst. Mit der Befreiung von der „-Renaissance-Zwangsjacke“ und allen damit verbundenen Regeln der „-Objektivität“ (z. B. in Bezug auf Perspektive, nützliche Materialien, Inhalt, Komposition usw.) wies die bildende Kunst nun ein bedeutendes Element der „-Subjektivität“ auf. Die Künstler haben plötzlich eine große Freiheit erlangt, Gemälde und Skulpturen nach ihren subjektiven Vorstellungen und Werten zu schaffen. In der Tat könnte man sagen, dass von diesem Zeitpunkt an „die Kunst“ undefinierbar“ wurde.

Die Kunst und das Kunsthandwerk erfuhren durch die Verfügbarkeit eines stark erweiterten Angebots an kommerziellen Produkten einen ähnlichen Wandel. Die daraus resultierende Vermehrung verwandter Disziplinen in Design und Kunsthandwerk hatte jedoch kaum Auswirkungen auf die Definition und Bedeutung der Künste insgesamt.

Die Bedeutung der Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg

Die Katastrophe des Zweiten Weltkriegs führte zum Niedergang von Paris als Welthauptstadt der Kunst und zu ihrer Ablösung durch New York. Diese neue amerikanische Ausrichtung führte dazu, dass die Kunst zu einem kommerzielleren Produkt wurde und ihre Bindung an die bestehenden ästhetischen Traditionen abnahm, ein Trend, der durch das Aufkommen des Abstrakten Expressionismus, der Pop Art und die Aktivitäten einer neuen Generation gefeierter Künstler wie Andy Warhol gefördert wurde. Plötzlich wurden selbst die alltäglichsten Gegenstände und Konzepte in den Status „der Kunst“ erhoben. Beeinflusst von diesem populistischen Ansatz führten die Konzeptkünstler neue Kunstformen wie Assemblage, Installation, Video und Performance ein. Im Laufe der Zeit fügte Graffiti seinen eigenen „Sound hinzu“, ebenso wie zahlreiche Neuinterpretationen wie Neo-Dada, Neo-Expressionismus und Neo-Pop, um nur drei zu nennen. Kunstschulen und -hochschulen auf der ganzen Welt predigten pflichtbewusst einen neuen Polytheismus und gossen Öl ins Feuer der traditionellen Renaissancekunst .

Postmoderne und die Bedeutung der Kunst

Die Neudefinition der Kunst in den letzten drei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts verlieh den Theoretikern der postmodernen Bewegung zusätzliches intellektuelles Gewicht. Nach Ansicht der Postmodernen hat sich der Schwerpunkt vom künstlerischen Können auf die „Bedeutung“ des geschaffenen Werks verlagert. Darüber hinaus ist die Art und Weise, wie „das“ Werk „vom Publikum erlebt“ wird, zu einer entscheidenden Komponente seines ästhetischen Wertes geworden. Der phänomenale Erfolg zeitgenössischer Künstler wie Damien Hirst und Gilbert und George ist ein klarer Beweis für diese Auffassung. Mehr zu experimentellen Künstlern siehe: Avantgardekunst .

Eine Arbeitsdefinition von Kunst

Im Lichte dieser historischen Entwicklung der Bedeutung von „Kunst“ ist es vielleicht möglich, einen groben Versuch einer „Arbeits-“ Definition des Subjekts nach folgendem Muster zu unternehmen:

Kunst entsteht, wenn ein Künstler einen schönen Gegenstand schafft oder eine anregende Erfahrung macht, von der sein Publikum glaubt, dass sie künstlerischen Wert hat.

Dies ist einfach eine „funktionierende“ Definition: weit genug, um die meisten zeitgenössischen Kunstformen abzudecken, aber eng genug, um „Ereignisse“ auszuschließen, deren „künstlerischer“ Inhalt unter das akzeptierte Niveau fällt. Darüber hinaus ist zu beachten, dass das Wort „Künstler“ enthalten ist, um den Kontext des Werks zu berücksichtigen; das Wort „schön“ ist enthalten, um die Notwendigkeit eines gewissen „ästhetischen“ Wertes widerzuspiegeln; während die Formulierung „es ist die Meinung des Publikums, dass es künstlerische Bedeutung hat“ enthalten ist, um die Notwendigkeit einer Reaktion, einer grundlegenden Akzeptanz der Bemühungen des Künstlers widerzuspiegeln.

Theorie und Philosophie der Kunst: Probleme zur Diskussion

- Müssen wir Kunst definieren, wenn wir ihre positive Wirkung schätzen?

Seit Jahrhunderten, wenn nicht Jahrtausenden, sind die Menschen von Kunstwerken emotional entzückt - manchmal auch verblüfft -: von der griechischen Bildhauerei über die byzantinische Architektur, die überwältigenden Werke der alten Meister der Renaissance und des Barock, wie Donatello, Raffael und Rembrandt, bis hin zu berühmten Künstlern der Moderne, wie Van Gogh, Picasso und Rodin. Poesie, Ballett und Filme können ebenso erbaulich sein. Wir können zwar nicht genau erklären, was Kunst ist, aber wir können nicht leugnen, welchen Einfluss sie auf unser Leben hat - ein Grund, warum öffentliche Kunst unterstützenswert ist.

- Wie hilft es uns, die Bedeutung von Kunst zu definieren?

Es liegt in der Natur der Kreativität, dass sie nicht definiert und in einen Rahmen gepresst werden kann. Jeder Versuch, dies zu tun, wird schnell veraltet und damit sinnlos, ja sogar kontraproduktiv. Was geschieht beispielsweise, wenn ein Künstler etwas schafft, das allgemein als „Kunst“ anerkannt ist, aber vom Kunstbetrieb nicht als solche wahrgenommen wird? Es sei daran erinnert, dass wir vielleicht immer noch nicht in der Lage sind, die Begriffe „Tisch“ oder „Elefant“ zu definieren, aber das bereitet uns keine großen Schwierigkeiten!

- Ist die Kunst einfach ein Spiegelbild unserer persönlichen Werte?

Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass jemand, der mit den Werten der Renaissancekunst aufgewachsen ist und daher ein vernünftiges Verständnis für die traditionelle Malerei hat, postmoderne Installationen weniger wahrscheinlich als Kunst betrachtet als jemand, der kein solches Verständnis hat. Ebenso wird jemand, der gerne fernsieht und Museen im Allgemeinen eher langweilig und uninteressant findet, eher von zeitgenössischer Videokunst beeindruckt sein als jemand, der traditionelle Museumsausstellungen mag. Daher könnte man sagen, dass die Einstellung einer Person zur Kunst mehr über ihre persönlichen Werte aussagt als über die Kunst selbst.

- Wer hat das Recht, Kunst zu definieren?

Da es unter den Kunsthistorikern keinen Konsens über die Bedeutung der Kunst gibt, welche Gruppe von „Experten“ sollte diese Aufgabe übernehmen dürfen? Künstler, Soziologen, Historiker, Juristen, Philosophen, Archäologen, Anthropologen oder Psychologen? Schließlich ist die Welt voll von so genannten „-Experten“ - Strukturalisten, Prozessualisten, Funktionalisten sowie den üblichen politischen Theoretikern wie Marxisten usw., die sich nicht darauf einigen können, was als Kunst gilt. Wem also geben wir diese Aufgabe?

Wie wird die Kunst kategorisiert?

Traditionelle und zeitgenössische Kunst umfasst so unterschiedliche Bereiche wie Architektur, Musik, Oper, Theater, Tanz, Malerei, Bildhauerei, Illustration, Zeichnung, Cartoons, Druckgrafik, Keramik, Glasmalerei, Fotografie, Installation, Video, Film und Kinematografie und viele andere.

Alle diese Tätigkeiten werden im Allgemeinen als „Künste“ bezeichnet und gewöhnlich in mehrere sich überschneidende Kategorien eingeteilt, wie zum Beispiel: visuelle, bildende, plastische, dekorative, angewandte und darstellende .

Über die genaue Zusammensetzung dieser Kategorien besteht weiterhin Uneinigkeit, aber es gibt hier eine allgemein akzeptierte Klassifizierung.

1. bildende Kunst

Diese Kategorie umfasst Kunstwerke, die in erster Linie aus ästhetischen Gründen geschaffen werden („Kunst um der Kunst willen“) und nicht für den kommerziellen oder funktionalen Gebrauch. Die bildende Kunst, die im Hinblick auf ihre erhebenden, lebensverbessernden Eigenschaften geschaffen wird, bezieht sich gewöhnlich auf die traditionelle westeuropäische „hohe Kunst“, wie zum Beispiel:

Zeichnen
mit Kohle, Kreide, Buntstiften, Pastellen oder mit Bleistift oder Feder und Tinte . Die beiden Hauptanwendungen sind illuminierte Manuskripte (ca. 600-1200) und Buchillustrationen .

Malerei
Es werden verwendet: Ölfarben, Aquarellfarben, Gouache, Gouache, Acrylfarben, Tusche oder die altmodischeren Temperafarben oder Enkaustikfarben . Wir haben Artikel über Farbstoffe, siehe: Farbe in der Malerei und Farbe, Pigmente, Arten .

Druck
Einfache Methoden wie Holzschnitte oder Schablonen werden verwendet, komplexere Methoden Gravur, Radierung und Lithographie, oder modernere Formen wie Siebdruck, Folienbilder oder Giclée-Drucke . Für eine wichtige Anwendung der Gravur siehe: Die Kunst des Plakats .

Bildhauerei
In Bronze, Stein, Marmor, Holz, oder Ton.

Eine andere schöne Kunst, die in China entstanden ist, ist die Kalligraphie : eine sehr kunstvolle Form der stilisierten Schrift.

Entwicklung der schönen Künste

Nach den primitiven Formen der Felsenmalerei, den Statuetten und anderen Formen der antiken Kunst kam das goldene Zeitalter der griechischen Kunst und anderer Schulen des klassischen Altertums. Der Fall Roms (ca. 400-450) markiert die tote Periode des finsteren Mittelalters (ca. 450-1000), das nur noch von keltischer Kunst und keltischen Ornamenten Ultimate La Tene geschmückt wird, gefolgt von der Kunstgeschichte des Westens mit einer großen Vielfalt an künstlerischen „Stilen“ oder „Bewegungen“ wie: Gotik (ca. 1100-1300), Renaissance (ca. 1300-1600), Barock (17. Jahrhundert), Neoklassizismus (18. Jahrhundert), Romantik (18.-19. Jahrhundert), Realismus und Impressionismus (19. Jahrhundert), Kubismus, Expressionismus, Surrealismus, abstrakter Expressionismus und Pop Art (20. Jahrhundert).

Einen kurzen Überblick über die Moderne (ca. 1860-1965) finden Sie unter Moderne Kunstbewegungen ; einen Leitfaden zur Postmoderne (ca. 1965-heute) finden Sie in unserer Liste der wichtigsten Modernen Kunstbewegungen .

Tradition

Bildende Kunst war die traditionelle Art der akademischen Kunst, die in großen Schulen wie der Akademie der Künste in Florenz, der Akademie von San Luca in Rom, der Akademie der schönen Künste in Paris und der Royal Academy in London gelehrt wurde. Eines der wichtigsten Vermächtnisse dieser Akademien war ihre Theorie der linearen Perspektive und die Einteilung der Gattungen der Malerei, die alle Werke in 5 Typen einteilte: Geschichte, Porträt, Genreszenen, Landschaft oder Stillleben.

Maecenas

Seit dem Aufkommen des Christentums war die christliche Kirche der größte und bedeutendste Förderer der bildenden Künste. Es ist daher nicht überraschend, dass der größte Teil der Malerei und Bildhauerei religiöse Kunst war, ebenso wie andere spezifische Formen wie Ikonen und Altarkunst .

2. Bildende Kunst

Visuelle Kunst umfasst die gesamte visuelle Kunst sowie neue Medien und zeitgenössische Ausdrucksformen wie Assemblagekunst, Collage, Konzeptkunst, Installationen und Performancekunst sowie Fotografie (siehe auch: „Ist Fotografie Kunst?) und filmbasierte Formen wie Videokunst und Animation oder eine beliebige Kombination aus diesen. Eine andere Art, die oft in monumentalem Maßstab geschaffen wird, ist etwas ganz Neues - Land Art .

3. Kunststoffe

Der Begriff „plastische Kunst“ bezieht sich in der Regel auf dreidimensionale Werke, bei denen Materialien verwendet werden, die in irgendeiner Weise umgeformt oder manipuliert (plastifiziert) werden können: z. B. Ton, Gips, Stein, Metalle, Holz (Skulptur), Papier (Origami) usw, Für dreidimensionale Kunstwerke aus Alltagsmaterialien und „gefundenen Gegenständen“, einschließlich „fertiger Produkte“ von Marcel Duchamp (1913-21), siehe: Junk Art

4. Dekorative Kunst

Diese Kategorie bezieht sich traditionell auf funktionelle, aber dekorative Kunstformen wie Werke aus Glas, Ton, Holz, Metall oder Textilgewebe. Sie umfasst alle Arten von Schmuck und Mosaikkunst, sowie Keramik (veranschaulicht durch die wunderschön verzierten Stile der antiken Keramik, insbesondere chinesische und griechische Keramik), Möbel, Einrichtungsgegenstände, Glasmalerei und Tapisserien . Berühmte Stile der dekorativen Künste : Rokoko (1700-1800), Präraffaelitische Bruderschaft (seit 1848-55), Japonismus (1854-1900), Jugendstil (1890-1914), Art Deco (ca. 1925-40), Edwardianischer Stil und Retro.

Die vielleicht größte Periode dekorativer oder angewandter Kunst in Europa fand im 17. und 18. Jahrhundert am französischen Königshof statt. Für weitere Informationen siehe: Französisches Kunstgewerbe (ca. 1640-1792); Französische Designer (ca. 1640-1792); und Französische Möbel (ca. 1640-1792).

5. Leistung

Diese Art bezieht sich auf öffentliche Aufführungen. Zu den traditionellen Optionen gehören Theater, Oper, Musik und Ballett. Die zeitgenössischen darstellenden Künste umfassen auch jede Tätigkeit, bei der die physische Präsenz des Künstlers als Ausdrucksmittel dient. So wirken Mimik, Gesichts- oder Körperbemalung und Ähnliches. Eine hypermoderne Form der darstellenden Kunst ist bekannt als Happenings .

6. Angewandte Kunst

Diese Kategorie umfasst alle Aktivitäten, die die Anwendung ästhetischer Entwürfe auf funktionale Alltagsgegenstände beinhalten. Während die bildende Kunst den Betrachter intellektuell anregt, schafft die angewandte Kunst Gebrauchsgegenstände (eine Tasse, ein Sofa oder einen Stuhl, eine Uhr, einen Stuhl oder einen Tisch), bei deren Gestaltung ästhetische Prinzipien angewandt werden. Die Volkskunst ist überwiegend mit dieser Art der kreativen Tätigkeit verbunden. Zu den angewandten Künsten gehören Architektur, Computerkunst, Fotografie, Industriedesign, Grafikdesign, Modedesign, Innenarchitektur und alle Arten von Kunsthandwerk. Zu den bekannten Stilrichtungen gehören die Bauhausschule sowie der Jugendstil und das Art déco . Eine der wichtigsten angewandten Kunstformen des 20. Jahrhunderts ist die Architektur, insbesondere die Wolkenkratzerarchitektur, die das urbane Umfeld in New York, Chicago, Hongkong und vielen anderen Städten auf der ganzen Welt dominiert. Für einen Überblick über diese Art von Kunst im öffentlichen Raum, siehe: Amerikanische Architektur (1600 bis heute).

Debatte „Kunst vs. Handwerk“

Nach der traditionellen Kunsttheorie gibt es einen grundlegenden Unterschied zwischen „Kunst“ und „Handwerk“. Einfach ausgedrückt: Obwohl beide Tätigkeiten schöpferische Fähigkeiten beinhalten, ist bei der ersteren ein höheres Maß an intellektuellem Engagement erforderlich. Dieser Schlussfolgerung zufolge wäre ein Weber (beispielsweise) ein Handwerker und ein Handtaschendesigner ein Künstler. Bei dieser eher künstlichen Unterscheidung zwischen den dekorativen und den angewandten Künsten ist die Funktionalität ein Schlüsselfaktor. So würde ein Juwelier, der nicht-funktionale Gegenstände wie Ringe oder Halsketten entwirft und herstellt, als Künstler und ein Uhrmacher als Handwerker angesehen werden; jemand, der Glas herstellt, könnte ein Handwerker sein, aber eine Person, die Glasmalerei herstellt, ist ein Künstler. Die Idee ist, dass Künstler überlegen sind, weil sie „Dinge aus Gründen der Schönheit schaffen“, während Handwerker sich wiederholende oder rein funktionale Gegenstände herstellen. An dieser Theorie mag etwas Wahres dran sein, aber viele Arten von Kunsthandwerk sind echter Kunst nicht unähnlich. Ein Beispiel: Ein Trickfilmzeichner erstellt Tausende ähnlicher Bilder einer Zeichentrickfigur. Seine „Kunst“ ist zwar rein funktional und sehr kommerziell, aber niemand kann leugnen, dass er ein Künstler ist. Anmerkung: siehe auch: Geschichte des Kunstgewerbes (1862-1914).

Der Einfluss der Renaissance auf die westliche Kunstauffassung

Vor der Renaissance im 15. Jahrhundert galten im Allgemeinen alle Künstler als Handwerker oder Kunsthandwerker. Selbst die größten Künstler wie Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci und Raffael galten lediglich als Facharbeiter, während Bildhauer wie Donatello lediglich als spezialisierte Steinmetzen und Bronzegießer angesehen wurden. Leonardo und Michelangelo verfolgten das Ziel, den Beruf des Künstlers zum Beruf zu erheben, ein Ziel, das 1561 mit der Gründung der ersten Kunstakademie in Florenz verwirklicht wurde, die für die Ausbildung im Beruf „Maler“ ) disegno) eingerichtet wurde.

Doch obwohl es den Künstlern der Renaissance gelang, ihr Handwerk zum Beruf zu erheben, definierten sie die Kunst als eine im Wesentlichen intellektuelle Tätigkeit. Diese fixe Idee der Renaissance, dass Kunst in erster Linie eine intellektuelle Disziplin ist, wurde über die Jahrhunderte weitergegeben und beeinflusst noch immer die zeitgenössischen Vorstellungen über die Bedeutung der Kunst. Trotz einiger Fortschritte, die sich beispielsweise in den Lehrplänen der Kunstschulen niedergeschlagen haben, haben die bildenden Künste nach wie vor eine Vorrangstellung gegenüber handwerklichen Disziplinen wie den angewandten und dekorativen Künsten.

Fragen zur Kunst

Wir sind vielleicht nicht in der Lage, Kunst zu definieren, aber wir können sie weiter erforschen, indem wir Fragen zu ihrer Natur und ihrem Umfang stellen. Hier sind einige der wichtigsten Fragen, zusammen mit einem kurzen Kommentar. (Siehe auch: Farbglossar der Kunst)

- Was ist die Bedeutung der Kunst?

Skeptiker sagen, dass Kunst Zeitverschwendung ist. Selbst der berühmte Dichter W.H. Auden gab zu, dass kein einziges Gedicht einen einzigen Menschen vor den Gaskammern der Nazis gerettet hat. Diese Aussage mag zwar grausam und bedeutungslos erscheinen, unterstreicht aber den Gedanken, dass Kunst in unserem täglichen Leben nur einen begrenzten Nutzen hat, außer im Fall von schönen Gebäuden, Teekannen, Autos oder Kleidung.

Es gibt zwei allgemeine Antworten: Erstens ist die angewandte Kunst ein wichtiger Zweig der Kunst, der schwer von der bildenden Kunst zu trennen ist, weil die Wurzel allen Designs (das die Grundlage der angewandten Kunst ist) die bildende Kunst ist. Zweitens hat der Homo Sapiens , seit er die Fähigkeit zur Kontemplation entwickelt hat, seine Gedanken in visueller Form ausgedrückt. Gleichzeitig schätzte er weiterhin die Schönheit, sei es in Form von menschlichen Gesichtern oder Körpern, Sonnenuntergängen, Tierhautfarben, Kathedralen oder Skulpturen. Kurz gesagt, Kunst zu schaffen und zu schätzen heißt, Mensch zu sein . Ein typisches Beispiel.

- Wie kann man gute Kunst von schlechter Kunst unterscheiden?

Die Unfähigkeit, Kunst zu definieren, bedeutet nicht, dass alle Kunst gut ist. Das Problem ist, wer entscheidet, wo gute Kunst endet und schlechte Kunst beginnt?

Diese beliebte Frage mag unserem natürlichen Wunsch entspringen, nicht von falschen Verkäufern betrogen zu werden, die sich als „Künstler ausgeben“, aber unabhängig von ihrem Ursprung ist sie kein besonders wichtiges Problem. In der Praxis brauchen professionelle Künstler öffentliche Anerkennung. Und auch wenn vorübergehende Kunstmoden manchmal Werke von zweifelhaftem Wert fördern, wird die Öffentlichkeit (ebenso wie die Kunstgemeinschaft) wohl kaum zusehen, wie schlechte Kunst alltäglich wird.

- Warum machen Kunsthistoriker alles so kompliziert?

Ein Beispiel dafür sind die mit Fachjargon gefüllten Artikel in Kunstzeitschriften, in denen niemand mehr eine einfache Sprache zu verwenden scheint. Andere Übeltäter sind Ausstellungskataloge und Kunstbücher.

Die Autoren dieses Materials könnten sagen, dass ein solcher Jargon nichts weiter als eine notwendige Kurzschrift ist, und dass er meist für andere „Experten“ geschrieben wird. Aber ist das wirklich der Fall? Es ist zum Beispiel fast unmöglich, ein Buch mit einer einfachen Erklärung des Kubismus zu finden. Wie soll also ein junger Student verstehen, warum die revolutionäre Bewegung von Picasso und Braque so wichtig ist? Das Gleiche gilt für Dutzende von Dingen in der Kunstwelt. Und manche abstrakte Kunst klingt so kompliziert, dass man fast einen Arzt braucht, um sie richtig „zu verstehen“.

- Beispiele für sinnlose Kunstrezensionen: Warum dieser Jargon?

Moderne Rezensenten, Kritiker und Künstler greifen oft auf sinnlosen Unsinn zurück, wenn sie versuchen, ein Kunstwerk zu beschreiben. Hier sind einige Beispiele, die anonym bleiben, um den Autoren die Peinlichkeit zu ersparen. Sie stammen alle aus Pressemitteilungen oder Websites „von maßgeblichen“ Stellen:

"… Der Titel fasst das Ziel der Ausstellung zusammen: die Malerei im Bereich des Möglichen zu verorten und die Notwendigkeit des Hinterfragens und Experimentierens zu berücksichtigen, wenn sich die Malerei weiterhin in Richtung eines grenzenlosen Potenzials entwickeln soll."

"… Dies ist die erste Ausstellung, die sich mit so unterschiedlichen Themen wie Spiel und Sehnsucht, der Intensität des persönlichen Raums, dem obsessiven Organischen, der abstrakten Farbe, der inneren Konstruktion, dem architektonischen Raum, der Zeit und der Transzendenz beschäftigt."

"… Die Künstlerin hat eine Reihe tadelloser Werke geschaffen, die die Grundbestandteile der Materialien der Malerei erforschen und nach Albertis Abhandlung „Della Pittura“ betitelt sind. Jedes Werk verfolgte sorgfältig, aber mit besonderem Einfallsreichtum, eine relevante, aber unterschiedliche Untersuchungslinie".

"… Poststrukturalisten, angefangen mit Jacques Derrida, der den Begriff geprägt hat, haben argumentiert, dass die Existenz von Dekonstruktionen impliziert, dass es keine innere Essenz des Textes gibt, sondern lediglich einen Kontrast der Differenz. Dies ist vergleichbar mit der Vorstellung, dass der Unterschied in der Wahrnehmung zwischen Schwarz und Weiß ein Kontext ist."

"… Eine künstlerische Arbeit über Möglichkeiten; ein Versuch, die Bedeutung der Freiheit zu manifestieren. Indem er die vielfältigen Bedeutungen scheinbar gewöhnlicher Objekte erforscht, nimmt er an der Transzendenz von Funktionen teil…"

- Was ist der Sinn der abstrakten Kunst? Sie sieht seltsam aus!

Bis zum Ende des neunzehnten Jahrhunderts hielten sich die meisten Gemälde und Skulpturen an die traditionellen Prinzipien. Es handelte sich in der Regel um gegenständliche (naturalistische) Kunst . Der Impressionismus änderte dann alles, indem er unnatürliche Farbschemata einführte: Dieser Prozess wurde von den Fauvisten und Expressionisten fortgesetzt. Der Kubismus lehnte dann die Vorstellung von Tiefe oder Perspektive in der Malerei ab und öffnete die Tür zu mehr abstrakter Kunst, einschließlich Bewegungen wie Futurismus, De Stijl, Dada, Konstruktivismus, Surrealismus, Neo-Plastizismus, abstrakter Expressionismus und Op Art.

Da die abstrakte Kunst nur wenige naturalistische Elemente enthält, ist sie nicht so sichtbar wie (z. B.) klassische Porträts oder Landschaften. Und wenn Sie es vorziehen, dass ein Kunstwerk erkennbare Personen und Umgebungen darstellt, ist abstrakte Kunst wahrscheinlich nicht das Richtige für Sie. Aber mal ehrlich, ist das so viel anders als die Ablehnung einer bestimmten Farbe oder eines bestimmten Kleidungsstils? Unterschiedliche Menschen mögen unterschiedliche Dinge, und das gilt für Kunst genauso wie für Arbeit, Autos, Häuser, Möbel, Urlaub und alles andere, was Ihnen einfällt.

Abstrakte oder nicht-naturalistische Gemälde enthalten meist eine versteckte Botschaft oder folgen einer bestimmten Kunsttheorie. Das mag sie für manche Menschen weniger ansprechend und schön machen, aber das bedeutet nicht, dass sie keine herausragenden Kunstwerke sein können.

- Sollte Kunst subventioniert werden?

Für die meisten Vollzeitkünstler ist es äußerst schwierig, ihren Lebensunterhalt beispielsweise mit Malerei oder Bildhauerei zu verdienen. Dagegen wenden die Skeptiker ein: „Nun, wenn niemand ihre Sachen kaufen will, warum sollte der Steuerzahler dann dafür aufkommen?“

Diese Bedenken sollten nicht allzu leichtfertig übergangen werden. Schließlich sagen diese Skeptiker nicht, dass Künstler ihre Kunst nicht ausüben sollten, sondern nur, dass der Künstler sich um eine private Förderung bemühen sollte.

Eine Antwort auf diese Frage lautet wie folgt. Erstens bilden die meisten Kunsthochschulen Studenten in verschiedenen kommerziellen Bereichen aus, insbesondere in angewandter Kunst und Design. Für diese Personen stellt sich die Frage der Subventionierung also nicht. Außerdem entscheiden sich die Studenten, die sich für eine Vollzeitkarriere als Maler oder Bildhauer entscheiden, für einen sehr schwierigen und finanziell nachteiligen Lebensweg. Nicht zuletzt deshalb, weil die Förderung (in Form von öffentlichen Aufträgen, Stipendien und anderen Beihilfen) tatsächlich sehr knapp ist. Die Höhe der öffentlichen Subventionen für die Künste in den westlichen Ländern ist im Vergleich zu anderen ähnlichen Bereichen nach wie vor recht niedrig. Daher ist auch hier der Anteil der öffentlichen Gelder, der für Kunstwerke ausgegeben wird, nicht besonders hoch.

Dennoch werden öffentliche Gelder für die Kunst ausgegeben, und das ist der Grund dafür. Schönheit, sei es in Form eines attraktiven Autos, eines gut gestalteten öffentlichen Gebäudes oder Platzes, eines farbenfrohen Kleides oder einer inspirierenden Skulptur, ist eines der wenigen Phänomene, die unsere Stimmung heben und uns daran erinnern, dass es im Leben mehr gibt als den Preis von Eiern. Aber ohne die Kunst wird dieses Spektrum an ästhetischen Erfahrungen allmählich abnehmen, da die Schönheit als lohnendes Ziel allmählich herabgestuft wird. Die Literatur (wenn nicht sogar die Geschichte) ist voll von Beispielen für diese Art von Gesellschaft, in der Funktionalität alles ist und die Bürger die gleichen unansehnlichen Kleider tragen, in den gleichen grauen Wohnungen leben und ein eintöniges, langweiliges Leben führen.

Internet-Sammlungen von Gemälden und Skulpturen

Es gibt viele Gemälde und Skulpturen im Internet. (Allein auf unserer Website finden Sie Hunderttausende verschiedener Bilder.) Stöbern Sie auf Gallerix.de in den Sammlungen der besten Kunstmuseen wie den Uffizien (Florenz), dem Louvre (Paris), dem Museo del Prado (Madrid), der National Gallery (London), der Gemäldegalerie (Berlin), der Eremitage (St. Petersburg), dem Metropolitan und Guggenheim (New York) und der National Gallery (Washington DC), um nur einige zu nennen.

Weitere Informationen über die Klassifizierung von Kunst finden Sie in: Enzyklopädie der bildenden Künste .