Griechische Skulptur: Geschichte, Zeitleiste, Eigenschaften Automatische übersetzen

Wie ist die griechische Bildhauerei entstanden?

Man nimmt an, dass die griechische Kunst des klassischen Altertums eine Mischung aus ägyptischen, syrischen, minoischen (Kreta), mykenischen und persischen Kulturen ist, die (der Sprache nach zu urteilen) ihrerseits von indoeuropäischen Stämmen abstammen, die aus den offenen Steppen nördlich des Schwarzen Meeres eingewandert sind. Die griechischen Bildhauer lernten die Steinbildhauerei und den Bronzeguss von den Ägyptern und Syrern, während die Traditionen der Bildhauerei in Griechenland von zwei Hauptgruppen von Siedlern aus Thessalien entwickelt wurden: den Ioniern und den Doriern. (Mehr zum Mauerwerk im alten Ägypten siehe: Ägyptische Architektur).

Die Zeitleiste der griechischen Bildhauerei

Chronologie Die Bildhauerei im antiken Griechenland wird traditionell in drei Hauptperioden unterteilt:

Archaische Periode (ca. 650-500 v. Chr.)
Griechische Bildhauer beginnen, monumentale Marmorskulpturen zu schaffen.
Klassische Periode (ca. 500-323 v. Chr.)
Der Höhepunkt der Kreativität in der griechischen Bildhauerei
Hellenistische Periode (ca. 323-27 v. Chr.)
„Griechischer“ dreidimensionaler Kunststil wird im gesamten östlichen Mittelmeerraum praktiziert.

Anmerkung. Für Informationen über Keramikkunst, einschließlich geometrische, schwarzfigurige, rotfigurige und weißgrundige Techniken, siehe Griechische Keramik: Geschichte und Stile .

Geschichte der frühen griechischen Bildhauerei

Knochen- und Elfenbeinschnitzerei gab es in Ägypten seit etwa 5000 v. Chr. als Teil der kulturellen Traditionen, die sich am Ende der Steinzeit (10000-5000 v. Chr.) entwickelten. Ab 2600 v. Chr. entstanden dann verschiedene Stränge der ägäischen Kunst, insbesondere die minoische Zivilisation auf Kreta mit ihren Steinskulpturen (insbesondere Steinsiegel), Fresken, Töpferwaren und Erzeugnissen aus Metall . Nach einer Reihe von Erdbeben brach die minoische Kultur um 1425 v. Chr. zusammen, und die mykenische Kunst auf dem Festland wurde zur vorherrschenden Art der griechischen Kultur – bekannt für ihre Töpferwaren, geschnitzten Edelsteine und Glasschmuck – bis etwa 1150 v. Chr., als auch sie überrannt wurden – dieses Mal von den eindringenden Dorern. Danach folgte das griechische „Dunkle Zeitalter“ – eine 400-jährige Periode des Chaos und der Unruhen, in der fast keine Kunst produziert wurde. Im ruhigeren 8. Jahrhundert v. Chr. begann sich jedoch eine neue Kultur der schönen Künste zu entwickeln, zu der Töpferei sowie Malerei und Bildhauerei gehörten, während die „Ilias“ und „Odyssee“ von Homer etwa zur gleichen Zeit geschrieben wurden. Die Entwicklung der Bildhauerei blieb jedoch bis zur archaischen Periode (ca. 600-500 v. Chr.) äußerst langsam. Für weitere Informationen über die frühesten archaischen Stile siehe: Daedalische griechische Skulptur (650-600) . Für ein breiteres Feld siehe: Etruskische Kunst (ca. 700-90 v. Chr.).

War die griechische Bildhauerei in erster Linie religiös?

Ja. Während der archaischen und klassischen Periode war die wichtigste griechische Skulptur religiöser Natur und für Tempel bestimmt, die gewöhnlich einer einzigen Gottheit gewidmet waren. Die Götterstatuen waren nach menschlichem Vorbild geformt und bestanden aus verschiedenen Materialien und Größen. Innerhalb und außerhalb des Tempels befanden sich weitere Gelübde-Statuen, Urnen, Bilder heiliger Tiere und andere Objekte skulpturaler Natur.

Warum entwickelte sich die griechische Bildhauerei in der archaischen Periode schneller?

Ein wesentliches Merkmal der archaischen Periode waren die erneuerten Handelskontakte und Seehandelsverbindungen zwischen Griechenland und dem Nahen Osten (insbesondere Ägypten, aber auch den Stadtstaaten Kleinasiens), die griechische Künstler dazu inspirierten, eine monumentale Kunsttradition der Marmorskulptur zu begründen . In der archaischen Periode begannen die Griechen auch, Stein für ihre öffentlichen Gebäude zu verwenden, und entwickelten ihre drei architektonischen Ordnungen ) dorisch, ionisch und korinthisch), die jeweils durch einen Säulenstil mit Basis, Schaft, Kapitellen und Gebälk mit Architravfries und Gesims gekennzeichnet sind. Vor allem aber erhielt der griechische Steintempel in dieser Zeit seine Grundform, die eine Vielzahl von architektonischen Skulpturen ermöglichte: Reliefs und Friese an den Giebeln des Tempels (dreieckiger Giebel unter dem Dach des Gebäudes) und Metopen (rechteckige Tafeln über den Säulen), sowie Statuen aller Art. Es ist zu bedenken, dass die Geschichte der Bildhauerei eine klare Beziehung zwischen der Architektur und den plastischen Künsten zeigt: Je mehr Gebäude gebaut werden, desto mehr Skulpturen werden benötigt. Dies geschah in der klassischen Antike sowie in der mittelalterlichen Bildhauerei (Romanik und Gotik), der Bildhauerei der Renaissance (früh und hoch), der barocken Bildhauerei (17. Jahrhundert) und der neoklassischen Bildhauerei (18. Jahrhundert).

Was sind die Merkmale der archaischen griechischen Bildhauerei?

Im Allgemeinen schufen die griechischen Bildhauer in dieser Zeit Friese und Reliefs in verschiedenen Größen (aus Stein, Terrakotta und Holz) sowie viele verschiedene Arten von Statuen (aus Stein, Terrakotta und Bronze) und Miniaturskulpturen (aus Elfenbein und Metall). Archaische freistehende Figuren haben die große Masse und die frontale Haltung der ägyptischen Modelle, aber ihre Formen sind dynamischer: siehe zum Beispiel den Torso der Hera (660-580, Louvre).

Ab etwa 620 waren die drei häufigsten Statuen ein stehender nackter Jüngling ) kouros, Plural - kouroi ), ein stehendes drapiertes Mädchen ) kore, Plural - korai) und eine sitzende Frau. (Der kouros blieb bis etwa 460 populär). Anfangs ähnelten diese figürlichen Werke, wie die meisten anderen freistehenden griechischen Skulpturen der archaischen Epoche, sowohl in ihrer Form als auch in ihrer Haltung ägyptischen Statuen (frontal, breitschultrig, schmal, die Arme hängen eng am Körper, die Fäuste sind geballt, beide Füße ruhen auf dem Boden, der linke Fuß ist leicht nach vorne gerichtet, der Gesichtsausdruck beschränkt sich auf ein starres „archaisches Lächeln“). Als die Griechen jedoch mehr über die menschliche Anatomie erfuhren, wurden diese kouroi und korai weniger starr und künstlich, sondern realistischer, während die ägyptischen Bildhauer sich strikt an die von ihren kulturellen Autoritäten festgelegten starren hieratischen Schemata hielten.

Ein weiteres typisch griechisches Merkmal war, dass die kouroi im Gegensatz zu den ägyptischen Figuren keinen ausdrücklichen religiösen Zweck verfolgten: Sie konnten als Denkmäler, Grabsteine, Statuen für Gelübde oder zur Darstellung lokaler Helden wie Athleten oder zur Darstellung des Gottes Apollo oder Herakles verwendet werden. Die Griechen hatten schon vor langer Zeit beschlossen, dass der menschliche Körper das wichtigste Thema für jeden Künstler ist, und da sie ihren Göttern eine menschliche Gestalt gaben, machten sie keinen Unterschied zwischen dem Heiligen und dem Profanen. Darüber hinaus waren die kuroi nackt, während die ägyptischen männlichen Figuren bekleidet dargestellt wurden.

Die weibliche Statue, die kore, wurde als weniger wichtig angesehen. Bei ihrer Erschaffung konzentrierten sich die archaischen Bildhauer hauptsächlich auf die Proportionen und das Drapierungsmuster und weniger auf die physische Anatomie. Ionische Künstler waren am besten darin, die Falten des locker drapierten Kleides ) chiton) und des Mantels ) himation) darzustellen. Die meisten korai waren Gelübde-Skulpturen, die als Weihegaben in Heiligtümern wie der Akropolis in Athen standen.

Welches sind die bekanntesten griechischen Statuen aus der archaischen Zeit?

Bekannte Beispiele für archaische griechische Skulpturen sind:

Um zu sehen, wie sich die griechischen Entwürfe entwickelt haben, vergleichen Sie zum Beispiel die Kalksteinstatue der Frau von Auxerre (ca. 630 v. Chr., Louvre, Paris) mit „Peplos Kore“ (ca. 530, Akropolismuseum, Athen); vgl. auch Sunion Kouros (um 600, Archäologisches Nationalmuseum von Athen) mit „Boy Kritios“ (490-480, Akropolismuseum, Athen).

Welche Materialien benutzten die griechischen Bildhauer?

Die beliebtesten Bildhauermaterialien im antiken Griechenland waren Marmor und andere Kalksteinfelsen, Bronze, Terrakotta und Holz. Etwa die Hälfte aller in der Antike geschaffenen Statuen waren aus Bronze, obwohl Metall in der Bildhauerei bis etwa 550-500 nicht weit verbreitet war. Unabhängig vom verwendeten Material wurde die endgültige Oberfläche der Statue mit Öl und heißem Wachs bestrichen und anschließend bemalt und vergoldet, um sie natürlicher zu machen. Selbst Reliefskulpturen wurden erst nach dem Polieren und Färben als fertig betrachtet.

Wurden griechische Skulpturen bemalt?

Im Allgemeinen, ja. Ob Marmor, Bronze, Holz, Terrakotta oder Metall, die meisten griechischen Skulpturen (Statuen und Reliefs) waren polychrom bemalt. Erstaunlicherweise wurde dieses Hauptmerkmal aufgrund der Vorurteile einflussreicher Kunsthistoriker wie des neoklassischen Experten Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), der die Idee einer „bemalten“ griechischen Skulptur strikt ablehnte, mehrere Jahrhunderte lang weitgehend ignoriert. Erst als der deutsche Archäologe Vinzenz Brinkmann kürzlich nachwies, dass der gesamte Parthenon bemalt war, wurde die Farbgebung der antiken griechischen Skulpturen als Tatsache akzeptiert. Siehe auch Antike Griechische Malerei (ca. 625-500).

Was geschah mit der griechischen Bildhauerei in der klassischen Periode?

In der klassischen Periode kam es zu einer raschen Verbesserung der griechischen Bildhauerei. Die technischen Fertigkeiten der griechischen Bildhauer nahmen dramatisch zu, da sie den menschlichen Körper nicht mehr in einer starren, sondern in einer entspannten Pose darstellen konnten. Der Klassizismus verbesserte die Starrheit des archaischen Idioms und verlieh der menschlichen Figur ein natürlicheres Gefühl von Bewegung und Körperlichkeit, zum Beispiel in den Metopen und Giebeln des Zeustempels in Olympia. Bronze wurde auch das vorherrschende Material für monumentale, freistehende Statuen, nicht zuletzt wegen der Fähigkeit des Metalls, seine Form zu bewahren – wie komplex sie auch sein mag, sie erlaubt weniger starre Posen. Die Bronzefigur ist nicht nur stabiler und leichter, sondern kann auch durch Bleigewichte in den hohlen Beinen stabilisiert werden. Dies ermöglichte neue Posen, die bei einer Marmorstatue zu einem Sturz geführt hätten. Leider war Bronze so wichtig für die Herstellung von Waffen und so leicht einzuschmelzen, dass die meisten griechischen Bronzestatuen verschwunden sind, was es schwierig macht, griechische Kunstwerke richtig zu würdigen, und uns auf römische Kopien griechischer Originale angewiesen macht.

Welches sind die wichtigsten Arten der klassischen griechischen Bildhauerei?

Die klassizistische Bildhauerei befasste sich immer noch in erster Linie mit der Religion und umfasste alle griechischen Gottheiten und mythologischen Figuren. Neben den zwölf olympischen Göttern und Göttinnen Zeus, Apollon, Poseidon, Demeter, Hera, Artemis, Hephaistos, Athene, Ares, Aphrodite, Hermes und Hestia Bildhauer schnitzten kleinere Gottheiten wie Dionysos, Satyrn, Nymphen und Kentauren sowie Pluto und Persephone, Eros, Psyche und Ariadne, Musen, Grazien, Jahreszeiten und Schicksale sowie Helden wie Achilles, Herakles, Theseus, Perseus und andere.

Neben den religiösen Werken schufen die klassischen Künstler auch eine Reihe von dreidimensionalen Sportfiguren, die Athleten in verschiedenen Kategorien darstellen, darunter Diskuswerfer, Läufer, Ringer und Wagenlenker. Seltsamerweise war die historische Bildhauerei, die in Ägypten und Assyrien praktiziert wurde, im antiken Griechenland fast unbekannt. Wichtige Ereignisse wurden eher in mythologischer Form als durch eine tatsächliche Erzählung dargestellt.

Was sind die Merkmale der klassischen griechischen Bildhauerei?

Die wichtigsten Merkmale der klassischen Bildhauerei betreffen die Genauigkeit der Anatomie und den Realismus der Darstellung. Diese Verbesserungen erfolgten jedoch nicht über Nacht. So konzentrierten sich die Bildhauer in der frühklassischen griechischen Bildhauerei (ca. 500-450) darauf, Figuren zu schaffen, die sich im Raum bewegten, anstatt einfach nur im Raum zu stehen. Das Meisterwerk des frühen Klassizismus ist „Discobolus“ (ca. 450) von Myron. In der Phase der hochklassischen griechischen Bildhauerei (ca. 450-400) wendeten sie dann den platonischen Proportionskanon auf ihre Figuren an. Der menschliche Körper wurde in einer „idealen“ Form dargestellt – eine Idee, die von Leonardo, Michelangelo und Raphael während der Hochrenaissance wiederbelebt wurde. Darüber hinaus entwickelten die Bildhauer der Hochklassik den contraposto, eine Pose, bei der das Gewicht des Körpers des Modells auf ein Bein verlagert wird, während das andere leicht angewinkelt bleibt. Ein Beispiel ist der Doriphorus (um 440, Marmorkopie im Nationalmuseum in Neapel). Der contrapposto ist natürlicher als frühere Posen und erlaubt es der Schwerkraft zum ersten Mal, das Verhältnis zwischen den Muskeln und Gliedmaßen eines Objekts zu beeinflussen. Diese von den Griechen erfundene Pose war bis zum 20. Jahrhundert eine Hauptstütze der europäischen Bildhauerei. In der Periode der spätklassischen griechischen Bildhauerei wurden die Figuren schließlich als dreidimensionale Formen betrachtet, die den Raum einnahmen und begrenzten. Sie konnten aus jedem Blickwinkel betrachtet werden. In dieser späten Phase des Klassizismus (viertes Jahrhundert) entstanden auch die ersten freistehenden weiblichen Akte. Ein Beispiel für spätklassizistische Skulpturen ist Aphrodite von Cnidus (350-40) Praxiteles.

Wer sind die berühmtesten klassischen Bildhauer?

Ein weiteres charakteristisches Merkmal der griechischen klassischen Bildhauerei – das Auftreten von namentlich genannten Bildhauern, obwohl ihre Werke fast ausschließlich aus späteren römischen Kopien bekannt sind. Zu den größten Bildhauern gehörten Calamis (Wirkungszeit 470-440), Pythagoras (Wirkungszeit ca. 440-420), Pythagoras (Wirkungszeit ca.), Phidias (488-431 v. Chr.), Kresilas (ca. 480-410), Myron (Wirkungszeit 480-444), Polyklet (tätig ca.450-430), Callimachus (tätig 432-408), Scopas (tätig 395-350), Lysippus (ca.395-305), Praxiteles (tätig 375-335), und Leochar (tätig 340-320).

Welches ist die berühmteste griechische Bauskulptur der klassischen Periode?

Im fünften Jahrhundert (ca. 480-400) erreichte die griechische Kunst (insbesondere die Athener Kunst) ihren Höhepunkt. Davon zeugt die Errichtung des Athener Parthenon (447-422) – allgemein anerkannt als eines der größten Meisterwerke der klassischen griechischen Bildhauerei, mit seinem 500-Fuß-Fries, hundert Reliefs und der kolossalen chrysoelephantinischen Skulptur von Phidias von Athen, – sowie viele andere berühmte Beispiele der griechischen Architektur , einschließlich: Akropolis-Komplex (550-404), Tempel des Zeus in Olympia (468-456), Tempel des Hephaistos (ca. 449), Tempel der Athena Nike (ca. 427), und das Theater von Delphi (ca. 400). All diese bedeutenden Gebäude waren notwendigerweise mit Fresken und einer breiten Palette von Skulpturen aus Marmor, Bronze und manchmal sogar aus Gold und Elfenbein geschmückt. Wo Reliefs benötigt wurden, um bestimmte architektonische Elemente zu schmücken, schufen Bildhauer Erzählungen mit Geschichten aus der griechischen Mythologie, z. B. Die Taten des Herkules, Die Schlachten der Lapithen und Kentauren und viele andere, siehe z. B., den berühmten Fries des Parthenon und den späteren Fries von Bassa (420-400, eine hochreliefierte Marmorskulptur in 23 Tafeln, 31 m lang und 0,63 m hoch, die das Innere der Cella des Apollo Epicurius-Tempels in Bassa schmückte und sich heute im Britischen Museum befindet).

Welches sind die berühmtesten griechischen Statuen aus der klassischen Periode?

Hier ist eine kurze Liste der größten Skulpturen der klassischen Periode:

Leda und der Schwan (500-450) Timotheus.
Tyrannenmord Hamodius Aristogeiton (ca. 477) Kritios.
Delphischer Wagenlenker (ca. 475) eines unbekannten Künstlers.
Discobolus (ca. 450) von Myron.
Pharnesischer Herkules (5. Jahrhundert) von einem unbekannten Künstler.
Zeus oder Poseidon (ca. 460) von Phidias.
Krieger aus Riace (ca. 450) von Phidias.
„Apollo Parnopius“ (ca. 450) von Phidias.
Athena Parthenos (um 447-5) Phidias.
Statue des Zeus (um 432) von Phidias.
Verwundete Amazone (440-430) von Polycletus.
Doryphorus (440) von Polykletus.
Zeus-Statue im Zeustempel von Olympia (um 432) von Phidias.
Aphrodite (Venus Genetrix) (5. Jahrhundert) von Callimachus.
Jugend von Antikythera (4. Jahrhundert) von einem unbekannten Künstler.
Apollo Sauroctonos (4. Jahrhundert) von Praxiteles.
Hermes und das Dionysos-Kind (4. Jahrhundert) von Praxiteles.
Aphrodite von Cnidus (350-40) von Praxiteles.
Apollo von Belvedere (um 330) von Leochar.
Artemis mit Löwe (um 330) von Leochara.
Herkules von Pharnesia (350-300) Lysippus.
Siegreiche Jugend (350-300) Lysippus zugeschrieben.
Apoxiomenon (c. 330) von Lysippus.

Was geschah in der griechischen Welt während der hellenistischen Periode?

Der Hellenismus, die Ausbreitung der griechischen Kultur in die benachbarten Gebiete des östlichen Mittelmeers und darüber hinaus, beginnt traditionell mit dem Tod von Alexander dem Großen (323 v. Chr.), als sein riesiges Reich in drei Teile geteilt wurde: Antigonos I. (Monophthalmos) und die antigonidische Dynastie übernahmen Griechenland und Makedonien; Seleukos I. (Nikator) und die seleukidische Dynastie kontrollierten Anatolien, Mesopotamien und Persien; und Ptolemäus I. (Soter) und die ptolemäische Dynastie regierten Ägypten. Neben Athen wurden Städte wie Alexandria in Ägypten und Antiochia, Pergamon und Milet in Kleinasien (Türkei) zu Wundern der antiken Welt. Schließlich gerieten alle diese Regionen unter römische Kontrolle – als letztes fiel Ägypten im Jahr 31 v. Chr., und dieses Ereignis markiert das Ende des Hellenismus und den Beginn der römischen Skulptur . Um über Griechenland hinauszublicken, siehe: Mesopotamische Kunst (4500-539 v. Chr.) und Kunst des antiken Persiens (3500-330 v. Chr.).

Welche Veränderungen gab es in der griechischen Bildhauerei des Hellenismus?

Die hellenistische griechische Bildhauerei brachte eine Reihe von Veränderungen gegenüber der Kunst der klassischen Epoche. Zunächst wurde die Monumentalskulptur nicht mehr in erster Linie im Dienste einer strengen Religion geschaffen, sondern wurde zu einem wichtigen Werbemittel, um die in der gesamten Region (in Pergamon, Alexandria usw.) errichteten autoritären Regime zu stärken. Mit dem Entstehen neuer Zentren der griechischen Kultur in Ägypten, Syrien, Anatolien und anderswo stieg die Nachfrage nach architektonischen und monumentalen Skulpturen zur Ausschmückung lokaler Tempel und öffentlicher Räume drastisch an. Diese Kombination aus erhöhter Nachfrage und erweiterter Funktion führte dazu, dass die Bildhauerei (wie auch die griechische Keramik) eher zu einer Industrie als zu einer Kunst wurde. Infolgedessen wurde das Design standardisiert und die Qualität nahm ab.

Und doch wurde die Plastik interessanter. Das liegt daran, dass die allgemein steigende Nachfrage zu einem Ruf nach größerer Vielfalt führt. So erweiterten die Bildhauer ihre Themen und beschränkten sich nicht mehr auf die idealisierte Heroik der klassischen Bildhauerei, sondern stellten ein breiteres Spektrum von Persönlichkeiten, Stimmungen und Szenen dar. Zu den akzeptierten Motiven gehörten nun: ein verwundeter Barbar, ein Kind, das einen Dorn entfernt, eine Jägerin, eine alte Frau, Kinder, Tiere und häusliche Szenen. Sogar Karikaturen tauchen auf. Mehr zu diesem neuen Stil siehe: Pergamonschule der hellenistischen Bildhauerei (241-133 v. Chr.).

Anmerkung: In der hellenistischen Periode, nach dem Tod Alexanders des Großen, breitete sich der Einfluss der griechischen Bildhauerei ostwärts bis nach Indien aus, wo sie einen großen Einfluss auf die indische Bildhauerei hatte, insbesondere auf die griechisch-buddhistischen Statuen der Gandhara-Schule.

Was sind die Hauptmerkmale der hellenistischen griechischen Bildhauerei?

Vor allem gab es große Veränderungen in der Ästhetik : Insbesondere ersetzte der Hellenismus die ruhige Schönheit des Klassizismus durch eine emotionalere Art von Skulptur, die auch einen intensiven Realismus beinhaltete. In diesem neuen Zeitalter des Expressionismus strahlen die Statuen Energie und Kraft aus – siehe z. B. Der pharnesische Stier oder der geflügelte Sieg von Samothrake (220-190); die menschlichen Figuren beginnen Leiden und Emotionen auszustrahlen – siehe, z. B. „Sterbender Gallier“ (ca. 240 v. Chr.) oder „Laokoon und seine Söhne“ (ca. 42-20). Echte Sinnlichkeit zeigt sich auch in Werken wie Aphrodite, Pan und Eros (ca. 100), das auf Delos ausgegraben wurde, und für eine subtilere Version siehe die exquisite „Aphrodite von Kyrene“ (ca. 100). In der Porträtmalerei war der Hellenismus Zeuge einer zunehmenden Beschäftigung mit der individuellen Psychologie: siehe z. B. die melancholische, introspektive Skulptur des Demosthenes (um 280) von Polyeuctus.

Eine gewisse Heiterkeit überlebt jedoch in Skulpturen wie „Drei Grazien“ (2. Jahrhundert) und Venus von Milos (um 100).

Wenn die Hochklassik den Maßstab für die Hochrenaissance setzte, so war die Epoche der hellenistischen Kunst der Prototyp für die Bildhauer des Manierismus und des Barock. Es ist daher nicht verwunderlich, dass die Größe zu einem wichtigen Faktor wurde und die Bildhauer miteinander wetteiferten, um größere und überraschendere Skulpturen zu schaffen: ein Prozess, der in der Erschaffung des Kolosses von Rhodos von Chares von Lindos gipfelte – ein Bauwerk, das ungefähr so groß ist wie die Freiheitsstatue. Später wurde er von dem griechischen Dichter Antipater von Sidon in die Liste der Sieben Weltwunder der Antike aufgenommen.

Das vielleicht außergewöhnlichste Denkmal „der „barock-expressionistischen“ griechisch-hellenistischen Bildhauerei war der riesige Pergamonaltar des Zeus, der um 180-150 errichtet wurde (siehe auch: hellenistische Statuen und Reliefs). Das Monument feiert die entscheidende Rolle der Könige von Pergamon als Grenzgänger der griechischen Zivilisation in Kleinasien und veranschaulicht ihre zahlreichen Siege über die aus dem Osten eindringenden Barbarenheere. Der Pergamonaltar ist nach dem Parthenonfries das umfangreichste Beispiel griechischer Monumentalskulptur, das der Welt bekannt ist. Der äußere Fries zeigt den Kampf zwischen Göttern und Riesen in all seiner ungezügelten Gewalt, während die inneren Reliefs einen kontrollierteren Erzählstil zeigen, der auf spätere Entwicklungen in der Reliefplastik hinweist, wie die Trajanssäule in Rom, die 250 Jahre später entstand. Für weitere Einzelheiten siehe: Reliefs des antiken Roms . Weitere Informationen über die Anfänge der italienischen Bildhauerei, Malerei und Architektur finden Sie unter: Hellenistische römische Kunst .

Welches sind die berühmtesten griechischen Statuen aus der hellenistischen Zeit?

Hier eine kurze Auswahl der größten Skulpturen aus dieser Zeit:

Koloss von Rhodos (292-280 v. Chr.) erbaut von Chares von Lindos.
Kauernder Hermaphrodit (3. Jahrhundert) Louvre. Unbekannter Künstler.
Menelaos mit dem Körper von Patroklos (3. Jahrhundert). Autor unbekannt.
Sterbender Gallier (ca. 240 v. Chr.) Kapitolinisches Museum, Rom. Verfasser Epigonus.
Gallien Ludovisi (ca. 240), Nationalmuseum, Rom. Unbekannter Künstler.
Geflügelter Sieg von Samothrake (Nick) (220-190) Louvre. Unbekannter Künstler.
Faun Barberini (ca. 220) Glyptothek, München. Unbekannter Künstler.
Pergamonaltar (ca. 180-150) Pergamum, Kleinasien. Unbekannter Künstler.
Jockey der Artemisia (ca. 140) Archäologisches Museum, Athen. Unbekannter Autor.
Pharnesischer Stier (2. Jahrhundert) Apollonius von Thrall.
Schlafender Hermaphrodit (2. Jahrhundert v. Chr.) Louvre. Unbekannter Künstler.
Drei Grazien (2. Jahrhundert) Louvre. Unbekannter Künstler.
Medici-Venus (150-100) Uffizien, Florenz. Unbekannter Künstler.
Aphrodite von Kyrene (ca. 100), Museo delle Terme, Rom. Unbekannter Künstler.
Gladiator Borghese (ca. 100) Louvre. Agasius von Ephesus.
Aphrodite, Pan und Eros (ca. 100), Archäologisches Nationalmuseum, Athen.
Venus von Arles (ca. 100), Louvre. Unbekannter Künstler.
Venus von Milos (Aphrodite von Melos) (ca. 100 n. Chr.) Louvre. Andros von Antiochien.
Knabe, der einen Splitter entfernt (Spinario oder Knabe, der sich einen Dorn aus dem Fuß entfernt) (um 80) Palais Conservatoire.
Laokoon und seine Söhne (42-20 v. Chr.) Hagesander, Athenodoros, Polydorus.

Wo gibt es die besten Sammlungen originaler griechischer Skulpturen?

Die meisten der erhaltenen Statuen und Flachreliefs des klassischen Altertums sind römische Kopien griechischer Originale. Sie sind in vielen der besten Kunstmuseen in Griechenland und Italien und darüber hinaus zu sehen. Hier ist eine kurze Liste der besten Sammlungen.

GRIECHENLAND

• Archäologisches Nationalmuseum, Athen
• Akropolis-Museum, Athen
• Archäologisches Museum, Olympia

ITALIEN

• Vatikanische Museen
• Kapitolinisches Museum, Rom
• Nationalmuseum von Rom, Rom
• Archäologisches Nationalmuseum, Neapel
• Nationalmuseum, Kalabrien

EUROPA

• Pergamonmuseum, Berlin
• Staatliches Museum, Berlin
• Glyptothek, München
• Louvre, Paris
• Glyptothek Nu Carlsberg, Kopenhagen
• Eremitage Museum, St. Petersburg
• Britisches Museum, London

USA

• Kunstinstitut von Chicago
• Carnegie Museum of Art (Pittsburgh)
• J. Paul Getty Museum, Los Angeles
• Los Angeles County Museum of Art
• Metropolitan Museum of Art, New York

Unser Wissen über die antike griechische Skulptur

Die Monumentalskulptur im antiken Griechenland tauchte um 650 v. Chr. auf und war um 600 v. Chr. ein Grundpfeiler der griechischen Kunst mit einem etablierten und wachsenden Markt. Sie lieferte Kultfiguren von Göttern, Widmungen für Heiligtümer, Monumente über Gräbern, architektonischen Schmuck und schließlich Statuen und Reliefs für wohlhabende Privathäuser. Von all dem ist relativ wenig übrig geblieben: Vieles ging durch natürliche Ursachen zugrunde, aber noch mehr wurde im Mittelalter mutwillig zerstört. Der Grund dafür war in der Regel nicht religiöser Eifer, sondern der Wert des Marmors als Rohstoff für die Kalkherstellung und der Bronze als Altmetall, so dass die Skulptur, um zu überleben, außer Sicht und Reichweite sein musste.

So ergibt sich ein Muster, das in Bezug auf Zeit, Art und Qualität ungleichmäßig verteilt ist. Architekturskulpturen, die an Ort und Stelle belassen wurden, werden wahrscheinlich nicht entfernt, und wenn das Gebäude einstürzt, werden sie möglicherweise unter einer Masse von Mauerwerk begraben. Freistehende Reliefs, vor allem Grabsteine, könnten umfallen und, wenn sie begraben werden, erhalten bleiben; jede in Flachrelief gehauene Platte könnte als Baublock wiederverwendet werden. Freistehende Statuen hatten weniger Chancen, da sie vor allem in dicht besiedelten Gebieten nicht so leicht durch Müll verdeckt werden konnten. Metall war es natürlich wert, ausgegraben zu werden, und so wurden weniger als zwanzig griechische Bronzen gefunden, die ziemlich vollständig waren, einige von ihnen wurden aus dem Meer geborgen. Was den Marmor betrifft, so sind die am besten erhaltenen Werke aus der archaischen Periode. Da er weniger bewundernswert ist, wurde er von den späteren Griechen und Römern weniger sorgfältig aufbewahrt und könnte daher vor der Zeit der Zerstörung verloren gegangen sein. Es gibt einen großen Fund von der Athener Akropolis, der einen Großteil der Skulpturen enthält, die von den Persern 480 n. Chr. zertrümmert wurden, von denen 79 bei der anschließenden Restaurierung als Füllmaterial verwendet wurden.

Andererseits liefert uns die römische Kunst eine Fülle von Kopien beliebter griechischer Skulpturen sowohl aus der klassischen als auch aus der hellenistischen Epoche. Diese Kopien, von denen einige späthellenistisch, aber eher römisch sind, sind in gewisser Weise ein Hindernis und in anderer Weise eine Hilfe beim Studium der griechischen Skulptur. Obwohl die Kopisten die Punkte durch Messen festlegten, waren die Punkte viel seltener als die in der modernen Praxis verwendeten, und Zwischenräume und Details wurden von Hand und gewöhnlich ohne große Sorgfalt geschnitzt, wie man beim Vergleich verschiedener Reproduktionen desselben Originals sehen kann.

In der Praxis hängt unser Verständnis der Entwicklung der griechischen Bildhauerei von stilistischen Analysen der erhaltenen Werke ab, die durch eine Vielzahl von Daten aus historischen Aufzeichnungen und Inschriften gestützt werden. Die wichtigsten dieser Daten sind die Eroberung der Athener Akropolis durch die Perser im Jahr 480, die eine untere Grenze für die von ihnen beschädigten Werke setzt; die Fertigstellung des Zeustempels in Olympia spätestens 456; die bildhauerische Ausschmückung des Parthenon, die nacheinander von 447 bis 432 ausgeführt wurde; die Nika von Paeonia – um 420; der Grabstein des Dexileus, der 394 in Korinth getötet wurde. Der Bau des Mausoleums, der in den 350er Jahren stattfand; die Dekoration des Großen Altars in Pergamon, die wahrscheinlich aus dem frühen zweiten Jahrhundert stammt; die Zerstörung von Delos im Jahr 69; und die Errichtung des augusteischen Friedens in Rom im Jahr 9 v. Chr.

Der gegenwärtige Stand des Wissens über die antike Kunst in Griechenland ist sehr uneinheitlich. Für die archaische Periode, über die Plinius keine Aufzeichnungen hat, legt die Stilforschung eine ziemlich überzeugende Entwicklung nahe, wie – im Gegensatz zu Plinius – für die klassische Periode fast bis zum Ende des fünften Jahrhunderts. Aber selbst hier können die Experten bei der Datierung einzelner Werke um bis zu zwanzig Jahre auseinandergehen. Das vierte Jahrhundert ist dunkel, egal was in den Lehrbüchern steht, und die hellenistische Periode ist noch dunkler, außer vielleicht gegen ihr Ende. Auch wenn sich mit der Zeit genauere Informationen über die Entwicklungstendenzen ergeben sollten, scheint es unwahrscheinlich, dass wir jemals genügend Material haben werden, um die Persönlichkeiten der griechischen Bildhauerei zu verstehen, aber das wird viele Forscher nicht davon abhalten, sich weiterhin der Naturgeschichte zu widmen.

Mehr über den Einfluss der griechischen Skulptur auf die Künstler des 20. Jahrhunderts siehe: Klassisches Revival in der modernen Kunst (1900-30).

Bildhauerische Materialien im antiken Griechenland

Die wichtigsten Materialien für die griechische Bildhauerei waren Stein (vor allem Marmor) und Bronze (Kalkstein, Terrakotta und Holz wurden viel seltener verwendet), und es gab einige berühmte Beispiele für Elfenbeinschnitzereien, insbesondere die Chryslephantin-Statuen von Phidias, die aus Blattgold und Elfenbein auf einem Holzbrett montiert waren.

Marmor, der von Anfang an verwendet wurde, findet sich an mehreren Orten in und um die Ägäis, jedoch nicht in Süditalien und Sizilien. Die Griechen schätzten die weißen, mittel- bis feinkörnigen Sorten, die viel stärker glänzen als Carrara (oder Luna), der später von den Römern verwendet wurde und noch heute auf den Friedhöfen Westeuropas zu finden ist. Kalkstein, den die klassischen Archäologen oft „poros“ nennen, ist in den meisten griechischen Gebieten reichlich vorhanden und von sehr guter Qualität. Im siebten Jahrhundert war er der gebräuchlichste Stein für Statuen, aber später wurde er nur noch für architektonische Skulpturen in Orten wie Sizilien geschätzt, wo Marmor zu teuer war. Terrakotta war auch ein wirtschaftliches Material für architektonische Arbeiten, insbesondere für Antefixe und Akroterien. Holzskulpturen hatten natürlich kaum eine Überlebenschance, und nach den antiken Aufzeichnungen zu urteilen, wurde Holz nie für fertige Skulpturen verwendet, obwohl es möglich ist, dass Formen für Bronzestatuen auf Holzfiguren geformt wurden. Bronze spielte erst in der zweiten Hälfte des sechsten Jahrhunderts eine Rolle, als das Schmieden von Blechen durch den Hohlguss ersetzt wurde, aber zu Beginn des fünften Jahrhunderts war sie das bevorzugte Material für die meisten Arten von freistehenden Statuen (nicht aber für Reliefs und Skulpturen). Chryselephantin-Statuen, die zu teuer und vielleicht zu leicht zu beschädigen waren, um weit verbreitet zu sein, gehen mindestens bis in die Mitte des sechsten Jahrhunderts zurück: Sie wurden besonders als Kultbilder in Tempeln geschätzt. Es gibt weitere, ebenfalls seltene Beispiele für Materialkombinationen: Einige große Statuen wurden nach dem Prinzip der „acrolithie“ hergestellt, d. h. das Hauptmaterial wurde mit einem anderen Material überzogen, z. B. Stein in der Masse und Holz für andere Teile, und manchmal wurde das Haar von Marmorstatuen mit Leisten versehen.

Die griechische Skulptur war farbig, wie die meisten Skulpturen vor der Renaissance . Wenn die antiken Marmorstatuen, die von Archäologen gefunden und damals bewundert wurden, ihre Färbung behalten hätten, würden die konservativeren unter uns wahrscheinlich immer noch eine Färbung der Skulptur erwarten.

Über die Einzelheiten der griechischen Malerei auf Marmor, Kalkstein und Holz sind die Informationen lückenhaft. Für das sechste Jahrhundert liefern die Funde auf der Akropolis in Athen gute Beispiele, und es gibt spätere Sarkophage aus Sidon und Etrurien, bei denen die Farben gut erhalten sind, aber wir können uns in der Regel glücklich schätzen, wenn wir auch nur Spuren der Ränder der bemalten Flächen finden. Auf Terrakotta war die Farbe nach dem Brennen viel besser erhalten, aber leider war die Farbpalette begrenzt und aufgrund des Brennens eher grob. Eine weitere Schwierigkeit besteht darin, dass die chemische Einwirkung einige Farben verändert haben könnte – insbesondere Blau verwandelte sich manchmal in Grün – und Rot, das das beständigste Pigment ist, konnte manchmal als Grundierung dienen. Dennoch ist festzustellen, dass Augen, Haare, Lippen und Brustwarzen (und manchmal auch die Wangen) regelmäßig gefärbt wurden, dass das weibliche Fleisch die natürliche Farbe von weißem Marmor behielt oder leicht gefärbt wurde, dass das männliche Fleisch oft in einem warmen Braun gefärbt wurde und dass die Kleidung in der Regel vollständig übermalt wurde, es sei denn, sie wurde als Kontrast weiß gelassen. Im Allgemeinen gab es bis zum vierten Jahrhundert einen kontinuierlichen Fortschritt hin zu einer feineren und natürlicheren Färbung, obwohl es später üblich wurde, das Haar zu vergolden.

Mehr über die Maltechniken im antiken Griechenland siehe: Klassische griechische Malerei (ca. 500-323) und Hellenistische griechische Malerei (323-31 v. Chr.).

Bei einer solchen Vorliebe für Polychromie ist es nicht verwunderlich, dass die Griechen bereit waren, Accessoires wie Ohrringe und Waffen aus Metall hinzuzufügen – soweit man das anhand der Löcher für ihre Befestigung beurteilen kann. All dies hatte zur Folge, dass die antike Skulptur viel lebendiger wurde, was natürlich einen starken visuellen Eindruck hinterließ. Die Wirkung von Draperien ist schwieriger zu berechnen, aber manchmal musste die Komposition durch einen Farbkontrast verdeutlicht oder verstärkt werden, wie im Fall von Nika von Paeonia (um 420 v. Chr.), wo ein Schenkel entblößt und der andere bedeckt war. Auf den Reliefs wurde der Hintergrund rot oder blau gefärbt, auf den Giebeln – blau. Der griechische Geschmack bevorzugte glänzende Bronze, und Patina (ein grüner oder brauner Schimmer) war ein Zeichen von Vernachlässigung, obwohl in der römischen Zeit einige Sammler Patina als Beweis für die Antike betrachteten. Die Augen wurden regelmäßig mit Paste oder einer anderen Substanz gefüllt, und Lippen und Brustwarzen wurden oft mit Kupfer oder Silber eingelegt, aber die Experten diskutieren immer noch darüber, ob Haare und andere Bereiche künstlich verdunkelt oder sogar gefärbt wurden. Es lohnt sich also, bei der Betrachtung der griechischen Bildhauerei daran zu denken, dass sie mehr war als nur Form.

Bei Reliefs ist es normal, dass man den Gegenstand auf eine vorbereitete Fläche zeichnet und nach dieser Skizze arbeitet, aber bis zur hellenistischen Periode verwendeten die griechischen Marmorbildhauer keine detaillierten Modelle, wenn sie Statuen schnitzten. Erstens gab es erst im letzten Jahrhundert v. Chr. Spuren einer Art von Führungssystem – eine Methode, mit der die Positionen von Punkten, die auf einem Modell bestimmt wurden, exakt auf den Block übertragen werden, aus dem die Statue geschnitzt werden soll, – und selbst dann waren die Punkte weit genug voneinander entfernt, um große Bereiche zu lassen, die von Hand „mit dem Auge“ geschnitzt werden mussten. Zweitens konnten in der Frontalskulptur, wo zumindest das Verhältnis der Figuren im Voraus genau geplant werden musste, verschiedene Bildhauer aus dem Team die Draperie ihrer Figuren nach eigenem Gutdünken gestalten - dies ist sehr deutlich am Westgiebel des Zeustempels in Olympia zu sehen, wo einige Figuren mit Falten in altmodischer Weise und andere – unkoordiniert nach und nach dargestellt sind.

Wegen der Stilidentität mit Marmorstatuen waren auch Bronzestatuen in der Regel auf Schnitzereien angewiesen, hier vermutlich – auf eine Vorfigur, und kaum früher als im zweiten Jahrhundert gibt es in dem fertigen Werk irgendeinen Hinweis auf eine so glatte Modellierung, wie sie durch weichen Ton oder Wachs erreicht worden sein könnte. Noch überraschender ist, dass es keine solche plastische Modellierung in Terrakotta gibt. Offenbar wurde die griechische Bildhauertradition durch die Schnitzerei begründet und verankert.

Die erhaltenen Originale, die in verschiedenen Stadien der Entstehung gegossen wurden, zeigen, dass das übliche Verfahren beim Schnitzen einer Marmorstatue nicht darin bestand, einen Teil nach dem anderen fertig zu stellen (wie es normalerweise bei Angaben auf einem maßstabsgetreuen Modell der Fall ist), sondern die gesamte Figur in Etappen zu vollenden. Dies bedeutete, dass es für den Bildhauer fast unmöglich war, die Arbeit in aller Ruhe an einen Assistenten zu delegieren, und dass er bei der Arbeit an den einzelnen Teilen stets den Einfluss des Ganzen im Auge behalten musste. Vermutlich zeichnete er zunächst den Umriss seiner Figur auf alle vier Seiten des Blocks. Dies wäre bei den unkomplizierten viereckigen Posen, die in der Bildhauerei vor dem vierten Jahrhundert üblich waren, praktisch genug gewesen.

Anschließend entfernte er den überschüssigen Stein bis auf etwa einen Zentimeter an die beabsichtigte endgültige Oberfläche heran, wobei er zunächst einen Meißelhammer und einen Bohrer benutzte und dann die Schlagkraft erhöhte. Es folgte die grobe Bearbeitung der Figur mit einer Spitze - ein feiner Stempel, der an den Grübchen, die er hinterlässt, zu erkennen ist - und die teilweise Aushöhlung schwieriger Hohlräume (wie der Raum zwischen Arm und Körper oder tiefe Falten der Draperie). Der Bohrer und der runde Meißel wurden auf zwei Arten verwendet: entweder zum Bohren einzelner Löcher oder einer Reihe von Löchern oder (wie der „Laufbohrer“) mit einer Schräge nach vorne, um eine Furche zu ziehen. Die Laufbohrer-Methode scheint vor 370 v. Chr. erfunden worden zu sein, und da sie Arbeit sparte, wurde sie bald sehr beliebt.

Die nächste und wichtigste Phase der Schnitzerei war die detaillierte Modellierung der Oberfläche mit verschiedenen Meißeln – dem Meißel (der um 560 v. Chr. erfunden worden zu sein scheint), dem Flachmeißel und dem Rundmeißel. Diese Werkzeuge wurden sowohl schräg als auch senkrecht und in der Regel in kurzen, glatten Strichen verwendet.

Nach dem Modellieren wurde die Oberfläche mit einer Raspel von geeigneter Form und Dicke entgratet und dann mit Schleifmitteln, wahrscheinlich Schleifpapierspänen und -pulver, gefolgt von pulverisiertem Bimsstein, feiner geschliffen. Dieses Glätten verlieh der römischen Skulptur keinen großen Glanz. Um einen Glanzeffekt zu erzielen, musste die Oberfläche mit feineren Schleifmitteln wie Spachtel oder Rouge poliert werden. Schließlich wurde die Statue bemalt – ab 500 v. Chr. mit der Technik der Enkaustik – und es wurden Accessoires aus Metall an ihr angebracht.

Das vereinfachte Verfahren war in etwa das gleiche. Zunächst musste ein Gegenstand auf einen vorbereiteten Block gezeichnet werden. Dann wurde der Umriss ausgeschnitten, bei tieferen Reliefs oft gebohrt, und danach wurden nacheinander Spitze, Meißel, Raspel und Schleifmittel eingesetzt. In der Regel schnitzten die griechischen Reliefbildhauer keinen Teil viel weiter von der vorderen Ebene weg, als es für die effektive Modellierung dieses Teils erforderlich war. Daher ist der Hintergrund tendenziell unregelmäßig, und die Tiefe, in der Figuren und Figurenteile platziert sind, wird eher durch optische als durch natürliche Beziehungen bestimmt.

Für Pedimentalfiguren (Skulpturen auf dem Giebel eines Gebäudes) wurden verschiedene Verfahren angewandt. Manchmal wurde das gleiche Verfahren für freistehende Statuen verwendet, wobei die Rückseiten oft unbearbeitet waren, aber manchmal – wie bei den Körpern der Kentauren in Olympia – wurden sie wie Hochreliefs behandelt. Die Qualität der Endbearbeitung war sehr hoch, und alle sichtbaren Werkzeugspuren mussten bei der nächsten Bearbeitung entfernt werden, obwohl es einige schwierige Stellen gab, an denen Schleifmittel oder Raspeln nicht richtig eingesetzt werden konnten, und nur sehr selten schnitt das Werkzeug zu tief in die Oberfläche ein. Der Geschmack bei der Endbearbeitung war unterschiedlich, wurde aber im Laufe der Zeit weniger anspruchsvoll. Bei Reliefs wurden Hintergründe und große neutrale Flächen wie Sitze oft geschliffen, aber nicht abgeschliffen. Im vierten Jahrhundert zogen es einige Bildhauer vor, die Faltenwürfe nur leicht angeschliffen zu lassen, um die Textur mit völlig glattem Fleisch zu kontrastieren, und bei kleineren Werken gab es eine zunehmende Tendenz zur Schlampigkeit. Dennoch ist der Unterschied zwischen einer mittelmäßigen griechischen Schnitzerei und einer durchschnittlichen römischen Kopie offensichtlich - die Kopisten verwendeten nur selten einen Meißel bei ihrer Arbeit.

Ein griechischer Bildhauer benötigte gewöhnlich sechs bis neun Monate, um eine lebensgroße Marmorstatue zu meißeln.

Bronzestatuen sind selten, so dass es im Vergleich zu Marmorstatuen viel schwieriger ist, die Methoden zu bestimmen, mit denen sie hergestellt wurden. Daher kann die folgende Zusammenfassung teilweise falsch sein. Im siebten und frühen sechsten Jahrhundert wurden einige beachtliche Statuen in der Technik „des Sphyrelaton“ hergestellt: dünne Bronzeplatten mit einer bestimmten Form wurden mit Nägeln an einem hölzernen Rahmen oder Kern befestigt, – die Ergebnisse waren nicht zufriedenstellend. Und obwohl kleine Figuren in Formen gegossen wurden, war das Gießen aus einem Stück für große Figuren zu teuer (auch wenn es möglich war). Dann, wahrscheinlich um die Mitte des sechsten Jahrhunderts, wurde das Verfahren des Hohlgusses für große Statuen übernommen und weiterentwickelt und für einige Zeit auch für kleine Objekte verwendet. Die Griechen waren in ihrer Metallurgie nicht weit genug fortgeschritten, um große Gestelle so starr zu machen, wie sie für den Sandguss benötigt wurden, und so müssen sie sich auf das „Wachsausschmelzverfahren“ verlassen haben (bei dem zunächst ein Modell aus Bienenwachs hergestellt wird und dann, wenn es erhitzt wird, das Wachs ausfließt und durch Metall ersetzt wird).

Der übliche Arbeitsablauf könnte in etwa so ausgesehen haben. Zunächst fertigte der Bildhauer eine Vorabfigur vollständig und genau an, höchstwahrscheinlich aus Wachs, Ton oder Holz, aber in jedem Fall deutet der Effekt eher auf Schnitzen als auf Oberflächenmodellierung hin. Diese Figur wurde dann mit Ton (oder möglicherweise Gips) überzogen, um eine Form herzustellen. Anschließend mussten die Form und die vorläufige Figur voneinander getrennt werden, und hier zeigt sich eine große Unsicherheit. In der nächsten Phase musste die Form geöffnet werden, und es war üblich, große Statuen aus mehreren Teilen zu gießen. Wenn das Material der Vorfigur weich war, d. h. Wachs oder Ton, konnte es abgeschabt, vielleicht geschmolzen oder weggewaschen werden, oder die Figur (oder ein Teil davon) wurde ganz entfernt. Da das Relief oft komplex war, vor allem in den Falten der Draperie, bedeutet dies, dass die Figur entweder bereits in viele Einzelteile zerlegt worden war oder dass eine ebenso komplexe Zerlegung der Form vorgenommen wurde. Wenn die Form jedoch auf diese Weise zerlegt wurde, mussten die meisten der kleineren Teile vor dem nächsten Schritt wieder zusammengesetzt werden. In diesem Fall wurde die offene Form mit Wachs in der für die Bronzewand der fertigen Statue erforderlichen Dicke bedeckt. Anschließend wurde die Wachsauskleidung mit Ton ausgekleidet, um einen Kern zu bilden, der mit Metallstiften (Korollen) mit der äußeren Form verbunden wurde, damit die Form und der Kern ihre relative Position beibehielten, wenn das Wachs schmolz. Wenn die Form aus Gips bestand, war ein zusätzlicher Arbeitsgang erforderlich: Der Gips musste vorsichtig vom gewachsten Kern entfernt und durch eine dicke Schicht Ton ersetzt werden. (Anmerkung: Das oben beschriebene Verfahren ist ein indirektes Feingussverfahren, aber die griechischen Bildhauer verwendeten manchmal stattdessen das weniger wirtschaftliche direkte Verfahren, bei dem die vorläufige Tonfigur, die auch als Kern dient, selbst mit einer Wachsschicht überzogen und diese Schicht mit einer Schale aus Ton umhüllt wurde.

Nun war alles bereit zum Gießen. Die Formen mit ihren Kernen wurden erhitzt, so dass das Wachs schmolz und ausfloss und die geschmolzene Bronze in die vom Wachs hinterlassenen Hohlräume floss. Da aber luftgetrockneter Ton dem geschmolzenen Metall nicht standhalten kann, kann man davon ausgehen, dass nach dem Schmelzen des Wachses die Formen und Kerne weiter erhitzt wurden, bis zu der für Terrakotta erforderlichen Temperatur oder sogar noch höher, und das Metall hineingegossen wurde, während sie noch geformt waren, um Wärme zu verlieren. Wenn dann alles abgekühlt war, wurde der Bronzeguss durch Abreißen der äußeren Form oder des Überzugs freigegeben. Natürlich war es nicht notwendig, das gesamte Innere zu entfernen, und tatsächlich fand man Fragmente des Kerns, die im Inneren der Bronzestatuen erhalten geblieben waren.

Es gab noch mehr Arbeit zu tun. In diesem Stadium hatte der Guss eine körnige Kruste, die abgekratzt werden musste; Risse wurden geschlossen, und Brüche wurden durch Ausschneiden und Füllen mit Blechstreifen repariert (die rechteckigen Vertiefungen, die an einigen erhaltenen Statuen zu sehen sind, sind solche Aussparungen, aus denen die Siegel herausgefallen waren). Die einzelnen Formteile wurden durch Nut und Feder zusammengefügt, wenn sie groß waren, oder durch Schweißen oder Löten, wenn sie klein waren. Die Teile wurden graviert, die Augen eingesetzt und befestigt, die Lippen und Brustwarzen oft mit Kupfer oder einem anderen Metall eingelegt und die gesamte Oberfläche sorgfältig poliert, um die Kanten der Fugen und Fehler zu verbergen und einen angemessenen Glanz zu gewährleisten. Der Glanz wurde, wie die Aufzeichnungen zeigen, durch das Auftragen von Öl oder Harz und möglicherweise Bitumen erhalten. Im Allgemeinen war die Herstellung einer Bronzestatue eine komplexe Aufgabe, und das Risiko eines Fehlschlags beim Brennen der Form und beim Gießen des Metalls konnte groß sein, da die höheren Materialkosten Bronzestatuen teurer machten als solche aus Marmor.

Einige Statuen, vor allem kleine, wurden auf hohen Sockeln oder sogar auf Säulen oder Stützen aufgestellt, aber die typischsten griechischen Sockel waren relativ niedrig, rechteckig und aus Marmor gefertigt. Im fünften Jahrhundert war der Sockel für eine Statue in voller Größe in der Regel weniger als 20-30 cm hoch und seine Oberfläche konnte nur mit einer Spitze abgeschlossen werden, obwohl es später eine Tendenz gab, etwas Höheres und Aufwendigeres zu schaffen. Stehende Marmorstatuen wurden mit einem kleinen Sockel um die Füße herum gearbeitet, der in den Sockel eingesetzt und mit Blei befestigt wurde, oft schlampig. Daran wurden Bronzestatuen befestigt. Siehe auch: Griechische Metallarbeiten .

Die Arbeiten fanden in der Regel unter freiem Himmel statt, und da die griechischen Skulpturen im fünften Jahrhundert schon recht aufwendig waren, kann man davon ausgehen, dass die Handwerker auch die Art der Beleuchtung berücksichtigten. Diese sehr wichtigen Faktoren werden bei der Ausstellung griechischer Skulpturen in alten und neuen Museen oft vernachlässigt, da die Statuen in der Regel zu hoch über dem Boden aufgestellt sind und ihre Beleuchtung eher einseitig und schräg ist. Nicht ganz die richtige Anordnung – lange Reihen oder enge Gruppen. Die griechische Tradition bestand darin, jede Statue als eigenständiges Objekt zu behandeln und sie an einem geeigneten freien Platz aufzustellen, ohne sich um ihre ästhetische Beziehung zu benachbarten Statuen oder Gebäuden zu kümmern.

Eine weitere Warnung. Die ältesten Statuen sind im Laufe der Zeit verändert worden. Vom sechzehnten bis zum neunzehnten Jahrhundert war es üblich, zumindest die offensichtlichsten Mängel zu restaurieren, und obwohl die heutige Mode keine Restaurierung duldet, sind immer noch viele Exponate zu sehen, die - manchmal fälschlicherweise - restauriert worden sind. Es gibt eine ziemlich zuverlässige Regel, um zu unterscheiden, was bei einer Marmorstatue original ist und was nicht. Wenn zwei Steinstücke miteinander verbunden sind, ist es sehr schwierig, die Verbindungslinie zu verbergen. Der natürliche Bruch hinterlässt eine unebene Kante, und wenn die Verbindungslinie uneben ist, können die beiden Stücke als zusammengehörig betrachtet werden. Da jedoch eine ebene Fläche erforderlich ist, um das neue Stück auf das andere zu setzen, zeigt eine gerade Verbindungslinie, dass eines dieser Stücke neu ist, und man kann davon ausgehen, dass die unebene Oberfläche des alten Bruchs abgeschnitten und geglättet wurde, um eine saubere Passform für den Ersatz zu schaffen. Solche Ersetzungen wurden manchmal in der Antike vorgenommen, aber im Allgemeinen ist die direkte Verbindung ein Hinweis auf eine moderne Restaurierung in der Neuzeit. Das Nationalmuseum in Neapel, das die prächtige Renaissance-Sammlung der Familie Farnese geerbt hat, ist ein ausgezeichneter Ort, um diese Echtheitsprüfung durchzuführen.

ANMERKUNG: Zu späteren Bildhauern, die sich von den Schnitzereien der griechischen Antike inspirieren ließen, siehe: Klassizismus in der Kunst (ab 800).

Die Verwendung der antiken griechischen Bildhauerei

Die Griechen benutzten Statuen, um Kultfiguren von Gottheiten, Weihungen, Grabmäler und architektonische Dekorationen darzustellen, aber erst in der hellenistischen Periode erwarben sie mehr als Statuetten zum persönlichen Vergnügen oder gaben sie in Auftrag. Die Verwendung von Reliefs war ähnlich, nur dass Reliefs nicht als Kultfiguren dienten.

Kultische Statuen, manchmal kolossal, waren relativ selten. Gewöhnlich stand eine solche Statue eines Schutzgottes oder einer Schutzgöttin im Inneren eines Tempels, aber der Begriff „Kultstatue“ ist irreführend. Diese Skulpturen wurden als Werke menschlichen Könnens betrachtet, die die Gottheit illustrierten, aber nicht verkörperten. Daher wurden sie zwar bewundert, aber nicht verehrt.

Widmungen wurden in Heiligtümern und an anderen öffentlichen Orten von Einzelpersonen oder Gemeinschaften geschaffen, um den Sieg in sportlichen Wettkämpfen oder im Krieg zu feiern, um einen Eid oder eine Geldstrafe festzuhalten, um Dankbarkeit für Erfolg oder Sicherheit auszudrücken und um den Stifter bekannt zu machen. Ab dem vierten Jahrhundert erschienen Statuen zum Gedenken an prominente Bürger. Einige beliebte Plätze waren mit solchen Statuen überfüllt, wie man an den erhaltenen Gewölben des Apollon-Heiligtums in Delphi sehen kann. Die Reliefs waren in der Regel weniger imposant und billiger. Sie variieren stark in Größe und Qualität und waren besonders als Gelübdegaben beliebt, wie die bemalten Holz- oder Terrakottaplatten, die von den Armen angeboten wurden. Die zahlreichste Klasse von Statuen waren Widmungen.

Grabmäler waren eine weitere wichtige Klasse von Skulpturen. Diejenigen, die es sich leisten konnten, zogen manchmal eine Statue vor, insbesondere in der archaischen Periode. Obwohl die Griechen die Gräber ihrer Toten respektierten, dienten Grabmäler eher der Befriedigung familiärer Gefühle und dem Prunk als religiösen Bedürfnissen. So konnten die Grabskulpturen im Notfall abgerissen werden, um sie als Stein für Befestigungsanlagen zu verwenden, und in Athen wurden die Kosten für die Bestattung durch das Zivilrecht erfolgreich begrenzt. Auch hier wurde bei der Platzierung und Auswahl der Denkmäler wenig Rücksicht auf die Nachbargrundstücke genommen. Die Hauptfriedhöfe befanden sich an den Straßen vor den Stadttoren, und die Toten konkurrierten (manchmal ausdrücklich) um die Aufmerksamkeit aller Passanten.

In der griechischen Architektur, insbesondere in den Tempeln, konnten runde Skulpturen für Akroterien und Antefixe verwendet werden, und die Ausgüsse nahmen oft die Form von Löwenköpfen an. Außerdem begannen die Figuren der Frontalplastik sich bald von ihrem Hintergrund abzuheben, obwohl sie in Komposition und Haltung noch immer den Reliefs nahe standen. Andere Verwendungen der architektonischen Skulptur finden sich bei fremden Völkern, die die griechische Kunst bewunderten und nachahmten. Insbesondere die Etrusker stellten manchmal Statuen entlang des Kammes eines Tempeldaches auf und die Lykier in den Zwischenräumen einer hoch aufragenden Kolonnade, die ein aristokratisches Grabmal zierte.

Die meisten dieser Verwendungszwecke der Bildhauerei waren mit Schreinen und Gräbern verbunden, aber obwohl die Religion das griechische Leben durchdrang, war die griechische Kunst keineswegs religiös. Darstellungen von Göttern und Göttinnen, die als zu menschlich konzipiert waren, verliehen ihnen eine angemessene Reife und Attribute – so trug Zeus regelmäßig einen Bart und Athene gewöhnlich einen Helm und eine Ähre. Im Gegensatz zu den Ägyptern waren die griechischen Künstler jedoch nicht durch hieratische Vorschriften gezwungen, wie Götter und Menschen darzustellen sind. Der Maßstab, nach dem das Werk eines Künstlers beurteilt wurde, war sein ästhetischer Wert, natürlic