Griechische Skulptur: Geschichte, Zeitleiste, Eigenschaften Automatische übersetzen
Für andere Beispiele von Skulpturen aus dem östlichen Mittelmeerraum,
siehe die Kunst der Antike (ca. 1000 v. Chr. – 450 n. Chr.).
Hinweis zur Kunstevaluierung
Um 3-D-Kunst zu schätzen
aus dem alten Griechenland, siehe:
Wie man Skulptur schätzt .
Für spätere Arbeiten siehe:
Wie man moderne Skulptur schätzt .
Woher kommt die griechische Skulptur?
Griechische Kunst Von der klassischen Antike wird angenommen, dass es sich um eine Mischung aus ägyptischen, syrischen, minoischen (Kreta), mykenischen und persischen Kulturen handelt, die (sprachlich gesehen) von indoeuropäischen Stämmen stammen, die aus den offenen Steppen nördlich des Schwarzen Meeres einwandern. Griechische Bildhauer lernten sowohl das Schnitzen von Steinen als auch das Bronzegießen von den Ägyptern und Syrern, während die Traditionen von Skulptur innerhalb Griechenlands wurden von den beiden Hauptgruppen der Siedler aus Thessalien – den Ioniern und den Doriern – entwickelt. (Weitere Informationen zum Steinmetz im alten Ägypten finden Sie unter: Ägyptische Architektur .)
Was ist die Zeitleiste der griechischen Skulptur?
Die Chronologie von Skulptur im antiken Griechenland ist traditionell in drei Hauptperioden unterteilt:
[Hinweis: Für Informationen zu keramische Kunst , einschließlich der Geometrie-, Schwarzfigur-, Rotfigur- und Weißgrundtechnik, siehe: Griechische Keramik: Geschichte & Stile .]
Was ist die Geschichte der frühen griechischen Skulptur?
Knochen und Elfenbein schnitzen wurde in Ägypten seit etwa 5.000 v. Chr. als Teil der in der Spätsteinzeit etablierten kulturellen Traditionen (10.000-5.000 v. Chr.) hergestellt. Dann, ab 2.600 v. Chr., Kamen verschiedene Stränge von Ägäische Kunst , insbesondere die minoische Zivilisation auf Kreta mit ihren Steinskulptur (insbesondere Siegelsteine), Freskenmalerei , Keramik und Metallarbeiten . Nach einer Reihe von Erdbeben, Minoische Kultur um 1425 v. u. Z. zusammengebrochen, und das Festland ansässig Mykenische Kunst wurde der dominierende Typ der griechischen Kultur – bekannt für seine Keramik, geschnitzten Edelsteine und Glasverzierungen – bis etwa 1150 v. Danach folgte das griechische "dunkle Zeitalter" – eine 400-jährige Periode des Chaos und der Kämpfe, in der wenig oder gar keine Kunst produziert wurde. Während des ruhigeren 8. Jahrhunderts v. Chr. Entwickelte sich jedoch eine neue Kultur Visuelle Kunst Es entstanden Töpferwaren, einige Gemälde und Skulpturen, und um diese Zeit entstanden auch Homers Ilias und The Odyssey . Die skulpturale Entwicklung blieb jedoch bis in die archaische Zeit (ca. 600 bis 500 v. Chr.) Äußerst langsam. Weitere Informationen zu den frühesten archaischen Stilen finden Sie unter: Daedalische griechische Skulptur (650-600) . Weitere Informationen finden Sie unter: Etruskische Kunst (c.700-90 v. Chr.).
War die griechische Skulptur in erster Linie religiös?
Ja. Während der archaischen und klassischen Periode war die wichtigste griechische Skulptur von religiösem Charakter und wurde für Tempel angefertigt, die normalerweise einer einzelnen Gottheit gewidmet waren. Göttliche Statuen wurden nach dem Vorbild des Menschen geformt und in verschiedenen Materialien und Größen hergestellt. Weitere Votivstatuen standen innerhalb und außerhalb des Tempels sowie Urnen, Bilder von heiligen Tieren und andere Objekte skulpturaler Natur.
Warum entwickelte sich die griechische Skulptur in der archaischen Zeit schneller?
Ein zentrales Merkmal der archaischen Zeit war die Erneuerung der Handelskontakte und der Seehandelsbeziehungen zwischen Griechenland und dem Nahen Osten (insbesondere Ägypten sowie den kleinasiatischen Stadtstaaten), die die griechischen Künstler dazu anregte, eine monumentale Tradition aufzubauen Marmorskulptur . Während der archaischen Ära begannen die Griechen, Stein für ihre öffentlichen Gebäude zu verwenden, und begannen mit der Entwicklung ihrer drei Architekturorden ( dorisch , ionisch und korinthisch ), die jeweils aus einer Säule mit Sockel, Schacht, Kapitell, und Gebälk mit Architravfries und Gesims. Am wichtigsten ist, dass der griechische Steintempel in dieser Zeit seine grundlegende Form erlangte und zahlreiche architektonische Skulpturen zuließ, darunter Reliefs und Friese auf den Giebeln des Tempels (der dreieckige Giebel unter dem Dach eines Gebäudes) und Metopen (der rechteckige) Tafeln über den Säulen) sowie Statuen aller Art. Es lohnt sich zu bedenken, dass die Geschichte der Skulptur zeigt einen klaren Zusammenhang zwischen Architektur und plastischer Kunst: Je mehr Gebäude gebaut werden, desto mehr Skulpturen werden benötigt. Dies geschah in der Antike und auch in Mittelalterliche Skulptur (Romanik / Gotik), Renaissance-Skulptur (Früh und Hoch), Barocke Skulptur (17. Jahrhundert) und Neoklassizistische Skulptur (18. Jahrhundert).
Was sind die Merkmale der archaischen griechischen Skulptur?
Im Allgemeinen fertigten griechische Bildhauer in dieser Zeit Friese und Reliefs in verschiedenen Größen (aus Stein, Terrakotta und Holz) sowie viele verschiedene Arten von Statue (in Stein, Terrakotta und Bronze) und Miniaturskulpturen (in Elfenbein, Knochen und Metall). Archaische freistehende Figuren haben die solide Masse und frontale Haltung ägyptischer Vorbilder, aber ihre Formen sind dynamischer: siehe zum Beispiel den Torso of Hera (660–580, Louvre).
Ab etwa 620 waren die drei häufigsten Statuen die stehende nackte Jugend ( kouros , plural kouroi ), das stehende drapierte Mädchen ( kore , plural korai ) und die sitzende Frau. (Die Kouros blieben bis etwa 460 populär.) Zunächst ähnelten diese figürlichen Werke – wie die meisten anderen freistehenden griechischen Skulpturen aus der archaischen Zeit – in Form und Haltung ägyptischen Statuen (frontal, breitschultrig, schmal tailliert, Arme hängen eng am Körper, Fäuste geballt und beide Füße am Boden, linker Fuß leicht vorgerückt, Gesichtsausdruck auf ein festes "archaisches Lächeln" beschränkt). Mit der Verbesserung des Verständnisses für die menschliche Anatomie in Griechenland wurden diese Kouroi und Korai jedoch weniger starr, künstlich und lebensechter, während sich die ägyptischen Bildhauer strikt an die strengen hieratischen Entwürfe ihrer Kulturbehörden hielten.
Ein anderes ausgesprochen griechisches Merkmal war, dass die Kouroi im Gegensatz zu ägyptischen Figuren keinen expliziten religiösen Zweck hatten: Sie könnten als Gedenkmarken oder Grabsteine oder Votivstatuen verwendet werden oder lokale Helden wie Sportler darstellen oder den Gott Apollo oder Herakles darstellen. Die Griechen hatten lange Zeit entschieden, dass der menschliche Körper das wichtigste Thema für jeden Künstler war, und da sie den Göttern die menschliche Form gaben, machten sie keinen Unterschied zwischen dem Heiligen und dem Säkularen. Auch kouroi waren nackt, während ägyptische männliche Figuren bekleidet gezeigt wurden.
Die weibliche Statue, die Kore, wurde als weniger wichtig angesehen. Bei seiner Entstehung konzentrierten sich die archaischen Bildhauer eher auf Proportionen und das Muster des Gewandes als auf die physische Anatomie. Ionische Künstler schilderten am besten die Falten des lose drapierten Kleides ( Chiton ) und des Übermantels ( Himation ). Die meisten Korai waren Votivskulpturen, die als Widmungen in Heiligtümern wie der Akropolis in Athen standen.
Was sind die berühmtesten griechischen Statuen aus der archaischen Zeit?
Berühmte Beispiele von Archaische griechische Skulptur umfassen:
Archäologisches Museum von Delphi, Kleobis und Biton (610-580 v. Chr.)
Kouros (um 600) Metropolitan Museum of Art, New York
Der Strangford Apollo von Anafi (c.600-580) Britisches Museum , London
Das Dipylon Kouros (um 600) Athen, Kerameikos Museum
Das Akropolismuseum von Moschophoros oder Kälberträger (um 570), Athen
Das Archäologische Nationalmuseum von Athen ( Anavysos Kouros, ca. 525)
Fries der Siphnischen Schatzkammer , Delphi (ca. 525) Archäologisches Museum, Delphi
Um zu sehen, wie griechische Entwürfe voranschreiten, vergleichen Sie zum Beispiel die Kalksteinstatue Lady of Auxerre (ca. 630 v. Chr., Louvre, Paris) mit dem "Peplos Kore" (ca. 530, Akropolismuseum, Athen); Vergleichen Sie auch den Sounion Kouros (ca. 600, Archäologisches Nationalmuseum von Athen) mit dem "Kritios Boy" (490-480, Akropolismuseum, Athen).
Welche Materialien verwendeten griechische Bildhauer?
Zu den beliebtesten im antiken Griechenland verwendeten Skulpturen gehörten Marmor und anderes Kalkgestein, Bronze, Terrakotta und Holz. Es ist erwähnenswert, dass etwa die Hälfte aller in der Antike geschaffenen Statuen aus Holz gefertigt wurden Bronze- , obwohl das Metall erst ab ca. 550-500 in der Bildhauerei weit verbreitet war. Unabhängig vom verwendeten Material wurde die endgültige Oberfläche der Statue durch Beschichten mit Öl und heißem Wachs naturgetreuer gestaltet, bevor sie gefärbt und vergoldet wurde. Sogar Reliefskulptur wurde nicht als fertig angesehen, bis poliert und gefärbt.
Wurden griechische Skulpturen gemalt?
Im Allgemeinen ja. Ob aus Marmor, Bronze, Holz, Terrakotta oder Metall – die meisten griechischen Skulpturen (Statuen und Reliefs) wurden polychrom bemalt. Erstaunlicherweise wurde dieses Schlüsselmerkmal für mehrere Jahrhunderte aufgrund der Vorurteile einflussreicher Kunsthistoriker wie des neoklassizistischen Experten weitgehend verworfen Johann Joachim Winckelmann (1717-68), die sich entschieden gegen die Idee der "gemalten" griechischen Skulptur aussprachen. Erst der deutsche Archäologe Vinzenz Brinkmann hat kürzlich bewiesen, dass der gesamte Parthenon tatsächlich gemalt wurde, dass die Färbung der antiken griechischen Skulpturen als Tatsache akzeptiert wurde. Siehe auch: Archaische griechische Malerei (c.625-500).
Was geschah mit der griechischen Skulptur während der Klassik?
In der Klassik erlebte die griechische Statuette eine rasche Besserung. Die technischen Fähigkeiten der griechischen Bildhauer, den menschlichen Körper in einer entspannten und nicht in einer starren Haltung darzustellen, nahmen dramatisch zu. Der Klassizismus verbesserte die Starrheit des archaischen Idioms und brachte der menschlichen Figur ein natürlicheres Gefühl für Bewegung und Körperlichkeit, wie zum Beispiel in den Metopen und Giebeln des Zeustempels bei Olympia. Bronze wurde auch das vorherrschende Medium für monumentale freistehende Statuen, nicht zuletzt aufgrund der Fähigkeit des Metalls, seine Form zu halten – egal wie komplex -, was die Schaffung von weniger starren Posen ermöglichte. Eine Bronzefigur ist nicht nur stärker und leichter, sondern kann auch stabilisiert werden, indem Bleigewichte in ihre hohlen Füße gelegt werden. Dies ermöglichte die Schaffung neuer Posen, die, wenn sie in Marmor gemeißelt wären, das Umfallen der Statue verursacht hätten. Leider war Bronze für die Herstellung von Waffen so wichtig und so leicht einzuschmelzen, dass die meisten griechischen Bronzestatuen verschwunden sind, was es schwierig macht, die griechischen künstlerischen Leistungen richtig einzuschätzen, und uns von römischen Kopien griechischer Originale abhängig macht.
Was sind die Haupttypen der klassischen griechischen Skulptur?
Die klassizistische Skulptur war weiterhin in erster Linie mit der Religion verbunden und umfasste die gesamte Palette griechischer Gottheiten und mythologischer Figuren. Zusätzlich zu den zwölf olympischen Göttern und Göttinnen – Zeus, Apollo, Poseidon, Demeter, Hera, Artemis, Hephaistos, Athene, Ares, Aphrodite, Hermes und Hestia – schnitzten Bildhauer kleinere Gottheiten wie Dionysos und seinen Zyklus von Satyrn, Nymphen und Zentauren; Pluto und Persephone; Eros, Psyche und Ariadne; die Musen, Grazien, Jahreszeiten und Schicksale; sowie Helden wie Achilles, Herakles, Theseus, Perseus und andere.
Neben religiösen Werken stellten klassische Künstler auch eine Reihe dreidimensionaler Sportfiguren her, die Sportler verschiedener Art zeigten, darunter Diskuswerfer, Läufer, Wrestler und Wagenrenner. Seltsamerweise war die historische Skulptur, wie sie in Ägypten und Assyrien praktiziert wurde, im antiken Griechenland so gut wie unbekannt. Wichtige Ereignisse wurden eher in mythologischen Begriffen dargestellt als durch sachliche Erzählungen.
Was sind die Merkmale der klassischen griechischen Skulptur?
Die Hauptmerkmale der klassischen Statuen betrafen die Genauigkeit ihrer Anatomie und den Realismus ihrer Haltung. Solche Verbesserungen fanden jedoch nicht über Nacht statt. Also, in Frühe klassische griechische Skulptur (c.500-450) konzentrierten sich die Bildhauer darauf, Figuren zu schaffen, die als durch den Raum bewegend angesehen wurden, anstatt nur darin zu stehen. (Ein Meisterwerk des frühen Klassizismus ist Discobolus (c.450) von Myron.) Als nächstes in der Phase von Hochklassische griechische Skulptur (c.450-400), wendeten sie einen platonischen Kanon mit Proportionen auf ihre Figuren an. Der menschliche Körper wurde in einer "idealen" Form porträtiert – eine Idee, die Leonardo, Michelangelo und Raphael im Laufe der Zeit neu entfachten Hohe Renaissance . Darüber hinaus entwickelten hochklassische Bildhauer die Kontraposto- Haltung, bei der das Körpergewicht des Subjekts auf einen einzelnen Fuß verlagert wird und der andere leicht gebeugt bleibt. Ein Beispiel ist Doryphorus (um 440, Marmorkopie im Museo Nazionale, Neapel). Contrapposto war natürlicher als frühere Posen und ermöglichte erstmals, dass der Einfluss der Schwerkraft die Beziehung zwischen den Muskeln und den Gliedmaßen des Probanden beeinflusste. Diese Haltung wurde von den Griechen erfunden und war bis ins 20. Jahrhundert die Grundlage für die europäische Bildhauerei. Schließlich in der Zeit von Spätklassische griechische Skulptur Figuren wurden als dreidimensionale Formen gesehen, die den Raum einnahmen und umschlossen. Sie konnten aus jedem Winkel betrachtet werden. Dieses späte Stadium des Klassizismus (4. Jahrhundert) brachte auch das erste freistehende hervor weibliche Akte . (Die spätklassizistische Statue wird durch Aphrodite von Knidos (350-40) von Praxiteles veranschaulicht.)
Wer sind die bekanntesten klassischen Bildhauer?
Ein weiteres Merkmal der griechischen klassischen Skulptur ist die Entstehung namentlich genannter Bildhauer, obwohl ihre Werke fast ausschließlich durch spätere römische Kopien bekannt sind. Das größte Bildhauer enthalten: Kalamis (aktiv 470-440), Pythagoras (aktiv c.440-420), Phidias (488-431 v. Chr.), Kresilas (ca. 480-410), Myron (aktiv 480-444), Polykleitos (aktiv c.450-430), Callimachus (aktiv 432-408), Skopas (aktiv 395-350), Lysippos (c.395-305), Praxiteles (aktiv 375-335) und Leochares (aktiv 340-320).
Was ist die berühmteste griechische Architekturskulptur aus der Klassik?
Im fünften Jahrhundert (ca. 480-400) erreichte die griechische Kunst (insbesondere die von Athen) ihren Höhepunkt. Es war Zeuge der Gründung von Athen Parthenon (447-422) – allgemein anerkannt als eines der großen Meisterwerke der klassischen griechischen Skulptur, mit einem ca. 2 m langen Fries, Hunderten von Reliefs und dem kolossalen chryselephantine skulptur von Athene , von Phidias – sowie viele andere berühmte Beispiele von Griechische Architektur Dazu gehören der Akropolis- Komplex (550-404), der Tempel des Zeus in Olympia (468-456), der Tempel des Hephaistos (ca. 449), der Tempel der Athena Nike (ca. 427) und das Theater in Delphi (c.400). Alle diese wichtigen Gebäude mussten mit Fresken und einer breiten Palette von Skulpturen aus Marmor, Bronze und manchmal sogar Chryselephantin dekoriert werden Goldschmiedekunst . Wo Reliefs zur Dekoration bestimmter architektonischer Elemente benötigt wurden, schufen Bildhauer Erzählungen, die Geschichten aus der griechischen Mythologie enthielten, wie die Arbeiten des Herkules , die Schlacht der Lapithen und Zentauren und viele andere: siehe zum Beispiel auch den berühmten Parthenonfries wie der spätere Bassae Frieze (420-400).
Was sind die berühmtesten griechischen Statuen aus der Klassik?
Hier ist eine kurze Liste der größte Skulpturen aus der Klassik:
Leda und der Schwan (500-450) von Timotheus.
Die Tyrannizide Hamodius Aristogeiton (c.477) von Critios.
Der Wagenlenker von Delphi (c.475) von unbekanntem Künstler.
Discobolus (um 450) von Myron.
The Farnese Heracles (5. Jahrhundert) von unbekanntem Künstler.
Zeus oder Poseidon (um 460) von Phidias.
Riace Bronze A (um 450) von Phidias.
"Der Apollo Parnopius" (um 450) von Phidias.
Athena Parthenos (c.447-5) von Phidias.
Statue des Zeus (c.432) von Phidias.
Verwundete Amazone (440-430) von Polykleitos.
Doryphorus (440) von Polykleitos.
Zeusstatue im Zeustempel bei Olympia (um 432) von Phidias.
Aphrodite (Venus Genetrix) (5. Jahrhundert) von Callimachus.
Jugend von Antikythera (4. Jahrhundert) von unbekanntem Künstler.
Apollo Sauroktonos (4. Jahrhundert) von Praxiteles.
Hermes und der Säugling Dionysos (4. Jahrhundert) von Praxiteles.
Aphrodite von Knidos (350-40) von Praxiteles.
Apollo Belvedere (c.330) von Leochares.
Artemis mit einem Hind (c.330) von Leochares.
Der Farnese Hercules (350-300) von Lysippos.
Die siegreiche Jugend (350-300) wird Lysippos zugeschrieben.
Apoxyomenos (Abkratzen der Jugend) (c.330) von Lysippos.
Was geschah in der griechischen Welt während der hellenistischen Periode?
Der Hellenismus, die Ausbreitung der griechischen Kultur nach außen in angrenzende Gebiete des östlichen Mittelmeers und darüber hinaus, beginnt traditionell mit dem Tod Alexanders des Großen (323 v. Chr.), Als sein riesiges Reich in drei Teile geteilt wurde: Antigonos I (Monophthalmus) und die Antigonidendynastie übernahm Griechenland und Mazedonien; Seleukos I. (Nikator) und die Seleukiden-Dynastie kontrollierten Anatolien, Mesopotamien und Persien. und Ptolemaios I. (Soter) und die ptolemäische Dynastie regierten Ägypten. Neben Athen wurden Städte wie Alexandria in Ägypten und Antiochia, Pergamon und Milet in Kleinasien (Türkei) zu Wundern der Antike. Schließlich gerieten jedoch alle diese Gebiete unter die Kontrolle der Römer – der letzte Fall war Ägypten im Jahr 31 v. Chr., Und es ist dieses Ereignis, das das Ende des Hellenismus und den Beginn des Hellenismus markiert Römische Skulptur . Für einen Blick über die Grenzen Griechenlands hinaus siehe: Mesopotamische Kunst (4500-539 v. Chr.) Und der Kunst des alten Persien (3500-330 v. Chr.).
Welche Veränderungen hat die griechisch-hellenistische Skulptur eingeführt?
Hellenistische griechische Skulptur führte eine Reihe von Änderungen an der Art der Kunst ein, die während der klassischen Ära produziert wurde. Zunächst wurde die monumentale Skulptur nicht mehr in erster Linie für eine strenge Religion geschaffen, sondern wurde zu einem wichtigen Werbemittel zur Stärkung der autokratischen Regime in der gesamten Region (in Pergamon, in Alexandria usw.). Als neue Zentren der griechischen Kultur in Ägypten, Syrien, Anatolien und darüber hinaus entstanden, stieg die Nachfrage nach architektonischen und monumentalen Skulpturen zur Dekoration lokaler Tempel und öffentlicher Plätze enorm. Diese Kombination aus gesteigerter Nachfrage und Funktionserweiterung führte dazu, dass die Skulptur (wie die griechische Töpferei) weniger an Bedeutung gewann Kunst und eher eine Branche. Infolgedessen wurden die Entwürfe standardisiert und die Qualität verschlechterte sich.
Sogar so, plastische Kunst wurde interessanter. Dies lag daran, dass der allgemeine Anstieg der Nachfrage zu einem Ruf nach mehr Abwechslung führte . So erweiterten die Bildhauer ihre Thematik und beschränkten sich nicht mehr auf die idealisierten Heldentaten der klassischen Skulptur, sondern zeigten ein breiteres Spektrum von Persönlichkeiten, Stimmungen und Szenen. Zu den akzeptablen Themen gehörten jetzt: ein verwundeter Barbar, ein Kind, das einen Dorn entfernt, eine Jägerin, eine alte Frau, Kinder, Tiere und häusliche Szenen. Sogar Karikaturen erschienen. Weitere Details zu diesem neuen Stil finden Sie unter: Pergamene Schule der hellenistischen Skulptur (241-133 v. Chr.).
Anmerkung: In der Zeit des Hellenismus, nach dem Tod Alexanders des Großen, breitete sich der Einfluss der griechischen Bildhauerei bis nach Indien aus, wo er großen Einfluss hatte Indische Skulptur – Insbesondere die griechisch-buddhistischen Statuen der Gandhara-Schule.
Was sind die Hauptmerkmale der hellenistischen griechischen Skulptur?
Vor allem gab es eine große Veränderung in Ästhetik : Insbesondere der Hellenismus ersetzte die gelassene Schönheit des Klassizismus durch eine emotionalere Art von Skulptur, die auch einen intensiven Realismus beinhaltete. In dieser neuen Ära des Expressionismus strahlten Statuen Energie und Macht aus – siehe zum Beispiel The Farnese Bull oder The Winged Victory of Samothrace (220-190); menschliche Figuren begannen Leiden und Emotionen auszustrahlen – siehe zum Beispiel The Dying Gaul (ca. 240 v. Chr.) oder Laokoon und seine Söhne (c.42-20). Echte Sinnlichkeit zeigt sich auch in Werken wie Aphrodite, Pan und Eros (um 100), die in Delos ausgegraben wurden, während für eine subtilere Version die exquisite "Aphrodite of Cyrene" (um 100) zu sehen ist. In der Porträtmalerei erlebte der Hellenismus eine zunehmende Faszination für die individuelle Psychologie: siehe zum Beispiel die melancholische, introspektive Skulptur von Demosthenes (ca. 280) von Polyeuktos.
Einige Gelassenheit hielt jedoch in Skulpturen wie Die drei Grazien (2. Jahrhundert) und Venus de Milo (c.100).
Wenn die Hochklassik den Maßstab für die Hochrenaissance setzte, dann die Ära von Hellenistische Kunst war der Prototyp für Bildhauer des Manierismus und des Barock. Es überrascht daher nicht, dass die Größe zu einem wichtigen Faktor wurde, und die Bildhauer versuchten, größere und beeindruckendere Skulpturen zu schaffen: ein Prozess, der im Koloss von Rhodos von Chares von Lindos gipfelte – eine Struktur, die in etwa der Größe der Freiheitsstatue entsprach. Es wurde später als eines der aufgeführt Sieben Weltwunder der Antike , vom griechischen Dichter Antipater von Sidon.
Das vielleicht außergewöhnlichste Denkmal für den "barocken Expressionismus" der griechisch-hellenistischen Skulptur war das riesige Pergamonaltar des Zeus , über 30 Jahre gebaut (um 180-150). (Siehe auch: Hellenistische Statuen und Reliefs .) Das Denkmal feierte die entscheidende Rolle der Könige von Pergamon als Grenzwächter der griechischen Zivilisation in Kleinasien und illustriert ihre zahlreichen Siege über die aus dem Osten einmarschierenden barbarischen Streitkräfte. Nach dem Parthenonfries ist der Pergamonaltar das umfangreichste Beispiel der griechischen Monumentalskulptur, die der Kunst bekannt ist. Der äußere Fries zeigt den Kampf der Götter und der Riesen in all seiner hemmungslosen Gewalt, während die inneren Reliefs einen kontrollierten Erzählstil aufweisen, der auf spätere Entwicklungen in der Reliefskulptur hinweist, wie z Trajansäule 250 Jahre später in Rom: Weitere Informationen: Reliefskulptur des antiken Roms . Weitere Informationen zu frühen Phasen der italienischen Skulptur, Malerei und Architektur finden Sie unter: Hellenistische römische Kunst .
Was sind die berühmtesten griechischen Statuen aus der hellenistischen Zeit?
Hier eine kurze Auswahl der größten Skulpturen der Zeit:
Koloss von Rhodos (292-280 v. Chr.) Von Chares von Lindos.
Crouching Hermaphrodite (3. Jahrhundert) Louvre. Von unbekanntem Künstler.
Menelaos mit dem Körper von Patroklos (3. Jahrhundert) Von unbekanntem Künstler.
Sterbendes Gallien (ca. 240 v. Chr.), Musei Capitolini, Rom. Von Epigonus.
Ludovisi Gauls (ca. 240) Nationalmuseum von Rom. Von unbekanntem Künstler.
Geflügelter Sieg von Samothrace (Nike) (220-190) Louvre. Von unbekanntem Künstler.
Die Barberini-Faun (um 220) Glyptothek, München. Von unbekanntem Künstler.
Der Pergamonaltar (um 180-150) Pergamon, Kleinasien. Von unbekanntem Künstler.
Jockey of Artemision (um 140) Archäologisches Museum, Athen. Unbekannter Künstler.
"The Farnese Bull" (2. Jahrhundert) von Apollonius von Tralles.
Schlafender Hermaphrodit (2. Jahrhundert v. Chr.) Louvre. Von unbekanntem Künstler.
Der Louvre der drei Grazien (2. Jahrhundert). Von unbekanntem Künstler.
"Die Medici Venus" (150-100) Uffizien, Florenz. Von unbekanntem Künstler.
"Aphrodite von Cyrene" (um 100) Museo delle Terme, Rom. Von unbekanntem Künstler.
Borghese Gladiator (um 100) Louvre. Durch Agasias von Ephesus.
Archäologisches Nationalmuseum Aphrodite, Pan und Eros (um 100), Athen.
"Die Venus von Arles" (um 100) Louvre. Von unbekanntem Künstler.
Venus de Milo (Aphrodite von Melos) (um 100) Louvre. Von Andros von Antiochien.
Spinario (Junge, der Dornen vom Fuß entfernt) (ca. 80) Palazzo dei Conservatori.
Laokoon und seine Söhne (42-20 v. Chr.) Von Hagesander, Athenodoros, Polydorus.
Wo sind die besten Sammlungen originaler griechischer Skulpturen?
Die meisten erhaltenen Statuen und Reliefs aus der Antike sind römische Kopien griechischer Originale. Diese können in vielen der gesehen werden beste Kunstmuseen in Griechenland und Italien sowie im Ausland. Hier ist eine kurze Liste der besten Kollektionen.
GRIECHENLAND
Archäologisches Nationalmuseum, Athen
Akropolismuseum, Athen
Archäologisches Museum, Olympia
ITALIEN
Vatikanische Museen
Musei Capitolini, Rom
Museo Nazionale Romano, Rom
Museo Archeologico Nazionale, Neapel
Museo Nazionale, Kalabrien
EUROPA
Pergamonmuseum, Berlin
Staatliche Museen, Berlin
Glyptothek, München
Louvre, Paris
Ny Carlsberg Glyptotek, Kopenhagen
Eremitage, St. Petersburg
Britisches Museum, London
Vereinigte Staaten von Amerika
Kunstinstitut von Chicago
Carnegie Kunstmuseum (Pittsburgh)
J Paul Getty Museum, Los Angeles
Los Angeles County Kunstmuseum
Metropolitan Museum of Art, New York
Unsere Kenntnisse der antiken griechischen Skulptur
Die Monumentalskulptur im antiken Griechenland begann um 650 v. Chr. Und war um 600 v. Chr. Ein wichtiger Bestandteil der griechischen Kunst mit einem etablierten und wachsenden Markt. Es lieferte Kultfiguren von Göttern, Widmungen in Heiligtümern, Denkmäler über Gräbern, architektonische Verzierungen und schließlich Statuen und Reliefs für wohlhabende Privathäuser. Von alledem ist relativ wenig übrig geblieben: Vieles ist aus natürlichen Gründen umgekommen, aber im Mittelalter wurde noch mehr absichtlich zerstört. Der Grund war in der Regel nicht religiöser Eifer, sondern der Wert von Marmor als Rohstoff für Kalk und von Bronze als Schrott. Um zu überleben, musste die Skulptur außer Sicht und Reichweite sein.
Was wir jetzt haben, ist eine Probe, die in Zeit, Typ und Qualität ungleich verteilt ist. Die Architekturskulptur, die noch vorhanden war, konnte wahrscheinlich nicht entfernt werden und, wenn das Gebäude einstürzte, unter einer Masse von Mauerwerk begraben werden. Unabhängige Reliefs, insbesondere Grabsteine, konnten herunterfallen und, wenn sie bedeckt waren, vergessen werden. und jede in Flachrelief geschnitzte Platte könnte als Strukturblock wiederverwendet werden. Freistehende Statuen hatten schlechtere Chancen, da sie weniger wahrscheinlich von Trümmern verdeckt wurden, insbesondere an bevölkerungsreichen Orten. Metall war es natürlich wert, gegraben zu werden, und so sind weniger als eine Dutzend griechischer Bronzen aufgetaucht, die einigermaßen vollständig sind und von denen einige aus dem Meer gebaggert wurden. Was den Marmor anbelangt, so blieben die Werke aus der archaischen Zeit am besten erhalten. Da es weniger bewundert wurde, wurde es von späteren Griechen und Römern weniger sorgfältig konserviert und konnte daher vor Beginn der Zerstörungsperiode verloren gehen. Außerdem gibt es einen großen Versteck der Akropolis von Athen, in der ein Großteil der Statuen, die die Perser im Jahre 480 brachen. 79 wurde während der folgenden Restauration als Füllmaterial verwendet.
Am anderen Ende, Römische Kunst bietet uns eine Fülle von Kopien populärer griechischer Skulpturen sowohl aus der klassischen als auch aus der hellenistischen Zeit. Diese Kopien, einige späthellenistisch, aber mehr römisch, behindern und helfen, die griechische Skulptur zu genießen und zu studieren. Obwohl die Kopisten durch Messung Punkte festlegten, waren die Punkte viel spärlicher als die in der modernen Praxis verwendeten und die dazwischenliegenden Räume und die Details wurden freihändig und gewöhnlich ohne viel Sorgfalt geschnitzt, wie man beim Vergleich verschiedener Reproduktionen desselben Originals sehen kann.
Im Allgemeinen sind Kopien für die Pose ziemlich zuverlässig, aber meistens so hart und unempfindlich in der Behandlung der Oberfläche, dass sie den unbefangenen Betrachter eher abstoßen als interessieren. und mit den feineren Beispielen gibt es das Problem, ob die Kopisten möglicherweise nicht auch kreativ gewesen sind. Leider sind im Original nur sehr wenige erstklassige Klassiker oder solche aus der hellenistischen Zeit der griechischen Bildhauerei erhalten, und diejenigen, die durch Kopien bekannt sind, sind weitaus zahlreicher, so dass Kopien ein wesentlicher Bezugspunkt in jeder stilistischen Erhebung der griechischen Bildhauerei sind.
Neben den erhaltenen Originalen und Kopien gibt es eine weitere Informationsquelle in den Überresten der griechischen und lateinischen Literatur. Plinius der Ältere (der römische Schriftsteller, 23-79 n. Chr.) Enthält einen fortlaufenden Bericht über die griechische Skulptur in der Naturalis Historia, die er um die Mitte des ersten Jahrhunderts n. Chr. Zusammenstellte, während Pausanias ein Jahrhundert später viele der Werke erwähnt, die er auf Reisen gesehen hat für seine Beschreibung von Griechenland . Darüber hinaus gibt es gelegentliche Verweise auf Bildhauer und Skulpturen anderer Autoren. Pausanias war ziemlich unkritisch und berichtete treu, was ihm gesagt wurde, aber er interessierte sich mehr für Mythologie als für Kunst. Plinys Bericht, der hauptsächlich aus zweiter Hand stammt, besteht aus bunten, aber nicht vertrauenswürdigen Anekdoten, Listen von Bildhauern und ihren berühmtesten Werken sowie einer Reihe von stilistischen Urteilen, die wahrscheinlich einem griechischen Kritiker des dritten Jahrhunderts entnommen wurden, der über gute und einfühlsame Kenntnisse verfügt Klassische Skulptur (ca. 5-323 v. Chr.), Jedoch keine archaische Skulptur (650-500 v. Chr.).
In der Praxis hängt unser Verständnis der Entwicklung der griechischen Skulptur von der stilistischen Analyse erhaltener Werke ab, die durch eine Vielzahl von Daten aus historischen Aufzeichnungen und Inschriften gestützt wird. Das wichtigste dieser Daten ist die persische Eroberung der Akropolis von Athen im Jahr 480, die eine Untergrenze für die von ihnen beschädigten Werke darstellt. die Fertigstellung des Zeustempels bei Olympia bis spätestens 456; die skulpturale Dekoration des Parthenon, nacheinander von 447 bis 432 ausgeführt; die Nike von Paionios, in Auftrag gegeben um 420; der Grabstein von Dexileos, 394 in Korinth getötet; der Bau des Mausoleums, der in den 350er Jahren stattfand; die Verschönerung des Großen Altars in Pergamon, der sehr wahrscheinlich aus dem frühen 2. Jahrhundert stammt; die Zerstörung von Delos im Jahr 69; und die Widmung der Ara Pacis Augustae in Rom im Jahr 9 v.
Der gegenwärtige Kenntnisstand von Antike Kunst in Griechenland ist sehr uneben. Für die archaische Zeit, in der es in Plinius keine Listen gibt, die die Schüler ablenken könnten, hat die Untersuchung des Stils eine einigermaßen glaubwürdige Entwicklung hervorgebracht, wie dies auch – trotz Plinius – für die klassische Periode bis gegen Ende des fünften Jahrhunderts der Fall war; Aber auch hier besteht die Gefahr, dass sich Experten über die Datierung bestimmter Werke zwanzig Jahre lang nicht einig sind. Das vierte Jahrhundert ist dunkel, was auch immer die Lehrbücher sagen, und die hellenistische Periode noch mehr, außer vielleicht gegen Ende. Obwohl die Tendenzen mit der Zeit präziser werden sollten, wird es nicht den Anschein haben, dass wir jemals genug Material haben werden, um die Persönlichkeiten der griechischen Skulptur zu verstehen, und nicht, dass dies die vielen Studenten abhalten wird, die sich weiterhin ihrer Naturgeschichte widmen.
Weitere Informationen zum Einfluss der griechischen Skulptur auf Künstler des 20. Jahrhunderts finden Sie unter: Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (1900–30).
Bildhauerische Materialien im antiken Griechenland
Die Hauptmaterialien für die griechische Skulptur waren Stein (insbesondere Marmor) und Bronze – Kalkstein, Terrakotta und Holz waren viel minderwertiger – und es gab einige berühmte Beispiele für Elfenbeinschnitzereien, insbesondere die Chryselephantinstatuen von Phidias aus Goldblech und Elfenbein auf Holz Ader.
Marmor, der von Anfang an verwendet wurde, kommt an mehreren Stellen in und um die Ägäis vor, jedoch nicht in Süditalien und Sizilien. Die Griechen mochten weiße, mittel- bis feinkörnige Sorten mit viel mehr Glanz als die Carrara (oder Luna), die später von den Römern ausgebeutet wurde und auf den Friedhöfen Westeuropas noch immer bekannt ist. Kalkstein, den die klassischen Archäologen oft als "Poras" bezeichnen, ist in den meisten griechischen Ländern reichlich vorhanden und zum Teil von sehr guter Qualität. Es war der häufigste Stein für Statuen im siebten Jahrhundert, wurde aber später nur für architektonische Skulpturen an Orten wie Sizilien als seriös angesehen, wo Marmor zu teuer war. Auch Terrakotta war ein wirtschaftliches Material für architektonische Arbeiten, insbesondere für Antefixes und Akroterien. Natürlich hatte Holz nur geringe Überlebenschancen, und nach alten Aufzeichnungen wurde es für fertige Skulpturen nie regelmäßig verwendet, obwohl möglicherweise die Formen für Bronzestatuen auf Holzfiguren geformt wurden. Bronze war erst in der zweiten Hälfte des sechsten Jahrhunderts von Bedeutung, als das Hämmern von Blechen durch Hohlguss ersetzt wurde. Im frühen fünften Jahrhundert war es jedoch das bevorzugte Medium für die meisten freistehenden Statuentypen (wenn auch nicht für Reliefs und Architekturskulptur). Chryselephantine-Statuen, die zu teuer und vielleicht auch zu leicht zu beschädigen waren, um allgemein zu sein, stammen mindestens aus der Mitte des sechsten Jahrhunderts: Sie wurden besonders als Kultbilder in Tempeln geschätzt. Es gibt andere, auch seltene Fälle von Materialkombinationen: Einige große Statuen waren "Acrolithie", dh aus Stein für das Fleisch und Holz für die anderen Teile, und gelegentlich wurden die Haare von Marmorstatuen in Stuck ausgeführt.
Griechische Skulptur wurde gefärbt, wie die meisten Skulpturen bis zum Renaissance und tatsächlich, wenn die alten Marmorstatuen, die zu dieser Zeit gefunden und bewundert wurden, ihre Farbe behalten hätten, würden die Konservativeren von uns wahrscheinlich immer noch erwarten, dass sich die Skulptur färbt. Von den Details der griechischen Marmormalerei sowie von Kalkstein und Holz sind unsere Informationen lückenhaft. Für das sechste Jahrhundert liefern die Funde auf der Akropolis von Athen gute Proben, und es gibt später Sarkophage aus Sidon und Etrurien, in denen die Farben gut erhalten sind, aber normalerweise haben wir Glück, wenn wir sogar Spuren der Grenzen von bemalten Bereichen haben. Auf Terrakotta hat die Farbe seit dem Brand viel besser überstanden, aber leider war die Farbpalette aufgrund des Brandes begrenzt und eher grob. Es besteht auch die Schwierigkeit, dass sich durch chemische Einwirkung einige Farben verändert haben können – insbesondere Blau hat sich manchmal in Grün verwandelt – und Rot, das das beständigste Pigment ist, manchmal als Grundierung gedient hat. Dennoch kann man behaupten, dass Augen, Haare, Lippen und Brustwarzen regelmäßig (und manchmal auch Wangen) bemalt wurden, dass weibliches Fleisch im natürlichen Weiß des Marmors zurückblieb oder nur leicht getönt war, dass männliches Fleisch oft warmbraun gefärbt war und dass Vorhänge wurden in der Regel vollständig übermalt, es sei denn, ein Kleidungsstück wurde für den Kontrast weiß gelassen. Im Allgemeinen gab es bis zum vierten Jahrhundert einen kontinuierlichen Fortschritt in Richtung einer subtileren und natürlicheren Färbung, später wurde es jedoch üblich, dass das Haar vergoldet wurde.
Weitere Informationen zu Maltechniken im antiken Griechenland finden Sie unter: Klassische griechische Malerei (c.500-323) und Hellenistische griechische Malerei (323-31 v. Chr.).
Angesichts dieser Vorliebe für Polychromie ist es nicht verwunderlich, dass die Griechen bereit waren, Accessoires wie Ohrringe und Waffen aus Metall hinzuzufügen – wie umfassend dies an den Löchern gemessen werden kann, die für ihre Befestigung gebohrt wurden. Das Ergebnis all dessen war es, die antike Skulptur viel lebendiger zu machen, am offensichtlichsten darin, den Augen Augen zu geben. Es ist schwieriger, die Effekte im Vorhang zu berechnen, aber manchmal muss die Komposition durch Kontrastfarben geklärt oder verstärkt worden sein, wie beim Nike von Paionios (ca. 420 v. Chr.), wobei ein Oberschenkel nackt und der andere bedeckt war. Auf Reliefs war der Hintergrund rot oder blau und auf Giebeln blau gestrichen. Was Bronze betrifft, so hat der griechische Geschmack es vorgezogen, ihn glänzend zu halten, und Patinierung (grüner oder brauner Schimmer) war ein Zeichen der Vernachlässigung, obwohl in der Römerzeit einige Sammler Patina als eine Bescheinigung der Antike betrachteten. Die Augen wurden regelmäßig mit Paste oder einer anderen Substanz gefüllt, und Lippen und Brustwarzen wurden oft mit Kupfer oder Silber eingelegt. Experten streiten jedoch weiterhin darüber, ob Haare und andere Bereiche künstlich verdunkelt oder gar gestrichen wurden. Wenn man sich also die griechische Skulptur ansieht, lohnt es sich, sich daran zu erinnern, dass mehr dahinter steckt als nur Form.
Für Reliefs ist es selbstverständlich, das Motiv auf der vorbereiteten Oberfläche zu skizzieren und von dieser Skizze aus zu arbeiten, aber bis in die hellenistische Zeit verwendeten die griechischen Marmorbildhauer keine detaillierten Modelle, um Statuen zu schnitzen funktioniert. Erstens gibt es bis zum letzten Jahrhundert v. Chr. Keine Spur eines Hinweissystems – die Methode, mit der auf einem Modell bestimmte Positionen genau auf den Block übertragen werden, aus dem die endgültige Statue geschnitzt werden soll – und selbst dann die Punkte weit genug auseinander, um große Flächen freihändig schnitzen zu können. Zweitens konnten die verschiedenen Bildhauer des Teams in der Pedimentalskulptur, in der zumindest die Beziehung der Figuren vorher genau geplant werden musste, die Vorhänge ihrer Figuren nach Belieben entwickeln.Dies ist im Westgiebel des Zeustempels von Olympia sehr deutlich, wo bei einigen Figuren die Behandlung von Falten altmodisch und bei anderen uneinheitlich fortschrittlich ist.
Von der Identität des Stils mit der der Marmorstatuen müssen gewöhnlich auch Bronzestatuen vom Schnitzen abhängen, vermutlich hier von der vorläufigen Figur, und es ist kaum vor dem zweiten Jahrhundert, dass es in der fertigen Arbeit dieser fließenden Art des Modellierens einen Hinweis gibt was durch weichen Ton oder Wachs gefördert wird. Überraschenderweise gibt es auch in Terrakotten keine solche plastische Modellierung. Offensichtlich wurde die griechische Bildhauertradition durch Schnitzen begründet und verankert.
Überlebende Originale, die in verschiedenen Stadien des Fortschritts aufgegeben wurden, zeigen, dass die normale Vorgehensweise beim Schnitzen einer Marmorstatue nicht darin bestand, einen Teil nach dem anderen fertig zu stellen (wie dies normalerweise beim Zeigen von einem maßstabsgetreuen Modell der Fall ist), sondern die Figur schrittweise abzurunden. Dies bedeutete, dass der Bildhauer nicht viel sicher an einen Assistenten delegieren konnte und dass er ständig an die Wirkung des Ganzen erinnert wurde, während er sich mit dem Detail befasste. Vermutlich begann er damit, die Umrisse seiner Figur auf allen vier Seiten des Blocks zu zeichnen. Dies wäre mit den unkomplizierten, quadratischen Posen, die für Statuen bis ins vierte Jahrhundert üblich waren, praktikabel genug gewesen.
Als nächstes entfernte er den überschüssigen Stein auf etwa einen Zentimeter von der vorgesehenen Endoberfläche, wobei er zuerst den Bohrhammer und den Bohrer und dann zunehmend den Stempel verwendete. Es folgte die grobe Formgebung der Figur mit der Spitze, ein feiner Stempel, der an den Lochfraßblättern zu erkennen ist, und unangenehme Hohlräume (wie der Abstand zwischen einem Arm und dem Körper oder tiefe Falten von Vorhängen) wurden teilweise durch ausgehöhlt der Bohrer. Der Bohrer, der einen runden Meißel als Bohrer hatte, wurde auf zwei Arten verwendet, entweder um einzelne Löcher oder eine Reihe von Löchern zu bohren, oder (als "laufender" Bohrer) um eine Furche zu schneiden, die sich schräg nach vorne bewegte. Die Methode der laufenden Bohrmaschine scheint, wenn überhaupt, erst in den 370er Jahren v. Chr. Erfunden worden zu sein und wurde, da sie Arbeit sparte, bald sehr populär.
Die nächste und entscheidendste Phase des Schnitzens war die detaillierte Modellierung der Oberfläche mit Meißeln verschiedener Arten – dem Klauenmeißel (der anscheinend um 560 v. Chr. Erfunden wurde), dem Flachmeißel und dem Rundmeißel. Diese Meißel wurden, wie die Spitze, sowohl schräg als auch vertikal verwendet und normalerweise mit kurzen, sanften Strichen.
Nach dem Modellieren wurde die Oberfläche mit Raspeln geeigneter Form und Stärke geglättet und anschließend mit Schleifmitteln, wahrscheinlich Schmirgelspänen und Pulver, gefolgt von Bimssteinpulver, feiner geglättet. Diese Glättung erzeugte nicht den hohen Glanz vieler römischer und neuerer Skulpturen. Für ein glänzendes Finish muss die Oberfläche mit feineren Schleifmitteln wie Kittpulver oder Rouge poliert werden. Schließlich wurde die Statue – ab 500 v. Chr. In der Enkaustiktechnik – bemalt und jegliches Metallzubehör angebracht.
Für Erleichterungen war das Verfahren ähnlich. Zunächst muss das Motiv auf dem vorbereiteten Block skizziert worden sein. Dann wurde die Kontur auf tieferen Reliefs oft mit einem Bohrer ausgeschnitten, und danach wurden die Spitze, der Meißel, die Raspel und die Schleifmittel nacheinander verwendet. Im Allgemeinen schnitzten griechische Reliefbildhauer keinen Teil viel weiter von der Frontebene weg, als es die effektive Modellierung dieses Teils erforderte. Der Hintergrund ist also in der Regel nicht eben und die Tiefe, in der Figuren und Teile von Figuren gesetzt werden, wird eher von optischen als von natürlichen Beziehungen bestimmt.
Für Giebelfiguren vielfältige Übung. Manchmal wurde das Verfahren für freistehende Statuen verwendet, obwohl der Rücken oft unvollendet war, aber manchmal – wie bei den Körpern der Zentauren bei 0lympia – wurden sie wie Hochreliefs behandelt. Die Oberflächengüte war sehr hoch, und es wurde erwartet, dass alle sichtbaren Werkzeugspuren einer Stufe in der nächsten entfernt werden, obwohl es unangenehme Stellen gab, an denen Schleifmittel oder die Raspel nicht richtig verwendet werden konnten, und gelegentlich ein zu tief gegrabenes Werkzeug offene Oberfläche. Der Geschmack im Finale war unterschiedlich, aber im Laufe der Zeit weniger anspruchsvoll. Auf Reliefs wurden Hintergründe und große neutrale Bereiche wie Sitze oft geraspelt, aber durch Schleifmittel nicht weiter geglättet. Im vierten Jahrhundert entschieden sich einige Bildhauer, die Vorhänge nur raspeliert zu lassen, um einen Kontrast der Textur mit dem vollständig geglätteten Fleisch zu erzielen.und in kleineren Stücken gab es eine zunehmende Tendenz zur Nachlässigkeit. Trotzdem ist der Unterschied zwischen der mittelmäßigen griechischen Schnitzerei und der durchschnittlichen römischen Kopie offensichtlich. Die Kopisten nahmen sich nur gelegentlich Mühe mit der Meißelarbeit. Ein griechischer Bildhauer brauchte normalerweise sechs bis neun Monate, um eine Marmorstatue in Originalgröße zu schnitzen.
Bronzestatuen sind selten, so dass es viel schwieriger ist, die Methoden, mit denen sie hergestellt wurden, im Vergleich zu Marmorstatuen abzuleiten. Daher kann das folgende zusammenfassende Konto in Teilen falsch sein. Während des siebten und frühen sechsten Jahrhunderts wurden einige bedeutende Statuen in der Sphyrelaton-Technik errichtet, dh dünne Bronzeplatten, die in Form gehämmert und mit Nägeln an einem Holzrahmen oder Kern befestigt wurden. Die Ergebnisse waren jedoch unbefriedigend. und obwohl kleine figuren in formen massiv gegossen wurden, war massives gießen für große figuren zu teuer (wenn auch praktikabel). Dann, wahrscheinlich um die Mitte des sechsten Jahrhunderts, wurde ein Verfahren des Hohlgießens, das seit einiger Zeit für kleinere Gegenstände verwendet wurde, ausgeliehen und für Statuen in Originalgröße entwickelt.Die Griechen waren in ihrer Metallurgie nicht weit genug fortgeschritten, um große Rahmen zu konstruieren, die so steif waren, wie es für das Sandkastengießen erforderlich ist, und so mussten sie auf ein Wachsausschmelzverfahren angewiesen sein.
Der reguläre Arbeitsablauf scheint so etwas gewesen zu sein. Zuerst bereitete der Bildhauer seine vorläufige Figur in allen Einzelheiten vor. Das Material war wahrscheinlich Wachs oder vielleicht Lehm oder Holz, aber der Effekt lässt darauf schließen, dass die Oberfläche eher geschnitzt als modelliert wird. Dann wurde diese Figur mit Ton (oder möglicherweise Gips) überzogen, um eine Form herzustellen. Als nächstes mussten die Form und die vorläufige Figur getrennt werden, und hier dringt mehr Unsicherheit ein. In der folgenden Phase musste die Form aufgeschnitten werden, und es war auch üblich, große Statuen in mehrere Teile zu gießen. Wenn dann das Material der vorläufigen Figur weich wäre – das heißt Wachs oder Ton -, könnte es gepreßt oder weggegraben werden oder vielleicht verlaufen oder ausgewaschen werden; oder die Figur wurde unversehrt entfernt und, da das Unterschneiden besonders in Falten von Vorhängen häufig war, dies bedeutet entweder, dass die Figur bereits in viele trennbare Stücke zerlegt worden war oder dass nun eine ebenso komplexe Zerlegung an der Form durchgeführt wurde; obwohl, wenn die Form so zerlegt wurde, die meisten kleineren Stücke vor der nächsten Stufe wieder zusammengebaut worden sein müssen. Dabei wurde die offene Form mit Wachs in der gewünschten Dicke für die Bronzewand der fertigen Statue ausgekleidet. Die Wachsauskleidung wurde wiederum mit Ton ausgekleidet, um einen Kern zu bilden, der durch Metallstifte (Chaplets) mit der Form verbunden war, so dass Form und Kern ihre relativen Positionen beibehielten, wenn das Wachs herausgeschmolzen wurde. Dieser Tonkern kann auf feucht geschlagen oder in Flüssigkeit gegossen worden sein, und je nach verwendetem Verfahren wurde die Form nach oder vor der Herstellung des Kerns in ihren vollständigen Teilen wieder zusammengebaut. Wenn die Form aus Gips bestand, war eine zusätzliche Operation erforderlich.da musste der putz vorsichtig vom wachsüberzogenen kern entfernt und durch eine dicke lehmschicht ersetzt werden. (Anmerkung: Das bisher beschriebene Verfahren ist das des indirekten Wachsausschmelzens, aber griechische Bildhauer verwendeten manchmal stattdessen das weniger wirtschaftliche direkte Verfahren: Hier wird die vorläufige Figur, die aus Ton besteht und auch als Kern dient, selbst mit beschichtet eine Schicht Wachs und diese Schicht, die bis ins kleinste Detail fertiggestellt ist, ist von einer Hülle aus Ton umschlossen.)ist selbst mit einer Wachsschicht überzogen und diese Schicht, die bis ins Detail ausgearbeitet ist, ist von einer Hülle aus Ton umschlossen.)ist selbst mit einer Wachsschicht überzogen und diese Schicht, die bis ins Detail ausgearbeitet ist, ist von einer Hülle aus Ton umschlossen.)
Jetzt war alles bereit zum Schießen. Die Formen mit ihren Kernen wurden erwärmt, so dass das Wachs herausschmolz und geschmolzene Bronze in die vom Wachs zurückgelassenen Hohlräume lief. Da luftgetrockneter Ton jedoch kein geschmolzenes Metall annimmt, ohne zumindest zu knicken, wird davon ausgegangen, dass die Formen und Kerne nach dem Schmelzen des Wachses auf die für Terrakotta oder noch höher erforderliche Temperatur gebrannt wurden und das Metall noch eingefahren wurde bei dieser Hitze. Nachdem alles abgekühlt war, wurde der Bronzeguss durch Abreißen der äußeren Form oder Beschichtung befreit. Es war natürlich nicht notwendig, den gesamten Kern herauszusuchen, und tatsächlich wurden Kernklumpen gefunden, die in Bronzestatuen noch vorhanden sind.
Es gab noch viel zu tun. Zu diesem Zeitpunkt hat das Gussteil eine körnige Haut, die abgekratzt werden musste. Risse wurden verstopft und Fehler behoben, indem Streifen aus Metallplatten ausgeschnitten und gefüllt wurden (die rechteckigen Vertiefungen, die auf einigen überlebenden Statuen sichtbar sind, sind solche Schnitte, aus denen die Füllungen herausgefallen sind). Die getrennt geformten Teile wurden miteinander verbunden, durch Nut und Feder, wenn sie groß waren, oder durch Schweißen oder Löten, wenn sie klein waren. Details wurden eingraviert, Augen wurden eingesetzt und fixiert, oft waren Lippen und Nippel in Kupfer oder ein anderes Metall eingelegt, und die gesamte Oberfläche wurde gründlich poliert, um die Kanten von Fugen und Flecken zu verbergen und einen ordnungsgemäßen Glanz zu erzeugen. Wie Aufzeichnungen zeigen, wurde der Glanz durch Aufbringen von Öl oder Harz und möglicherweise Bitumen aufrechterhalten.Insgesamt war die Herstellung einer Bronzestatue eine komplizierte Aufgabe, und das Risiko eines Scheiterns beim Brennen der Form und beim Fundieren des Metalls musste ernst sein. Es waren die höheren Materialkosten, die Bronzestatuen teurer machten als Statuen aus Marmor.
Einige Statuen, besonders kleine, wurden auf hohe Sockel oder sogar Säulen oder Pfeiler gestellt, aber die üblichste Art der griechischen Basis war relativ niedrig, rechteckig und aus Marmor. Im fünften Jahrhundert war der Sockel für eine Statue in voller Größe gewöhnlich weniger als ein Fuß hoch, und seine Oberfläche war möglicherweise nur mit der Spitze fertig, obwohl später die Tendenz bestand, etwas Höheres und Verzierteres zu produzieren. Stehende Marmorstatuen wurden mit einem kleinen Sockel um die Füße geschnitzt und dieser in den Sockel eingelassen und mit Blei befestigt, oftmals unordentlich. Bronzestatuen wurden befestigt. Siehe auch: Griechische Metallarbeiten .
Der Schauplatz befand sich normalerweise im Freien, und da die griechischen Bildhauer im fünften Jahrhundert so hoch entwickelt waren, dass sie optische Korrekturen für den Betrachtungswinkel vornehmen konnten, ging man davon aus, dass sie auch die Art der Beleuchtung berücksichtigten. Diese sehr wichtigen Faktoren werden oft ignoriert, wenn griechische Skulpturen in alten und neuen Museen ausgestellt werden, in denen die Statuen meist zu hoch über dem Boden stehen und ihre Beleuchtung tendenziell einseitig und schief ist. Auch ist die Anordnung in langen Reihen oder untersuchten Gruppierungen nicht ganz richtig; Die griechische Angewohnheit bestand darin, jede Statue als eigenständige Einheit zu betrachten und an einem geeigneten Ort aufzustellen, ohne sich um ihre ästhetische Beziehung zu benachbarten Statuen oder Gebäuden zu kümmern.
Es gibt noch eine Warnung. Die meisten antiken Statuen wurden im Laufe der Zeit verstümmelt. Vom 16. bis zum 19. Jahrhundert waren zumindest die offensichtlichen Mängel zu restaurieren, und obwohl die derzeitige Mode jede Restaurierung ablehnt, sind immer noch viele Stücke ausgestellt, die teilweise irreführend restauriert wurden. Es gibt eine ziemlich verlässliche Regel, um zu unterscheiden, was in einer Marmorstatue original ist und was nicht. Wenn zwei Steinstücke zusammengefügt werden, ist es sehr schwer, die Verbindungslinie zu verbergen. Jetzt hinterlässt ein natürlicher Bruch eine unregelmäßige Kante, und wenn eine Verbindungslinie unregelmäßig ist, können die beiden Teile als zueinander gehörig betrachtet werden. Aber da man eine regelmäßige Oberfläche braucht, um ein neues Stück auf ein anderes zu passen, Eine gerade Verbindungslinie zeigt, dass eines dieser Teile neu ist, und man könnte vermuten, dass die gezackte Oberfläche eines alten Bruchs abgeschnitten und geglättet wurde, um einen sauberen Sitz für einen Ersatz zu erhalten. Gelegentlich wurden solche Ersetzungen in der Antike vorgenommen, aber im Allgemeinen ist eine gerade Verbindung ein Beweis für die moderne Restaurierung in der Neuzeit. Das Nationalmuseum in Neapel, das die prächtige Renaissance-Sammlung der Familie Farnese geerbt hat, ist ein bewundernswerter Ort, um diese Echtheitsprüfung durchzuführen.ist ein bewundernswerter Ort für die Durchführung dieser Echtheitsprüfung.ist ein bewundernswerter Ort für die Durchführung dieser Echtheitsprüfung.
HINWEIS: Für spätere Bildhauer, die von den Skulpturen des antiken Griechenlands inspiriert wurden, siehe: Klassizismus in der Kunst (Ab 800).
Verwendet für antike griechische Skulptur
Die Griechen verwendeten Statuen für sogenannte Kultfiguren von Gottheiten, Widmungen, Grabdenkmälern und architektonischen Verzierungen, aber erst in der hellenistischen Zeit erwarben oder gaben sie mehr als Statuetten in Auftrag, um sie privat zu genießen. Die Verwendung von Reliefs war ähnlich, außer dass sie nicht als Kultfiguren dienten.
Kult
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