Abstrakte Kunst: Definition, Geschichte, Typen, Eigenschaften Automatische übersetzen
Definition und Bedeutung
Der Begriff "abstrakte Kunst" – auch " nicht-objektive Kunst ", " nicht figurativ ", " nicht gegenständlich ", " geometrische Abstraktion "oder" konkrete Kunst "- ist ein ziemlich vager Überbegriff für jedes Gemälde oder jede Skulptur, die keine erkennbaren Objekte oder Szenen darstellt. Wie wir jedoch noch sehen werden, gibt es keinen klaren Konsens über die Definition, die Typen oder die ästhetische Bedeutung der abstrakten Kunst. Picasso war der Meinung, dass dort war so etwas nicht, während einige Kunstkritiker der Meinung sind, dass alle Kunst abstrakt ist – zum Beispiel, weil keine Malerei mehr als eine grobe Zusammenfassung (Abstraktion) dessen sein kann, was der Maler sieht. Selbst Mainstream-Kommentatoren sind sich manchmal uneinig darüber, ob Eine Leinwand sollte als "expressionistisch" oder "abstrakt" bezeichnet werden – zum Beispiel das Aquarell " Ship on Fire" (1830, Tate) und das Ölgemälde " Snow Storm – Steam Boat off a Harbour’s Mouth" (1842, Tate) von JMW Turner (1775-1851) Ein ähnliches Beispiel ist Water-Lilies (1916-20, National Gallery, London) von Claude Monet (1840-1926). Also obwohl die Theorie relativ klar ist – abst Die reale Kunst ist von der Realität losgelöst – die praktische Aufgabe, abstrakte von nicht-abstrakten zu trennen, kann viel problematischer sein.
Welche Idee steckt hinter abstrakter Kunst?
Die Grundvoraussetzung der Abstraktion – übrigens ein zentrales Thema von Ästhetik – ist, dass die formalen Qualitäten eines Gemäldes (oder einer Skulptur) genauso wichtig sind (wenn nicht noch wichtiger) als ihre Repräsentationseigenschaften.
Beginnen wir mit einer sehr einfachen Illustration. Ein Bild mag eine sehr schlechte Zeichnung eines Mannes enthalten, aber wenn seine Farben sehr schön sind, kann es uns dennoch als ein schönes Bild erscheinen. Dies zeigt, wie eine formale Qualität (Farbe) eine repräsentative (Zeichnung) überschreiben kann.
Auf der anderen Seite kann ein fotorealistisches Gemälde eines Reihenhauses einen exquisiten Repräsentativismus aufweisen, aber das Thema, das Farbschema und die allgemeine Komposition können völlig langweilig sein.
Die philosophische Rechtfertigung für die Wertschätzung der formalen Qualitäten eines Kunstwerks ergibt sich aus Platons Aussage:
"Gerade Linien und Kreise sind… nicht nur schön… sondern ewig und absolut schön."
Im Wesentlichen bedeutet Platon, dass nicht naturalistische Bilder (Kreise, Quadrate, Dreiecke usw.) eine absolute, unveränderliche Schönheit besitzen. So kann ein Gemälde allein aufgrund seiner Linie und Farbe geschätzt werden – es muss kein natürliches Objekt oder eine natürliche Szene darstellen. Der französische Maler, Lithograf und Kunsttheoretiker Maurice Denis (1870-1943) war sich einig, als er schrieb: "Denken Sie daran, dass ein Bild – bevor es ein Kriegspferd oder eine nackte Frau ist… im Wesentlichen eine ebene Fläche ist, die mit… bedeckt ist Farben in einer bestimmten Reihenfolge zusammengestellt. "
Einige abstrakte Künstler erklären sich damit, dass sie das visuelle Äquivalent eines Musikstücks schaffen wollen, das nur für sich selbst geschätzt werden kann, ohne sich die Frage stellen zu müssen, "wovon handelt dieses Gemälde?" Whistler gab zum Beispiel einigen seiner Gemälde Musiktitel wie Nocturne: Blau und Silber – Chelsea (1871, Tate Collection). (Siehe auch: Kunstbewertung: Wie man Kunst schätzt .)
Arten der abstrakten Kunst
Um die Dinge einfach zu halten, können wir abstrakte Kunst in sechs Grundtypen unterteilen:
Einige dieser Typen sind weniger abstrakt als andere, aber alle befassen sich mit der Trennung von Kunst und Realität.
Krummlinige abstrakte Kunst
Diese Art der krummlinigen Abstraktion ist eng verbunden mit Keltische Kunst , die eine Reihe abstrakter Motive verwendeten, darunter Knoten (acht Grundtypen), Interlace-Muster und Spiralen (einschließlich des Triskels oder des Triskels). Diese Motive waren für die Kelten nicht original – viele andere frühe Kulturen verwendeten diese keltischen Entwürfe seit Jahrhunderten: Sehen Sie sich zum Beispiel die Spiralgravuren am Grab der Jungsteinzeit in Newgrange in Co Meath an, die etwa 2000 Jahre vor dem Erscheinen der Kelten entstanden waren. Man kann jedoch zu Recht sagen, dass keltische Designer diesen Mustern neues Leben einhauchten und sie dadurch viel komplizierter und raffinierter machten. Diese Muster tauchten später als dekorative Elemente in frühen illuminierten Manuskripten auf (um 600-1000 n. Chr.). Später kehrten sie während der Celtic Revival Movement des 19. Jahrhunderts und der einflussreichen Art Nouveau-Bewegung des 20. Jahrhunderts zurück: insbesondere in Buchcover-, Textil-, Tapeten- und Chintz-Designs von William Morris (1834-96) und Arthur Mackmurdo (1851-1942)). Die krummlinige Abstraktion wird auch durch das "unendliche Muster" veranschaulicht, ein weit verbreitetes Merkmal von Islamische Kunst .
Farbbezogener oder lichtbezogener abstrakter Stand der Technik
Ein Beispiel für diesen Typus sind Arbeiten von Turner und Monet, die Farbe (oder Licht) so einsetzen, dass sich das Kunstwerk von der Realität löst, während sich das Objekt in einem Wirbel aus Pigmenten auflöst. Es wurden bereits zwei Beispiele für Turners expressiven Abstraktionsstil erwähnt, denen wir sein Interior at Petworth (1837, Tate Collection) hinzufügen können. Weitere Beispiele sind die letzte Abfolge von Seerosengemälden von Claude Monet (1840-1926), The Talisman (1888, Musee d’Orsay, Paris) von Paul Serusier (1864-1927), Führer von Les Nabis , und mehrere fauvistische Werke von Henri Matisse (1869–1954). Einige von Kandinskys expressionistischen Bildern, die er während seiner Zeit mit Der Blaue Reiter malte, kommen der Abstraktion sehr nahe, ebenso wie Deer in the Wood II (1913-14, Staatliche Kunsthalle, Karsruhe) von seinem Kollegen Franz Marc (1880-1916). Der tschechische Maler Frank Kupka (1871-1957) entstanden einige der ersten farbintensiven abstrakten Gemälde, die beeinflussten Robert Delaunay (1885-1941), der sich in seinem kubistisch inspirierten Stil des Orphismus auch auf Farbe stützte. Die farbbezogene Abstraktion tauchte in den späten 1940er und 50er Jahren in Form von Colour Field Painting wieder auf, entwickelt von Mark Rothko (1903-70) und Barnett Newman (1905-70). In den 1950er Jahren entstand in Frankreich eine parallele Art farbbezogener abstrakter Malerei, die als lyrische Abstraktion bekannt ist .
Geometrische Abstraktion
Diese Art von intellektueller abstrakter Kunst entstand ab etwa 1908. Eine frühe rudimentäre Form war Kubismus speziell analytischer Kubismus – der lineare Perspektive und die Illusion räumlicher Tiefe in einem Gemälde ablehnte, um sich auf seine 2-D-Aspekte zu konzentrieren. Geometrische Abstraktion ist auch als Konkrete Kunst und Nicht-Objektive Kunst bekannt. Wie zu erwarten, ist es durch nicht naturalistische Bilder gekennzeichnet, in der Regel geometrische Formen wie Kreise, Quadrate, Dreiecke, Rechtecke usw. In gewisser Hinsicht ist es die reinste Form der Abstraktion, da es absolut keinen Bezug zur natürlichen Welt oder keine Verbindung mit ihr enthält. Konkrete Kunst ist Abstraktion, Veganismus Vegetarismus. Die geometrische Abstraktion wird am Beispiel von Black Circle (1913, Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg) von dargestellt Kasimir Malevich (1878-1935) (Begründer des Suprematismus); Broadway Boogie-Woogie (1942, MoMA, New York) von Piet Mondrian (1872-1944) (Begründer des Neo-Plastizismus); und Komposition VIII (Die Kuh) (1918, MoMA, New York) von Theo Van Doesburg (1883-1931) (Gründer von De Stijl and Elementarism). Weitere Beispiele sind die Homage to the Square- Bilder von Josef Albers (1888-1976) und Op-Art entstanden durch Victor Vasarely (1906 & ndash; 1997).
Emotionale oder intuitive abstrakte Kunst
Diese Art der Intuitionskunst umfasst einen Stilmix, dessen gemeinsames Thema eine naturalistische Tendenz ist. Dieser Naturalismus zeigt sich in der Art der verwendeten Formen und Farben. Im Gegensatz zur geometrischen Abstraktion, die fast gegen die Natur gerichtet ist, ruft die intuitive Abstraktion häufig die Natur hervor, jedoch auf weniger gegenständliche Weise. Zwei wichtige Quellen für diese Art abstrakter Kunst sind: Organische Abstraktion (auch biomorphe Abstraktion genannt) und Surrealismus . Der wohl berühmteste Maler, der sich auf diese Art von Kunst spezialisiert hat, war der in Russland geborene Mark Rothko – siehe: Mark Rothkos Gemälde (1938 & ndash; 70). Weitere Beispiele sind Gemälde von Kandinsky wie Komposition Nr. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) und Komposition VII (1913, Tretjakow-Galerie); der typische Teller, Gabel und Nabel (1923, Privatsammlung) von Jean Arp (1887-1966), Woman (1934, Privatsammlung) von Joan Miro (1893-1983), Inscape: Psychological Morphology no 104 (1939, Privatsammlung) von Matta (1911-2002); und unendliche Teilbarkeit (1942, Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo) von Yves Tanguy (1900-55). In der Skulptur wird diese Art der Abstraktion durch den Kuss (1907, Kunsthalle, Hamburg) von Constantin Brancusi (1876-1957) veranschaulicht; Mutter und Kind (1934, Tate) von Barbara Hepworth (1903–1975); Giant Pip (1937, Nationales Kunstmuseum, Centre Georges Pompidou) von Jean Arp; Drei stehende Figuren (1953, Guggenheim Museum, Venedig) von Henry Moore (1898-1986).
Gestische abstrakte Kunst
Dies ist eine Form des abstrakten Expressionismus, bei dem der Prozess der Herstellung des Gemäldes wichtiger als gewöhnlich wird. Die Farbe kann auf ungewöhnliche Weise aufgetragen werden, die Pinselführung ist oft sehr locker und schnell. Berühmte amerikanische Exponenten von gestische Malerei umfassen Jackson Pollock (1912-56), der Erfinder des Action-Painting, und seine Frau Lee Krasner (1908-84), die ihn mit ihrer eigenen Form der Tropfmalerei inspirierte; Willem de Kooning (1904-97), berühmt für seine Frauenserie; und Robert Motherwell (1912-56), bekannt für seine Serie Elegy to the Spanish Republic . In Europa wird diese Form durch Tachisme sowie durch die Cobra-Gruppe veranschaulicht, insbesondere Karel Appel (1921-2006).
Minimalistische abstrakte Kunst
Diese Art der Abstraktion war eine Art Back-to-Basics-Abstraktion Avantgarde-Kunst , alle externen Verweise und Assoziationen entfernt. Es ist das, was Sie sehen – sonst nichts. Es nimmt oft eine geometrische Form an und wird von Bildhauern dominiert, obwohl es auch einige große Maler umfasst. Weitere Informationen zur minimalistischen Kunst finden Sie weiter unten ("Postmodernist Abstraction").
Herkunft und Geschichte
Steinzeit-abstrakte Malereien
Die abstrakte Kunst begann, soweit wir das beurteilen können, vor etwa 70.000 Jahren mit prähistorische Gravuren : Nämlich zwei mit abstrakten geometrischen Mustern gravierte Felsbrocken, die in der Blombos-Höhle in Südafrika gefunden wurden. Es folgten die abstrakten rot-ockerfarbenen Punkte und Handschablonen entdeckt unter den El Castillo Höhlenmalereien datiert auf 39.000 v. Chr., der Neandertaler Stich bei Gorhams Höhle, Gibraltar und das klumpenförmige klaviforme Bild unter den Altamira Höhlenmalereien (ca. 34.000 v. Chr.). Danach wurden abstrakte Symbole die vorherrschende Form der Altsteinzeit Höhlenkunst und übertrifft die Zahl der figurativen Bilder um 2: 1. Sehen: Prähistorische abstrakte Zeichen .
Vom akademischen Realismus zur Abstraktion
Bis zum späten 19. Jahrhundert folgten die meisten Gemälde und Skulpturen den traditionellen Prinzipien des klassischen Realismus, wie sie an den großen Akademien Europas gelehrt wurden. Diese Prinzipien legten fest, dass es die erste Pflicht der Kunst war, eine erkennbare Szene oder ein erkennbares Objekt bereitzustellen. So sehr ein Kunstwerk auch von den Anforderungen des Stils oder des Mediums beeinflusst war, es musste die äußere Realität imitieren oder darstellen. Im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts begannen sich die Dinge jedoch zu ändern. Die impressionistische Kunst hat gezeigt, dass der strenge akademische Stil der naturalistischen Malerei nicht mehr die einzig authentische Art ist, Dinge zu tun. Dann, in der Zeit von 1900 bis 1930, Entwicklungen in anderen Bereichen von moderne Kunst Bereitstellung zusätzlicher Techniken (einschließlich Farbe, Ablehnung der 3D-Perspektive und neuer Formen), mit denen die Suche nach Abstraktion vorangetrieben werden soll.
Künstler beginnen, sich von der Realität zu entfernen
Der Erste des Majors moderne Kunstbewegungen Den akademischen Stil des klassischen Realismus zu untergraben, war der Impressionismus (1870-1880), dessen Palette oft entschieden nicht naturalistisch war, obwohl seine Kunst fest und klar von der realen Welt abgeleitet blieb, auch wenn Claude Monets letzte Arbeit an seinen Seerosen war Das Genre schien eher der Abstraktion zu ähneln. Die Entstehung der abstrakten Kunst wurde auch von der Jugendstil-Bewegung (c.1890-1914).
Kandinsky, Expressionismus und Fauvismus demonstrieren die Kraft der Farbe
Die Verwendung von Farbe und Form, um den Betrachter zu bewegen, war für die Entwicklung der abstrakten Kunst von größter Bedeutung. Der Impressionismus, einschließlich der Varianten des neoimpressionistischen Pointillismus und des Postimpressionismus, machte bereits auf die Macht der Farbe aufmerksam, aber der deutsche Expressionismus machte ihn zum Eckpfeiler der Malerei. Einer seiner Führer, Wassily Kandinsky (1866-1944) veröffentlichten ein Buch mit dem Titel "On The Spirtual In Art" (1911), das zum Grundlagentext der abstrakten Malerei wurde.
Kandinsky war von den emotionalen Eigenschaften von Form, Linie und vor allem Farbe in der Malerei überzeugt. (Er hatte eine abnormale Empfindlichkeit gegenüber Farben, die er sowohl hören als auch sehen konnte, eine Krankheit, die Synästhesie genannt wurde.) Er glaubte, ein Gemälde sollte nicht intellektuell analysiert werden, sondern die Teile des Gehirns erreichen, die mit Musik in Verbindung stehen.
Trotzdem warnte er, dass ernsthafte Kunst nicht vom Wunsch nach Abstraktion zur bloßen Dekoration geführt werden dürfe. Die meisten deutschen Expressionisten (z. B. Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke und Max Beckmann) waren keine abstrakten Maler, aber ihre lebendige Palette – zusammen mit Kandinskys theoretischen Schriften – warnte andere Künstler mit eher abstrakter Neigung zur Kraft der Farbe als Mittel zur Erreichung ihrer Ziele.
Der parallele Pariser Avantgarde-Stil des Fauvismus (1905-08) unterstrich die Wirkung der Farbe lediglich mit Werken wie Red Studio (1911, MoMA, NY) von Henri Matisse.
Kubismus lehnt Perspektive und Bildtiefe ab
Der Kubismus (1908-14) war eine Reaktion gegen die dekorative Schönheit des Impressionismus. Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) entwickelten diesen neuen Stil schrittweise: Prototyp-Kubismus (Siehe Picassos Halbzusammenfassung Les Demoiselles d’Avignon 1907, MoMA, NY); dann Analytischer Kubismus (siehe Akt mit Treppenabstieg Nr. 2 , Philadelphia Museum of Art, 1912) von Marcel Duchamp (1887-1968); dann Synthetischer Kubismus , die mehr collageorientiert war. Ihr Grundkonzept bestand darin, sich von der hübschen, aber trivialen Kunst des Impressionismus zu einer intellektuelleren Kunstform zu entfernen, die neue Methoden zur Darstellung der Realität erforschte.
Insbesondere lehnten sie die akademische Methode der Darstellung der Realität durch die Verwendung einer linearen Perspektive (Tiefe) ab, um den üblichen dreidimensionalen Effekt eines Gemäldes zu erzielen. Stattdessen ließen sie alles auf einer zweidimensionalen, flachen Ebene, auf der sie unterschiedliche „Ansichten“ desselben Objekts darstellten: Ein Vorgang, der dem Aufnehmen von Fotos eines Objekts aus verschiedenen Blickwinkeln und dem anschließenden Aufschneiden und Einfügen der Fotos auf einer ähnelte ebene Fläche. Diese Methode, eine flache Oberfläche zur Darstellung der 3D-Realität zu verwenden, brachte die Kunst auf den Punkt. Obwohl die meisten kubistischen Werke noch aus Objekten oder Szenen der realen Welt stammen und daher nicht als vollständig abstrakt angesehen werden können, hat die Ablehnung der traditionellen Perspektive durch die Bewegung den natürlichen Realismus in der Kunst völlig untergraben und damit die Tür zur reinen Abstraktion geöffnet.
Zu den kubistisch inspirierten abstrakten Bildhauern zählen: Constantin Brancusi (1876-1957), der auch von afrikanischer und orientalischer Kunst beeinflusst wurde.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), der die Bewegung mit kubistischen Mitteln darstellte, und Jacques Lipchitz (1891-1973).
Für einen abstrakten Malstil des frühen 20. Jahrhunderts, bei dem versucht wurde, kubistische Komposition mit Farbe und Musik zu verbinden, siehe: Orphismus . Eine britische Vorkriegskunstbewegung, die stark von der kubistischen Sprache geprägt war, war Vortizismus (1913-14), gegründet von Percy Wyndham Lewis (1882-1957).
Der Italiener Futurismus Bewegung (1909-13), gegründet von Marinetti (1876-1944) und am Beispiel von Gino Severini (1883-1966) und Giacomo Balla (1871-1958), wurde auch vom Kubismus beeinflusst und inspirierte wiederum zahlreiche Maler mit seiner Betonung auf Bewegung und Technologie. In der Bildhauerei wirkte sich der Futurismus am stärksten auf die Entwicklung der kinetischen Kunst aus und beeinflusste abstrakte Bildhauer wie Naum Gabo (1890-1977) und Alexander Calder (1898-1976) (bekannt für seine Handys).
HINWEIS: "Tubismus", erfunden von Fernand Leger (1881-1955) war eine Form des Kubismus, bei der zylindrische und kugelförmige Teile anstelle der flach überlappenden Teile des Kubismus verwendet wurden und die zahlreiche maschinenähnliche Motive enthielten, die Legers futuristischen Glauben an die Technologie widerspiegelten. Siehe zum Beispiel funktioniert wie: Soldaten, die an den Karten spielen (1917, Kroller-Müller-Landesmuseum, Otterlo); Der Mechaniker (1920, National Gallery of Canada); Drei Frauen (Le Grand Dejeuner) (1921, Museum of Modern Art, New York).
Suprematismus und De Stijl führen neue geometrische Formen ein
Traditionelle Malerei und Bildhauerei stützen sich auf Formen aus der realen Welt, wofür es unzählige Beispiele gibt. Im Gegensatz dazu sind abstrakte Künstler gezwungen, sich auf künstliche, nicht natürliche Formen zu verlassen. Die abstrakte Kunst befasst sich daher typischerweise mit der Herstellung verschiedener geometrischer Formen. Und die Größe und der Charakter dieser Formen, ihre Beziehung zueinander sowie die in der Arbeit verwendeten Farben werden zu bestimmenden Abstraktionsmotiven.
Russischer Suprematismus
Die russische abstrakte Kunstbewegung bekannt als Suprematismus Malewitsch, der von seinem Führer Kasimir Malewitsch (1878-1935) für die Behauptung der Überlegenheit der Sensation in der Kunst benannt wurde, erschien 1915. Ohne Zweifel beeinflusst von Kandinsky, der bereits begonnen hatte, eine Reihe von konkretistischen Werken zu produzieren, produzierte Malewitsch eine Serie von herausragenden avantgardistischen abstrakten Gemälden – rechteckige, einfarbige Blöcke auf weißem Hintergrund -, die seiner Zeit um Jahrzehnte voraus waren. Er sah sie als Nachfolger der traditionellen Ikonenbilder der russisch-orthodoxen Kirche im flachen byzantinischen Stil der Antike. 1927 wurde seine suprematistische Theorie in einem Buch mit dem Titel Die Gegenstandlose Welt veröffentlicht . Lyubov Popova (1889–1924) gilt neben Alexander Rodtschenko (1891–1956) als einer der Mitbegründer des russischen Stils Konstruktivismus Ein weiteres wichtiges Mitglied der suprematistischen Bewegung war eine Schule, die sich mit Raumfahrt, neuen Materialien, 3D-Formen sowie Wissenschaft und sozialen Reformen befasste. Eine weitere interessante russische Kunstbewegung, die neue Bilder einführte, war Rayonismus (oder Luchismus) (1912-14), gegründet von Mikhail Larionov (1881-1964) und Natalya Goncharova (1881-1962). Zu den von suprematistischen / konstruktivistischen Ideen beeinflussten abstrakten Bildhauern gehörten Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) und Naum Gabo (1890-1977).
De Stijl
De Stijl war der Name einer niederländischen Design- und Ästhetikzeitschrift und einer avantgardistischen Kunstbewegung, die sich der geometrischen Abstraktion (nicht gegenständliche Kunst) widmete und von gegründet und geleitet wurde Theo Van Doesburg (1883-1931). Die Hauptfigur war Piet Mondrian (1872-1944), der für seine Serie einfacher rechteckiger Gitter bekannt ist, die ausschließlich Schwarz, Weiß und Grundfarben verwenden – ein Stil, den er nannte Neo-Plastizismus ( Nieuwe Beelding ). Als einer der einflussreichsten Pioniere der konkreten Kunst in den Jahren 1920-1944 entwickelte er seinen präzisen geometrischen Stil als Gegenaussage zum emotionalen Chaos und zur Unsicherheit der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Zusammen mit der abstrakten Gruppe Cercle et Carre (1929-31) sowie der Abstraction-Creation Group (1930-6) zog er 1938 nach New York und war angeblich der erste Maler, der sich mit Grammaphonmusik befasste.
Van Doesburg war weniger dogmatisch und führte eine entspanntere Form des Neo-Plastizismus ein Elementarismus . 1930 prägte er auch den Begriff "Konkrete Kunst". Leider starb er im Jahr 1931, aber seine Ideen wurden nicht nur von Studenten der Bauhaus-Designschule (wo er Vorträge gehalten hatte), aber auch von der Abstraction-Creation- Gruppe – angeführt von dem belgischen Künstler Georges Vantongerloo (1886-1965) und den französischen Malern Jean Helion (1904-87) und Auguste Herbin (1882-1960). Weitere Mitglieder der Gruppe waren europäische Abstraktionisten wie Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962), Barbara Hepworth (1903-1975) und Ben Nicholson (1894-1982). Der Schweizer Ex-Bauhaus-Architekt, Bildhauer und Designer Max Bill (1908-94) war ein weiterer Anhänger, der zur Förderung des Genres in der Schweiz, in Italien, Argentinien und Brasilien beitrug.
Surrealistische und organische Abstraktion
Parallel zur Entwicklung des geometrischen Konkretismus begannen Exponenten des Surrealismus in den 1920er und 1930er Jahren, eine Reihe von fantasievollen, quasi-naturalistischen Bildern zu produzieren. Die Vorbilder dieses Stils von Biomorphe / organische Abstraktion wurden Jean Arp und Joan Miro Keiner von ihnen stützte sich – wie ihre vielen vorbereitenden Skizzen bestätigen – auf die Technik des Automatismus. Ihr surrealistischer Landsmann Salvador Dali (1904-89) produzierten auch einige außergewöhnliche Gemälde wie The Persistence of Memory (1931, MoMA, NY) und Soft Construction with Boiled Beans (1936, Philadelphia Museum of Art). Jean Arp war auch ein aktiver Bildhauer, der sich auf organische Abstraktion spezialisierte, ebenso wie die englischen Bildhauer Henry Moore (1898-1986) und Barbara Hepworth (1903-1975). (Sehen: Moderne britische Skulptur 1930-70.) Eine Reihe europäischer abstrakter Künstler suchte später Zuflucht in Amerika, wo sie auf eine neue Generation einheimischer abstrakter Maler stießen und diese beeinflussten. Zu diesen einflussreichen Auswanderern zählten Maler wie Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), Andre Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-48), Yves Tangy (1900-55) und andere. So wie es passiert ist, trotz der Kontroverse um New York Waffenschau 1913 entwickelte die Stadt ein starkes Interesse an Abstraktion. Das Museum of Modern Art wurde 1929 und das Museum für gegenstandslose Malerei (später in Samuel R. Guggenheim Museum umbenannt) 1939 gegründet.
Anmerkung: Für zwei Sammler von abstrakter Malerei und Skulptur der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts siehe: Solomon Guggenheim (1861-1949) und Peggy Guggenheim (1898-1979).
Hinweis: Informationen zur Avantgarde-Abstraktion in Großbritannien (um 1939-75) finden Sie unter: St. Ives School .
Abstrakter Expressionismus – Mehr Farbe, keine Geometrie mehr
Obwohl die europäischen Künstler der Nachkriegszeit durch den Salon des Realites Nouvelles in Paris ihr Interesse an abstrakter Kunst bewahrten , hatte sich das Zentrum der modernen Kunst bis 1945 nach New York verlagert, wo die Avantgarde von der Pariser Börse vertreten wurde New Yorker Schule von Abstrakter Expressionismus . Diese aus der Weltwirtschaftskrise und dem Zweiten Weltkrieg hervorgegangene Bewegung, die nie mit einem kohärenten Programm als solchem in Verbindung gebracht wurde, wurde von Jackson Pollock (1912-56), Mark Rothko (1903-70) und Willem De Kooning (1904-97) angeführt., Clyfford Still (1904–80), Barnett Newman (1905–70) und Adolph Gottlieb (1903 & ndash; 74). Zur nächsten Generation gehörten Maler wie Robert Motherwell. Der Name der Bewegung wurde von Robert Coates, Kunstkritiker des New Yorker, geprägt. Ableger sind Pollock’s Action-Malerei "und Rothko’s" Farbfeld Malerei ’und der neugierige’ abstrakte Impressionismus ’von Philip Guston (1913 & ndash; 80).
Abstrakte expressionistische Malerei bleibt ein vager Begriff, der häufig verwirrend auf Künstler angewendet wird, die weder wirklich abstrakt noch expressionistisch sind. Er beschreibt eine Form der abstrakten Malerei (nicht figurativ, nicht naturalistisch), bei der Farbe Vorrang vor Form hat. Letzteres ist nicht mehr geometrisch. Frühe Arbeiten in diesem Stil füllten typischerweise großformatige Leinwände, deren Größe die Zuschauer überwältigen und sie in eine andere Welt ziehen sollte. Die Beschäftigung mit abstrakten Expressionisten mit visuellen Effekten, insbesondere der Wirkung von Farben, war ein Spiegelbild ihres Hauptziels – die Einbeziehung und Erforschung grundlegender menschlicher Emotionen. Ein abstraktes expressionistisches Gemälde ist also eher intuitiv zu spüren als zu verstehen: Die Frage ist typisch: "Was fühlen Sie sich dabei?" – anstatt: "Was sagt es?"
Es muss betont werden, dass dies eine breite Bewegung war, die verschiedene Stile umfasste, einschließlich (wie erwähnt) Arbeiten, die entweder halb- oder nicht abstrakt waren, sowie solche, die durch die Art und Weise charakterisiert wurden, wie zum Beispiel Jackson Pollocks Gemälde (getropft und gegossen) und Willem de Koonings Arbeiten (gestische Pinselführung). Zwei interessante frühe Werke, die die unterschiedlichen Stile dieser beiden Künstler veranschaulichen, finden Sie unter: Sitzende Frau (1944, Metropolitan Museum of Art) von Willem de Kooning und Pasiphae (1943, Metropolitan) von Jackson Pollock. Die Tatsache, dass es die erste große Kunstbewegung war, die in den USA geboren wurde, gab ihr zusätzliches Gewicht und Bedeutung: zumindest in den Köpfen der Kritiker.
Später brachte der Abstrakte Expressionismus unter dem Dach von eine Reihe von individuellen Stilen hervor Nachmalerische Abstraktion , ein anti-gesturalistischer Trend. Diese individuellen Stile umfassten: Hard-Edge-Malerei , Farbfleckmalerei, Washington-Farbbewegung, amerikanische lyrische Abstraktion und geformte Leinwand. Der abstrakte Expressionismus provozierte auch avantgardistische Reaktionen von mehreren anderen Künstlern, einschließlich Cy Twombly (1928-2011), deren kalligraphische Zeichnung teils Zeichnung, teils Graffiti ist; und der kalifornische abstrakte Bildhauer Mark Di Suvero (* 1933), bekannt für seine großformatigen Eisen / Stahl-Skulpturen.
Europa: Art Informel, Tachisme & Cobra Group Gesturalism
In Europa ist eine neue Kunstbewegung bekannt als Art Informel entstanden in den späten 1940er Jahren. Als europäische Version des abstrakten Expressionismus betrachtet, war es in Wirklichkeit eine Regenschirmbewegung mit einer Reihe von Untervarianten. Diese Mini-Bewegungen enthalten: (1) Tachisme , ein abstrakter Malstil, der durch Farbkleckse und Farbkleckse gekennzeichnet ist, wurde als französische Antwort auf den amerikanischen Abstrakten Expressionismus beworben. Ein wichtiger Einfluss war der avantgardistische amerikanische Künstler Mark Tobey (1890-1976), dessen kalligraphische Malweise die von Pollock vorwegnahm. Wichtige Mitglieder waren Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (geb. 1919) und der portugiesische Künstler Maria Helena Vieira da Silva (1908-92) sowie der amerikanische abstrakte Expressionist Sam Francis (1923-94). (2) Die Avantgarde Cobra Group , die den gestischen oder "Action-Painting" -Stil des amerikanischen Abstrakten Expressionismus praktizierten. Es wurde von Malern, Bildhauern und Grafikern der dänischen Gruppe Host , der niederländischen Gruppe Reflex und der belgischen revolutionären surrealistischen Gruppe gegründet , darunter: Asger Jorn (1914-73), der belgische Schriftsteller Christian Dotremont (1922-79), Pierre Alechinsky (* 1927), Karel Appel (1921-2006) und Constant (CA Nieuwenhuys) (1920-2005). Pol Bury (1922-2005) war ebenfalls Mitglied, aber 1953 gab er die Malerei auf, um die kinetische Skulptur zu erforschen. (3) Lyrische Abstraktion , ein ruhigerer, harmonischerer Stil des Art Informel . Führende Mitglieder waren: Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-51), Hans Hartung (1904-89), Jean-Michel Atlan (1913-60), Pierre Soulages (geb. 1919), Georges Mathieu (1921-2012) und Jean-Paul Riopelle (1923-2002). Weitere Untergruppen waren Forces Nouvelles und Art Non Figuratif .
Op-Art: Die neue geometrische Abstraktion
Einer der ausgeprägtesten Stile der geometrischen abstrakten Malerei der Moderne war der Op-Art-Bewegung (eine Abkürzung für "optische Kunst"), deren Kennzeichen die Beschäftigung des Auges mit komplexen, oft einfarbigen, geometrischen Mustern war, damit es Farben und Formen sah, die eigentlich nicht da waren. Führende Mitglieder waren der ungarische Maler und Grafiker Victor Vasarely (1908-97) und der englische Maler Bridget Riley (geb. 1931). Die Bewegung verschwand in den frühen 1970er Jahren.
Postmoderne Abstraktion
Seit dem Anfang von Postmodernismus (seit Mitte der 60er Jahre) zeitgenössische Kunst hat dazu neigt, in kleinere, mehr lokale Schulen zu fragmentieren. Dies liegt daran, dass die vorherrschende Philosophie der zeitgenössischen Kunstbewegung darin bestand, den großen Stilen des frühen 20. Jahrhunderts zu misstrauen. Eine Ausnahme ist die Minimalismus Schule, ein Back-to-Basics-Stil der geometrischen Abstraktion am Beispiel von postmoderne Künstler wie Bildhauer Donald Judd (1928-94), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (geb. 1931), Walter de Maria (geb. 1935) und Carl Andre (geb. 1935). Ein weiterer wichtiger minimalistischer Bildhauer ist Richard Serra (* 1939), zu dessen abstrakten Werken Tilted Arc (1981, Federal Plaza, New York) und The Matter of Time (2004, Guggenheim Bilbao) gehören. Bemerkenswerte abstrakte Maler, die mit Minimalismus verbunden sind, schließen ein Ad Reinhardt (1913-67), Frank Stella (b.1936), dessen großformatige Gemälde ineinandergreifende Form- und Farbcluster beinhalten; Sean Scully (b.1945) der irisch-amerikanische Maler, dessen rechteckige Farbformen die monumentalen Formen prähistorischer Strukturen zu imitieren scheinen; sowie Jo Baer (geb. 1929), Ellsworth Kelly (* 1923), Robert Mangold (* 1937), Brice Marden (* 1938), Agnes Martin (1912-2004) und Robert Ryman (* 1930).
Der Neo-Expressionismus war zum Teil eine Reaktion gegen die Strenge des Minimalismus und vor allem eine figurative Bewegung, die ab den frühen 1980er Jahren entstand. Es gehörten aber auch herausragende abstrakte Maler wie der Engländer Howard Hodgkin (geb. 1932) sowie deutsche Künstler dazu Georg Baselitz (geb. 1938), Anselm Kiefer (geb. 1945) und andere. Unter mehreren anderen international anerkannten abstrakten Künstlern, die in den 1980er und 1990er Jahren Anerkennung erlangten, ist der britische Bildhauer Anish Kapoor (geb. 1954), bekannt für großformatige Arbeiten aus rohem Stein, Metallguss und Edelstahl. Sowohl Hodgkin als auch Kapoor sind Turner-Preisträger.
Sammlungen der abstrakten Kunst
Unrepräsentative Kunst ist in den meisten der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen. Bemerkenswerte Sammlungen werden von den folgenden Institutionen gehalten
- Bewegungen der abstrakten Kunst: Kubismus, De Stijl, Action Painting
- Abstrakte Künstler, Irland: Nichtrepräsentative irische Maler / Bildhauer
- Abstrakte Gemälde, Top 100 nichtrepräsentative Bilder
- Abstrakte Skulptur, Geschichte, Arten objektiver Kunst
- Biomorphic Abstraction: Organic Shapes in Sculpture, Painting
- Igor Dryomin: Festival of Abstraction
- Zeitgenössische Malerei und konzeptuelle Symbolik
- Wie zeichnet man ein abstraktes Bild: Erste Schritte
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BEMERKUNGEN: 1 Ответы
„непрезентативным“ искусство не бывает, бывает нерепрезентативным
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