Mittelalterliche Fresken Automatische übersetzen

Die mittelalterliche Freskenmalerei ist eine der bedeutendsten Formen der Monumentalkunst und erreichte ihren Höhepunkt zwischen dem 10. und 15. Jahrhundert. Diese Technik der Malerei auf nassem Kalkputz ermöglichte die Schaffung langlebiger Kunstwerke, die zu einem integralen Bestandteil des architektonischen Raums von Kirchen, Klöstern und Profanbauten wurden.

Mittelalterliche Meister entwickelten ein komplexes System künstlerischer Techniken und thematischer Programme, das religiöse Dogmen mit künstlerischem Ausdruck verband. Die Freskenmalerei diente nicht nur dekorativen Zwecken, sondern erfüllte auch eine wichtige pädagogische und spirituelle Funktion, indem sie einer ungebildeten Bevölkerung biblische Geschichten und christliche Ideen durch visuelle Bilder vermittelte.

Geschichte der Entwicklung der Freskotechnik

Die Freskenmalerei hat uralte Wurzeln, die bis in die Antike zurückreichen, aber erst im Mittelalter erhielt sie ihre charakteristischen Merkmale und erreichte ihre technische Perfektion. Das Wort „Fresko“ leitet sich vom italienischen „affresco“ ab, was „frisch“ bedeutet und auf das Hauptmerkmal der Technik hinweist – das Auftragen von Farben auf nassen Putz.

Im Frühmittelalter entwickelte sich die Freskenmalerei vor allem im Rahmen der byzantinischen Kunsttradition. Byzantinische Meister schufen ein standardisiertes System der Kirchenmalerei, bei dem jedes Element des Tempelraums einen streng definierten ikonografischen Inhalt hatte. Kuppeln, Wände und Gewölbe byzantinischer Kirchen waren mit Fresken mit biblischen und christlichen Motiven bedeckt, die in charakteristischer statischer Manier ausgeführt wurden.

Die Entwicklung der westeuropäischen Freskentradition begann in der Romanik (10. bis 12. Jahrhundert). Charakteristisch für romanische Fresken waren leuchtende, überwiegend in Primärfarben gehaltene Farben und ein kraftvoller Stil in Bildhauerei und Malerei. Künstler dieser Zeit orientierten sich bei den gängigsten kirchlichen Motiven an byzantinischen ikonografischen Vorbildern, darunter Darstellungen von Christus in seiner Herrlichkeit, dem Jüngsten Gericht und Szenen aus dem Leben Christi.

Fresko-Malerei

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Was ist Freskomalerei? Merkmale Der künstlerische Begriff Fresko (italienisch „frisch“) bezeichnet eine Methode der Malerei, bei der Farbpigmente nur mit Wasser (ohne Bindemittel) gemischt und dann direkt auf frisch aufgetragenen Kalkputz (grundierte Oberfläche) aufgetragen werden.

Die Gotik brachte bedeutende Veränderungen in der Freskenmalerei mit sich. Künstler begannen, mit räumlichen Lösungen und realistischeren Darstellungen menschlicher Figuren zu experimentieren. Besonders bedeutsam war das 14. Jahrhundert, in dem sich in Padua eine herausragende Schule der Freskenmalerei bildete. Künstler, angefangen mit Giotto, führten wichtige stilistische Neuerungen in der Kunstgeschichte ein und entwickelten neue Möglichkeiten, allegorische Erzählungen in räumlicher Perspektive darzustellen.

Regionale Schulen und Traditionen

Jede Region des mittelalterlichen Europas entwickelte ihre eigene Tradition der Freskenmalerei. Die armenische Monumentalkunst wurde zum unangefochtenen Vorreiter der frühmittelalterlichen und mittelalterlichen Kunst. Armenische Fresken basierten, wie die Monumentalmalerei im Allgemeinen, hauptsächlich auf christlichen Themen, was ihren künstlerischen Wert steigerte.

Die russische Freskotradition entwickelte sich unter starkem byzantinischen Einfluss, erhielt aber im Laufe der Zeit charakteristische lokale Merkmale. Die Nowgoroder Klosterkirchen der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts weisen einzigartige Freskoprogramme auf, die sowohl liturgische Traditionen als auch den Einfluss der westbalkanischen Kunstkultur widerspiegeln. Die ikonografischen Programme der Narthexen dienten als eine Art Auftakt zur Dekoration des Hauptraums des Tempels.

Die serbische Freskentradition wird durch herausragende Monumente wie die Fresken des Klosters Dečani repräsentiert. Die Dečani-Fresken sind nicht nur eine Sammlung ikonografischer Themen der alten serbischen Kunst, sondern auch eine Sammlung künstlerischer Entwürfe. Die Absicht, den Gläubigen eine künstlerische Verkörperung der gesamten Heilsgeschichte zu präsentieren, war ein beispielloses Unterfangen, das weder in der byzantinischen noch in der serbischen Kunst jemals wiederkehrte.

Fresko-Maltechniken

Fresko: Geschichte und Maltechnik

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Fresko ist die älteste Form der Monumentalmalerei und wird mit wasserbasierten Farben auf frischem, feuchtem Putz ausgeführt. Der Name leitet sich vom italienischen „fresco“ – „frisch“ ab.

Buon fresco und fresco secco

Mittelalterliche Künstler verwendeten zwei Haupttechniken der Freskomalerei: Buon Fresco (echtes Fresko) und Fresco Secco (trockenes Fresko). Buon Fresco ist eine Malmethode auf Gips, bei der Farben auf eine feuchte Oberfläche aufgetragen werden. Mit Wasser vermischte Pigmente verbinden sich chemisch mit dem Kalkputz und erzeugen so ein äußerst haltbares Gemälde.

Fresco secco hingegen wird auf trockenem Putz ausgeführt. Diese Technik ermöglichte es den Künstlern, langsamer zu arbeiten und Korrekturen vorzunehmen, wobei die Farben nicht Teil der Wand wurden, sondern auf deren Oberfläche aufgetragen wurden. Viele mittelalterliche Fresken sind eine Kombination beider Techniken, wobei das Hauptgemälde buon fresco ausgeführt und Details und Korrekturen secco hinzugefügt werden.

Vorarbeit

Der Entstehungsprozess eines Freskos begann mit der sorgfältigen Vorbereitung der Wand. Die erste Putzschicht, „Arriccio“ genannt, wurde auf die gereinigte Wand aufgetragen. Diese etwa einen Zentimeter dicke, raue Schicht bestand aus einer Mischung aus gelöschtem Kalk und grobem Flusssand. Die Rauheit dieser Oberfläche trug zu einer besseren Haftung nachfolgender Schichten bei.

Auf dem Arriccio fertigte der Künstler eine vorbereitende Zeichnung an – eine Sinopia. Zunächst wurden die Hauptkonturen der Komposition mit Kohle skizziert, die sich leicht entfernen ließ. Nach der Freigabe der Zeichnung verwendete der Meister Ocker, um neben den Kohlelinien eine zweite Linie anzubringen. Anschließend wurden die Kohlelinien mit Stiften entfernt und die Details des Bildes mit roter Erde nachgezeichnet – Falten von Draperien, Gesichter, Licht- und Schattenübergänge.

Jornat-System

Das Schlüsselelement der Buon-Fresco-Technik war das System der Giornata, also der täglichen Arbeitsflächen. Giornata bezeichnet die Menge an Malerei, die je nach Erfahrung des Künstlers an einem Arbeitstag erledigt werden kann. Diese Menge hing von der Fähigkeit des Künstlers ab, eine bestimmte Fläche in der Zeit zu bemalen, die benötigt wird, bis der Putz feucht bleibt und das Pigment an der Wand haftet.

Frischer Putz, Intonaco, wurde täglich nur auf die Fläche aufgetragen, die der Künstler bemalen wollte. Typischerweise betrug die Fläche einer Tagesfläche 6 bis 9 Quadratmeter. Intonaco ist eine dünne transparente Schicht, die aus einem Teil gelöschtem Kalk und zwei Teilen feinkörnigem Sand besteht. Diese Deckschicht musste während des Malens feucht bleiben.

Nach Beendigung der Arbeit wurde überschüssiger Putz abgekratzt, um ein Austrocknen zu verhindern. Am nächsten Morgen konnte der Künstler mit neuem, feuchtem Putz beginnen, der dann zum Malen bereit war. Die Ränder der Giornata wurden üblicherweise so geplant, dass sie den Konturen von Figuren oder Objekten entsprachen, wodurch die Tagesabschnitte weniger auffielen.

Technik zum Auftragen von Farben

Das Malen des Freskos erforderte hohe kreative Spannung, Geschick, Schnelligkeit und Präzision. Die beste Jahreszeit für die Freskomalerei war die warme Sommerzeit von Mai bis September. Die Arbeiten begannen im oberen Teil des Tempels und an den Altären.

Nach dem Auftragen des Intonaco wurde die Oberfläche geebnet und vertikale und horizontale Linien an der Wand markiert. Anschließend wurde die gesamte Komposition mit gelben, roten, braunen oder schwarzen Pigmenten, die mit Wasser vermischt wurden, untermalt und die Hauptlinien der Skizze mit einem scharfen Instrument eingeritzt.

Die Meister bedeckten den Heiligenschein und das Haupt des Heiligen mit Ocker und Graugrün. Die hellen hervorstehenden Teile wurden in Hellgelb bemalt und dann in zwei Schritten mit Weiß übertüncht. Die Gesichter (die Konturen der Augen, Nase und Augenbrauen) wurden zunächst in Rotbraun, dann in Dunkelgrün, fast Schwarz, gezeichnet. Die Kleidung wurde auf ähnliche Weise bemalt: Breite Streifen von Lavierungen wurden über den Grundton (Grün, Rosa, Blau) gelegt.

Materialien und Pigmente

Basis und Bindemittel

Die Grundlage mittelalterlicher Fresken war Kalkputz, der aus gelöschtem Kalk und Sand unterschiedlicher Körnung hergestellt wurde. Für Arriccio wurde gröberer Sand verwendet, für Intonaco feinerer. Die Qualität des Kalks war entscheidend für die Langlebigkeit des Freskos.

Die chemischen Prozesse bei der Herstellung des Freskos sorgten für eine starke Verbindung zwischen den Pigmenten und der Wand. Der Kalk durchlief mehrere Schritte: das Brennen des Kalksteins im Ofen (CaCO₃ CaO + CO₂), das Löschen des Branntkalks (CaO + H₂O Ca(OH)₂) und das Aushärten des Kalkputzes (Ca(OH)₂ + CO₂ CaCO₃ + H₂O).

Pigmente und Farbstoffe

Mittelalterliche Künstler verwendeten eine Vielzahl einheimischer und importierter Pigmente. Untersuchungen der Pigmente in Giottos Werken zeigen die Verwendung von Eisenerzgelb und Bleizinngelb. Für Blautöne wurde Azurit anstelle von Ultramarin verwendet. Auch Malachit und das seltene grünblaue Mineral Mixit wurden in der blauen Farbe gefunden.

Im Rigaer Schloss wurden die Fresken hauptsächlich aus lokalem Gips und importierten Pigmenten, insbesondere Azurit, Malachit und Zinnober, geschaffen. Die portugiesischen Fresken in Monsaraz enthielten Quecksilbersulfid (HgS), roten und gelben Ocker (Fe₂O₃ und FeO(OH)), Ruß und Azurit.

Einige Pigmente, wie Roter Ocker, Schungit und Hämatit, veränderten ihre Farbe beim Trocknen des Gipses nicht, während andere, darunter Ocker, Lapislazuli und Glaukonit, deutlich heller wurden. Der Meister musste die Eigenschaften jedes Pigments berücksichtigen und das Endergebnis vorhersehen.

Themen und Ikonographie

Religiöse Geschichten

Der Großteil mittelalterlicher Freskenzyklen bestand aus religiösen, vor allem biblischen und christlichen Themen. Die byzantinische Tradition legte eine strenge Hierarchie der Platzierung verschiedener Motive im Tempelraum fest. Kuppeln waren mit Bildern des Christus Pantokrator geschmückt, Apsiden enthielten Szenen mit Bezug zur Liturgie, und die Wände des Kirchenschiffs waren mit Zyklen aus dem Leben Christi und der Jungfrau Maria bedeckt.

Auch die armenische Monumentalkunst basierte hauptsächlich auf christlichen Themen. Moderne armenische Monumentalwerke wurden von nationalen Traditionen und Bräuchen der mittelalterlichen Kunst inspiriert und griffen oft dieselben thematischen Motive auf. Diese Werke zeichneten sich durch die Tiefe philosophischer Reflexionen über die Welt, die Erhabenheit des Menschen und den Vorrang des Bildprinzips aus.

Die Fresken von Dečani verkörpern die gesamte Heilsgeschichte künstlerisch. Sorgfältig angeordnete Gemälde, die in einem stimmigen Programm mit klarer Ikonographie zusammengefasst sind, lassen keinen Raum für Unklarheiten oder Fehlinterpretationen der vermittelten Botschaften. Die Bilder offenbarten den Gläubigen während ihres Aufenthalts in der Kirche die lange Heilsgeschichte.

Apokalyptische und eschatologische Themen

Szenen des Jüngsten Gerichts und des Dämonensturzes nahmen in der mittelalterlichen Ikonographie einen besonderen Platz ein. Die russische Ikonographie des Jüngsten Gerichts, die sich in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts endgültig herausbildete, entwickelte sich zu einer visuellen Zusammenstellung verschiedener Motive. In den Jüngsten Gerichtsszenen spielten Dämonen vielfältige Rollen: Sie verloren die Schlacht im Himmel und fielen auf die Erde, kämpften um Menschenseelen und quälten Sünder in verschiedenen Abschnitten der Hölle.

Zu den wichtigsten Bildthemen, die die Verwandlung von Engeln in Dämonen infolge der Schlacht im Himmel widerspiegelten, gehörten die Niederlage gegen die himmlischen Heerscharen oder den Erzengel Michael, der Sturz in einen Feuerfluss und der Absturz auf die Erde. Im 17. Jahrhundert wurden all diese Motive, einschließlich des Sturzes der Engel vom Himmel, in illuminierten Sammelbänden weiterentwickelt.

Weltliche Geschichten

Obwohl religiöse Themen die mittelalterliche Freskenmalerei dominierten, waren auch weltliche Themen präsent. Die Fresken im Schlafzimmer des Palazzo Davizzi-Davanzati in Florenz aus dem späten 14. Jahrhundert zeigen Themen aus der Ritterromantik des 13. Jahrhunderts. Geheimnis, Verführung, Verrat, Erpressung, Selbstmord und Rache sind Themen, die in einem erzählenden Fries vor einer grünen Landschaft mit Schlossgebäuden in einer durchgehenden Arkadenloggia dargestellt werden.

Im portugiesischen Dorf Monsaraz ist ein einzigartiges Fresko des „Guten und Bösen Richters“ erhalten geblieben, das im Kontext der europäischen Renaissancekunst selten ist. Dieses Gemälde mit zwei unterschiedlichen Erzählungen ist thematisch einzigartig in Portugal.

Ikonografische Programme verschiedener Regionen

Byzantinische Tradition

Die byzantinische Freskenmalerei entwickelte sich innerhalb eines streng kanonisierten ikonografischen Systems. Frühe byzantinische Fresken verwendeten statische Elemente, während Gemälde des 13. und 14. Jahrhunderts einen Stil mit dynamischeren Elementen, wie beispielsweise komplexen Raumperspektiven, aufweisen. Spätere byzantinische Fresken waren stärker von westeuropäischen Maltechniken beeinflusst.

Die Hauptthemen der meisten byzantinischen Fresken waren biblischer oder christlicher Natur. Fresken wurden vor allem zur Innendekoration von Kirchenkuppeln, Wänden und Gewölben verwendet. Ein großer Teil byzantinischer Fresken ist bis heute im heutigen Osteuropa und Kleinasien erhalten.

Italienische Renaissance-Tradition

Die italienische Renaissance führte die Freskokunst zu neuen Höhen. Im 15. Jahrhundert schmückten italienische Künstler die Innenräume von Kirchen und anderen Gebäuden mit komplexen Freskenzyklen und bereicherten sie mit neuen Techniken, Elementen und Stilmerkmalen.

Die Paduaner Freskenzyklen des 14. Jahrhunderts veranschaulichen einen wichtigen Ideenaustausch zwischen führenden Persönlichkeiten aus Wissenschaft, Literatur und bildender Kunst im vorhumanistischen Klima des frühen 14. Jahrhunderts. Auch zwischen den Auftraggebern der Werke und den Künstlern aus anderen italienischen Städten, die nach Padua eingeladen wurden, um an den verschiedenen Freskenzyklen mitzuarbeiten, kam es zu einem neuen Ideenaustausch.

Zu den Neuerungen in der Darstellung des Bildraums gehörte die Erforschung der Möglichkeiten der Perspektive und von Trompe-l’œil-Effekten. Neuerungen in der Darstellung von Gefühlszuständen basierten auf einem verstärkten Interesse an der realistischen Darstellung menschlicher Emotionen und der Integration der neuen Rolle des Mäzens/Kunden.

Russische Klostertradition

Die Klosterkirchen von Nowgorod aus der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts zeigen eine Tendenz zum allmählichen Verzicht auf äußere Erweiterungen mit zunehmender Teilung des westlichen Teils des Kirchenschiffs. Das ikonografische Programm des Narthex in der Himmelfahrtskirche des erzbischöflichen Volotovsky-Klosters diente als eine Art Auftakt zur Dekoration des Hauptraums und entsprach dem Beginn der Himmelfahrtsvesper gemäß den Traditionen der paläologischen Renaissance.

Das weniger „theologische“ Programm des Narthex der Erlöserkirche im Kovalevsky-Kloster, dessen Gründer Novgorod-Bojaren waren, betonte den Zusammenhang zwischen der Heilung von Körper und Seele und der Erlösung in Christus. Dies deutete auf ein Engagement für lokale liturgische Traditionen sowie den Einfluss der künstlerischen Kultur des Westbalkans hin.

Die Art der weiblichen Darstellungen in diesen Klöstern korrelierte mit der Art des Klosters: Wolotowo war ein Männerkloster, während Kowalewo wahrscheinlich ein gemischtes Kloster war. Die ungewöhnliche Platzierung des Klosterthemas im Chorgemälde einer anderen Vorstadtklosterkirche, der Geburtskirche am Krasnoje Pole, hängt mit dem Zweck des dazugehörigen Klosters zusammen, das als großer Friedhof diente.

Stilistische Merkmale und künstlerische Techniken

Koloristische Lösungen

Wissenschaftliche Untersuchungen mittelalterlicher Fresken haben interessante Muster in der Farbgebung offenbart. Es wurden Unterschiede in der Farbgebung zwischen klassischen Gemälden und Fotografien festgestellt, sowie eine deutlich geringere Farbvielfalt im Mittelalter. Die fraktale Dimension des Mittelalters war geringer als in anderen Epochen.

Charakteristisch für romanische Fresken waren sehr leuchtende, meist Primärfarben. Heutzutage sind diese Farben in ihrer ursprünglichen Helligkeit meist nur noch in Glasmalereien und gut erhaltenen Manuskripten zu sehen. Glasmalerei verbreitete sich während der Romanik.

Räumliche Lösungen und Komposition

Die zunehmende Rauheit mit der Entwicklung von Maltechniken wie Chiaroscuro und Sfumato entspricht den historischen Umständen. Die Künstler zeigten großes Geschick darin, neuen Ideen eine visuelle Form zu geben, und ihre technischen Fähigkeiten ermöglichten es den Paduaner Freskenzyklen nicht nur, zum Vorbild für andere zu werden, sondern auch eine bemerkenswerte Widerstandsfähigkeit gegenüber dem Lauf der Zeit zu zeigen.

Die Fresken von Dečani konnten Unterschiede nicht vermeiden, und es ist notwendig, den persönlichen Einfluss der hier tätigen Künstler und Kunstgilden genauer zu untersuchen. Im Laufe der Jahre prägten zahlreiche Künstler ihre persönlichen Überzeugungen und Fähigkeiten in Dečani ein und versuchten, sie einander anzunähern und in Einklang zu bringen.

Konservierung und Restaurierung

Erhaltungsprobleme

Mittelalterliche Fresken sind im Laufe der Jahrhunderte verschiedenen zerstörerischen Einflüssen ausgesetzt. Der Exonarthex von Gračanica wurde in den turbulenten und zerstörerischen Jahrhunderten (14., 15. und 16. Jahrhundert) wiederholt beschädigt. Wahrscheinlich wurde er nach seiner Erbauung (um 1330) mit Fresken bemalt, doch es gibt keine physischen Überreste oder schriftlichen Quellen, die darauf hinweisen.

Ausgedehnte Farbverluste deuten darauf hin, dass der Künstler eine gemischte Maltechnik (Fresko und Secco) verwendet hat. Dies stellt Restauratoren vor zusätzliche Herausforderungen, da unterschiedliche Techniken unterschiedliche Konservierungsansätze erfordern.

Moderne Forschungsmethoden

Moderne wissenschaftliche Methoden ermöglichen eine eingehende Untersuchung der Materialien und Techniken mittelalterlicher Fresken. Die Element- und chemische Analyse erfolgt mittels Rasterelektronenmikroskopie mit energiedispersivem Röntgenspektrometer, optischer Mikroskopie, Mikro-Raman-Spektroskopie und Infrarot-Mikrospektroskopie mit Fourier-Transformation.

Untersuchungen an den Fresken im Rigaer Schloss haben ergeben, dass das betreffende Fresko hauptsächlich aus lokalem Gips und importierten Pigmenten hergestellt wurde. Die Restauratoren erlangten während der Forschung vor der Restaurierung und während des Restaurierungsprozesses umfassende Kenntnisse über die Materialien.

Wiederherstellungsmethoden

Die Restaurierung und Malerei serbischer Klöster während der osmanischen Herrschaft ist von Bedeutung, da diese Themen in der serbischen Kunstgeschichte unterrepräsentiert sind. Die ikonografische Analyse der Szenen zur Verherrlichung der Jungfrau Maria im Exonarthex von Gračanica sowie ihre theologische Grundlage erfordern besondere Aufmerksamkeit.

Auch die Restaurierungsarbeiten und die mögliche ikonografische Bedeutung der erhaltenen Fragmente mittelalterlicher Malerei werden in modernen Studien diskutiert. Die Verwaltung von Denkmälern mit Freskenzyklen erfordert eine enge Abstimmung zwischen den verschiedenen Organisationen, denen die Gebäudekomplexe gehören.

Das moderne Verwaltungssystem sieht eine enge Zusammenarbeit zwischen den verschiedenen Eigentümern der Gebäudekomplexe vor, in denen die Freskenzyklen untergebracht sind. Aus der unabhängigen Verwaltung von vier verschiedenen Trägern ist ein Modell der gemeinsamen Verwaltung entstanden, bei dem der Stadtrat einem Ausschuss vorsteht.