Jean-Baptiste-Camille Corot, französischer Landschaftsmaler Automatische übersetzen
Jean-Baptiste-Camille Corot war einer der bedeutendsten Vertreter der französischen Sprache des 19. Jahrhunderts Landschaftsmalerei. Obwohl er eine Reihe feiner Porträts, Figurenbilder und Radierungen schuf – allesamt vernachlässigte Aspekte seiner Kunst -, ist er am besten für seine leuchtende Klarheit bekannt Freilichtmalerei. Ein enormer Einfluss auf seine Zeitgenossen sowie auf spätere Künstler, darunter den großen Schweizer Maler Ferdinand Hodler (1853-1918), Corots poetischer Stil der Unberührtheit Naturalismus Die Brücke zwischen der romantischen arkadischen Tradition von Neoklassizistische Kunst und die plein-air Reinheit von Französischer Impressionismus. Er bleibt einer der beliebtesten und beliebtesten der Welt berühmte Maler.
Ein Tag im Leben von Jean-Baptiste-Camille Corot
Es ist drei Uhr morgens. Die Sonne ist noch nicht aufgegangen. Der Maler sitzt unter einem Baum. Er ist klein, dick und wach, mit einem stark gerunzelten Gesicht, einem humorvollen Augenzwinkern, einer hervorstehenden Unterlippe, Handgelenken und Muskeln aus Stahl und dem Herzen eines Kindes. Er schaut auf das graue Blatt der Morgendämmerung und singt. Einfach, unbeeindruckt, freudig bei dem Gedanken, am Leben zu sein, singt er bis zum nächsten Tag wie die Vögel.
Er singt und wartet. Im grauen Nebel sind die vagen Umrisse der Dinge kaum zu sehen. Es liegt ein schwaches Parfüm in der Luft. Die kleinen, dünnen Gräser zittern im Wind. Und dann die ersten Sonnenstrahlen! Die Blumen erwachen mit ihren zitternden Tautropfen. Die Vögel, die in ihrer Waldkathedrale immer noch unsichtbar waren, erklangen in ihrem Morgenlied. Der Nebel steigt auf, wie der Vorhang eines neuen Spiels, und enthüllt die Klinge des silbernen Flusses, die Bäume, die Hütten und den zart getönten Himmel über sich. Die Szene ist jetzt vor den Augen des Malers ausgebreitet.
Und jetzt geht die Sonne auf. Der Himmel ist in Flammen. Aber das Licht auf der Erde ist immer noch blass und streichelt. Am Ende des Feldes ein Bauer mit seinem Karren und seinen Ochsen. Das Klingeln der Schafglocke. Ein Reisender auf einem Apfelpferd erhebt sich über die Stirn des Hügels und verschwindet dann in der Mulde. Weiße Birken, grünes Gras, blau luftfrisch, zart, lebendig. Und der Künstler, der immer noch singt, malt alles.
Es ist mittag Die Sonne hat die Welt entzündet. Die Luft ist schwer, schläfrig, still. Die Blumen neigen ihren Kopf. Die Vögel sind verstummt. Man hört nur ein einziges Geräusch – den Hammer des Schmieds im Dorf. Ding! Ding! Wie rhythmisch schlägt es auf den Amboss! Und jetzt ist der Hammer still. Die Stunde der Ruhe. Der Maler geht zum Mittagessen auf die Farm. Eine dicke Scheibe Brot und Butter, Käse, Eier, Schinken. Ah, aber es schmeckt gut! Und dann, nach diesem gesunden Mittagessen, ein kurzes Nickerchen. Er träumt von seinen Gemälden. Später wird er seine Träume malen.
Die Sonne marschiert zum Horizont. Die Luft vibriert, als würde sie vom fernen Schlag eines Tom-Toms zerschmettert. Wieder arbeiten! Die gleiche Landschaft in einer anderen Stimmung, unter einem anderen Licht gesehen. Was für eine Veränderung der Merkmale, der Konturen, der Schatten, der Harmonien – der Gedanken. Denn unter dem Einfluss dieses Zauberers redet und denkt die Landschaft.
Und jetzt geht die Sonne im Westen unter. Es geht in einem Spritzer von Gelb, Orange, Scharlach, Kirsche, Lila. Eine prätentiöse und vulgäre Darstellung. Keine Szene für diesen Künstler. Denn er bevorzugt die Natur in ihrer ruhigeren Stimmung. Und so setzt er sich unter eine Pappel und wartet.
Der letzte Sonnenstrahl taucht jetzt hinter dem Horizont ein. Ein Streifen von Gold und Purpur säumt die Wolke. Ah, das ist eher so! Dämmerung, Zärtlichkeit, Frieden. Die Sonne ist weg. Der Himmel ist mit einem blassgelben Dampf verhüllt, dem letzten Spiegel der Sonne. Und jetzt, da das Nachleuchten in die Nacht übergeht, ist der Himmel eine zarte Textur aus Grün und Türkis und Grau und Braun. Das Wasser des Flusses reflektiert die sanften Töne des Himmels. Alles ist vage, verwirrt – der atemlose Moment, in dem das Sichtbare zum Unsichtbaren verschmilzt. Die Natur ist schläfrig. Sonnenuntergang, Stille, Nacht. Ein Stern taucht vom Himmel in den Teich. Und das Wasser reflektiert das Licht mit einem silbernen Lächeln. Alles ist Dunkelheit, außer den Sternen und dem Teich – ein Schwarm goldener Bienen, der sich im Wasser spiegelt. Nacht, Illusion, Träume. Pläne für den nächsten Tag. Neue Landschaften, neu Farbe Farbtöne, neue Geheimnisse der Natur, die man auf der Leinwand einfangen und interpretieren kann. Aber für heute ist die Arbeit erledigt.
Dies ist ein typischer Tag für Corot, den Dichter, dem es gelungen ist, nicht nur die Form, sondern auch die Psychologie der Natur darzustellen. Wie Bonsels investierte Corot jeden Baum, jede Blume, jeden Grashalm mit einer individuellen Persönlichkeit und einer lebendigen Seele.
Anfangszeit
Das Leben von Corot war ein sanftes Gedicht der Großzügigkeit und des Genies. Sein Leben begann jedoch in einer stürmischen Periode der Weltgeschichte. Das Geburtsjahr 1796 war die Übergangszeit zwischen dem Sturm der Französischen Revolution und dem stürmischen Holocaust der Napoleonischen Kriege. Er wuchs in einer Generation von Blut und Donner, Ehrgeiz und Intoleranz und Hass und Unehrlichkeit und Rache auf. Aber sein Charakter blieb von den wilden Dummheiten seiner Zeit verschont. Denn er hatte das Glück, in der gesunden und freundlichen Umgebung seines Hauses zu sein. Sein Vater war ein Perückenmacher, und seine Mutter war eine Schneiderin – Künstler nach Mode, und Leute der herrlichen Seelen. Sie verehrten ihr Kind, und obwohl sie es ablehnten, mit dem Pinsel zu basteln, waren sie tolerant und erlaubten ihm, seinen Weg zu finden. Kurz vor Corots Geburt hatte sein Vater sein Perückengeschäft aufgegeben und war Geschäftsführer der Schneiderei seiner Frau in der Rue du Bac, einem der angesagtesten Viertel von Paris, geworden. Das Geschäft florierte, und der Vater hoffte, dass auch sein Sohn Geschäftsmann werden würde. Er schickte ihn durch die Schule und das College und sicherte ihm dann einen Job als Gardinenverkäufer. Corot blieb sechs Jahre bei seiner Arbeit und gab sie dann für seine Malerei auf. Sein Vater machte noch einen Versuch, den jungen Künstler zum Kaufmann zu machen. Er bot an, ein eigenes Geschäft mit einem Kapital von einhunderttausend Franken (etwa zwanzigtausend Dollar) zu eröffnen. Corot lehnte dieses praktische Angebot ab. Er wollte malen. Seine Mutter versuchte ihn zur Besinnung zu bringen. "Mon Dieu, Camille", rief sie aus, "wer hätte gedacht, dass sich ein Sohn von mir als so vulgär herausstellen würde!" Aber Corot beharrte immer noch auf seinem Wunsch zu malen. Daraufhin schickten ihn die Eltern mit einem gutmütigen Schulterzucken und einem großzügigen Einkommen von zwölfhundert Franken pro Jahr auf sein "verrücktes Abenteuer".
Während dieser frühen Jahre (1820er Jahre) wurde die Landschaftsmalerei in zwei Schulen oder Stile unterteilt: die Italianate Neoclassical School of Southern Europe, die idealisierte imaginäre Ansichten förderte, die oft mit mythologischen oder biblischen Figuren bevölkert waren; und eine realistischere Schule abgeleitet von der Niederländischer Realist Tradition – in England und Nordeuropa populärer – die eher der Natur als der Idylle treu blieb. In beiden Fällen begannen die Künstler in der Regel mit einigen Outdoor-Skizzen und Vorstudien, die dann im Studio abgeschlossen wurden. Das Englische Landschaftsmalschule – Angeführt von John Constable und JMW Turner – war in seiner Bevorzugung des Realismus gegenüber dem Neoklassizismus besonders einflussreich.
Corot studierte kurz (1821–1822) bei dem Maler und Lehrer Achille-Etna Michallon (1796–1822) sowie bei Jean-Victor Bertin (1767–1842), die beide Schüler von Pierre-Henri de Valenciennes (1750–1819) waren) ein Anhänger von Nicolas Poussin, und Claude Lorrain und die klassische Tradition. In den Wäldern von Fontainebleau und in Dörfern wie Ville-d’Avray im Westen der französischen Hauptstadt sowie in seinem Atelier arbeitete Corot unter freiem Himmel, um diesen klassischen Stil in sich aufzunehmen Zeichnung, skizziert und komponiert, aber fügt seiner Malerei seine eigene Poesie und unberührte Natürlichkeit hinzu. Aber diese Poesie war voller Realismus – seine Hefte enthüllen zahlreiche Studien über Bäume, Felsen und Pflanzenformen und zeigen, dass er sich auf die Realität des ländlichen Raums konzentriert.
Ein Student der Natur
Während der Entstehungszeit seiner Kunst besuchte er Italien zweimal, um die Techniken zu studieren, die in Italien angewendet wurden Renaissance-Kunst (um 1400-1530), aber – trotz seiner Ehrfurcht vor Leonardo da Vinci – war viel mehr von den Farnese-Gärten, der italienischen Landschaft und der Schönheit des italienischen Himmels fasziniert. Sein erster Aufenthalt in Italien (1825-1828) war eine hochproduktive Erfahrung, bei der er lernte, wie man Licht und Schatten einsetzt, um das erforderliche Volumen und die Festigkeit von Gebäuden darzustellen. Dabei entstanden 200 Zeichnungen und 150 Zeichnungen Ölgemälde in dem Prozess. Aber wie er es zeitlebens tat, erkannte er keinen anderen Lehrer als die Natur an. Er hat nie kopiert. Er hat immer direkt aus dem Leben gemalt. "Folgen Sie nicht anderen", sagte er. "Wer folgt, ist immer im Rückstand… Sie müssen die Natur ganz einfach und nach Ihrem persönlichen Empfinden interpretieren und sich von dem, was Sie von den alten Meistern oder von Zeitgenossen wissen, abkoppeln. Nur auf diese Weise können Sie Arbeiten mit echtem Gefühl ausführen. "
Einreichungen im Pariser Salon
In den späten 1820er und frühen 1830er Jahren konzentrierte sich Corot darauf, große Landschaften für die Einreichung in die Pariser Salon, deren Vorliebe noch bei lag realistische Malerei in einem klassischen akademischen Stil. Zu Beginn überarbeitete und erweiterte er seine italienischen Ölskizzen, um neoklassizistische Elemente zu integrieren, wie in seinem ersten Beitrag View at Narni (1827). Dies ergab sich aus einer schnellen, natürlichen Ölskizze eines zerstörten römischen Aquädukts in staubiger, heller Sonne, die er zu einer idyllischen pastoralen Kulisse umarbeitete. Obwohl der Salon dieses Werk und andere Beiträge von ihm in den Jahren 1831 und 1833 akzeptierte (ein Porträt und mehrere Landschaften), war der Empfang, den die Kritiker seinen Werken schenkten, im Allgemeinen cool, so dass Corot zwei weitere Besuche in Italien unternahm, um seinen Stil weiterzuentwickeln. Das Ergebnis war sein biblisches Bild Hagar in the Wilderness (1835), das Hagar und das Kind Ishmael zeigt, die von einem Engel vor der Austrocknung in der Wüste gerettet wurden. Obwohl aus einem anderen seiner Italienisch-Studien abgeleitet, beeindruckte die Kühnheit seiner Komposition und malerischen Methode die Kritiker.
Bietet finanzielle Unterstützung für andere Maler
Trotz dieser Höhen und Tiefen fuhr Corot auf seine eigene Weise fort, hörte niemandem zu und freundete sich mit allen an. Sein Vater hatte sein Einkommen auf zweitausend Franken erhöht. Aber Corot hat alles für andere ausgegeben. Er war der extravagante Bruder aller bedürftigen jungen Künstler in Paris. Er fütterte sie, kleidete sie und kaufte später sogar ein Haus für einen von ihnen. Um diese Wohltätigkeitsorganisationen zu treffen – er nannte sie nie Wohltätigkeitsorganisationen, sondern Zeichen seiner Freundschaften -, musste er von seinem Vater große Geldsummen leihen, die über seine Zulagen hinausgingen. "Eines Tages", sagte er, "werde ich meine Bilder verkaufen und dich dann zurückzahlen." Aber sein Vater öffnete nur seine Geldbörse und lächelte. Wer hat jemals davon gehört, dass ein Künstler einem Geschäftsmann Geld zahlen kann? Was nützen Künstler überhaupt? Bis zum Ende seiner Tage war er überzeugt, dass Camille ein dummes, unpraktisches und improvisiertes Kind bleiben würde.
Unpraktisch und improvisiert, bis zu einem gewissen Grad. Aber dumm? Nicht Corot. Er war weise mit der Weisheit eines großen Herzens. Sparsam bis zur Enthaltsamkeit, könnte Corot "schwul auf einem Laib Brot" sein, um seinen Biographen Everard Meynell zu zitieren. Denn sein Brot wurde mit der Würze der Freude gewürzt, als er dachte, ein anderer armer Teufel eines Künstlers würde in diesem Moment auf seine Kosten ein herzhaftes Essen genießen. Sein größtes Vergnügen war es, ohne Hoffnung auf Rückzahlung zu verleihen.
Künstlerfreunde und Zeitgenossen
Corots Bilder waren großartig, weil sie aus der Güte seines Herzens kamen. Und nach und nach verstand das Publikum sowohl die Größe seiner Bilder als auch die Güte seines Herzens. Sie fingen an, seine Leinwände zu kaufen, und er gab seinen Freunden seine Einnahmen. Und was für Freunde! Dort war Charles-François Daubigny (1817-78), einer der frühesten Vertreter der Freilichtmalerei, der zeitlebens mit ihm malte und spielte und scherzte und der auf seinem Sterbebett flüsterte: "Adieu. Ich gehe in den Himmel, um zu sehen, ob mein Freund Corot Themen für mich gefunden hat Landschaften. " Dort war Henri Rousseau, Le Douanier (1844-1910) mit massivem Kopf und schwerem Bart, der Künstler, dessen fröhliches Gesicht immer noch die Spuren eines frühen Hungers aufwies – ein Hunger, dem Corots Großzügigkeit geholfen hatte, ein Ende zu setzen. Da war Diaz – Narcisse Virgile Diaz de la Pella (1807-76) -, dessen farbenprächtige Gemälde dem farbenprächtigen Reichtum seines Namens entsprachen, der Mann mit dem verkrüppelten Bein und dem energiegeladenen Herzen, ein Spanier, der aussah wie ein Pirat und malte wie ein Gott, ein schwarzhaariger John Silver, der auf den Straßen gebettelt hatte, der nun den Erfolg bis zum Rande genoss und der an einem tragischen Tag an Schlangenbissen sterben sollte. Da war Baudelaire, der Apostel der Romantik, dessen Genialität an den Wahnsinn grenzte – oder, wie es einige seiner bösartigeren Kritiker wollten, dessen Wahnsinn an den Genialitäten grenzte. Und dann war da noch etwas Gustave Courbet, dessen Eitelkeit noch größer war als sein Genie.
Ruhm und Anerkennung
In den 1840er Jahren bemühte sich Corot, seine Kritiker zu überwinden und seine Enttäuschung zu verbergen, als seine Werke vom Salon abgelehnt wurden. Doch 1845 erklärte Baudelaire Corot zum wichtigsten Mitglied der "modernen Schule der Landschaftsmalerei". 1846 wurde er von der französischen Regierung mit dem Kreuz der Ehrenlegion ausgezeichnet. "Unglaublich!" rief sein Vater aus, als er davon hörte. Corot selbst blieb von dieser Erkenntnis ebenso unberührt wie von seinen früheren Misserfolgen. Es ermöglichte ihm lediglich, seine Bilder nach Belieben zu verkaufen und seinen Geldbeutel zum Wohle seiner Freunde zu füllen. 1848 erhielt er im Salon eine Medaille zweiter Klasse, aber immer mehr seiner Zeitgenossen, darunter Eugene Delacroix (1798-1863) begann, seinen künstlerischen Status anzuerkennen. Im Jahr 1848 wurde Corot zum Mitglied des Salons gewählt und die öffentliche Anerkennung folgte rasch, wodurch sein finanzieller Wert erheblich gesteigert wurde.
Gelegentlich verlangte er von den Kunden und einigermaßen gute Preise Kunst Käufer – tausend Franken, dreitausend Franken, zehntausend Franken. Aber er hat seine Bilder im Allgemeinen nach seinen aktuellen Bedürfnissen und nicht nach ihrem eigentlichen Verdienst bewertet. Insgesamt hat er seinen Wert eher unterschätzt. Er wäre nicht wenig überrascht gewesen, hätte er vorhersehen können, dass dieses Gemälde innerhalb von dreißig Jahren zweihunderteinunddreißigtausend Franken einbringen würde, als er seinen Lac de Garde für achthundert Franken verkaufte!
Letzten Jahren
Während des Sturms des Deutsch-Französischen Krieges blieb er ruhig und widmete sich seiner eigenen Aufgabe, Schönheit zu schaffen, sich anzufreunden und sich anzufreunden. Bis zum Ende unterstützte er weiterhin seine Malerkollegen und griff häufig ein, um ihnen Aufträge zu sichern. 1871 spendete er 10.000 Dollar an die Armen von Paris, die dann von der preußischen Armee blockiert wurden. Er gab der Witwe des Großen 10.000 Franken Jean-François Millet (1814-75), ehemaliger Anführer der Barbizon Schule der Landschaftsmalerei und kaufte ein Häuschen für den armen und fast blinden Karikaturisten, Maler und Bildhauer Honore Daumier. Auch das meist ätzende Edgar Degas genannt Corot "ein Engel, der eine Pfeife raucht."
Corot weigerte sich, alt zu werden. Er erwartete, wie er sagte, einhundertvier Jahre alt zu werden. Er hatte einen unersättlichen Appetit auf Arbeit. Noch im Alter von 77 Jahren stieg er die vier Treppen zu seinem Atelier in der Rue Paradis Poissoniere hinauf. Im Winter des folgenden Jahres starb einer seiner liebsten Freunde, D’Aligny. Während der Beerdigung auf dem Friedhof von Montparnasse gab es einen Schneesturm. Doch der alte Maler weigerte sich, mit dem Schnee im weißen Haar, bis zum Ende der Zeremonie zu gehen.
Endlich begann seine Gesundheit nachzulassen. Er ging immer noch regelmäßig in sein Atelier – allerdings nicht zum Malen, sondern um zu seinen geliebten Bildern zu gehören. "Wenn ich jetzt nur die Kraft hätte!" sagte er zu seinem Freund Robaut. "Sie haben keine Ahnung, was ich malen könnte… ich sehe, was ich noch nie gesehen habe. Neue Farbtöne, neuer Himmel, neue Horizonte… Ah, wenn ich Ihnen diese unermesslichen Horizonte zeigen könnte!" Drei Wochen später, am 22. Februar 1875, ging er zu diesen neuen Horizonten über. "Ich hoffe weiter", sagte er kurz vor seinem Tod, "dass es im Himmel Malerei geben wird." Er wurde auf dem Friedhof Père Lachaise in Paris beigesetzt.
Ruf
Der Schöpfer von mehreren berühmte Landschaftsbilder Corots anhaltende Popularität als Landschaftskünstler zeugt von seiner einzigartigen kreativen Fähigkeit, die Natur in ihrer ganzen Schönheit darzustellen. Ein wichtiger Beitrag zur Moderne Französische Malerei Er war ein wunderbarer Beobachter von Licht und Wolken und einer der größten Meister von Ölskizzen unter freiem Himmel Figurenbilder und Porträts (zB das Meisterwerk Frau mit einer Perle, 1869). Er übte einen starken Einfluss auf die Landschaftskunst der Mitte des 19. Jahrhunderts aus Impressionistische Landschaften und auf Maler einschließlich Camille Pissarro (1830-1903, Alfred Sisley (1839-99), Eugène Boudin (1824-98) und Berthe Morisot (1841 & ndash; 95). Lassen Sie das letzte Wort gehen Claude Monet (1840-1926), der einmal erklärte: "Es gibt nur einen Meister hier – Corot. Wir sind nichts im Vergleich zu ihm, nichts."
Werke von Corot hängen in vielen Ländern der Welt beste Kunstmuseen.
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